Null Exceptionnel chapiteau hispanique musulman dit en nid d'abeille, œuvre isla…

Description

Exceptionnel chapiteau hispanique musulman dit en nid d'abeille, œuvre islamique hispanique arabe omeyyade période 12ème au 13ème siècles En pierre sculptée, il mesure 30 x 23 x 23 cm. Provenance : importante collection privée, Madrid.

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Exceptionnel chapiteau hispanique musulman dit en nid d'abeille, œuvre islamique hispanique arabe omeyyade période 12ème au 13ème siècles En pierre sculptée, il mesure 30 x 23 x 23 cm. Provenance : importante collection privée, Madrid.

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Estim. 400 - 450 EUR

ISMAEL SMITH MARÍ (Barcelone, 1886 - New York, 1972). "Nus féminins". Crayon sur papier. Signé avec un tampon dans le coin supérieur gauche. Présente des taches de rouille. Dimensions : 30 x 23 cm ; 60 x 49,5 cm (cadre). Sculpteur, dessinateur et graveur, il fut l'un des premiers artistes considérés comme novecentistes par Eugenio D'Ors. Formé à l'école de la Lonja de Barcelone et à l'Académie des Baixas, il a été l'élève des sculpteurs Benlliure, Querol, Vallmitjana et Llimona. Primé lors d'un concours pour nouveaux artistes à l'Ateneo Barcelonés en 1903, il expose en 1906 à la Sala Parés. Il obtient la deuxième et la troisième médaille à la cinquième exposition internationale des beaux-arts de Barcelone, en 1907, et la deuxième médaille à la sixième exposition, en 1911. En 1910, il voyage à Paris grâce à une bourse de la mairie de Barcelone. Entre 1913 et 1914, il étudie à l'École nationale des arts décoratifs de la capitale française, puis entame une série de voyages en Angleterre et aux États-Unis, où il organise de nombreuses expositions. Il s'installe définitivement à New York en 1918, où il collabore avec la Hispanic Society. En 2005, la Fondation Palau lui a consacré une rétrospective. Les matrices de ses gravures sont conservées à l'Unité graphique de la Bibliothèque de Catalogne et à la Calcografía Nacional de Madrid. Un grand nombre de ses estampes se trouvent également au British Museum de Londres, et il est également représenté au Museo Reina Sofía de Madrid, au Museo de Arte Contemporáneo de Barcelone, au MoMA de New York, à la Calcografía Nacional de Madrid et à la Biblioteca de Cataluña.

Estim. 2 200 - 2 500 EUR

LUIS GRANER ARRUFÍ (Barcelone, 1863 - 1929). "Le marronnier". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Présente des craquelures. Dimensions : 50 x 36 cm ; 68 x 56 cm (cadre). Luis Graner a été formé à l'école de La Lonja de Barcelone, où il a été le disciple de Benito Mercadé et d'Antonio Caba. En 1886, il se rend à Paris grâce à une bourse de la Diputación de Barcelona. Pendant les cinq années qu'il passe dans la capitale française, il obtient deux troisièmes médailles aux expositions universelles de Barcelone (1888) et de Paris (1889). De nouveau installé à Barcelone en 1891, il continue à participer à d'importantes expositions internationales, telles que celles de Berlin (1891), Munich (1892), Düsseldorf (1904). Il envoie également des œuvres aux expositions nationales des beaux-arts, obtenant une troisième médaille en 1895 et 1897, une deuxième en 1901 et une décoration en 1904. Cette même année, Graner crée la Sala Mercè, conçue par Gaudí, où il organise ses "visions musicales", des spectacles qui associent la poésie à la musique, la scénographie au cinéma. Enfin, ruiné, il s'installe en Amérique. Il arrive à New York en 1910 et, la même année, il présente une exposition personnelle à la Edward Brandus Gallery. Le succès de cette exposition lui vaut d'importantes commandes, dont le portrait du magnat Carlos B. Alexander. Après avoir passé cinq mois à Barcelone, Graner repart pour New York, sa destination finale étant La Havane. En 1911, il quitte Cuba pour la Nouvelle-Orléans et, peu de temps après, il est déjà à San Francisco. Il y inaugure une exposition de soixante-seize tableaux au California Club, la plus grande exposition individuelle jamais organisée dans cette ville. À la même époque, il peint plusieurs tapisseries pour le réalisateur David W. Griffith. Avant la fin de l'année, il est de retour à New York, où il expose à nouveau individuellement avec beaucoup de succès. Il continue à peindre des portraits de personnalités nationales importantes et, en 1912, il organise une autre exposition importante, cette fois aux Ralston Galleries (New York). Au cours des années suivantes, il poursuit sa brillante carrière internationale au Brésil et au Chili, pour finalement retourner aux États-Unis, où il restera en raison de l'éclatement de la Grande Guerre, passant par New York, la Nouvelle-Orléans, Chicago et d'autres villes, exposant toujours sa peinture avec un grand succès. Dans les années vingt, il voyage en Argentine, en Uruguay et à Cuba, et c'est finalement à la Nouvelle-Orléans qu'il est frappé par une grave maladie qui endommage irrémédiablement son esprit et transforme également son œuvre, qui perd la force et la transcendance des étapes précédentes. Fauché et malade, incapable de trouver un marché pour ses peintures, il retourne finalement à Barcelone en 1928, peu avant sa mort, après dix-huit années de gloire qui se sont achevées dans la misère. La même année, il expose individuellement à l'hôtel Ritz et aux galeries Layetanas de Barcelone et, à la fin de l'année, il organise une importante rétrospective à la Sala Parés, avant de s'éteindre en mai 1929 à l'âge de soixante-six ans. Son œuvre est présente au musée du Prado, au MACBA de Barcelone, au musée national d'art de Catalogne, à la Hispanic Society de New York et au musée Balaguer de Vilanova i la Geltrú, entre autres, ainsi que dans d'importantes collections privées catalanes.

Estim. 20 000 - 25 000 EUR

JOAQUÍN SOROLLA Y BASTIDA (Valencia, 1863 - Cercedilla, Madrid, 1923). "Paisaje de sierra", vers 1887-1889. Huile sur panneau. Nous remercions Blanca Pons Sorolla pour son aide dans l'expertise de l'œuvre. L'œuvre sera bientôt incluse dans le catalogue raisonné de l'artiste (No. BPS-3860). Dimensions : 14 x 11 cm ; 47 x 43 cm (cadre). Cette peinture appartient à une période séminale de la production de Sorolla, plus précisément à la période pendant laquelle il a résidé à Rome, une période clé pour sa formation. Nous pouvons apprécier dans ce paysage intime magistralement résolu où l'artiste définit déjà un coup de pinceau lâche et vibrant qui le conduira à la pleine et juste reconnaissance de sa technique incomparable. L'expressivité est maximale grâce aux touches habiles qui combinent des traits rapides et brisés avec une palette d'ocres et de bruns qui contrastent judicieusement avec les tons de chair clairs et les blancs drapés. Dès sa scolarité, Joaquín Sorolla montre sa prédilection pour le dessin et la peinture, assistant l'après-midi aux cours de dessin donnés par le sculpteur Cayetano Capuz à l'École des artisans. Après avoir terminé ses études préliminaires à l'École normale supérieure, il entre à la prestigieuse École des beaux-arts de San Carlos, à Valence, en 1879. Lors de ses visites à Madrid en 1881 et 1882, il copie des peintures de Velázquez, Ribera et El Greco au musée du Prado. Deux ans plus tard, il obtient un grand succès à l'Exposition nationale des beaux-arts avec une peinture d'histoire, ce qui l'incite à demander une bourse pour étudier à l'Académie espagnole des beaux-arts de Rome. Ayant atteint son objectif, Sorolla part pour Rome en 1885, après avoir séjourné plusieurs mois à Paris. Dans la capitale française, il est impressionné par les peintures réalistes et les peintres qui travaillent en plein air. À la fin de ses années à Rome, il retourne à Valence en 1889 et s'installe à Madrid l'année suivante. En 1892, Sorolla montre une nouvelle préoccupation dans son art, s'intéressant aux problèmes sociaux en représentant la triste scène de "¡Otra Margarita !", récompensée par une médaille de première classe au National et, l'année suivante, à l'International de Chicago. Cette sensibilité restera présente dans son œuvre jusqu'à la fin de la décennie, dans ses représentations sur la côte valencienne. Peu à peu, cependant, le maître valencien abandonnera les thèmes des enfants malheureux que l'on retrouve dans "Triste herencia", qui avait été primé à l'Exposition universelle de Paris en 1900 et à la Nationale de Madrid un an plus tard. Encouragé par le succès de ses images resplendissantes de la Méditerranée, et stimulé par son amour de la lumière et de la vie de ses plages ensoleillées, il se concentre sur ces scènes dans ses œuvres, plus gaies et agréables, avec lesquelles il atteindra une renommée internationale. En 1906, il réalise sa première exposition personnelle à la galerie George Petit à Paris, où il démontre également ses talents de portraitiste. En 1908, l'Américain Archer Milton Huntington, impressionné par l'exposition de l'artiste à la Grafton Gallery de Londres, cherche à acquérir deux de ses œuvres pour sa Société hispanique. Un an plus tard, il invite lui-même Sorolla à exposer dans son institution, ce qui donne lieu à une exposition en 1909 qui remporte un énorme succès. La relation entre Huntington et Sorolla débouche sur la commande la plus importante de la vie du peintre : la réalisation des immenses toiles destinées à illustrer, sur les murs de la Société hispanique, les régions d'Espagne. Cherchant à capter l'essence des terres et des gens de son pays, Sorolla parcourt l'Espagne entre 1911 et 1919, tout en continuant à organiser des expositions. Handicapé par une crise d'hémiplégie en 1921, Sorolla meurt deux ans plus tard, sans avoir vu sa grande "Vision de l'Espagne", qui ne sera installée qu'en 1926. Il est actuellement représenté au musée du Prado et à celui qui porte son nom à Madrid, au Metropolitan Museum de New York, au musée d'Orsay à Paris, au J. Paul Getty Museum de Los Angeles, aux musées des beaux-arts de Bilbao et de Valence, à la National Portrait Gallery de Londres et à bien d'autres encore. Nous tenons à remercier Blanca Pons Sorolla pour son aide dans l'expertise de l'œuvre. L'œuvre sera prochainement incluse dans le catalogue raisonné de l'artiste (n° BPS-3860).

Estim. 700 - 800 EUR

JOSEP ARMET. Paysage. Huile sur toile Signée 60x100 cm Josep Armet i Portanell (Barcelone, 1842 - 1911) était un peintre et lithographe catalan de premier plan, spécialisé dans la peinture de paysages. Il étudie à l'Escola de la Llotja sous la direction de Ramón Martí Alsina et, en 1860, se rend à Rome pour poursuivre ses études, où il se lie d'amitié avec Marià Fortuny. Son œuvre est influencée par la "Escola d'Olot", connue pour son attachement aux paysages naturels et ruraux. Armet a participé à de nombreuses expositions tout au long de sa vie et a reçu des prix dans des villes telles que Madrid, Barcelone et Le Havre. Ses peintures comprennent des paysages urbains et ruraux, ainsi que des portraits et des peintures décoratives. Certaines de ses œuvres se trouvent dans d'importants musées tels que la Biblioteca-Museu Víctor Balaguer à Vilanova i la Geltrú et le Museu Nacional d'Art de Catalunya à Barcelone. Patchs, restaurations et réintégrations de couleurs. Défauts. Cadre en bois doré, avec des défauts.

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