Scuola spagnola; primo terzo del XVI secolo. "San Mateo". Olio su tavola. Presenta ridipinture e vecchi restauri. Misure: 62 x 43 cm. In quest'opera possiamo osservare San Matteo, accompagnato dall'uomo alato che lo identifica nel Tetramorfo, che allude al suo Vangelo: il suo testo cerca soprattutto di caratterizzare Cristo come Re dei Giudei e come il Messia che le Scritture profetizzavano, sottolineando la sua vita come uomo. Un altro esempio è la presenza del fagotto e della penna, che il santo tiene attivamente in mano, mostrandosi allo spettatore come lo scrittore di uno dei Vangeli. La scena, che si svolge in un interno, ha pochissimi elementi che non fanno riferimento all'iconografia del santo. Questi sono il bracciolo di una sedia e il tavolo come leggio su cui poggia le scritture. La scena è stata concepita attraverso le diagonali, che non seguono una prospettiva basata sul punto di fuga, ma piuttosto ne fanno a meno, concentrando l'attenzione non tanto sulla rappresentazione del santo, ma piuttosto sulla sua santità. Sia le forme spigolose dei lineamenti che le pieghe delle vesti e l'uso di colori intensi e complementari creano una scena altamente espressiva. È da notare il dettaglio raggiunto dall'artista attraverso una pennellata molto breve e precisa, in modo da poter apprezzare tutte le rughe dell'abito del santo. San Matteo Evangelista fu uno dei dodici apostoli scelti da Gesù e, secondo la tradizione cristiana, l'autore del Vangelo che porta il suo nome. È menzionato negli Atti degli Apostoli e anche nel Vangelo di Luca, sotto il nome di Levi. Matteo è identificato con un uomo o un angelo alato, simbolo del tetramorfo del profeta Ezechiele. Questa associazione è dovuta al fatto che il suo Vangelo inizia passando in rassegna la genealogia di Cristo, il Figlio dell'Uomo e anche il Figlio di Dio. La Spagna fu, all'inizio del XVI secolo, la nazione europea meglio preparata a ricevere le nuove concezioni umaniste della vita e dell'arte grazie alle sue condizioni spirituali, politiche ed economiche, anche se dal punto di vista delle forme plastiche, il suo adattamento a quelle introdotte dall'Italia fu più lento a causa della necessità di imparare le nuove tecniche e di cambiare il gusto della clientela. La pittura riflette forse meglio di altri campi artistici questo desiderio di ritorno al mondo classico greco-romano, che esalta l'individualità dell'uomo, creando un nuovo stile la cui vitalità va oltre la semplice copia. L'anatomia, il movimento delle figure, le composizioni con senso della prospettiva e dell'equilibrio, il gioco naturalistico delle pieghe, gli atteggiamenti classici delle figure cominciarono presto ad essere valorizzati; ma la forte tradizione gotica mantenne l'espressività come veicolo del profondo senso spiritualista che informa i nostri migliori dipinti rinascimentali. Anche se vale la pena menzionare che esisteva ancora una tradizione pittorica medievale, con precetti estetici realmente stabiliti nella società, in modo che entrambe le scuole coesistessero e si influenzassero a vicenda, dando origine a uno stile idiosincratico e molto personale. Questa forte e sana tradizione favorì la continuità della pittura religiosa, che accettò la bellezza formale offerta dall'arte rinascimentale italiana con un senso di equilibrio che evitava il suo predominio sul contenuto immateriale che animava le forme. Nei primi anni del secolo, le opere italiane arrivarono nelle nostre terre e alcuni dei nostri artisti si recarono in Italia, dove appresero di prima mano i nuovi standard nei centri più progressisti dell'arte italiana, sia a Firenze che a Roma, o anche a Napoli.