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lun. 29 juil.

HENRI CARTIER-BRESSON ( Chanteloup-en-Brie, France, 1908- Céreste, France, 2004). "Agriculteur, 1950-1959. Gélatine argentique. Tirage ultérieur. "To Madame Bardinet en hommage" et cachet de copyright à l'aveugle (dans la marge). Signé à l'encre. Provenance : Galerie Alona Kagan, New York. Dimensions : 16 x 23, 5 cm. Dans cette œuvre d'une grande expressivité, nous voyons un paysan tendre la main à quelqu'un qui se trouve en dehors du plan du spectateur. La scène semble représenter une image traditionnelle, mais l'artiste va plus loin, non seulement parce qu'elle capture un moment totalement éphémère, habituel dans la production de l'artiste, mais aussi en raison du mystère d'un personnage qui fait partie de la scène, mais dont l'identité n'est pas révélée. Henri Cartier-Bresson était un artiste et photographe humaniste français considéré comme un maître de la photographie et l'un des premiers utilisateurs de la pellicule 35 mm. Pionnier de la photographie de rue, il considérait la photographie comme la capture d'un instant décisif. Son premier grand voyage de reportage l'a conduit en Côte d'Ivoire en 1931. Les photographies de ses nombreux voyages ont rapidement trouvé une tribune dans les magazines et les expositions. Il acquiert également de l'expérience à New York auprès de Paul Strand. À la fin de l'été 1937, avant la bataille de Belchite, il se rend en Espagne avec Herbert Kline, ancien rédacteur en chef du magazine New Theater, et le caméraman Jacques Lemare pour tourner un documentaire sur l'American Medical Bureau pendant la guerre civile espagnole. Ils ont filmé à Villa Paz, l'hôpital des Brigades internationales à Saelices, non loin de Madrid, et sur la côte de Valence pour documenter le rétablissement des volontaires blessés dans les villas de Benicàssim. Ils visitent également la Brigade Abraham Lincoln à Quinto, près de Saragosse, et tournent le film Avec la Brigade Abraham Lincoln en Espagne. De 1937 à 1939, Cartier-Bresson est assistant réalisateur sur trois films de Jean Renoir, dont La Règle du jeu. En 1940, il passe près de trois ans comme prisonnier de guerre en Allemagne. Après avoir été considéré à tort comme mort à la guerre, le Museum of Modern Art de New York lui consacre une grande rétrospective "posthume" en 1947. La même année, il fonde avec Robert Capa, David Seymour et George Rodger l'agence Magnum Photos à New York, dans le but de préserver les droits des photographes.Cartier-Bresson est le premier photographe autorisé à exposer au Louvre, à Paris, en 1955. Ses photographies ont été rassemblées et publiées dans Images à la sauvette (1952), D'une Chine à l'autre (1968) et Moscou (1955), entre autres. Cartier-Bresson arrête la photographie professionnelle en 1972 et se consacre intensément à l'art du dessin. En 1974, il est élu membre de l'Académie américaine des arts et des sciences. Son œuvre fait partie des collections de l'Art Institute of Chicago, du Museum of Modern Art, de l'International Center of Photography, du Victoria and Albert Museum et du J. Paul Getty Museum.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

lun. 29 juil.

BLEDA Y ROSA, María Bleda (Castellón, 1968) José M. Rosa (Albacete, 1970). Grao de Castellón, 1994. Série "Terrains de football". 1992-1995. Positif au gélatino-bromure d'argent sur support rigide 100% coton. Ed. 5/15. Avec l'étiquette de la galerie Visor, Valence. Dimensions : 45 x 55 cm ; 84 x 93 cm (cadre) (chacun). "Campos de fútbol" est l'une des séries les plus représentatives des photographes Bleda et Rosa. Ils expliquent eux-mêmes ce projet : "Dans le but de représenter le passage du temps à travers l'image photographique, nous avons commencé à photographier des terrains de football à la fin de l'année 1992, attirés par ces espaces que nous pouvions trouver à la sortie de n'importe quelle ville ou à la périphérie de la ville. Il s'agissait de lieux semblables à ceux de notre enfance, mais qui, en raison de facteurs tels que la migration du village vers la ville, le faible taux de natalité ou l'étalement urbain, se trouvaient dans un processus avancé de transformation ou d'abandon". María Bleda et José María Rosa sont deux photographes espagnols qui utilisent la photographie comme moyen d'expression artistique. Leur travail commun peut être considéré comme un seul auteur et a été récompensé par le prix national de la photographie. Depuis 1992, ils organisent régulièrement des expositions individuelles et collectives dans toute l'Espagne, mais aussi en Écosse, au Portugal, aux États-Unis, en Chine, etc. Leurs œuvres figurent dans les collections de différentes institutions telles que ARTIUM, le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, le Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, etc. Ils ont également reçu plusieurs prix et reconnaissances tels que : 1995 Imágenes Jóvenes - Arte Joven, Madrid.1996 Premio Arte Joven, Valencia.1997 Accésit Certamen de Artes Plásticas, Castellón.1999 Grand Prix Ville de Collioure.2001 Premio Altadis Artes Plásticas, Madrid.2002 Honorable Mention, IV Premio de pintura y fotografía ABC, Madrid.2005 Premio PHotoEspaña Fotógrafo Revelación, Madrid. Présente l'étiquette de la galerie Visor, Valence.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

lun. 29 juil.

MARC RIBOUD (Saint-Genis-Laval, 1923-Paris, 2016). "Jeune fille tenant une fleur", Washington, 1967. Gélatine argentique. Tirage ultérieur. Signé et dédicacé "à Patrick" à l'encre, dans la marge. Provenance : Collection Zwigoff, New York. Dimensions : 25 x 36 cm (image) ; 31 x 40,5 cm (papier). Cette photographie d'une jeune femme tenant une fleur devant des soldats, prise dans le cadre d'une manifestation à Washington contre la guerre du Vietnam, est l'une des images les plus célèbres de Marc Riboud. L'intérêt de la scène, outre la force émotionnelle qu'elle véhicule, est de pouvoir universaliser le message d'espoir au milieu du déchaînement de la violence. Car, de toute façon, c'est toujours l'aspect humain des conflits que Riboud a revendiqué dans ses photographies en tant que correspondant de guerre. Ainsi, tout en photographiant la guerre du Viêt Nam et la révolution culturelle chinoise, il a également reflété des aspects de la vie quotidienne dans des villes telles que Fès, Angkor, Shaanxi ou Bénarès. Marc Riboud était un photographe français spécialisé dans le photojournalisme qui faisait partie de l'agence Magnum. Au début de la Seconde Guerre mondiale, il combat dans la Résistance et commence ses études d'ingénieur à l'École centrale de Lyon en 1945. Il apprend la photographie de manière autodidacte dès l'âge de quinze ans, en utilisant un appareil Vest Pocket Kodak fourni par son père. Après avoir travaillé comme ingénieur, il rejoint en 1952 l'agence Magnum, après avoir rencontré Henri Cartier-Bresson et Robert Capa, où il réalise les reportages les plus importants de sa carrière jusqu'en 1979. Sa première photographie publiée dans Life en 1953 est "Peintre à la Tour Eiffel". Il a été l'un des premiers photographes autorisés à entrer en Chine en 1957 et presque le seul Occidental à rendre compte de la guerre du Viêt Nam depuis le Nord-Viêt Nam. Il a publié de nombreux livres et a exposé son travail dans de nombreuses villes. En 2003, il a reçu le prix Cornell Capa des Infinity Awards. Il a fait l'objet de plusieurs expositions rétrospectives, comme celle qui s'est tenue en 1997 à New York et en 2005 à Paris. Expositions (sélection depuis 2010) : 2010 Au jardin de Krishna Riboud, Musée national des Arts Asiatiques-Guimet, Paris. 2011 I comme Image, Maison européenne de la photo, Paris. 2012 Lors des Journées du patrimoine, Saint-Genis-Laval. 2014-2015 Marc Riboud - Début de siècle, Conseil régional Rhône-Alpes. 2014 De grace un geste - Musée d'art moderne Richard Anacréonte, Granville.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

lun. 29 juil.

FRANCESCA WOODMAN (Denver, Colorado, 1958-New York, 1981) Sans titre, de la "série des anges", Rome, 1977-1978. Épreuve à la gélatine argentique. Imprimé ultérieurement par Igor Bakht, cachet au verso. Signé par George et Betty Woodman, annoté au crayon au n. 297 "For Igor Kind Ryards". Cachet de crédit PE/FW au verso. Provenance : Collection privée de Foster Glasgow. Dimensions : 15,5 x 15,5 cm (image) ; 26 x 21 cm (papier). Cette photographie appartient à la période romaine de Woodman. Le flou du corps, les présences fantomatiques, la nuit et les spectres composent un tirage suggestif dont l'artiste elle-même est la protagoniste. Woodman plonge dans la partie cachée de son propre être, essayant de rendre visible ce qui est essentiellement invisible. Dans cette série, la photographe utilise des techniques d'exposition longue pour capturer le mouvement, ce qui donne des figures floues qui semblent s'estomper ou se fondre dans leur environnement. Cet effet crée un sentiment de dynamisme et évoque l'idée d'êtres éthérés ou de fantômes. Il a réalisé cette série (Anges) à Rome. Entre 1975 et 1979, alors qu'elle étudie au Providence College of Fine Arts, où Francesca Woodman excelle dans ses capacités artistiques, elle reçoit une bourse du Honors Program qui lui permet de vivre pendant un an dans les installations de l'école au Palazzo Cenci à Rome. Elle rencontre et rejoint un groupe d'artistes liés à la galerie et à la librairie Maldoror. Les propriétaires Giuseppe Casetti et Paolo Missigoi sont attirés par tous ceux qui sont liés aux mouvements d'avant-garde, et plus particulièrement au futurisme, au surréalisme et au symbolisme. Ce sont les propriétaires qui parviennent à inclure Woodman dans une exposition de cinq jeunes artistes à la galerie Ugo Ferranti, où elle est la seule Américaine à participer. Il s'agit de sa première exposition personnelle. C'est à Rome qu'elle réalise certaines de ses œuvres les plus connues à ce jour, telles que "On Being an Angel", "Glove Series", "Self-deceit". Ses photographies reformulent l'image de la femme, Francesca Woodman était une photographe américaine connue pour ses autoportraits intimes en noir et blanc. Elle est diplômée de la Rhode Island School of Design et de l'Université des beaux-arts de Providence. Ses photographies se caractérisent principalement par l'utilisation d'un seul modèle, généralement nu. Il s'agit généralement d'elle, mais dans certaines photographies, elle a représenté plusieurs de ses amis. Le corps capturé par l'appareil photo était généralement en mouvement, en raison des longs temps d'exposition, ou l'image n'était pas nette. Il a également utilisé d'autres techniques, comme se masquer ou essayer de se fondre dans les objets ou l'environnement lui-même. Elle est née dans une famille d'artistes. Dès son plus jeune âge, avec son frère Charles Woodman, elle a été initiée au monde de l'art par ses parents, George Woodman et Betty Woodman, tous deux artistes. Aujourd'hui, ils gèrent des archives de plus de 800 images de leur fille, dont 120 ont été exposées ou publiées. Elle appartient à la génération des femmes d'avant-garde des années 1970 qui ont revendiqué leur contribution et leur vision du monde, qui comprend également des artistes activistes comme Cindy Sherman, Martha Rosler ou Ana Mendieta.

Estim. 7 000 - 7 500 EUR

lun. 29 juil.

MARC RIBOUD (Saint-Genis-Laval, 1923-Paris, 2016). "Le peintre de la Tour Eiffel, Paris, 1953. Gélatine argentique. Tirage ultérieur. Signée et datée à l'encre, dans la marge. Provenance : Collection O'Hara, New York. Dimensions : 37,5 x 24 cm (image) ; 40,8 x 30 cm (papier). "Peintre à la Tour Eiffel" est la première photographie que Marc Riboud a publiée dans Life Magazine (1953). On peut y apprécier un élément qui a traversé l'œuvre artistique de Riboud : sa capacité à extraire la magie de n'importe quelle activité, aussi adverse ou anodine soit-elle. C'est pourquoi, bien qu'il ait été correspondant de guerre, on se souvient surtout de lui comme d'un photographe humaniste, car ce sont les valeurs humaines face à l'adversité qu'il a toujours défendues. Marc Riboud était un photographe français spécialisé dans le photojournalisme qui faisait partie de l'agence Magnum. Au début de la Seconde Guerre mondiale, il combat dans la Résistance et commence ses études d'ingénieur à l'École centrale de Lyon en 1945. Il apprend la photographie de manière autodidacte dès l'âge de quinze ans, en utilisant un appareil Vest Pocket Kodak fourni par son père. Après avoir travaillé comme ingénieur, il rejoint en 1952 l'agence Magnum, après avoir rencontré Henri Cartier-Bresson et Robert Capa, où il réalise les reportages les plus importants de sa carrière jusqu'en 1979. Il a été l'un des premiers photographes autorisés à entrer en Chine en 1957 et presque le seul Occidental à rendre compte de la guerre du Viêt Nam depuis le Nord-Viêt Nam. Il a publié de nombreux livres et a exposé son travail dans de nombreuses villes. En 2003, il a reçu le prix Cornell Capa des Infinity Awards. Il a fait l'objet de plusieurs expositions rétrospectives, comme celle qui s'est tenue en 1997 à New York et en 2005 à Paris. Expositions (sélection depuis 2010) : 2010 Au jardin de Krishna Riboud, Musée national des Arts Asiatiques-Guimet, Paris. 2011 I comme Image, Maison européenne de la photo, Paris. 2012 Lors des Journées du patrimoine, Saint-Genis-Laval. 2014-2015 Marc Riboud - Début de siècle, Conseil régional Rhône-Alpes. 2014 De grace un geste - Musée d'art moderne Richard Anacréonte, Granville.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

lun. 29 juil.

ANDRÉ KERTÉSZ (Budapest, 1894-New York, 1985). "Danseur satirique". Paris, 1926. Gélatine argentique, tirage ultérieur. Signé, titré et daté au crayon (au verso). Provenance : De la collection privée de Schroeder New Jersey. Dimensions : 20,6 x 25,5 cm (image) ; 21 x 26 cm (papier). André Kertész appréciait énormément la capacité de l'appareil photo à capturer la danse et les personnes en mouvement. La personne allongée sur le canapé dans cette photographie, dans une pose tout à fait anti-archétypale, est la danseuse et artiste de cabaret Magda Förstner, que Kertész avait invitée au studio spécialement pour la prise de vue. L'image a été prise dans l'atelier du sculpteur István Beöthy, comme l'indique le buste sculptural à côté du fauteuil, qui sert d'inspiration au modèle. Kertész lui-même raconte la situation : "Je lui ai dit : "Fais quelque chose dans l'esprit du coin de l'atelier", et elle a commencé à bouger sur le canapé. Elle a juste fait un mouvement. Je n'ai pris que deux photos... C'est merveilleux de photographier des gens en mouvement. Il n'est pas nécessaire de tirer des centaines de pellicules comme c'est le cas aujourd'hui. Il s'agit de capturer le bon moment. Le moment où quelque chose se transforme en quelque chose d'autre". Le photographe André Kertész était connu pour ses approches novatrices de la composition et des angles de prise de vue, bien que son style unique ait d'abord entravé sa reconnaissance au début de sa carrière. Autodidacte, ses premiers travaux ont été publiés principalement dans des magazines, qui constituaient à l'époque une plate-forme importante. Après avoir participé à la Première Guerre mondiale, il s'installe à Paris, où il travaille pour VU, le premier magazine illustré de France. Il se lie avec de jeunes artistes immigrés et le mouvement Dada, ce qui lui vaut la reconnaissance de la critique et un succès commercial. En 1936, il émigre aux États-Unis où il présente son exposition personnelle à New York à la PM Gallery et travaille brièvement pour l'agence Keystone. C'est là qu'il a refusé une offre de travailler pour Vogue, estimant que ce n'était pas fait pour lui. Il choisit alors de travailler pour le magazine Life. Sa période new-yorkaise se caractérise par le fait qu'il prend des photos depuis la fenêtre de son appartement, immortalisant des moments de la vie quotidienne, toujours avec la conviction que "Tout est un sujet. Chaque sujet a un rythme. Le sentir est la raison d'être. La photographie est un moment fixe de cette raison d'être, qui vit en elle-même". En 1963, il retourne à Paris et prend plus de 2 000 photographies en noir et blanc et près de 500 diapositives qui capturent l'essence de la ville de Montmartre, des rives de la Seine, de ses jardins et de ses parcs.

Estim. 4 500 - 5 000 EUR

lun. 29 juil.

HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, France, 1908- Céreste, France, 2004). "Matisse", Vence, France, 1944. Gélatine argentique, tirage ultérieur. Signée à l'encre dans la marge et avec le cachet de copyright du photographe (dans la marge). Provenance : Collection privée Reuben, Chicago. Dimensions : 25,3 x 37 cm (image) ; 31 x 40,8 cm (papier). Henri Cartier-Bresson a immortalisé le peintre français Henri Matisse dans la villa "Le Rêve", sa maison des Alpes-Maritimes, lorsque l'éditeur Pierre Braun lui a demandé de photographier des écrivains et des artistes pour un projet de livre qui ne s'est jamais concrétisé. À l'époque, le peintre fauve a 70 ans et, ayant subi une opération chirurgicale quelques années auparavant, son état de santé l'oblige à rester prostré dans un fauteuil ou un lit, comme on peut le voir sur le cliché proposé. Dans Le Rêve, Matisse dessine et peint les colombes blanches qui volent dans sa chambre, ainsi que ses modèles habituels, Micaela Avogadro et Lydia Delectorskaya. Le fauve passe également du temps dans son appartement de Nice, où Cartier-Bresson le photographie également. Bresson lui-même dira de ces visites à la villa : "Quand je suis allé voir Matisse, je me suis assis dans un coin, je n'ai pas bougé, nous n'avons pas parlé. C'était comme si nous n'existions pas". Henri Cartier-Bresson était un artiste français et un photographe humaniste considéré comme un maître de la photographie et l'un des premiers utilisateurs de la pellicule 35 mm. Pionnier de la photographie de rue, il considérait la photographie comme la capture d'un instant décisif. Son premier grand voyage de reportage l'a conduit en Côte d'Ivoire en 1931. Les photographies de ses nombreux voyages ont rapidement trouvé une tribune dans les magazines et les expositions. Il acquiert également de l'expérience à New York auprès de Paul Strand. À la fin de l'été 1937, avant la bataille de Belchite, il se rend en Espagne avec Herbert Kline, ancien rédacteur en chef du magazine New Theater, et le caméraman Jacques Lemare pour tourner un documentaire sur l'American Medical Bureau pendant la guerre civile espagnole. Ils ont filmé à Villa Paz, l'hôpital des Brigades internationales à Saelices, non loin de Madrid, et sur la côte de Valence pour documenter le rétablissement des volontaires blessés dans les villas de Benicàssim. Ils visitent également la Brigade Abraham Lincoln à Quinto, près de Saragosse, et tournent le film Avec la Brigade Abraham Lincoln en Espagne. De 1937 à 1939, Cartier-Bresson est assistant réalisateur sur trois films de Jean Renoir, dont La Règle du jeu. En 1940, il passe près de trois ans comme prisonnier de guerre en Allemagne. Après avoir été considéré à tort comme mort à la guerre, le Museum of Modern Art de New York lui consacre une grande rétrospective "posthume" en 1947. La même année, il fonde à New York, avec Robert Capa, David Seymour et George Rodger, l'agence Magnum Photos dans le but de préserver les droits sur les œuvres des photographes. Cartier-Bresson est le premier photographe autorisé à exposer au Louvre à Paris en 1955. Ses photographies ont été rassemblées et publiées dans Images à la sauvette (1952), D'une Chine à l'autre (1968) et Moscou (1955), entre autres. Cartier-Bresson arrête la photographie professionnelle en 1972 et se consacre intensément à l'art du dessin. En 1974, il est élu membre de l'Académie américaine des arts et des sciences.

Estim. 8 000 - 8 500 EUR

lun. 29 juil.

HELEN LEVITT (New York, 1913-2009). "NYC. Enfants masqués à l'arrêt", New York, 1940. Gélatine argentique, tirage ultérieur. Signée, datée et portant l'inscription "N.Y.C." au crayon (au verso). Provenance : De la collection privée de Schroeder New Jersey. Dimensions : 19,4 x 27,7 cm (image) ; 28 x 34,8 cm (papier). Helen Levitt est considérée comme l'une des photographes les plus importantes du XXe siècle et l'un des précurseurs du cinéma indépendant d'aujourd'hui. Elle appartient à l'école dite de New York, qui défendait une photographie de rue directe et aseptisée. Elle a été l'élève de Walker Evans et de Cartier-Bresson, de Ben Shanhn et du cercle de la Photo League of New York, dont elle a appris la recherche de l'instant. Sa façon de capter les gestes, les corps en mouvement, le langage de la rue, ont transformé son travail en une véritable étude anthropologique. En 1939, les photos d'Helen Levitt étaient déjà publiées dans des magazines tels que Fortune, US Camera, Minicam et PM. Son travail le plus connu est en noir et blanc et dans le genre documentaire, mettant son objectif sur les rues et les habitants de la ville, en particulier les enfants. En témoigne l'exposition "Helen Lewitt : Photographs of Children" que le MoMA de New York lui a consacrée en 1943. Lors de son voyage au Mexique en 1941, elle a également fait le portrait d'enfants des rues. Dans les années 1970, Levitt a photographié les rues de New York avec des diapositives couleur et les a intégrées dans son propre langage comme une ressource supplémentaire. Il convient de noter qu'il a toujours eu une vocation pour le cinéma : c'est dans les années 1940 qu'il a réalisé ses premiers projets de films documentaires, sous les ordres du réalisateur espagnol Luis Buñuel, exilé aux États-Unis en raison de la guerre civile espagnole. En 1948, il réalise les films "In the Street" et "The Quiet One".

Estim. 7 000 - 7 500 EUR

lun. 29 juil.

HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, France, 1908- Céreste, France, 2004). "Jardins du Palais Royal, Paris, 1959. Gélatine argentique, tirage ultérieur. Signé et annoté "pour Tuto" à l'encre et cachet de copyright du photographe en relief (dans la marge). Provenance : Collection privée Reuben, Chicago. Le Centre Pompidou possède une copie de cette photographie. Dimensions : 37 x 25 cm (image) ; 41 x 31 cm (plaque). Grâce à son appareil Leica tenu à la main, Henri Cartier-Bresson se déplaçait avec aisance dans les villes et les pays étrangers, prenant des images qui alliaient sa spontanéité de bohémien à son sens de la composition de peintre. Ce mode opératoire est connu sous le nom d'"instant décisif", un concept célèbre qui influencera les photographes tout au long du XXe siècle. Henri Cartier-Bresson était un artiste français et un photographe humaniste considéré comme un maître de la photographie et l'un des premiers utilisateurs de la pellicule 35 mm. Pionnier de la photographie de rue, il considérait la photographie comme la capture d'un instant décisif. Son premier grand voyage de reportage l'a conduit en Côte d'Ivoire en 1931. Les photographies de ses nombreux voyages ont rapidement trouvé une tribune dans les magazines et les expositions. Il acquiert également de l'expérience à New York auprès de Paul Strand. À la fin de l'été 1937, avant la bataille de Belchite, il se rend en Espagne avec Herbert Kline, ancien rédacteur en chef du magazine New Theater, et le caméraman Jacques Lemare pour tourner un documentaire sur l'American Medical Bureau pendant la guerre civile espagnole. Ils ont filmé à Villa Paz, l'hôpital des Brigades internationales à Saelices, non loin de Madrid, et sur la côte de Valence pour documenter le rétablissement des volontaires blessés dans les villas de Benicàssim. Ils visitent également la Brigade Abraham Lincoln à Quinto, près de Saragosse, et tournent le film Avec la Brigade Abraham Lincoln en Espagne. De 1937 à 1939, Cartier-Bresson est assistant réalisateur sur trois films de Jean Renoir, dont La Règle du jeu. En 1940, il passe près de trois ans comme prisonnier de guerre en Allemagne. Après avoir été considéré à tort comme mort à la guerre, le Museum of Modern Art de New York lui consacre une grande rétrospective "posthume" en 1947. La même année, il fonde avec Robert Capa, David Seymour et George Rodger l'agence Magnum Photos à New York, dans le but de préserver les droits des photographes.Cartier-Bresson est le premier photographe autorisé à exposer au Louvre, à Paris, en 1955. Ses photographies ont été rassemblées et publiées dans Images à la sauvette (1952), D'une Chine à l'autre (1968) et Moscou (1955), entre autres. Cartier-Bresson arrête la photographie professionnelle en 1972 et se consacre intensément à l'art du dessin. En 1974, il est élu membre de l'Académie américaine des arts et des sciences.

Estim. 12 000 - 13 000 EUR

lun. 29 juil.

WEEGEE ; ARTHUR FELLIG (Ukraine, 1899- 1968). "Circus Biker", vers 1943. Photographie à la gélatine argentique. Léger dommage au cadre. Tampon de présentation au dos "Credit photo by Weegee-The Famous". Dimensions : 18 x 13,5 cm ; 40x 30,5 cm (cadre). Arthur Fellig, connu sous le pseudonyme de Weegee, était un photographe et photojournaliste réputé pour son style photographique brut, qui présentait les scènes de rue de la ville de New York, généralement en noir et blanc. Weegee a travaillé dans le Lower East Side de Manhattan en tant que photographe de presse dans les années 1930 et 1940. Il a développé son style caractéristique en suivant les services d'urgence de la ville et en documentant une grande partie de leurs activités. C'est pourquoi ses compositions dépeignent des scènes réalistes de la vie urbaine, de la criminalité et de la mort. Weegee a publié des livres sur la photographie et a également travaillé dans le domaine du cinéma, d'abord en réalisant ses propres courts métrages, puis en collaborant avec des cinéastes tels que Jack Donohue et Stanley Kubrick. L'un de ses premiers emplois fut dans le laboratoire photo du New York Times. Plus tard, alors qu'il travaillait pour Acme Newspictures, son habileté et son ingéniosité à développer des tirages en direct lui valurent le nom de "Mr. Squeegee". La plupart de ses photographies ont été prises avec l'équipement et les principes esthétiques typiques des photographes de presse. Il était autodidacte et n'avait pas reçu de formation officielle. Certaines de ses photos reflètent une juxtaposition entre la représentation de personnes de la haute société et d'autres qui n'appartiennent pas au même cercle social. Le travail de Weege est largement reconnu au niveau national et international et ses œuvres font partie d'importantes collections privées et publiques. En outre, son travail continue de susciter de l'intérêt après sa mort, comme en témoigne l'exposition Weegee's New York, qui s'est tenue en 2009 à la Fundación Telefónica de Madrid. Le cadre est légèrement endommagé.

Estim. 500 - 600 EUR

lun. 29 juil.

"PACO PEREGRÍN" ; PEREGRÍN, Francisco (Almería, 1976). "Alien Beauty (VI)". Modèle Naadia Kloet (Delphoss). Exemplaire 1/10. Petite édition (limitée à 10 exemplaires + 1AP). Photographie numérique. Tirage lambda sous méthacrylate sur dibond et cadre en aluminium. Certificat ci-joint délivré par l'artiste. Bibliographie : " Otherworldly ", Theo Mass Lexileictous et Editorial Gestalten, 2016 (Page 238) ; Magazine " Avenue Illustrated ", numéro 19, Espagne, 2009 (page 105) ; " Ozine Magazine ", numéro octobre-novembre 2009 (Page 199). Œuvre signée et numérotée. Dimensions : 50 x 37 cm. Dans cette œuvre, Paco Peregrín a créé, en s'inspirant de l'esthétique extraterrestre, une belle histoire d'avant-garde, à la mode, entre le futurisme et l'extraterrestre. Il s'agit d'une spéculation personnelle et frappante sur l'évolution de l'identité et la transfiguration des traits humains. Paco Peregrín est un photographe andalou, actuellement considéré comme l'un des plus grands talents mondiaux de la photographie artistique, éditoriale et publicitaire, qui met toujours en avant son côté expérimental dans toutes ses œuvres, caractérisées par leur force et leur vigueur. Formé à Séville, il adopte une sensibilité mystique, des schémas de composition et un chromatisme inspirés de l'art baroque. Il est possible que ce soit son expérience théâtrale qui lui ait donné la capacité de diriger ses modèles devant son appareil photo, de développer sa perception spatiale et de montrer le corps, la présence et le temps dans son œuvre. Il vit actuellement à Madrid, un détail qui, associé à son passage dans d'importantes capitales culturelles (Londres, New York...), a ajouté de la contemporanéité et de la fraîcheur à son travail, qui est unique. Il est également important de souligner sa vaste expérience dans les domaines du design, de la communication, du théâtre et de la peinture. Il alterne la photographie de mode pour des magazines tels que Vogue, Harper's Bazaar ou L'Officiel avec des travaux commerciaux pour des marques telles que Dior, Chanel, Saint Laurent, L'Oréal Paris, Adidas, Nike, Gant, Toyota, Lancôme, Shiseido... avec la photographie de signature, ayant exposé son travail dans des galeries à New York, Paris, Barcelone, Pékin, Madrid, Berlin, Séville, San Sebastián, etc, et dans des musées et galeries tels que le Centro de Arte y Creación Industrial à Madrid, Barcelone, Pékin, Madrid, Berlin, Séville, San Sebastián, etc. et dans des musées et galeries tels que le Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Séville), le Museo de Artes y Costumbres Populares de Sevilla, le Museo Cristóbal Balenciaga (Getaria, Gipuzkoa), le Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, Foro Sur, Sala de exp. del Canal de Isabel II, le Museo Provincial de Cádiz, etc. Son travail remarquable a été récompensé par des prix tels que le prix national LUX Gold de la photographie professionnelle dans le domaine de la mode et de la beauté (2008). La maison d'édition Gestalten (spécialisée dans l'art et l'architecture) l'a inclus parmi les projets les plus importants et les plus originaux dans le livre "Otherworldly", et la maison d'édition Prestel a publié son travail dans "New Fashion Photography", où il est l'une des références mondiales les plus importantes en matière de photographie de mode contemporaine.

Estim. 1 400 - 1 600 EUR

lun. 29 juil.

PACO PEREGRÍN (Almería, 1976). "Scorpion, 2015. Photographie numérique montée sur aluminium. Un certificat d'authenticité délivré par l'artiste sera livré. L'œuvre est publiée sur le site web de l'artiste. -Bibliographie : Revue Fucking Young ! nº 6 yCatalogue de l'exposition "Artificio". Centre andalou de la photographie (CAF), 2018. -Expositions : Centre andalou de la photographie (CAF). Exposition personnelle "Artificio", du 1er juin au 15 juillet 2018.Mesures : 50 x 40 cm ; 51 x 41 cm (cadre). Paco Peregrín est un éminent photographe, artiste visuel et directeur créatif andalou, basé à Madrid, qui travaille à l'échelle internationale dans le monde de l'art, de la publicité et de la mode (il a réalisé et dirigé des projets de haut niveau pour des marques mondiales telles que Dior, Chanel, Saint Laurent, L'Oréal Paris, Lancôme, Shiseido, Marie Dalgar, L'Occitane, La Rinascente, Vögele Shoes, Adidas, Nike, etc.) Il publie dans des magazines prestigieux tels que Vogue (IT, DE, ES), Harper's Bazaar (US, Russie, Espagne et Vietnam), VMAN, L'Officiel, Vanity Fair, ELLE, Marie Claire, Grazia, Cosmopolitan, Glamour, Dsection, Fucking Young !, Vision, Zink !, Neo2, Yo Dona, Vanidad, Schön !, Noi.se, Allure, NYLON, etc. Diplômé en beaux-arts de l'université de Séville, il a poursuivi sa formation à l'International Center of Photography (New York), au Central Saint Martins College of Art and Design (Londres), à l'Universidad Complutense de Madrid, à l'Universidad de Santiago de Compostela... Il a reçu d'importantes bourses (Pilar Juncosa et Sotheby's, Talens, Universidad Complutense, Ayuntamiento de Sevilla, Proyectos de Fotografía Caja San Fernando, Centro Andaluz de la Fotografía, etc.) et son travail audiovisuel a été récompensé dans des festivals internationaux tels que le Chicago Fashion Film Festival, le London Fashion Film Festival, l'International Fashion Film Festival Brussels et le Global Short Film Awards Festival à Cannes. Ses œuvres font partie d'importantes collections d'art (Centro Andaluz de la Fotografía, Comunidad de Madrid, Instituto Andaluz de la Juventud, Universidad de Sevilla, Fundación Talens, Colección de Arte Contemporáneo Delegación de Cultura de Doña Mencía, Centro Andaluz de Arte Seriado.) et figure dans de nombreux ouvrages tels que "Artificio" (Centro Andaluz de la Fotografía, Editorial Universidad de Almería), "Facing", 6th Crossover Art Project (Marie Dalgar, Beijing), "Super-Modified : The Behance Book of Creative Work" (Gestalten), "Diccionario de fotógrafos españoles (La Fábrica & Acción Cultural Española), "Otherworldly" (Gestalten), "New Fashion Photography" (Prestel), "PALETTE 03 : Gold & Silver, New Metallic Graphics" (Victionary), "PALETTE 02 : Multicolour, New Rainbow-hued Graphics" (Victionary), "Cazadores de Tendencias : los nombres esenciales de Moda Española" (Lunwerg), "STAND BY_012. Guía de Fotografía Andaluza Actual" (Valentín de Madariaga Foundation & MP Corporation), "Hair'em Scare'em" (Gestalten) ou "Arte desde Andalucía para el siglo XXI catalogación monográfica ilustrada del joven arte andaluz" (Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía). J'ai exposé dans des galeries à New York, Pékin, Paris, Barcelone, Madrid, Berlin, Séville, Saint-Sébastien, Valence, Caceres, Almeria .... et dans des musées tels que le Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Séville), le Museo Cristóbal Balenciaga (Getaria, Gipuzkoa), le Museo de Artes y Tradiciones de Sevilla, CaixaForum Sevilla, Centro Andaluz de la Fotografía, ARTSevilla, Sala de Exposiciones del Canal de Isabel II, Forosur 2004 (Feria Iberoamericana de Arte Contemporáneo) et PHotoESPAÑA. L'œuvre de Peregrín est riche en symboles et s'inspire de l'art classique, de la peinture flamande et baroque, ainsi que de la culture d'avant-garde la plus expérimentale. Il s'est intéressé à l'image sociale du corps, à sa perception, aux canons de la beauté contemporaine, au concept du masque, au passage du temps, à la communication dans les médias de masse, à la publicité dans la société de consommation, aux nouvelles technologies et à la représentation du corps comme lieu d'investigation des conséquences du pouvoir et des rôles de genre aujourd'hui. Un certificat d'authenticité délivré par l'artiste sera fourni. L'œuvre est publiée sur le site web de l'artiste. -Bibliographie : Fucking Young ! magazine nº 6 yCatalogue de l'exposition "Artificio". Centre andalou de la photographie (CAF), 2018.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

lun. 29 juil.

STEVE MCCURRY (USA, 1950). "Afghan Girl", Peshawar, Pakistan, 1984. Épreuve chromogène. Annotation au dos : "Fuji color chrystal Archive Paper". Signé à l'encre dans la marge. Provenance : Galerie Cesare Manzo, Pescara, Italie. Dimensions : 45,5 x 30,5 cm (image) ; 49,8 x 39,5 cm (cadre). "The Afghan Girl" est la photographie la plus connue de la carrière de McCurry, et elle est emblématique de l'histoire de la photographie documentaire. Il l'a prise en 1984, dans le camp de réfugiés de Nasir Bagh, au Pakistan, pendant la guerre soviéto-afghane. La jeune fille, Sharbat Gula, était une réfugiée afghane qui avait fui la violence dans son pays. La jeune fille, aux yeux verts perçants, enveloppée d'un châle rouge couvrant ses épaules et ses cheveux, a captivé les téléspectateurs du monde entier. L'image a fait la couverture du numéro de juin 1985 du magazine National Geographic, devenant rapidement l'une des photographies les plus connues et les plus puissantes du XXe siècle. L'image est devenue un symbole de la souffrance et de la résilience des réfugiés et du conflit en Afghanistan. Elle a été largement utilisée pour illustrer la situation critique des réfugiés dans le monde entier. Pendant de nombreuses années, l'identité de la jeune fille sur la photo est restée un mystère. En 2002, McCurry et une équipe du National Geographic ont localisé Sharbat Gula dans un village reculé d'Afghanistan. Son identité a été confirmée par la reconnaissance des traits de son visage, en particulier de ses yeux. Steve McCurry est un photojournaliste américain, connu dans le monde entier comme l'auteur de la photographie "The Afghan Girl", parue dans le magazine National Geographic en 1985. Sa carrière de photographe a commencé avec la guerre d'Afghanistan (1978-1992). Il a également couvert d'autres conflits internationaux tels que la guerre Irak-Iran ou la guerre du Golfe. Après avoir travaillé à King of Prussia, en Pennsylvanie, pendant deux ans, il est parti en Inde pour travailler à son compte en 1978. Après un an, il s'est rendu dans le nord du Pakistan. Sa carrière de photographe a commencé avec sa couverture de la guerre soviétique. En Afghanistan, McCurry s'est déguisé avec les vêtements du pays pour passer inaperçu pendant qu'il travaillait, et il a sorti des pellicules du pays en les cousant dans ses vêtements. Ses images ont été parmi les premières à illustrer le conflit et ont été largement diffusées. Ce travail lui a valu la médaille d'or Robert Capa pour le meilleur photojournalisme étranger et a été publié dans le New York Times, TIME et Paris Match. McCurry a continué à couvrir des conflits internationaux, notamment la guerre Iran-Irak, Beyrouth, le Cambodge, les Philippines, la guerre du Golfe et l'Afghanistan. Il a survécu à un accident d'avion en Yougoslavie. Son travail a été publié dans des magazines du monde entier et il contribue régulièrement au National Geographic. Il est membre de l'agence Magnum depuis 1986. Dans son travail, McCurry se concentre sur la douleur causée par la guerre. Il tente de montrer les effets de la guerre, non seulement sur le champ de bataille, mais aussi sur les personnes qui y vivent. Il affirme qu'il y a toujours quelque chose de commun entre tous les humains, malgré la religion, la langue, l'appartenance ethnique, etc.

Estim. 10 000 - 13 000 EUR

lun. 29 juil.

HELMUT NEWTON (Allemagne, 1920- Californie, 2004). "Chaussure, Monte Carlo, 1983. Gélatine argentique. Tirage ultérieur. Signé, titré, daté au crayon et cachet de copyright au verso. Pas de numéro d'édition. Provenance : Collection McCord, New York. Dimensions : 36 x 24,6 cm (image) ; 40 x 31 cm (cadre). Une cheville subtilement dressée et chaussée d'un talon haut occupe tout le plan photographique de cette image emblématique d'Helmut Newton. Lieu associé au glamour et au luxe, Monte-Carlo constitue une toile de fond idéale pour l'exploration de la mode et de l'érotisme par Newton. Le fétichisme des talons hauts et des chevilles féminines est exploré par l'artiste dans différents contextes. Dans tous les cas, grâce à des compositions audacieuses et soigneusement élaborées, il redéfinit les paramètres de la photographie de mode et de l'érotisme, le rôle des femmes et les relations de pouvoir. La provocation, l'anti-voyeurisme et l'autonomisation des femmes sont souvent les attributs de ses photos. Newton est né à Berlin, a fréquenté le Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium et l'American School in Berlin. Intéressé par la photographie dès l'âge de 12 ans, lorsqu'il achète son premier appareil, il travaille pour la photographe allemande Yva (Elsie Neuländer Simon) à partir de 1936. Les restrictions de plus en plus oppressives imposées aux Juifs par les lois de Nuremberg font perdre à son père le contrôle de l'usine ; il est brièvement interné dans un camp de concentration lors de la Nuit de Cristal, ce qui contraint finalement la famille à quitter l'Allemagne. Les parents de Newton s'enfuient en Argentine. Enfin, arrivé à Singapour, il découvre qu'il peut y rester, d'abord brièvement en tant que photographe pour le Straits Times, puis en tant que photographe portraitiste. Newton a été interné par les autorités britanniques alors qu'il se trouvait à Singapour et a été envoyé en Australie à bord du Queen Mary, arrivant à Sydney le 27 septembre 1940. Il est libéré en 1942 et travaille brièvement comme cueilleur de fruits dans le nord de l'État de Victoria. En avril 1942, il s'est engagé dans l'armée australienne et a travaillé comme chauffeur de camion. Après la guerre, en 1945, il est devenu sujet britannique et a changé son nom en Newton en 1946. La même année, Newton installe un studio sur Flinders Lane à Melbourne et travaille dans la photographie de mode, de théâtre et industrielle pendant la période d'après-guerre. Il partage sa première exposition commune avec Wolfgang Sievers en mai 1953. L'exposition "New Visions in Photography" est présentée au Federal Hotel dans Collins Street et constitue probablement le premier aperçu de la photographie de la Nouvelle Objectivité en Australie. Newton s'associe à Henry Talbot, un juif allemand qui avait également été interné à Tatura, et son association avec le studio se poursuit même après 1957, lorsqu'il quitte l'Australie pour Londres. Le studio est alors rebaptisé "Helmut Newton and Henry Talbot". La réputation grandissante de Newton en tant que photographe de mode est récompensée lorsqu'il obtient une commande pour illustrer la mode dans un supplément australien spécial pour le magazine Vogue, publié en janvier 1956. Il décroche un contrat de 12 mois avec British Vogue et part pour Londres en février 1957, laissant Talbot gérer l'entreprise. Newton quitte le magazine avant la fin de son contrat et se rend à Paris, où il travaille pour des magazines français et allemands. Il revient à Melbourne en mars 1959 pour travailler avec Australian Vogue. Newton et sa femme s'installent finalement à Paris en 1961. Ses images apparaissent dans des magazines tels que l'édition française de Vogue et Harper's Bazaar. Il établit un style particulier marqué par des scènes érotiques et stylisées, souvent à connotation fétichiste. En 1980, il crée la série des "Big Nudes". Vient ensuite le portfolio "Nude and Clothed" et, en 1992, "Domestic Nudes", qui marque l'apogée de son style érotico-urbain, toutes ces séries témoignent de la dextérité de ses compétences techniques. Newton a également travaillé sur des portraits et des études plus fantastiques. Il a réalisé une série d'illustrations pour Playboy, notamment de Nastassja Kinski et de Kristine DeBell.

Estim. 12 000 - 14 000 EUR

jeu. 22 août

Asie. Souvenir de ma croisière en Extrême-Orient. Album de photographies. [Shanghai, Hong Kong, Haiphong, baie d’Along, Saigon, etc.], [1936-1939]. In-4 oblong (26,3 x 36 cm), soie noire recouverte sur le plat supérieur d’un grand motif brodé représentant deux dragons (reliure de l’époque). Recueil de 408 photographies prises lors de la campagne du Dumont d’Urville en Extrême-Orient entre 1936 et 1939. Les photographies, de dimensions variables, sont montées au recto et au verso de chaque feuillet. Elles ne sont pas signées ; certaines comportent une légende dans la partie inférieure du cliché, ou sont accompagnées d’une légende manuscrite sur les pages de l’album. Elles représentent principalement des villes chinoises et indochinoises, des ports, des rades, des navires de guerre (parmi lesquels le Dumont d’Urville), des scènes de bombardement à Shanghai, des immeubles, des maisons d’habitation, des rues, des temples, des monuments, des habitants en costumes, des scènes de groupe, des petites embarcations, des sites pittoresques, etc. Parmi les photographies représentant les bombardements, certaines ont été tirées sur fond rouge, afin de souligner le caractère dramatique des événements. Quelques photographies se rapportent au Japon, à l’Inde, aux Philippines, à l’Australie et aux Nouvelles-Hébrides. La Chine est représentée par 196 photographies (dont le conflit sino-japonais), l’Indochine par 114 photographies, et d'autres pays divers par 98 photographies (Japon, Singapour, Inde, Philippines, Indonésie, Australie ou encore Nouvelles-Hébrides). Très bon état de conservation des photographies. Coins usés, dos en partie détaché.

Estim. 800 - 1 000 EUR

mar. 10 sept.

JAUME PITARCH (Barcelone, 1963). De la série "Matches", n.11. 1999-2000. Photographie sur papier baryté. Provenance : Galerie dels Àngels de Barcelone. Dimensions : 80 x 80 cm ; 81 x 81 cm (cadre). Artiste actuellement basé à Barcelone, Jaume Pitarch a étudié les beaux-arts au Chelsea College of Art et au Royal College of Art de Londres. Son langage est basé sur la décontextualisation d'éléments fabriqués par l'homme, qu'il démonte et reconstruit d'une manière totalement différente, en les dépouillant de leur sens et de leur valeur d'origine. Tout au long de sa carrière d'artiste, Jaume Pitarch a organisé de nombreuses expositions au niveau national et international : Àngels Barcelona (2013, 2009, 2004,1997) ; Galería Fúcares, Madrid (2013, 2008) ; Spencer Brownstone Gallery, New York (2013, 2009, 2006) ou à Galerija Vartai, Lituanie, 2011. De même, son travail a été sélectionné pour des expositions collectives dans des galeries et institutions internationales. Ses œuvres font partie de collections publiques et privées telles que la collection MACBA, la Fondation Vila Casas, la collection La Caixa, Artium, la collection Bergé, le musée Patio Herreriano ou la collection du Royal College of Art de Londres, entre autres. Pitarch déclare que son travail "se concentre sur la manière dont la productivité a affecté notre notion du temps. Le marché, le travail, la valeur ou les loisirs n'en sont que des expressions complémentaires. Il semble que la pratique artistique contemporaine, la participation et la consommation soient des activités basées sur le temps et donc soumises à un système de production". Une partie de ma pratique consiste à sauver et à réorganiser des objets, des actions ou de simples épisodes qui appartiennent à ces contextes afin de leur donner une nouvelle lecture en dehors des limites que le temps programmé ou productif détermine. Ces objets, la reproduction de ces actions et de ces épisodes doivent être lus comme des dispositifs critiques et poétiques qui rendent possible une révision décélérée de la réalité".

Estim. 1 200 - 1 600 EUR

mar. 10 sept.

MIQUEL BARCELÓ ARTIGUES (Felanitx, Majorque, 1957). "Chauvet. Cahier de félins". Livre d'art, livre d'artiste et plaque numérotée signée par l'artiste. Exemplaire 423/2998. Éditeur : Artika Coffret en bois d'érable. Dimensions : 43 x 33 cm (livre d'art et livre d'étude) ; 88 x 33 cm (dossier avec plaque) ; 49 x 37 x 5,5 cm (boîte). Le "Cahier de félins" est un hommage aux grottes Chauvet. Édition unique, limitée et numérotée à 2998 exemplaires, celui-ci étant le numéro 1932 signé par l'artiste. L'œuvre se compose d'un coffret en bois d'érable avec une reproduction d'un original de Miguel Barceló en technique de pyrogravure, d'une reproduction en fac-similé du Cahier de félins appartenant à l'artiste, d'un livre sur la découverte de la grotte Chauvet et d'une plaque numérotée avec une reproduction de l'un des félins du Cahier. Papier Tintoret Gesso de 200 gr. Couverture en toile de coton avec un original imprimé exclusivement par Barceló. Peintre et sculpteur, Barceló a commencé sa formation à l'École des arts et métiers de Palma de Majorque, où il a étudié entre 1972 et 1973. En 1974, il fait ses débuts individuels, à l'âge de dix-sept ans, à la galerie Picarol de Majorque. La même année, il s'installe à Barcelone, où il s'inscrit à l'école des beaux-arts Sant Jordi, et effectue son premier voyage à Paris. Dans la capitale française, il découvre les œuvres de Paul Klee, Fautrier, Wols et Dubuffet, ainsi que l'"art brut", un style qui exercera une influence importante sur ses premières peintures. Pendant ces années, il lit beaucoup et s'enrichit d'ouvrages aussi divers que les écrits de Breton et des surréalistes, le "Manifeste blanc" de Lucio Fontana ou l'"Histoire sociale de la littérature et de l'art" d'Arnold Hauser. En 1976, il organise sa première exposition personnelle dans un musée : "Cadaverina 15" au Musée de Majorque, qui consiste en un montage de 225 boîtes en bois avec des couvercles en verre, contenant des matériaux organiques en décomposition. La même année, de retour à Majorque, il rejoint le groupe Taller Lunàtic et participe à ses événements sociaux, politiques et culturels. En 1977, il effectue un second voyage à Paris, et se rend également à Londres et à Amsterdam. La même année, il expose pour la première fois à Barcelone et rencontre Javier Mariscal, qui deviendra l'un de ses meilleurs amis dans cette ville. Avec lui et le photographe Antoni Catany, il participe, en tant que membre du groupe "Neón de Suro", à des expositions au Canada et en Californie, et collabore à la publication de la revue du même nom. C'est également en 1977 qu'il reçoit sa première commande picturale de grand format : une peinture murale pour la salle à manger d'un hôtel de Cala Millor, à Majorque. L'année suivante, à l'âge de 21 ans, il vend ses premières œuvres à quelques collectionneurs et galeries, et s'installe finalement à Barcelone. Sa reconnaissance internationale commence au début des années quatre-vingt, donnant un élan définitif à sa carrière après sa participation à la Biennale de São Paulo (1981) et à la Documenta de Kassel (1982). En 1986, il a reçu le Premio Nacional de Artes Plásticas, et depuis lors, son travail a été récompensé par les prix les plus prestigieux, tels que le Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2003) ou le prix Sorolla de la Hispanic Society of America de New York (2007). Barceló est actuellement représenté dans les plus importants musées d'art contemporain du monde, tels que le MoMA de New York, le Centre Pompidou de Paris, le Guggenheim de Bilbao, le Marugami Hirai au Japon, le Reina Sofía de Madrid, le Patio Herreriano de Valladolid, le CAPC de Bordeaux, le Carré d'Art de Nîmes, le Musée d'Art Contemporain de Caracas et le Musée des Beaux-Arts de Boston, entre autres.

Estim. 900 - 1 000 EUR
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