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mer. 24 juil.

D'après ANDREA DEL VERROCCHIO (Florence, 1435 - Venise, 1488). "Le Condottiero Bartolomeo Colleoni". Bronze. Ferdinand Barbedienne Fondeur. Dimensions : 16 x 43 x 17 cm. Réplique en moyen format du monument équestre en bronze dédié au Condottiero Bartolomeo Colleoni, d'une hauteur de 395 cm sans le piédestal, réalisé par Andrea del Verrocchio entre 1480 et 1488 et situé à Venise, sur la place des Saints Jean et Paul. Il s'agit de la deuxième statue équestre de la Renaissance, après le monument à Gattamelata de Donatello à Padoue, 1446-53. Son histoire remonte à 1479, lorsque la République de Venise décréta la réalisation d'un monument équestre dédié à ce Condottiero, mort trois ans plus tôt, à placer sur la Piazza dei Santi Giovanni e Paolo. En 1480, Verrocchio fut chargé de l'exécuter et commença le travail dans son atelier de Florence. En 1481, le modèle en cire est envoyé à Venise, où l'artiste se rend en 1486 pour diriger personnellement la fonte du modèle définitif, en bronze à la cire perdue. Andrea Verrocchio meurt en 1488 en laissant l'œuvre inachevée, bien que la maquette en cire soit conservée. Dans son testament, il charge Lorenzo di Credi de poursuivre le projet. Cependant, la Seigneurie de Venise préféra l'artiste local Alessandro Leopardi, peintre et sculpteur, pluridisciplinaire à la moderne, comme l'avait été Verrocchio lui-même. L'artiste florentin a basé la création du monument sur la statue équestre de la Gattamelata de Donatello, les statues antiques de Marc Aurèle et des chevaux de Saint-Marc (XIIIe siècle) et de la Regisole (une œuvre de l'antiquité tardive à Pavie, perdue au XVIIIe siècle). Il y avait également des fresques de Giovanni Acuto, Paolo Ucello et Andrea del Castagno. Il y avait, d'autre part, l'important problème technique de représenter le cheval avec une patte avant levée, dans une position majestueuse en avant, que Donatello avait prudemment résolu en plaçant une sphère sous la patte levée. Verrocchio sera le premier à réussir à ériger une statue équestre reposant uniquement sur trois jambes.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

mer. 24 juil.

Richard MacDonald (américain, né en 1946). Grande sculpture en bronze intitulée "Red Dress, Half Life", de la série "Joie de Vivre", représentant une ballerine à moitié grandeur nature, délicatement perchée sur la pointe des pieds. Un sourire radieux illumine son visage et elle semble tourner gracieusement tandis que le tissu de sa robe se balance autour d'elle. Signée et datée 2001 sur la base. Édition de 90 exemplaires. Avec un socle en bois. Provenance : Collection de Clint et Mary Ann Jurgens, Minnesota. Walt et Vi Jurgens, les parents de Clint, ont commencé à soutenir Sullivan Hills, un camp d'été luthérien situé près de leur ferme à Gurley, dans le Nebraska, il y a 50 ans. Le camp accueille généreusement tous les enfants de la région avec une aide financière et de l'amour. Nous reversons le produit de cette vente aux administrateurs du camp, Nebraska Lutheran Outdoor Ministries. Pour en savoir plus, consultez le site www.nlom.org. Essai de lot : Les sculptures de Richard MacDonald célèbrent la beauté et l'aspect physique de la forme humaine. Il a reçu une formation classique à l'Art Center College de Pasanda, en Californie. Suivant les grands maîtres de la sculpture tels qu'Auguste Rodin et Gian Lorenzo Bernini, il ajoute un élément contemporain à ses créations figuratives. Sa capacité à se concentrer sur la manière dont le corps peut être manipulé lui a permis de travailler avec le Cirque du Soleil, MGM et les Jeux olympiques. Son processus consiste à réaliser une "esquisse" ou une maquette en argile de son travail. Ces modèles de la taille d'un quart sont la base de ses œuvres de la moitié de la vie à la taille réelle. Il utilise ensuite la célèbre et minutieuse méthode de la cire perdue, selon laquelle son œuvre devient d'abord un modèle en cire, puis une sculpture en bronze. (y compris la base) Hauteur : 60 po x largeur : 30 po x profondeur : 22 1/2 po. Poids (sans la base en bois) : 198 lbs 6 oz.

Estim. 10 000 - 20 000 USD

jeu. 25 juil.

École flamande ; première moitié du XVIIe siècle. "Gipsy". Huile sur panneau de chêne. Elle présente une ouverture dans la partie centrale du panneau et a besoin d'être consolidée. Il y a de légères lacunes dans la peinture, les repeints et les restaurations. Dimensions : 31 x 26,5 cm : 31 x 26,5 cm. Au XVIIe siècle flamand, le portrait était l'un des genres picturaux les plus prisés par la noblesse. Nous sommes ici en présence d'un exemple caractéristique du raffinement technique que les peintres utilisaient pour les portraits individuels : habileté dans le traitement du dessin, détails hérités de l'art de la miniature, excellents glacis, délicate chevelure blonde et fine coiffe de gaze. Les plis du décolleté de la robe sont parfaitement géométriques, ce qui n'enlève rien au naturel du portrait. Il en va de même pour les bijoux que porte la modèle en forme de frettes rythmées. Ainsi, aucun élément n'est laissé au hasard et tout s'intègre dans un ordre sous-jacent de lignes et de couleurs. L'ovale du visage, ainsi encadré, est modelé par une lumière filtrée qui fait ressortir les tons justes des carnations légèrement rosées. Les yeux noirs regardent du coin de l'œil, révélant la perspicacité. C'est sans doute dans la peinture de l'école hollandaise que se manifestent le plus ouvertement les conséquences de l'émancipation politique de la région et de la prospérité économique de la bourgeoisie libérale. La combinaison de la découverte de la nature, de l'observation objective, de l'étude du concret, de l'appréciation du quotidien, du goût pour le réel et le matériel, de la sensibilité à l'insignifiance apparente, fait que l'artiste hollandais s'inscrit dans la réalité du quotidien, sans rechercher un idéal étranger à cette même réalité. Le peintre ne cherche pas à transcender le présent et la matérialité de la nature objective, ni à fuir la réalité tangible, mais à s'en imprégner, à s'enivrer par le triomphe du réalisme, un réalisme de pure fiction illusoire, obtenu grâce à une technique parfaite et maîtrisée et à une subtilité conceptuelle dans le traitement lyrique de la lumière. Suite à la rupture avec Rome et à la tendance iconoclaste de l'Église réformée, les peintures à thème religieux sont finalement éliminées en tant que complément décoratif à vocation dévotionnelle, et les récits mythologiques perdent leur tonalité héroïque et sensuelle en accord avec la nouvelle société. Les portraits, les paysages et les animaux, les natures mortes et la peinture de genre sont les formules thématiques qui prennent de la valeur en tant que telles et qui, en tant qu'objets d'ameublement domestique - d'où la petite taille des tableaux - sont acquises par des personnes appartenant à presque toutes les classes sociales et toutes les catégories de la société.

Estim. 1 400 - 1 600 EUR

jeu. 25 juil.

Cantoral de monasterio ; École espagnole ; vers 1593. Gouache sur vélin. Présente des défauts. Dimensions : 64 x 39 cm. Les livres de chœur, également appelés cantorales, chorales ou livres de chœur, sont des manuscrits musicaux de grand format qui contiennent les différentes parties de la messe et de l'office divin, propres à chaque célébration liturgique. Ils étaient utilisés en Europe à la fin du Moyen Âge et à la Renaissance, et leur grand format permettait à l'ensemble du chœur de lire la notation musicale à distance. Bien que leur utilisation ait commencé à décliner avec l'invention de l'imprimerie, les cantorales manuscrits ont continué à être produits jusqu'au XIXe siècle. Son développement a été particulièrement important au XVe siècle ; à partir du début du siècle, un courant d'enrichissement et de rénovation des célébrations liturgiques s'est amorcé, ce qui a conduit à ce que dans les cathédrales, les églises collégiales, les abbayes et les monastères, les anciens livres manuels pour les lutrins ont été progressivement remplacés par d'autres plus volumineux pour les lutrins. De cette façon, les temples et les centres religieux seront dotés de nouveaux livres liturgiques, dans le cas des centres les plus riches, des livres enluminés avec de belles miniatures encadrées dans le style gothique international, d'abord, et déjà au XVIe siècle, reflétant le nouveau goût de la Renaissance. Pour l'élaboration des cantorales, on utilisait toujours le parchemin, généralement obtenu à partir de la peau du mouton, bien qu'à l'occasion, pour les folios de grandes dimensions, on utilisait celle du cerf. En effet, au XVIe siècle, l'artisanat du parchemin a connu un grand développement dans des centres comme Grenade ; le parcheminier vendait les feuillets déjà préparés, c'est-à-dire polis et coupés en feuilles de la taille requise. Des écrivains et des miniaturistes participaient à la composition de ces livres de chœur, et ces derniers montreront au XVIe siècle l'influence du nouveau style quattrocentista en adoptant de nouvelles formes décoratives dans les bordures, dans les éléments extérieurs des lettres capitulaires et dans les arrière-plans architecturaux, tout en conservant l'influence flamande, clé du développement de la peinture espagnole au XVe siècle, dans le pliage des vêtements, les types et le mouvement des figures. Présente des défauts.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR
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