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Description

École espagnole ; XVIIe siècle. "Calvaire". Huile sur toile. Relié. Présente des défauts et des perforations. Elle a un cadre du dix-neuvième siècle. Dimensions : 129 x 169 cm ; 151 x 194 cm (cadre). Dans cette œuvre qui ferait partie d'un ensemble représentatif du Chemin de Croix, est représentée l'élévation de la croix dans une obscurité totale, déchirée seulement par les bannières qui font partie de l'image, dans laquelle se déroule une scène d'un grand drame. Le Christ, déjà cloué sur la croix, est soulevé par plusieurs hommes qui tentent de hisser la structure. L'obscurité plane sur le corps du Christ, qui se distingue par l'allongement de son anatomie et la langueur de celui-ci, appuyé sur le bois de la croix, abattu et survivant au dernier souffle de sa vie mortelle, avec la blancheur mortelle imprimée sur sa peau. La scène est complétée par un groupe de personnages, situés dans la partie inférieure, qui font partie du SPQR romain (Le Sénat et le Peuple romain), avec à leur tête une figure équestre, laurée, portant une grande bannière, et qui semble diriger la condamnation du Christ. Tous ces personnages sont disposés dans une composition, elliptique, concave, qui invite le spectateur à faire partie de la scène. De plus, la figure du Christ est déplacée du centre, attirant ainsi l'observateur vers le centre, qui est éclairé par une lumière chaude, d'héritage ténébriste. Ce vide permet de rationaliser et d'ordonner la scène, dont les personnages se distinguent par le mouvement, le raccourci et les lignes diagonales qui suivent la position de leurs corps. Sur le côté gauche de la composition, les trois Marie sont réconfortées par de petits anges, qui apportent une certaine tendresse au grand drame de la scène. La peinture baroque espagnole est l'un des exemples les plus authentiques et les plus personnels de notre art, car sa conception et sa forme d'expression sont nées du peuple et des sentiments les plus profonds qui l'habitaient. L'économie de l'État étant en panne, la noblesse en déclin et le haut clergé accablé de lourds impôts, ce sont les monastères, les paroisses et les confréries de clercs et de laïcs qui ont favorisé son développement, et les œuvres ont parfois été financées par une souscription populaire. La peinture a donc été contrainte de capter les idéaux dominants dans ces milieux, qui n'étaient autres que religieux, à une époque où la doctrine de la Contre-Réforme exigeait de l'art un langage réaliste pour que les fidèles comprennent et s'identifient à ce qui était représenté, et une expression dotée d'un contenu émotionnel intense pour accroître la ferveur et la dévotion du peuple. Le sujet religieux est donc le thème de prédilection de la sculpture espagnole de cette période qui, dans les premières décennies du siècle, commence par s'intéresser en priorité à la capture du naturel pour intensifier progressivement, tout au long du siècle, l'expression de valeurs expressives. Il présente des défauts et des perforations.

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École espagnole ; XVIIe siècle. "Calvaire". Huile sur toile. Relié. Présente des défauts et des perforations. Elle a un cadre du dix-neuvième siècle. Dimensions : 129 x 169 cm ; 151 x 194 cm (cadre). Dans cette œuvre qui ferait partie d'un ensemble représentatif du Chemin de Croix, est représentée l'élévation de la croix dans une obscurité totale, déchirée seulement par les bannières qui font partie de l'image, dans laquelle se déroule une scène d'un grand drame. Le Christ, déjà cloué sur la croix, est soulevé par plusieurs hommes qui tentent de hisser la structure. L'obscurité plane sur le corps du Christ, qui se distingue par l'allongement de son anatomie et la langueur de celui-ci, appuyé sur le bois de la croix, abattu et survivant au dernier souffle de sa vie mortelle, avec la blancheur mortelle imprimée sur sa peau. La scène est complétée par un groupe de personnages, situés dans la partie inférieure, qui font partie du SPQR romain (Le Sénat et le Peuple romain), avec à leur tête une figure équestre, laurée, portant une grande bannière, et qui semble diriger la condamnation du Christ. Tous ces personnages sont disposés dans une composition, elliptique, concave, qui invite le spectateur à faire partie de la scène. De plus, la figure du Christ est déplacée du centre, attirant ainsi l'observateur vers le centre, qui est éclairé par une lumière chaude, d'héritage ténébriste. Ce vide permet de rationaliser et d'ordonner la scène, dont les personnages se distinguent par le mouvement, le raccourci et les lignes diagonales qui suivent la position de leurs corps. Sur le côté gauche de la composition, les trois Marie sont réconfortées par de petits anges, qui apportent une certaine tendresse au grand drame de la scène. La peinture baroque espagnole est l'un des exemples les plus authentiques et les plus personnels de notre art, car sa conception et sa forme d'expression sont nées du peuple et des sentiments les plus profonds qui l'habitaient. L'économie de l'État étant en panne, la noblesse en déclin et le haut clergé accablé de lourds impôts, ce sont les monastères, les paroisses et les confréries de clercs et de laïcs qui ont favorisé son développement, et les œuvres ont parfois été financées par une souscription populaire. La peinture a donc été contrainte de capter les idéaux dominants dans ces milieux, qui n'étaient autres que religieux, à une époque où la doctrine de la Contre-Réforme exigeait de l'art un langage réaliste pour que les fidèles comprennent et s'identifient à ce qui était représenté, et une expression dotée d'un contenu émotionnel intense pour accroître la ferveur et la dévotion du peuple. Le sujet religieux est donc le thème de prédilection de la sculpture espagnole de cette période qui, dans les premières décennies du siècle, commence par s'intéresser en priorité à la capture du naturel pour intensifier progressivement, tout au long du siècle, l'expression de valeurs expressives. Il présente des défauts et des perforations.

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