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Description

École espagnole ; milieu du 17e siècle. "Saint Onofre". Huile sur toile. La toile originale est conservée. Elle a été légèrement repeinte. Dimensions : 130 x 85 cm ; 150 x 104 cm (cadre). Un ermite est agenouillé dans une attitude pénitente, les mains croisées d'une manière pieuse. De ces mains pend un petit chapelet qui passe légèrement inaperçu en raison de l'obscurité de l'arrière-plan. Cette obscurité ne nous permet pas de voir clairement le paysage, mais plutôt de distinguer l'espace étroit et rocailleux qui s'ouvre sur l'extérieur, à droite de la scène. Le saint, qui se distingue par la chaleur de son teint, est accompagné d'un crâne, d'un livre ouvert, allusion à la Bible, et, comme dernier élément iconographique, d'un oiseau avec une flamme dans le bec. Ces éléments, ainsi que son vêtement et sa barbe caractéristique, suggèrent que l'artiste représente la figure de saint Onofre (300 apr. J.-C.). Il s'agit d'un saint vénéré tant par l'Église catholique que par les chrétiens coptes. La légende raconte qu'enfant, il sortit indemne des flammes où l'avait jeté son père, trompé par le diable. Onofre a renoncé à une vie de luxe et de privilèges pour entrer dans la vie monastique dès son plus jeune âge. Il a ensuite quitté le couvent pour vivre en ermite dans le désert pendant 60 ans. On dit qu'il se promenait nu, couvert seulement de ses cheveux et de sa longue barbe, et qu'il se nourrissait d'eau, de feuilles et de baies. L'histoire de San Onofre dit qu'il reçut le pain, le vin et la communion des mains des anges. La peinture baroque espagnole est l'un des exemples les plus authentiques et personnels de notre art, car sa conception et sa forme d'expression sont nées du peuple et de ses sentiments les plus profonds. L'économie de l'État étant en ruine, la noblesse en déclin et le haut clergé accablé de lourds impôts, ce sont les monastères, les paroisses et les confréries de clercs et de laïcs qui ont favorisé son développement, les œuvres étant parfois financées par une souscription populaire. La sculpture se devait donc d'exprimer les idéaux dominants dans ces milieux, qui n'étaient autres que religieux, à une époque où la doctrine de la Contre-Réforme exigeait de l'art un langage réaliste pour que les fidèles puissent comprendre et s'identifier à ce qui était représenté, et une expression dotée d'un contenu émotionnel intense afin d'accroître la ferveur et la dévotion du peuple. Le thème religieux était donc le sujet à traiter.

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École espagnole ; milieu du 17e siècle. "Saint Onofre". Huile sur toile. La toile originale est conservée. Elle a été légèrement repeinte. Dimensions : 130 x 85 cm ; 150 x 104 cm (cadre). Un ermite est agenouillé dans une attitude pénitente, les mains croisées d'une manière pieuse. De ces mains pend un petit chapelet qui passe légèrement inaperçu en raison de l'obscurité de l'arrière-plan. Cette obscurité ne nous permet pas de voir clairement le paysage, mais plutôt de distinguer l'espace étroit et rocailleux qui s'ouvre sur l'extérieur, à droite de la scène. Le saint, qui se distingue par la chaleur de son teint, est accompagné d'un crâne, d'un livre ouvert, allusion à la Bible, et, comme dernier élément iconographique, d'un oiseau avec une flamme dans le bec. Ces éléments, ainsi que son vêtement et sa barbe caractéristique, suggèrent que l'artiste représente la figure de saint Onofre (300 apr. J.-C.). Il s'agit d'un saint vénéré tant par l'Église catholique que par les chrétiens coptes. La légende raconte qu'enfant, il sortit indemne des flammes où l'avait jeté son père, trompé par le diable. Onofre a renoncé à une vie de luxe et de privilèges pour entrer dans la vie monastique dès son plus jeune âge. Il a ensuite quitté le couvent pour vivre en ermite dans le désert pendant 60 ans. On dit qu'il se promenait nu, couvert seulement de ses cheveux et de sa longue barbe, et qu'il se nourrissait d'eau, de feuilles et de baies. L'histoire de San Onofre dit qu'il reçut le pain, le vin et la communion des mains des anges. La peinture baroque espagnole est l'un des exemples les plus authentiques et personnels de notre art, car sa conception et sa forme d'expression sont nées du peuple et de ses sentiments les plus profonds. L'économie de l'État étant en ruine, la noblesse en déclin et le haut clergé accablé de lourds impôts, ce sont les monastères, les paroisses et les confréries de clercs et de laïcs qui ont favorisé son développement, les œuvres étant parfois financées par une souscription populaire. La sculpture se devait donc d'exprimer les idéaux dominants dans ces milieux, qui n'étaient autres que religieux, à une époque où la doctrine de la Contre-Réforme exigeait de l'art un langage réaliste pour que les fidèles puissent comprendre et s'identifier à ce qui était représenté, et une expression dotée d'un contenu émotionnel intense afin d'accroître la ferveur et la dévotion du peuple. Le thème religieux était donc le sujet à traiter.

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