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9 de septiembre - Diseño: Mobiliario de vanguardia

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174 Ergebnisse

Los 2 - OSVALDO BORSANI (Varedo 1911- Milán 1985) para Tecno. Chaise-longue P40, diseño de 1955. Estructura de metal negro, tapicería original de tela roja. Detalles y asas de latón. Con logotipo Tecno. Medidas: 90 x 70 x 129 cm; 40 cm (altura del asiento). El versátil y cómodo sillón P40 fue diseñado por Osvaldo Borsani en 1955 para Tecno. Presenta multitud de comodidades: el sillón se puede ajustar en más de 400 posiciones; el respaldo se puede reclinar en diferentes ángulos, el reposacabezas se mueve hacia arriba y hacia abajo, los reposabrazos de goma flexible se pueden plegar, y el sillón tiene un reposapiernas abatible con reposapiés metálico extensible. Formado desde muy joven en la empresa familiar de muebles, Osvaldo Borsani participó en 1933 en la V Trienal de Milán, con el proyecto "Casa mínima", que obtuvo la medalla de plata. Tras graduarse en el Politécnico de Milán, conoció y colaboró con importantes artistas como Lucio Fontana, Agenore Fabbri, Aligi Sassu, Roberto Crippa, Fausto Melotti y Arnaldo Pomodoro. En 1953, junto con su hermano Fulgencio, fundó Tecno, proyecto al que dedicaría toda su vida. Sus primeros trabajos de diseño industrial fueron el sillón de inclinación variable P40 (1953) y el sofá con asiento invertible D70. En 1968 creó el sistema de oficina Graphis (junto con Eugenio Gerli, del que se distribuyeron un millón de ejemplares en todo el mundo), gracias al cual Tecno se convirtió en un fabricante de productos de diseño de oficina de renombre internacional. A finales de los años sesenta, Osvaldo Borsani creó el Centro de Proyectos Tecno con Marco Fantoni y Valeria Borsani.

Schätzw. 4 500 - 4 700 EUR

Los 3 - HARRY BERTOIA (Italia, 1915 - EE.UU., 1978) para Knoll. Pareja de sillas "Diamond". Base cromada y tapicería de tela. Buen estado. Con sello Knoll grabado. Medidas: 75 x 85 x 75 cm. La estructura de la silla Diamond tiene un diseño calado que le confiere una estética ligera y vaporosa. El asiento presenta unos laterales ligeramente curvados que complementan las líneas ligeramente puntiagudas del respaldo, creando la forma de un diamante. Las esbeltas patas metálicas contribuyen al aspecto minimalista. Pintor, artista gráfico, escultor, profesor universitario y diseñador de muebles, Harry Bertoia emigró a Estados Unidos a los quince años, y fue allí donde desarrolló su formación y su carrera. Estudió en la Detroit Society of Arts and Crafts y más tarde en la Cranbrook Academy of Art de Bloomfield (Michigan), donde más tarde se convirtió en profesor y creó el departamento de metalistería. Durante estos años comenzó a experimentar con las formas de la joyería y a explorar ideas que más tarde surgirían en su escultura y sus diseños. En 1943 comenzó su colaboración con el diseñador Charles Eames, con quien trabajó hasta 1946. Tras un periodo trabajando para Point Loma Navel Electronics como creador de manuales de equipos, en 1949 se unió a Hans Knoll en Knoll Associates. Su primera exposición de esculturas tuvo lugar en el Knoll Showroom de Nueva York en 1951, y al año siguiente Knoll patentaría su diseño de mobiliario más famoso, la silla "Diamond" de varilla soldada. En la actualidad, los diseños de Bertoia forman parte de las colecciones de los principales museos de diseño y arte contemporáneo, como el MoMA de Nueva York y muchos otros.

Schätzw. 3 000 - 3 200 EUR

Los 6 - VLADIMIR KAGAN (Worms, 1927-Florida, 2016). Juego de cuatro sillas modelo VK 101A, década de 1950. Respaldo de cuero. Con pequeños signos de uso pero en muy buen estado. Medidas: 63 x 62 x 95 cm; 45 cm (altura del asiento). Estas sillas de estructura elegantemente arqueada presentan un respaldo de cuero que fluye desde la parte superior de la barra del respaldo hasta el asiento de cuero acolchado. El ligero ángulo hacia atrás de las patas y el asiento y brazo elegantemente esculpidos acentúan tanto la comodidad como el estilo de diseño "menos es más" característico de Kagan. Aunque de origen alemán, Vladimir Kagan creció en Estados Unidos. Estudió arquitectura en la Universidad de Columbia antes de incorporarse a la carpintería neoyorquina de su padre, el maestro ebanista y coleccionista de arte Illi Kagan. Entre 1950 y 1960, Kagan se asoció con el diseñador textil e impresor Hugo Dreyfuss. El mobiliario de Kagan, decididamente moderno y escultural, tuvo un rápido éxito. Entre sus proyectos destacan los salones de cóctel para delegados de la primera sede de las Naciones Unidas en Lake Success, Nueva York (1947-48); el curvilíneo sofá Serpentine (1949); y la icónica colección de asientos Omnibus (c. 1970), entre otros. De 1990 a 1992 fue presidente de la sección neoyorquina de la Sociedad Americana de Diseñadores de Interior (ASID). En 1998 reintrodujo algunos de sus diseños clásicos en la Feria Internacional del Mueble Contemporáneo (ICFF) de Nueva York, relanzando formalmente su carrera. En 2008, lanzó la Vladimir Kagan Couture Collection, que incluye una selección de diseños de los años 50 hasta el siglo XXI. Y en 2015, Kagan diseñó una colección de muebles artísticos de edición limitada para Carpenters Workshop. La obra del diseñador se encuentra en numerosas colecciones privadas y públicas, como el Vitra Design Museum de Weil am Rhein (Alemania), el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, Die Neue Sammlung de Múnich, el San Francisco Museum of Modern Art y el Victoria and Albert Museum de Londres, entre otros. En 1980, el Fashion Institute of Technology de Nueva York rindió homenaje a Kagan con una exposición retrospectiva de treinta años: Vladimir Kagan: Tres décadas de diseño. En 2002, el Brooklyn Museum of Art le concedió el Lifetime Achievement Award; en 2001, el Pinnacle Award de la American Society of Furniture Designers; y en 2000, el Lifetime Achievement Award de la American Society of Furniture Designers.

Schätzw. 18 000 - 20 000 EUR

Los 8 - ILMARI TAPIOVAARA (Finlandia, 1914-1999) para La Permanente Mobili Cantù. Conjunto de cuatro sillas. Madera de haya oscura y cuero coñac. En buen estado con signos de uso y antigüedad. Medidas: 48 x 60 x 92 cm. Estas robustas sillas de Ilmari Tapiovaara presentan estructuras marcadamente geométricas para el asiento y el respaldo. Las juntas son muy visibles, lo que realza su carácter artesanal. Ilmari Tapiovaara fue un pionero del nuevo diseño surgido tras la II Guerra Mundial, que dejó de ser un lujo cultural para extenderse a toda la sociedad.Estudió en la Escuela de Artes Aplicadas de Helsinki, donde entró en contacto con el Funcionalismo, los diseños de mobiliario de Alvar Aalto y el Movimiento Moderno. Más tarde, sus prácticas en el estudio de Le Corbusier completaron su formación. El estrecho contacto con la naturaleza que disfrutó en su juventud también influiría en su orientación: "La naturaleza es el mejor y más cercano manual para el diseñador industrial". Tapiovaara tuvo que enfrentarse a los nuevos retos pragmáticos que planteaba el diseño industrial moderno: ensamblaje de piezas en serie, embalaje racional para el transporte y la exportación, solidez, ergonomía y exploración de técnicas y materiales. El resultado fueron diseños irónicos y persuasivos, que aludían sutilmente a la tradición y al mismo tiempo eran transgresores e intemporales, buscando la poética de la forma. Ilmari Tapiovaara murió tras sentar las bases del desarrollo del incipiente diseño industrial. Una característica de Tapiovaara era la exploración de su obra a través de la multiplicidad: de cada pieza importante creaba numerosas versiones y reediciones multiformes. Este fue el caso de piezas como la silla Fanett-Mademoiselle (1957); la famosa silla Domus (abedul macizo y madera contrachapada lacada), creada en 1946 para formar parte del mobiliario de la residencia de estudiantes Domus Académica, producida posteriormente por Knoll como FinnChair y de la que se hicieron múltiples versiones a lo largo de las décadas, o la mesa Trienna (1954); la silla Lukki, de acero tubular curvado y madera contrachapada, apilable en diferentes versiones en 1954 y 1956; la cubertería Otto (1986), o la lámpara Maija Mehiläinen para Asko (1957), que más tarde publicó Santa & Cole.Sus proyectos de interiorismo en Finlandia, Estados Unidos y Europa, como el OKO Bank de Helsinki, las salas de exposición de Olivetti, el Hotel Intercontinental, etc. Tapiovaara también dedicó parte de su carrera profesional a la enseñanza (en Estados Unidos y Finlandia). Creía que había que enseñar filosofía a los diseñadores, pues sin ideas no hay diseño, y opinaba que "Leonardo fue el más famoso y quizá el mejor diseñador de productos de la historia".

Schätzw. 3 200 - 3 400 EUR

Los 17 - ÖRNI HALLOWEEN; ERNESTO GISMONDI (Italia, 1931) para Artemide. Lámpara de suspensión Minosse. Metal lacado en blanco en el interior y rojo en el exterior. Sistema de suspensión que permite orientarla en diferentes direcciones. Excelente estado, sin uso previo. Medidas: 20 x 80 x 80 cm. Örni Halloween es el seudónimo utilizado por Ernesto Gismondi desde 1974 hasta mediados de los 90 para firmar sus primeros proyectos de lámparas y muebles para Artemide, prefiriendo mantener su propia figura de empresario separada de la de diseñador, para desarrollar simultáneamente estas dos actividades y poder expresarse libremente en sus diseños. El ingeniero y diseñador industrial italiano Ernesto Gismondi estudió ciencias aeronáuticas y aeroespaciales en Milán y Roma, y tras licenciarse en 1959 fundó la empresa Artemide, especializada en la producción de piezas de iluminación junto con Sergio Mazza. A partir de 1970, Gismondi diseñó numerosas lámparas publicadas por Artemide, como la "Tholos" (1979), la "Zen" (1988) y la "Tebe". También participó activamente en las tendencias progresistas del diseño italiano, patrocinando y presidiendo el grupo Memphis y ocupando el cargo de vicepresidente de la ADI (Asociación de Diseño Intrustial). También es miembro del Consejo de la Trienal de Milán, entre otros cargos y funciones relacionados con diversos aspectos del diseño. Su obra está representada actualmente en varios museos dedicados al diseño industrial.

Schätzw. 1 100 - 1 200 EUR

Los 24 - JULES WABBES (Bélgica, 1919- 1974). Mesa de centro, años sesenta. Bronce y cristal. Presenta un ligero desgaste acorde con el uso y la edad. Medidas: 43 x 120 cm (con cristal); 40 x 79 cm (sin cristal). A lo largo de su vida, Wabbes mostró un gran interés por el arte y el diseño. Estudió arquitectura en la Academia de Bellas Artes de Bruselas y se licenció en 1943. Sin embargo, tras finalizar sus estudios, el artista decidió centrarse en el diseño de muebles y objetos, dejando de lado la arquitectura. En sus comienzos, Jules Wabbes trabajó como diseñador de interiores y escenógrafo teatral. Pero, en la década de 1950, empezó a destacar en el diseño de mobiliario e iluminación, creando piezas de gran calidad y belleza estética. Sus creaciones, caracterizadas por líneas limpias y funcionales, fueron muy populares tanto en Bélgica como en otros países. Wabbes aprovechaba su habilidad para trabajar con maderas nobles y otros materiales de alta calidad, lo que le permitía crear muebles y lámparas que combinaban elegancia y funcionalidad. Sus diseños eran atemporales y se adaptaban perfectamente a diferentes estilos y espacios. A lo largo de su carrera, Jules Wabbes también tuvo la oportunidad de trabajar en varios proyectos de gran envergadura, como la creación de mobiliario para embajadas belgas en distintos países y para varios edificios emblemáticos de Bélgica. A pesar de su éxito y reconocimiento en el mundo del diseño, Wabbes mantuvo un perfil bajo y era conocido por su humildad y dedicación a su trabajo. Falleció el 10 de mayo de 1974, dejando un importante legado en el diseño de mobiliario e iluminación, y siendo recordado como uno de los grandes maestros del diseño belga.

Schätzw. 6 000 - 7 000 EUR

Los 25 - PIERRE JEANNERET (Ginebra, 1896-1967). Silla Box o modelo PJ-SI-53A, 1960. Armazón de teca maciza de la India. Asiento y respaldo de caña. Numerada. Medidas: 75 x 51 x 51 cm. La Silla Box también se conocía como "Silla de oficina con asiento de caña y respaldo de caña" cuando formaba parte del mobiliario de la Universidad Panjab de Chandigarh hacia 1960. Su nombre se debía a que el rasgo distintivo de este diseño es el conjunto de patas dobles asimétricas estilo caja que sirven también de reposabrazos y base. Cabe destacar que el respaldo, ligeramente inclinado y curvado, está separado del asiento. Nacido en Ginebra en 1896, Pierre Jeanneret estudió en la Escuela de Bellas Artes. En 1922, empezó a trabajar en su nuevo taller de la rue de Sèvres, en París, con su primo, el también diseñador Le Corbusier, con quien compartió proyectos de investigación y criterios de diseño gracias a una profunda relación profesional. En octubre de 1927, ambos decidieron incorporar a su proyecto a una joven arquitecta que ya había empezado a hacerse un nombre en la escena arquitectónica de la época: Charlotte Perriand. La colaboración de las tres personalidades duró hasta 1937 y fue extremadamente fructífera, especialmente en el campo del diseño de mobiliario. Fue una cooperación muy significativa, tanto por el interés cultural de sus realizaciones como por el éxito profesional. Fue junto con Charlotte Perriand cuando abordaron el innovador proyecto de "l'équipement de la maison", cuyo resultado fue de gran valor intelectual y considerable éxito comercial. En 1951, Le Corbusier sugirió un nuevo proyecto para celebrar la independencia de la India y la apertura de la nación a la modernidad, que consistía en el diseño de una ciudad, Chandigarh, capital del Punjab. Chandigarh, en el norte de la India, es una ciudad construida de la nada. Diseñada por Le Corbusier, nació como icono de la liberación del colonialismo del pasado. Pierre Jeanneret es considerado -a pesar de la ausencia de documentación que lo demuestre- el autor de la mayor parte del mobiliario de Chandigarh. El resultado son diseños universalmente conocidos, realizados con respeto a las técnicas empleadas en los productos originales, fabricados en la India por artesanos locales. La experiencia de Pierre Jeanneret en la India duró hasta el final de sus días, en 1967, y su estrecho y continuo contacto con el territorio local llevó a sus muebles a incorporar formas esenciales con materiales sencillos. En la actualidad, la obra de Jeanneret se encuentra en museos como el Museo de Arte Moderno (MoMA), el Vitra Designs Museum, el Museum Boijmans van Beuningen, el Museum for Gestaktung Zurich, los Museos de la India y el Museo Perre Jeanneret.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 30 - PERE COSP (Barcelona, 1907-2007). Pareja de sillas calzador, 1948-1949. Madera de nogal. Marcas de uso. Tapicería dañada y sucia. Necesita renovación. Xilófagos antiguos. Procedencia: Casa en Llavaneras (Barcelona) con interior diseñado íntegramente por Pere Cosp en 1948-1949, referenciado en la web dedicada al autor, perecosp.wordpress.com, donde se recogen los diseños de interior más importantes que realizó para particulares y empresas. Medidas: 72 x 43 x 47 cm. Pareja de sillas calzadas diseñadas por Pere Cosp, con patas traseras de sable y respaldo calado. El acabado artesanal se combina con un concepto moderno, característico del autor. Pere Cosp fue un interiorista barcelonés. De formación eminentemente autodidacta, Pere Cosp reorientó el taller artesanal familiar hacia el interiorismo y la decoración integral. La profesión le sirvió para dar rienda suelta a su talento creativo, intencionadamente alejado de las modas y tendencias de la época. Prueba de la personalidad inconformista e inquieta que le definía son los diseños de sus muebles, que aún conservan un espíritu innovador y transgresor. Cosp asistió a la Escuela de Artes y Bellos Oficios, así como a las clases de perspectiva del profesor Arola. Pero más importante para él fue la parte práctica: entrar en el taller familiar y conocer de primera mano todos los oficios que allí se realizaban: dorados, molduras y todo tipo de trabajos de restauración. También trabajó con el mueblista Alonso y el decorador Parcerises. Pere Cosp fue pionero en la utilización de materiales que podríamos llamar humildes, como la madera de pino, el aglomerado, la rafia, etc., que elevó a un nivel superior por su tratamiento y utilización. Colaboró a menudo con otros oficios: en el campo del metal, trabajó con Biosca y Botey y Pere Peronella. En esta línea de colaboraciones, produjo pies de biombo, apliques de pared, muebles de exterior para jardines, una extensa colección de pomos y tiradores. La decoración de estos elementos o el acabado final se realizaba siempre en el taller. Realizaba combinaciones de gran belleza: piedra, mármol -Terra Passani era el principal proveedor-, mosaico, en colaboración con Bru, vidrio, Granell, esmalte, Morató, lacas. A lo largo de sus 50 años de carrera, transformó un centenar de casas particulares en viviendas modernas, a menudo adelantadas a su tiempo. Su sello personal impregnaba cada rincón del hogar: distribuía los espacios, diseñaba el mobiliario y decidía hasta el más mínimo detalle decorativo.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 33 - SERGIO ASTI (Milán, 1926-2021) para Zanotta. Pareja de sillas plegables Navy, 1969. Estructura de madera clara. Tapizado en piel natural de alta calidad. Medidas: 87 x 57 x 60 cm. Pareja de sillones plegables de estructura abierta fabricados en madera con asiento y respaldo tapizados en piel natural de alta calidad. Las patas de tijera en forma de X se pliegan de tal manera que facilitan el almacenamiento de los sillones y al mismo tiempo les dan un aspecto distintivo. Sergio Asti estudió en el Politécnico de Milán y comenzó su carrera en los años 50 trabajando para empresas de diseño industrial como Kartell, Cassina, Knoll, Poltronova, Gabbianelli y Olivetti. Asti es conocido por su estilo minimalista y elegante y por el uso de formas geométricas sencillas y colores vivos. Abrió su estudio en 1953, convirtiéndose en uno de los primeros diseñadores industriales italianos y uno de los miembros fundadores de la ADI (Asociación de Diseño Industrial). Algunos de sus diseños más famosos son la lámpara "Daruma" para FontanaArte, la silla "Siesta" para Gabbianelli, la lámpara "Cobra" para Martinelli Luce y la máquina de escribir "Valentine" para Olivetti. Desde sus comienzos, también se dedicó al diseño de edificios públicos y privados, interiores y equipamientos, entre ellos: la sala de exposiciones de Fiat (Milán, 1964), las oficinas de la presidencia de la FISI (Milán, 1976). También impartió clases en el Istituto Superiore d'Arte de Venecia y en el Istituto Sperimentale Superiore de Shizuoka (Japón). En 1956 y 1960 recibió el Compasso d'Oro. Su obra se conserva actualmente en el MoMA de Nueva York y en el Musée des Arts Décoratifs de París, entre otras colecciones públicas y privadas.

Schätzw. 1 100 - 1 200 EUR

Los 35 - Atribuido a PIETRO CHIESA (Milán, 1892-1948) para Fontana Arte. Lámpara, años 50. Latón y pantalla de metal perforado. Dos puntos de luz. En buen estado vintage. Medidas: 42 x 32 x 32 cm. Esta lámpara responde al diseño y proporciones italianas de mediados de siglo, con toques refinados como el pequeño pomo de la parte superior. La pátina que ha adquirido con el tiempo es magnífica y realza la pieza. Se eleva sobre un pie circular pulido sobre el que descansa el fuste tubular, reforzado en el centro por una estructura estriada. La pantalla perforada y en forma de cúpula cubre completamente las fuentes luminosas. Considerado uno de los principales exponentes del art déco italiano, Pietro Chiesa trabajó como aprendiz en el estudio del diseñador de muebles y decorador de interiores Giovan Battista Gianotti en Milán. En 1921 abrió la Botega di Pietro Chiesa en Milán. En 1925, el diseñador milanés expuso en la "Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes" de París. En 1927 se unió a Gio Ponti, Michele Marelli, Tomaso Buzzi, Emilio Lancia y Paolo Venini para fundar Il Labirinto, donde se fabricaban muebles de alta calidad de estilo Novecento. Allí se concentró principalmente en el diseño de vidrio. En 1933, Chiesa se convirtió en director artístico de Fontana Arte, la empresa fundada por Gio Ponti y Luigi Fontana. Fontana Arte empezó concentrándose en el mobiliario y el vidrio, pero más tarde se hizo conocida por la iluminación. Pietro Chiesa trataba el vidrio como un material valioso, fragmentándolo y utilizando técnicas de corte especiales. Al mismo tiempo creaba formas puras, como la mesa de cristal de 1932, hecha de una sola tira plegada de cristal transparente. En 1933 diseñó "Luminator", una elegante lámpara de pie en forma de flauta hecha de tubo de latón lacado, que proporcionaba luz indirecta.

Schätzw. 700 - 750 EUR

Los 38 - JUUL KRISTENSEN (Dinamarca) para Glostrup Møbelfabrik. Sillón, años 60. Teca, tapizado en lana fina. Con etiqueta de la firma. Medidas: 100 x 80 x 79 cm. Sillón diseñado por Juul Kristensen y fabricado en Dinamarca por Glostrup Møbelfabrik en los años sesenta. La estructura de madera de teca, con los brazos y las patas (las posteriores oblicuas) talladas de forma orgánica, así como el respaldo calado, muestran un trabajo excepcional, genuinamente nórdico en el tratamiento artesanal de los acabados. Se han evitado los bordes en el conjunto de la estructura, lo que le confiere fluidez en sus líneas y calidez en su aspecto. Los cojines del asiento y del respaldo están recubiertos de un fino tejido de lana. Juul Kristensen comenzó su carrera trabajando para empresas danesas de diseño y mobiliario, como Fritz Hansen y Rosendahl A/S. En 1969 fundó su propia empresa de diseño. En 1969 fundó su propia empresa de diseño, Juul Kristensen Design, que producía muebles, iluminación y accesorios para el hogar. A lo largo de su carrera, Kristensen ha recibido numerosos galardones y premios por sus logros en el diseño, entre ellos el Prix d'Excellence de la Fundación Danesa de Diseño en 1974 y el Grand Danish Design Award en 1987. Sus diseños suelen caracterizarse por su sencillez y funcionalidad, y por el uso de materiales naturales como la madera y el cuero. Entre sus creaciones más conocidas figuran el sillón "Kilin" para Fritz Hansen y la lámpara de escritorio "Diva" para Le Klint. Juul Kristensen está considerado uno de los diseñadores daneses más influyentes y contribuyó a dar forma a la estética del diseño escandinavo moderno. Falleció en 2016 a los 79 años.

Schätzw. 1 900 - 2 200 EUR

Los 39 - ALFRED ALTHERR JUNIOR (Wuppertal, 1911-1972). Aparador, Suiza, años 1950. Madera parcialmente policromada en rojo y azul cerúleo. Patas de metal. Pieza de colección. Original. Medidas: 120 x 45 x 72 cm. Aparador diseñado en los años 50 por Alfred Altherr. Se trata de una pieza original de época. El minimalismo funcional, su ingenioso enfoque de la simplicidad estructural y el buen gusto de los acabados reúnen elementos característicos de la obra de este arquitecto y diseñador suizo. El aparador tiene puertas correderas con tiradores en forma de molduras de perfil inclinado. La madera natural del cuerpo rectangular y de los tiradores se combina con el rojo y el malva o azul cerúleo de las puertas. El interior está compartimentado con estantes. La estructura se alza sobre patas de horquilla de metal negro, típicas de la estética de los años 50. Destaca también el excelente acabado gracias al uso de materiales de alta calidad. El diseño de esta pieza responde al estilo propugnado por las figuras estelares de la época, como Charlotte Perriand y Jean Prouvé: la eliminación de toda ornamentación superflua, dando lugar a diseños minimalistas y prácticos; adaptabilidad, artesanía, funcionalidad y formas limpias. Alfred Altherr fue profesor en la Schule für Gestaltung de Zúrich, donde enseñó diseño de interiores y arquitectura. Su enfoque pedagógico promovía una combinación de funcionalidad y estética, característica esencial del diseño suizo moderno. También es conocido por sus diseños de muebles, que destacan por su sencillez, funcionalidad y uso de materiales de alta calidad. Muchos de sus diseños reflejan una influencia del movimiento moderno, con líneas limpias y una cuidadosa atención a la ergonomía. A lo largo de su carrera, Altherr trabajó en diversos proyectos de arquitectura y diseño de interiores. Su trabajo abarcó desde la planificación de espacios residenciales hasta la creación de muebles innovadores. Muebles de Altherr: Banco Landi, con Charles Hoch, para la Exposición Nacional Suiza de 1939; Muebles para FREBA. Publicaciones: Nueva Arquitectura Suiza. Nueva Arquitectura Suiza. Gerd Hatje, Stuttgart 1965; Tres arquitectos japoneses. Mayekawa. Tange. Sakakura. Publicado por Niggli, Teufen 1968. Alfred Altherr dejó una huella imborrable en el diseño suizo y europeo. Su contribución se refleja en la adopción generalizada de los principios del diseño moderno en el mobiliario y la arquitectura en Suiza. Además, su influencia como educador ayudó a formar a nuevas generaciones de diseñadores y arquitectos, que continuaron desarrollando los principios del diseño funcional y estético.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 40 - VINCENT MARTINEZ BURJASSOT (Valencia, 1949) para Punt Mobles. Mesa "Halley". Metal negro y madera. El tablero de madera se ha fabricado por encargo. En muy buen estado. Este productor vintage no tiene defectos, pero puede tener ligeras marcas de desgaste. Liero desgaste acorde con el uso y la edad. Medidas: 72 x 90 x 90 cm. La mesa Halley se distingue por su geometría precisa y lineal que busca en su contradicción constructiva recordar la proyección de una cometa. Su materialidad se conforma combinando madera y metal. Recibió el reconocimiento del Staatliches Museum für Angewandte de Múnich (Alemania). "El momento en que el pensamiento se convierte en objeto es emocionante, los proyectos son ante todo ideas. Las ideas son irreales hasta que la acción las inserta en lo real. El usuario como referente. Diseñar para un mundo en el que la calidad de vida de todas las personas sea mejor", afirma Vicent Martínez. La importancia de Vicent Martínez se refleja en su presencia en museos como el Museu d'Arts Decoratives. Barcelona, España: Estantería La Torre, mesa Anaconda, colección modular Concert y estantería Literatura Classic. 1994; el archivo personal y profesional 1965-2010 depositado en el Arxiu Valencià del Disseny. 2019; en el Museum Fur Musem fur Angewandte Kunst. Colonia, Alemania: Shelves Literatura Classic y La Torre. 1992 y el Staatliches Museum für Angewandte. Munich, Alemania: Halley y Tablas Mágicas. 1992. A lo largo de su trayectoria como artista ha participado en el IVAM. Diseño Valenciano 2009-2019 Sede de Alcoi. 2020; 30 Años de Literatura Clásica. Escuela de Arte y Superior de Diseño de Valencia. 2015 así como en otras importantes exposiciones.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 41 - AFRA SCARPA (Montebelluna, 1937 - Treviso, 2011) & TOBIA SCARPA (Venecia, 1935). Escritorio de Artona. Madera de raíz y cuero. Medidas: 83 x 250 x 43 cm. La serie "Artona" es una de las más codiciadas y solicitadas por el matrimonio Scarpa. Se caracteriza por el magnífico acabado de sus maderas, así como por el delicado tratamiento de la piel marrón que recubre y completa las piezas. Este escritorio tiene una estructura marcadamente horizontal, con volúmenes sencillos y redondeados. En la parte frontal, se organiza en dos puertas laterales verticales conectadas por dos cajones. Los inicios de Tobia Scarpa fueron como diseñador de vidrio en la fábrica de cristal de Murano de Venini, hasta que en 1960 Tobia y Afra, su mujer, decidieron abrir su estudio. Entre sus clientes se encontraban Gavina, B&B Italia, Cassina y Meritalia. En 1964, colaboraron con la empresa de ropa Benetton para diseñar la primera fábrica textil de la firma. Afra y Tobia Scarpa se encargaron de los interiores de las oficinas de la empresa en París, Friburgo y Nueva York. Afra y Tobia Scarpa recibieron el Compasso d'Oro en 1969 y el International Forum Design en 1992. Sus muebles se han publicado en artículos de revistas como L'ŒIL, y de 2004 a 2007, la pareja colaboró en numerosos proyectos de restauración de edificios históricos como el Palazzo della Ragione de Verona (Italia). Desde 2002, Tobia imparte clases en el Departamento de Diseño de la Università Iuav di Venezia de Venecia (Italia). Algunos de los diseños de Afra y Tobia Scarpa se encuentran en instituciones como el MOMA, el Museo Nacional de Diseño de Nueva York, el Museo de Arte de Filadelfia, el Museo del Louvre o el Museo Victoria and Albert, entre otras instituciones.

Schätzw. 3 200 - 3 500 EUR

Los 42 - HANS J. WEGNER (Dinamarca, 1914 - 2007) para ANDREAS TUCK. Modelo de mesa "at10", años sesenta. Madera de teca y roble. Medidas: 50 x 160 x 50 cm. Mesa baja realizada en madera de teca y roble, excepto la balda inferior, calada, en rejilla. Es un diseño ligero, de raíces geométricas y líneas rectas y limpias, suavizadas por ángulos curvos, típico del diseño danés de los años cincuenta y sesenta. Consta de un tablero rectangular moldeado en su perímetro exterior y cuatro patas cilíndricas. Hans J. Wegner fue una figura destacada del diseño de muebles, cuyas ideas contribuyeron a la popularidad internacional del diseño danés a mediados del siglo XX. Su obra pertenece a la escuela moderna, caracterizada por un énfasis especial en la funcionalidad. Comenzó su formación muy joven, como aprendiz del ebanista H. F. Stahlberg. Pronto descubrió un gusto especial por el uso de la madera, y su trabajo en el taller de ebanistería le permitió experimentar con diferentes tipos y diseños. A los diecisiete años terminó su aprendizaje, aunque permaneció en el taller tres años más, hasta que se alistó en el ejército. Tras el servicio militar, ingresó en una escuela técnica, y después en la Danmarks Designskole, donde recibió clases de O. Mølgaard Nielsen, y en la Academia de Arquitectura de Copenhague. En la capital danesa entró en contacto con las Exposiciones de Muebles del Gremio de Carpinteros, donde empezó a mostrar sus creaciones en 1927. Durante estos años, Wegner colaboró con maestros ebanistas como J. Hansen, L. Pontoppidan, N. Vodder, J. Kjaer, A. J. Iversen, Moos y R. Rasmussen, así como con los arquitectos daneses más destacados de la época, entre ellos K. Klint, V. Lauritzen y V. Lauritzen. Klint, V. Lauritzen O. Wanscher y M. Voltelen. Las exposiciones anuales darían al joven ebanista experiencia de lo que se podía conseguir con la combinación de diseño y artesanía, lo que le llevó a dedicarse plenamente al diseño. Ya en sus primeras piezas, Wegner mostró su interés por el concepto de "despojar a las sillas antiguas de su estilo exterior y mostrarlas en su estructura pura". A lo largo de su carrera, el diseñador recibió galardones como el Premio Lunning en 1951, el Gran Premio de Milán en la Trienal de Milán del mismo año, la Medalla Príncipe Eugenio en Suecia y la Medalla Exkersberg danesa. En 1959 fue nombrado diseñador real honorario para la industria por la Royal Society of Arts de Londres. En la actualidad, sus diseños están presentes en colecciones como la del MoMA de Nueva York o Die Neue Samlung de Múnich.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 43 - JORDI VILANOVA (Barcelona, 1925-1998). Mesa de centro, años 60. Chapa de nogal y escayola. Incorpora ruedas, ocultas. Medidas: 100 x 100 x 43 cm. En las piezas más notables de Jordi Vilanova queda patente su admiración por el diseño nórdico. En esta mesa de centro con cajonera y estante interior, consigue una paradójica combinación de robustez y ligereza: el volumen, achaflanado en las esquinas y elevado del suelo (esconde ruedas), se aligera de forma natural. Además, establece un juego geométrico que esencializa las formas e integra en su diseño las asas cuadradas (metálicas) y el tapete circular de escayola negra que protege la encimera. Interiorista y ebanista catalán, Jordi Vilanova ingresó en la Escuela de Trabajo y Oficios Artísticos de la Lonja en 1939. Completó su formación en el taller de Busquets, y entre 1940 y 1953 colaboró en el estudio de Lluís Gili. Jordi Vilanova fue fundador y promotor de la revista catalana de arte "Questions d'Art" (1967-74). En 1974 inauguró un local con exposición permanente de muebles y tapizados de diseño propio, formando parte del Colegio Oficial de Decoradores y Diseñadores de Interior de Barcelona y de la SAD. Sus muebles modernos y su forma de resolver los espacios se dirigieron inicialmente a un gran público de escasos recursos económicos y, en consecuencia, a hogares con menos espacio habitable. Sin embargo, esta gran mayoría no entendió su propuesta. En cambio, fue la burguesía catalana, deseosa de romper con cánones estilísticos anticuados, la que abrazó su obra. Su especialidad fueron los muebles para niños, como el taburete Delta, que obtuvo el Premio Delta de Plata otorgado por la ADI/FAD en 1964. Realizó exposiciones de su obra en Escandinavia. Entre sus diseños más representativos destacan las sillas Tiracord y Billar (1961), la litera Montseny MP (1961), las mecedoras Tartera (1966) y Petit (1978) y el revistero Z (1987) diseñado junto a su hijo Pau Vilanova Vila-Abadal. Actualmente está representado en el Museo del Diseño de Barcelona.

Schätzw. 1 800 - 2 200 EUR

Los 45 - YRJÖ KUKKAPURO (Finlandia, 1933) para Haimi. Pareja de sillones "Pressu", diseño 1972. Lona recubierta de poliuretano. Estructura tubular de acero cromado. Medidas: 66 x 72 x 72 cm. Yrjö Kukkapuro diseñó la silla Pressu para Haimi en 1972. El nombre del modelo hace referencia al material textil utilizado, una lona recubierta de poliuretano muy resistente e impermeable. Los conocedores del diseño de mediados de siglo podrán relacionar el modelo en puja con la silla Paimio de Alvar Aalto. Considerado una de las figuras más importantes del diseño escandinavo de todos los tiempos, Yrjö Kukkapuro ha trabajado como creador independiente y arquitecto de interiores desde sus primeras obras en 1957 hasta las más recientes en 2007. Sus obras se caracterizan por un estricto control de la forma y una extrema atención al detalle, así como por la búsqueda de formas ergonómicas. De 1974 a 1980 trabajó también como profesor de Arte y Diseño. Entre sus creaciones destacan la silla de oficina "Sirkus", la silla "Remmi", la silla de oficina "Fysio" (galardonada con numerosos premios internacionales) y el sillón "Karuselli" (1965). También ha sido diseñador jefe de empresas como Haimi, Lepokalusto y Avarte. En la actualidad, Yrjö Kukkapuro sigue trabajando y diseña principalmente para la empresa Avarte. Uno de sus trabajos más recientes es la colección Element de 2007. Actualmente sus obras forman parte de colecciones como la del Victoria & Albert Museum de Londres; el MoMA de Nueva York y el Vitra Design Museum de Weil am Rhein (Alemania) entre otras.

Schätzw. 2 000 - 2 200 EUR

Los 51 - FOLKE OHLSSON (Suecia, 1919 - 2003) para Dux Möbel AB. Pareja de sillones USA 75. Estructura de nogal americano. Terciopelo beige. Falta un botón en un cojín. Medidas: 70 x 77 x 73 cm. Folke Ohlsson fue autor de prestigiosos modelos de sillas y sillones que responden al gusto de la escuela de mediados de siglo de posguerra por las líneas suaves, ligeras, de aspecto orgánico y confortable. Los que ahora presentamos son un par de sillones de estructura maciza de madera de nogal americano y asiento y respaldo tapizados en terciopelo beige, contrastando con esta estructura de líneas suaves y fluidas. La ausencia de estridencias y el uso de materiales nobles como la madera de nogal son elementos inextricables del carácter escandinavo y del entorno natural de estos países. El diseñador sueco Folke Ohlsson, afincado en Estados Unidos desde 1953, fue muy popular desde finales de los años cincuenta y especialmente en los sesenta, y a lo largo de su carrera recibió más de treinta premios, entre ellos la Trienal de Milán y la exposición "Good Design" del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Fundador de la internacionalmente reconocida firma DUX, fue autor de diseños atemporales pero al mismo tiempo fiel reflejo de su tiempo, y de hecho sus piezas se cuentan entre las más copiadas hasta nuestros días. Ohlsson contribuyó de forma importante a la difusión y popularización del mobiliario escandinavo moderno en Estados Unidos, y en 1964 el rey Gustavo VI Adolfo de Suecia le concedió la Real Orden de Vasa en reconocimiento a su labor.

Schätzw. 3 200 - 3 500 EUR

Los 53 - JOAN ANTONI BLANC (Tortosa, 1940) para Tramo. Lámpara de mesa "Seta/Tulipán", 1968. Doble pantalla de plástico en amarillo y blanco en el interior que produce una luz espectacular. Muy buen estado general con algunos signos de la edad. Selección adi fad. Medidas: 56 cm (altura) x 36 cm (diámetro pantalla). La lámpara "Seta/Tulipán" se distingue por su pantalla semioval que recuerda el sombrero de una seta, así como por el pie circular que se eleva ligeramente en su zona central para unirse con el fuste cilíndrico. Ha sido editada por Tramo (Trabajos molestos), empresa fundada por el emblemático diseñador catalán Miguel Milá. Joan Antoni Blanc fue uno de los fundadores de la escuela Eina y uno de los principales defensores de la necesidad de incorporar conocimientos tecnológicos y orientar el diseño en aplicaciones industriales. Se especializó en el campo del diseño, especializándose en mobiliario e iluminación aplicados al ámbito doméstico, urbano y de oficinas, aunque también ha desarrollado diversos diseños relacionados con la náutica, el automovilismo y el motociclismo. En 1972 creó el "Estudi de Disseny Blanc", incorporando como ayudante a Pau Joan Vidal, diseñador industrial formado en las escuelas Massana y Elisava, que más tarde se convertiría en su socio. También fue presidente de la Asociación de Diseñadores Profesionales entre 1986 y 1989 y participó en la creación de BCD. Entre los productos desarrollados por Blanc, destacan la lámpara "Cónica" (Delta de Oro ADI-FAD en 1965), el sistema de armarios y cajones "Cubiform", la lámpara "semiesférica" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966), el conjunto de elementos extensibles "Torre de Babel", la lámpara "globo" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966), y el conjunto de elementos extensibles "Torre de Babel" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966), la lámpara "Globe" (Delta de plata ADI-FAD en 1968), el sistema de estanterías y contenedores "Perfils", la lámpara "Sinclina" (Delta de plata ADI-FAD y premio al mejor diseño español en la feria de Madrid de 1991), el sistema de estanterías "Prima 1000" y la lámpara "Escala". El Museo del Diseño de Barcelona custodia parte de sus fondos documentales y tres piezas diseñadas por Joan Antoni Blanc: el armario "Cubiform" y las lámparas de pie "Escala" y "Sinclina". La lámpara "Seta/Tulipán" se distingue por su pantalla semioval que recuerda el sombrero de una seta, así como por el pie circular que se eleva ligeramente en su zona central para unirse al fuste cilíndrico. Fue editada por Tramo (Trabajos molestos), empresa fundada por el emblemático diseñador catalán Miguel Milá. Joan Antoni Blanc fue uno de los fundadores de la escuela Eina y uno de los principales defensores de la necesidad de incorporar conocimientos tecnológicos y orientar el diseño en aplicaciones industriales. Se especializó en el campo del diseño, especializándose en mobiliario e iluminación aplicados al ámbito doméstico, urbano y de oficinas, aunque también ha desarrollado diversos diseños relacionados con la náutica, el automovilismo y el motociclismo. En 1972 creó el "Estudi de Disseny Blanc", incorporando como ayudante a Pau Joan Vidal, diseñador industrial formado en las escuelas Massana y Elisava, que más tarde se convertiría en su socio. También fue presidente de la Asociación de Diseñadores Profesionales entre 1986 y 1989 y participó en la creación de BCD. Entre los productos desarrollados por Blanc, destacan la lámpara "Cónica" (Delta de Oro ADI-FAD en 1965), el sistema de armarios y cajones "Cubiform", la lámpara "semiesférica" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966), el conjunto de elementos extensibles "Torre de Babel", la lámpara "globo" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966), y el conjunto de elementos extensibles "Torre de Babel" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966), la lámpara "Globe" (Delta de plata ADI-FAD en 1968), el sistema de estanterías y contenedores "Perfils", la lámpara "Sinclina" (Delta de plata ADI-FAD y premio al mejor diseño español en la feria de Madrid de 1991), el sistema de estanterías "Prima 1000" y la lámpara "Escala". El Museo del Diseño de Barcelona custodia parte de sus fondos documentales y tres piezas diseñadas por Joan Antoni Blanc: el armario "Cubiform" y las lámparas de pie "Escala" y "Sinclina".

Schätzw. 800 - 900 EUR

Los 55 - JOAN ANTONI BLANC (Tortosa, 1940) para Tramo. Lámpara de pie "Cigüeñal", 1968. Metal cromado. Pantalla de metacrilato blanco. Cigüeñal de pie adi-fad (extensible sube y baja). Medidas: 150 cm (altura mínima); 195 cm (altura máxima); 36 cm (diámetro pantalla). La lámpara "Cigüeñal" se distingue por su ingenioso sistema de rotación que permite fijarla en múltiples posiciones, así como por el delicado equilibrio conseguido entre el fino fuste de metal cromado y su gran pantalla de metacrilato blanco. Ha sido editada por Tramo (Trabajos molestos), empresa fundada por el emblemático diseñador catalán Miguel Milá. Joan Antoni Blanc fue uno de los fundadores de la escuela Eina y uno de los principales defensores de la necesidad de incorporar conocimientos tecnológicos y orientar el diseño en aplicaciones industriales. Se especializó en el campo del diseño, especializándose en mobiliario e iluminación aplicados al ámbito doméstico, urbano y de oficinas, aunque también ha desarrollado diversos diseños relacionados con la náutica, el automovilismo y el motociclismo. En 1972 creó el "Estudi de Disseny Blanc", incorporando como ayudante a Pau Joan Vidal, diseñador industrial formado en las escuelas Massana y Elisava, que más tarde se convertiría en su socio. También fue presidente de la Asociación de Diseñadores Profesionales entre 1986 y 1989 y participó en la creación de BCD. Entre los productos desarrollados por Blanc, destacan la lámpara "Cónica" (Delta de Oro ADI-FAD en 1965), el sistema de armarios y cajones "Cubiform", la lámpara "semiesférica" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966), el conjunto de elementos extensibles "Torre de Babel", la lámpara "globo" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966), el conjunto de elementos extensibles "Torre de Babel", la lámpara "globo" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966) y el sistema de armarios y cajones "Torre de Babel", la lámpara "Globo" (Delta de plata ADI-FAD en 1968), el sistema de estanterías y contenedores "Perfils", la lámpara "Sinclina" (Delta de plata ADI-FAD y premio al mejor diseño español en la feria de Madrid de 1991), el sistema de estanterías "Prima 1000" y la lámpara "Escala". El Museo del Diseño de Barcelona custodia parte de sus fondos documentales y tres piezas diseñadas por Joan Antoni Blanc: el armario "Cubiform" y las lámparas de pie "Escala" y "Sinclina".

Schätzw. 1 300 - 1 500 EUR

Los 56 - JAVIER MARISCAL (Almazora, Castellón, 1950) para Akaba. Silla "Garriris", 1987. Armazón de tubo cuadrado de acero cromado con aluminio, asiento de madera contrachapada y tapicería de cuero rojo. En muy buen estado. Este modelo se encuentra en importantes colecciones y museos como el Victoria & Albert Museum de Londres, y el Museu del Disseny de Barcelona. Se expuso en el George Pompidou de París con motivo de la exposición Nouvelles Tendances en 1987. Medidas: 97 x 44 x 60 cm. La silla Garriris asimila al personaje animado Mickey Mouse con las icónicas orejas en el respaldo y sus característicos zapatos. Reconocido diseñador industrial, dibujante e historietista, Javier Mariscal vive y trabaja en Barcelona desde 1970. Estudió diseño en la Escuela Elisava de Barcelona, pero pronto abandonó los estudios para aprender directamente de su entorno y seguir sus propios impulsos creativos. Comenzó su carrera en el mundo del cómic underground en publicaciones como "El Rrollo Enmascarado" o "Star", junto a Farry, Nazario y Pepichek. Tras realizar sus primeros cómics propios a mediados de los setenta, en 1979 diseñó el logotipo del Bar Cel Ona, trabajo por el que empezó a ser conocido por el gran público. Al año siguiente abrió en Valencia el Dúplex, el primer bar firmado por Mariscal, junto a Fernando Salas, para el que diseñó una de sus piezas más famosas, el taburete Dúplex, todo un icono del diseño de los ochenta dentro y fuera de nuestras fronteras. En 1981 su trabajo como diseñador de muebles le llevó a participar en la exposición del Grupo Memphis en Milán. En 1987 expone en el Centro Georges Pompidou de París y participa en la Documenta de Kassel. Dos años más tarde su diseño Cobi es elegido mascota de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992, controvertido al principio pero reconocido ahora como la mascota más rentable de la historia de los Juegos modernos. En 1989 crea el Estudio Mariscal y colabora en diversos proyectos con diseñadores y arquitectos como Arata Isozaki, Alfredo Arribas, Fernando Salas, Fernando Amat y Pepe Cortés. Entre sus trabajos más destacados se encuentran las identidades visuales para el Partido Socialista Sueco, la emisora de radio Onda Cero, el Zoo de Barcelona, la Universidad de Valencia, el centro de diseño y arquitectura Lighthouse de Glasgow, el centro cultural GranShip de Japón y la empresa de postproducción londinense Framestore. En 1999 recibió el Premio Nacional de Diseño, concedido por el Ministerio de Industria español y la Fundación BCD en reconocimiento a toda su trayectoria profesional.

Schätzw. 1 600 - 1 800 EUR

Los 57 - MICHEL DUCAROY (Lyon, 1925 - 2009) para Ligne Roset. Sofá "Togo", Francia, c. 1970. Cuero negro. Compuesto por tres módulos y un puf. Forro interior con estampado Ligne Roset. Tiene roturas y una de las piezas tiene un desgarro. Medidas: 70 x 174 x 110 cm (esquina); 70 x 110 x 110 x 110 cm (normal); 70 x 85 x 110 x 110 cm (pequeño); 33,5 x 90 x 95 cm (puf). Ducaroy ha diseñado piezas que se han convertido en legendarias, como el sofá Togo, cuya composición le confiere un confort único. Formado en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de Lyon, tras sus estudios, Ducaroy se incorporó a la empresa familiar de fabricación de muebles contemporáneos. En 1954, empezó a trabajar para la empresa Ligne Roset, situada en la región de Ain, donde dirigió el departamento de diseño hasta el final de su carrera. Durante las décadas de 1960 y 1970, surgieron nuevos materiales por los que Ducaroy se interesó: espuma, guata, plástico termoformado, nuevos materiales que le permitieron dar vida a nuevos diseños, creando creaciones a la vez modernas e intemporales. El legendario sofá Togo se presentó el año de su lanzamiento en el Salon des Arts Ménagers de París, ganando el Premio Renè-Gabriel en 1973. De origen francés, fue fundada por Antoine Roset en 1860 en Montagnieu. En 1936 empezó a fabricar muebles tapizados y hoy diseña y fabrica muebles para el hogar, iluminación, accesorios y textiles con un equipo de 50 diseñadores europeos. En la actualidad, Ligne Roset goza de reconocimiento internacional gracias a su ilimitado mundo de inspiración y a la colaboración con diseñadores como Didier Gomez, Pascal Mourgue, Peter Maly o Pierre Paulin. Tiene desgarros y una de las piezas tiene una rotura.

Schätzw. 8 000 - 9 000 EUR

Los 60 - Lámpara de sobremesa; modelo Fase President de GEI (Gabinete de Estudios Industriales), años 60. Metal y lacado gris. Electrificada. En funcionamiento. En buen estado. Con firma en la base. Medidas: 46 x 54 x 30 cm. El fabricante español de iluminación Fase fue fundado en Madrid en 1964 por el diseñador industrial Pedro Martín. Martín vendió sus lámparas de producción propia primero en mercados, antes de establecer con éxito una fábrica en Torrejón de Ardoz, en las afueras de Madrid. En los años setenta, Fase fue uno de los principales actores de la industria manufacturera española, contribuyendo a una economía que luchaba contra las crisis del petróleo y una difícil transición a la democracia. Fase vendió iluminación durante más de tres décadas a 32 países diferentes, siendo sus mayores mercados el Reino Unido, Francia, Italia, Alemania, Emiratos Árabes Unidos, Japón, Canadá y Estados Unidos. A pesar del éxito comercial de Fase, la información sobre la empresa y su historia es escasa y las fuentes a menudo contradictorias. Los primeros diseños de Fase se consideran modernos, con originales combinaciones de metales como el cromo y el acero, con mármol y madera, en una gama de colores vivos. A menudo, las luminarias también podían moverse gracias a un sofisticado sistema giratorio ideado por los primeros diseñadores de Fase, que pronto se convirtió en una marca comercial junto con sus difusores de cristal. Entre los diseños importantes de Fase se incluyen Boomerang 64, Boomerang 2000, 520, Faro y President, todos los cuales se cree que fueron diseñados en la década de 1960. A partir de los años 70, Fase introdujo diseños modernos de inspiración italiana y Bauhaus en un público español que, saliendo del franquismo, desconocía los estilos más icónicos del siglo XX. Además de combinar materiales tradicionales, como la madera, con una estética modernista, Fase creó muchas lámparas con un estilo completamente modernista. Entre las lámparas de este periodo destacan la Tharsis y la Babylon, ambas cromadas pero con lámparas simples y dobles respectivamente, así como la Harpoon y la Impala de acero inoxidable (todas de los años setenta). Los diseñadores de iluminación y los trabajadores de Fase permanecen en gran parte en el anonimato, por lo que muchas lámparas se anuncian falsamente como producidas por el fabricante español, dando lugar a todo un género de iluminación "tipo Fase", que puede verse en lámparas producidas por los fabricantes de iluminación madrileños Lupela, GEI (Gabinete Estudios Industriales) y Ma-Of. Las auténticas lámparas Fase pueden identificarse por el nombre o el logotipo de la empresa, que suele encontrarse en la base de la lámpara o en el portalámparas. En la década de 1980, Fase comenzó a fabricar lámparas halógenas. Aunque estas lámparas fueron muy populares y novedosas en su momento, la ruptura con la tradición no tuvo éxito y contribuyó finalmente a la desaparición de la empresa. Electrificada. En funcionamiento. En buen estado de conservación.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 61 - WILLY RIZZO, (Nápoles, 1928-París ,2013). Lámpara de sobremesa; Italia, ca. 1970. Diseñada para Luminica. Base de latón lacado en negro y pantalla de tela en tono nude. Capacidad para tres bombillas. Electrificada. En buen estado de conservación. En buen estado de conservación. Medidas: 70 x 15 x 15 cm (base), 85 x 76 x 75 cm (lámpara completa con pantalla). Diseñador y fotógrafo, Willy Rizzo comenzó su carrera en París, labrándose desde entonces una sólida trayectoria en el mundo de la fotografía. Su actividad como diseñador comenzó en 1966, cuando se mudó con su mujer a un pequeño apartamento en el centro de Roma, que él mismo reformó, diseñando también el mobiliario. Aunque su intención nunca fue convertirse en diseñador, sus amigos pronto empezaron a hacerle encargos tras ver su casa. De hecho, contó entre sus clientes con figuras tan destacadas como Salvador Dalí y Brigitte Bardot. Rizzo siempre admiró las cosas bellas, tanto modernas como antiguas, por lo que centró su experimentación estética en crear muebles modernos que encajaran a la perfección con lo antiguo. Su estilo marcó una época dentro del diseño italiano, siendo reconocido como el diseñador de la Dolce Vita. La demanda de sus piezas alcanzó tal magnitud que en 1968 decidió crear su propia empresa, con la que ha creado desde entonces numerosas piezas, siempre hechas a mano, combinando materiales nobles como el travertino o el bronce con otros marcadamente modernos como el acero. Llegó a abrir tiendas en París y otras ciudades europeas, así como en Nueva York, Miami y Los Ángeles. En 1978, Rizzo vendió su empresa y reorientó su carrera hacia la fotografía, cansado de la vida empresarial. Durante los diez años que diseñó muebles, Rizzo, gran admirador de Mies van der Rohe, Le Corbusier y Ruhlmann, desarrolló un estilo fácilmente reconocible incluso hoy. Las suyas son piezas de líneas limpias y formas geométricas, fabricadas con materiales cuidadosamente seleccionados. Siempre se mantuvo fiel al uso tradicional y artesanal de los materiales, rechazando el sistema de producción en serie y el uso del plástico. Algunos de sus diseños se han expuesto en el Metropolitan Museum de Nueva York y, más recientemente, en la Madison Mallet Gallery de Londres. Electrificado. En funcionamiento. En buen estado de conservación.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 62 - Lámpara de sobremesa; modelo Fase President de GEI (Gabinete de Estudios Industriales), años 60. Metal y lacado en gris y beige. No funciona. Necesita ser repasada. En buen estado. Con firma en la base. Medidas: 46 x 54 x 30 cm. El fabricante español de iluminación Fase fue fundado en Madrid en 1964 por el diseñador industrial Pedro Martín. Martín vendió sus lámparas de producción propia primero en mercados, antes de establecer con éxito una fábrica en Torrejón de Ardoz, en las afueras de Madrid. En los años setenta, Fase fue uno de los principales actores de la industria manufacturera española, contribuyendo a una economía que luchaba contra las crisis del petróleo y una difícil transición a la democracia. Fase vendió iluminación durante más de tres décadas a 32 países diferentes, siendo sus mayores mercados el Reino Unido, Francia, Italia, Alemania, Emiratos Árabes Unidos, Japón, Canadá y Estados Unidos. A pesar del éxito comercial de Fase, la información sobre la empresa y su historia es escasa y las fuentes a menudo contradictorias. Los primeros diseños de Fase se consideran modernos, con originales combinaciones de metales como el cromo y el acero, con mármol y madera, en una gama de colores vivos. A menudo, las luminarias también podían moverse gracias a un sofisticado sistema giratorio ideado por los primeros diseñadores de Fase, que pronto se convirtió en una marca comercial junto con sus difusores de cristal. Entre los diseños importantes de Fase se incluyen Boomerang 64, Boomerang 2000, 520, Faro y President, todos los cuales se cree que fueron diseñados en la década de 1960. A partir de los años 70, Fase introdujo diseños modernos de inspiración italiana y Bauhaus en un público español que, saliendo del franquismo, desconocía los estilos más icónicos del siglo XX. Además de combinar materiales tradicionales, como la madera, con una estética modernista, Fase creó muchas lámparas con un estilo completamente modernista. Entre las lámparas de este periodo destacan la Tharsis y la Babylon, ambas cromadas pero con lámparas simples y dobles respectivamente, así como la Harpoon y la Impala de acero inoxidable (todas de los años setenta). Los diseñadores de iluminación y los trabajadores de Fase permanecen en gran parte en el anonimato, por lo que muchas lámparas se anuncian falsamente como producidas por el fabricante español, dando lugar a todo un género de iluminación "tipo Fase", que puede verse en lámparas producidas por los fabricantes de iluminación madrileños Lupela, GEI (Gabinete Estudios Industriales) y Ma-Of. Las auténticas lámparas Fase pueden identificarse por el nombre o el logotipo de la empresa, que suele encontrarse en la base de la lámpara o en el portalámparas. En la década de 1980, Fase comenzó a fabricar lámparas halógenas. Aunque estas lámparas fueron muy populares y novedosas en su momento, la ruptura con la tradición no tuvo éxito y contribuyó finalmente a la desaparición de la empresa. No funciona. Necesita revisión. En buen estado de conservación.

Schätzw. 800 - 900 EUR

Los 63 - Lámpara de sobremesa; modelo Fase President de GEI (Gabinete de Estudios Industriales), años 60. Metal y lacado en negro. Electrificada. En funcionamiento. En buen estado. Con firma en la base. Medidas: 46 x 54 x 30 cm. El fabricante español de iluminación Fase fue fundado en Madrid en 1964 por el diseñador industrial Pedro Martín. Martín vendió sus lámparas de producción propia primero en mercados, antes de establecer con éxito una fábrica en Torrejón de Ardoz, en las afueras de Madrid. En los años setenta, Fase fue uno de los principales actores de la industria manufacturera española, contribuyendo a una economía que luchaba contra las crisis del petróleo y una difícil transición a la democracia. Fase vendió iluminación durante más de tres décadas a 32 países diferentes, siendo sus mayores mercados el Reino Unido, Francia, Italia, Alemania, Emiratos Árabes Unidos, Japón, Canadá y Estados Unidos. A pesar del éxito comercial de Fase, la información sobre la empresa y su historia es escasa y las fuentes a menudo contradictorias. Los primeros diseños de Fase se consideran modernos, con originales combinaciones de metales como el cromo y el acero, con mármol y madera, en una gama de colores vivos. A menudo, las luminarias también podían moverse gracias a un sofisticado sistema giratorio ideado por los primeros diseñadores de Fase, que pronto se convirtió en una marca comercial junto con sus difusores de cristal. Entre los diseños importantes de Fase se incluyen Boomerang 64, Boomerang 2000, 520, Faro y President, todos los cuales se cree que fueron diseñados en la década de 1960. A partir de los años 70, Fase introdujo diseños modernos de inspiración italiana y Bauhaus en un público español que, saliendo del franquismo, desconocía los estilos más icónicos del siglo XX. Además de combinar materiales tradicionales, como la madera, con una estética modernista, Fase creó muchas lámparas con un estilo completamente modernista. Entre las lámparas de este periodo destacan la Tharsis y la Babylon, ambas cromadas pero con lámparas simples y dobles respectivamente, así como la Harpoon y la Impala de acero inoxidable (todas de los años setenta). Los diseñadores de iluminación y los trabajadores de Fase permanecen en gran parte en el anonimato, por lo que muchas lámparas se anuncian falsamente como producidas por el fabricante español, dando lugar a todo un género de iluminación "tipo Fase", que puede verse en lámparas producidas por los fabricantes de iluminación madrileños Lupela, GEI (Gabinete Estudios Industriales) y Ma-Of. Las auténticas lámparas Fase pueden identificarse por el nombre o el logotipo de la empresa, que suele encontrarse en la base de la lámpara o en el portalámparas. En la década de 1980, Fase comenzó a fabricar lámparas halógenas. Aunque estas lámparas fueron muy populares y novedosas en su momento, la ruptura con la tradición no tuvo éxito y contribuyó finalmente a la desaparición de la empresa. Electrificada. En funcionamiento. En buen estado de conservación.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 66 - WILLY RIZZO, (Nápoles, 1928-París ,2013). Lámpara de sobremesa; Italia, ca. 1970. Diseñada para Luminica. Base de latón lacado en negro y pantalla de tela en tono nude. Capacidad para tres bombillas. Electrificada. En buen estado de conservación. En buen estado de conservación. Medidas: 70 x 15 x 15 cm (base), 85 x 76 x 75 cm (lámpara completa con pantalla). Diseñador y fotógrafo, Willy Rizzo comenzó su carrera en París, labrándose desde entonces una sólida trayectoria en el mundo de la fotografía. Su actividad como diseñador comenzó en 1966, cuando se mudó con su mujer a un pequeño apartamento en el centro de Roma, que él mismo reformó, diseñando también el mobiliario. Aunque su intención nunca fue convertirse en diseñador, sus amigos pronto empezaron a hacerle encargos tras ver su casa. De hecho, contó entre sus clientes con figuras tan destacadas como Salvador Dalí y Brigitte Bardot. Rizzo siempre admiró las cosas bellas, tanto modernas como antiguas, así que centró su experimentación estética en crear muebles modernos que encajaran a la perfección con los antiguos. Su estilo marcó una época dentro del diseño italiano, siendo reconocido como el diseñador de la Dolce Vita. La demanda de sus piezas alcanzó tal magnitud que en 1968 decidió crear su propia empresa, con la que ha creado desde entonces numerosas piezas, siempre hechas a mano, combinando materiales nobles como el travertino o el bronce con otros marcadamente modernos como el acero. Llegó a abrir tiendas en París y otras ciudades europeas, así como en Nueva York, Miami y Los Ángeles. En 1978, Rizzo vendió su empresa y reorientó su carrera hacia la fotografía, cansado de la vida empresarial. Durante los diez años que diseñó muebles, Rizzo, gran admirador de Mies van der Rohe, Le Corbusier y Ruhlmann, desarrolló un estilo fácilmente reconocible incluso hoy. Las suyas son piezas de líneas limpias y formas geométricas, fabricadas con materiales cuidadosamente seleccionados. Siempre se mantuvo fiel al uso tradicional y artesanal de los materiales, rechazando el sistema de producción en serie y el uso del plástico. Algunos de sus diseños se han expuesto en el Metropolitan Museum de Nueva York y, más recientemente, en la Madison Mallet Gallery de Londres. Electrificado. En funcionamiento. En buen estado de conservación.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 68 - Pareja de mecedoras. Estilo VLADIMIR KAGAN (Worms, 1927-Florida., 2016). Madera de palisandro, con asientos y respaldos de tela. Muestra marcas de uso y desgaste. Necesita renovación. Medidas: 73 x 75 x 105 cm. Pareja de mecedoras. Siguen los modelos de Vladimir Kagan, lo que se aprecia en el acabado artesanal y en el contraste entre la pureza geométrica del doble triángulo en palisandro que forma la estructura y la organicidad de cada uno de los lados. Aunque de origen alemán, Vladimir Kagan creció en Estados Unidos. Estudió arquitectura en la Universidad de Columbia antes de incorporarse a la carpintería neoyorquina de su padre, el maestro ebanista y coleccionista de arte Illi Kagan. Entre 1950 y 1960, Kagan se asoció con el diseñador textil e impresor Hugo Dreyfuss. El mobiliario de Kagan, decididamente moderno y escultural, tuvo un rápido éxito. Entre sus proyectos destacan los salones de cóctel para delegados de la primera sede de las Naciones Unidas en Lake Success, Nueva York (1947-48); el curvilíneo sofá Serpentine (1949); y la icónica colección de asientos Omnibus (c. 1970), entre otros. De 1990 a 1992 fue presidente de la sección neoyorquina de la Sociedad Americana de Diseñadores de Interior (ASID). En 1998 reintrodujo algunos de sus diseños clásicos en la Feria Internacional del Mueble Contemporáneo (ICFF) de Nueva York, relanzando formalmente su carrera. En 2008, lanzó la Vladimir Kagan Couture Collection, que incluye una selección de diseños de los años 50 hasta el siglo XXI. Y en 2015, Kagan diseñó una colección de muebles artísticos de edición limitada para Carpenters Workshop. La obra del diseñador se encuentra en numerosas colecciones privadas y públicas, como el Vitra Design Museum de Weil am Rhein (Alemania), el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, Die Neue Sammlung de Múnich, el San Francisco Museum of Modern Art y el Victoria and Albert Museum de Londres, entre otros. En 1980, el Fashion Institute of Technology de Nueva York rindió homenaje a Kagan con una exposición retrospectiva de treinta años: Vladimir Kagan: Tres décadas de diseño. En 2002, el Brooklyn Museum of Art le concedió el Lifetime Achievement Award; en 2001, el Pinnacle Award de la American Society of Furniture Designers; y en 2000, el Lifetime Achievement Award de la American Society of Furniture Designers.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 71 - Atribuido a PIERRE GUARICHE (París, 1926-Bandol, Francia, 1995). Sillón, hacia 1960. Armazón de hierro. Tapizado en blanco. En muy buen estado general. Tapicería nueva y estructura de hierro con una bonita pátina propia del paso del tiempo. Medidas: 85 x 70 x 85 cm; 40 cm (altura del asiento). Sillón tapizado con reposabrazos atribuido al emblemático arquitecto y diseñador francés Pierre Guariche y fabricado en los años sesenta. El armazón y las patas de líneas rectas combinan a la perfección con el grueso cojín del asiento y el respaldo, creando un elegante conjunto acentuado por el contraste entre las patas negras y el tapizado blanco. Se trata, en definitiva, de un diseño con un marcado carácter moderno y atemporal. Pierre Guariche fue un diseñador, interiorista y arquitecto francés conocido sobre todo por las lámparas residenciales que diseñó para Pierre Disderot en la década de 1950, pero también fue un innovador diseñador de muebles y arquitecto. Estudió en la École nationale supérieure des arts décoratifs. Más tarde se incorporó al estudio de otro de sus maestros, Marcel Gascoin. Comenzó a exponer sus obras en el Salon des Arts Ménagers y el Salon des Artistes Décorateurs, lugares de vanguardia donde mostraban sus obras los diseñadores más destacados de la época. René-Jean Caillette, Joseph-André Motte, Jean Prouvé, Charlotte Perriand, Antoine Philippon y Jacqueline Lecoq fueron algunos de los diseñadores que expusieron sus obras experimentales en los salones de la época. Tras la Segunda Guerra Mundial, aumentó el interés por el uso de nuevos métodos y materiales para la producción en serie de muebles. En 1951, Guariche empezó a colaborar con Steiner, otro importante fabricante de muebles. Diseñó la innovadora silla "Tonneau", con una versión de plástico y aluminio en 1953 y otra de contrachapado curvado en 1954. Al mismo tiempo, Guariche realizó numerosos modelos para el fabricante de iluminación Pierre Disderot, que buscaba una alternativa moderna, sencilla y económica a la opulencia de los diseños tradicionales franceses.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 78 - JOSEF HOFFMANN (Brtnice, República Checa, 1870 - Viena, 1956) para Wittman. Sofá "Kubus". Tapizado en cuero negro. En buen estado. Medidas: 72 x 166 x 77 cm. Diseñado por Josef Hoffmann en 1910, el vanguardista sofá Kubus se caracteriza por su tapizado en forma de cubo. Es un modelo atemporal que refleja las estrictas líneas geométricas del diseñador. Arquitecto y diseñador industrial, Josef Hoffmann estudió en la Academia de Artes Aplicadas de Viena, donde fue discípulo de Carl Freiherr von Hasenauer y Otto Wagner, cuyas teorías sobre la arquitectura funcional y moderna influirían profundamente en su obra. Ganó el Premio de Roma en 1895, y al año siguiente se incorporó al despacho de Wagner, colaborando con Olbrich en algunos proyectos para el Metropolitan. Creó su propio estudio en 1898 y enseñó en la Escuela de Artes Decorativas de Viena de 1899 a 1936. También fue miembro fundador de la Secesión vienesa. En 1900 viajó a Londres, donde entró en contacto con la escuela inglesa y descubrió a Mackintosh. A su regreso creó un taller para la producción de objetos basados en diseños de artistas de la Secesión, y así nació el Wiener Werkstätte, un taller que ejerció una gran influencia en el diseño industrial del siglo XX. En 1903 comenzó la producción a escala internacional. A lo largo de su vida, Hoffmann realizó diversos proyectos para edificios y mobiliario, y expuso sus creaciones en todo el mundo. Actualmente está representado en el MAK y el Leopold Museum de Viena, el Metropolitan y el MoMA de Nueva York, el Brohan de Berlín, el Courtauld Institute de Londres y el Victoria & Albert de Londres, entre muchos otros.

Schätzw. 5 000 - 5 500 EUR

Los 80 - LUIS PEREZ DE LA OLIVA (España, mediados del siglo XX) para GRIN LUZ/FASE. Lámpara de sobremesa "Concorde/Tiburón", 1967. Metal lacado y madera maciza. Medidas: 55 x 31 x 42 cm. Lámpara de sobremesa Concorde con pantalla basculante que ofrece diferentes ángulos de iluminación. Se levanta sobre una base circular de la que emerge el fuste curvo de madera sobre el que se apoya una estructura metálica. De esta última cuelga la pantalla basculante. Las lámparas Fase se distinguen por su impecable diseño, funcionalidad y calidad de materiales. Auténtico emblema de la fabricación española, Fase ha exportado su iluminación a más de 32 países en los últimos 30 años. El fabricante español de iluminación Fase fue fundado en Madrid en 1964 por el diseñador industrial Pedro Martín. Martín empezó vendiendo sus lámparas de producción propia en mercados, antes de establecer con éxito una fábrica en Torrejón de Ardoz, a las afueras de Madrid. En la década de 1970, Fase fue un actor importante en la industria manufacturera española, contribuyendo a una economía que luchaba contra las crisis del petróleo y una difícil transición a la democracia. Fase vendió iluminación durante más de tres décadas a 32 países diferentes, siendo sus mayores mercados el Reino Unido, Francia, Italia, Alemania, Emiratos Árabes Unidos, Japón, Canadá y Estados Unidos. A pesar del éxito comercial de Fase, la información sobre la empresa y su historia es escasa y las fuentes a menudo contradictorias. Los primeros diseños de Fase se consideran modernos, con originales combinaciones de metales como el cromo y el acero, con mármol y madera, en una gama de colores vivos. A menudo, las luminarias también podían moverse gracias a un sofisticado sistema giratorio ideado por los primeros diseñadores de Fase, que pronto se convirtió en una marca comercial junto con sus difusores de cristal. Entre los diseños importantes de Fase se incluyen Boomerang 64, Boomerang 2000, 520, Faro y President, todos los cuales se cree que fueron diseñados en la década de 1960. A partir de los años 70, Fase introdujo diseños modernos de inspiración italiana y Bauhaus en un público español que, saliendo del franquismo, desconocía los estilos más icónicos del siglo XX. Además de combinar materiales tradicionales, como la madera, con una estética modernista, Fase creó muchas lámparas con un estilo completamente modernista. Entre las lámparas de este periodo destacan la Tharsis y la Babylon, ambas cromadas pero con lámparas simples y dobles respectivamente, así como la Harpoon y la Impala de acero inoxidable (todas de los años setenta). Los diseñadores de iluminación y los trabajadores de Fase permanecen en gran parte en el anonimato, por lo que muchas lámparas se anuncian falsamente como producidas por el fabricante español, dando lugar a todo un género de iluminación "tipo Fase", que puede verse en lámparas producidas por los fabricantes de iluminación madrileños Lupela, GEI (Gabinete Estudios Industriales) y Ma-Of. Las auténticas lámparas Fase pueden identificarse por el nombre o el logotipo de la empresa, que suele encontrarse en la base de la lámpara o en el portalámparas. En la década de 1980, Fase comenzó a fabricar lámparas halógenas. Aunque estas lámparas fueron muy populares y novedosas en su momento, la ruptura con la tradición no tuvo éxito y contribuyó finalmente a la desaparición de la empresa.

Schätzw. 900 - 1 000 EUR

Los 82 - ADO CHALE (Bruselas, 1928). Pareja de cuencos "Pin". Bronce. En buen estado. Medidas: 4,5 x 15 x 13 cm y 4 x 9,5 cm. Con sus creaciones en bronce y aluminio, Ado Chale desarrolla nuevas formas y superficies, al tiempo que seduce al mercado contemporáneo. Autodidacta, Ado Chale trabajó de joven como herrero y en un taller de chapistería. Su pasión por la mineralogía comenzó en los años 50, durante un viaje a Alemania. Más tarde, en 1962, abrió una galería en Bruselas donde expuso las primeras placas de cemento con incrustaciones de pequeñas marcasitas recogidas al pie de los acantilados del norte de Francia. A finales de los sesenta viajó por todo el mundo (Arizona, India, Afganistán, Pakistán, Madagascar, Francia) en busca de piedras semipreciosas. Entre sus materiales favoritos estaban la secuoya fosilizada, la malaquita, el ágata calcedonia, la cornalina, la rodocrosita, el lapislázuli, el jade, la hematites, el ojo de tigre, el jaspe, la turquesa o la amatista, elementos que fundía en resina epoxi, un material nuevo en la época que le permitía ampliar las posibilidades estéticas: las bandejas se agrandan y se cubren completamente con piedras pulidas con diamante. De los años 60 a los 80 su éxito se multiplicó e incluso la Corte belga quedó embelesada por sus diseños. Expuso en el Museo Galliera de París, en el Palacio Papal de Aviñón y en el Museo de Bellas Artes de Nancy. En 1988 fue invitado a exponer en Japón, en la famosa tienda de lujo Seibu de Tokio. Allí atrajo al mercado asiático. En 2002 expuso en la galería parisina de Yves Gastou, lo que supuso un aumento de la clientela internacional que abriría el camino a numerosas colaboraciones con interioristas belgas, pero también de renombre mundial, como Alberto Pinto, Peter Marino y Jacques Grange.

Schätzw. 3 000 - 3 200 EUR

Los 83 - GEORGE NELSON (Estados Unidos, 1908 - 1986) para VITRA. Juego de cuatro sillas de oficina "Perch", ca. 1990. Asiento y respaldo de cuero marrón oscuro, base cromada, asiento regulable en altura y giratorio. En buen estado, prácticamente nuevo. Medidas: 70 x 70 x 102 cm. Pareja de sillas de oficina "Perch" elevadas sobre ruedas de plástico negro que soportan una base de acero cromado de cinco radios. Asiento y respaldo tapizados en cuero negro, regulables en altura y giratorios. George Nelson se licenció en arquitectura por la Universidad de Yale (1928), y más tarde estudió arte en Roma. Se especializó en diseño industrial, de interiores y de exposiciones, y fue, junto con Charles y Ray Eames, uno de los padres fundadores del modernismo americano. Durante su estancia en Italia viajó por toda Europa y conoció a varios pioneros del movimiento moderno, como Mies van der Rohe. En 1935 se incorporó a la redacción de "Architectural Forum", revista de la que primero sería editor asociado hasta 1943, y luego asesor editorial hasta 1949. Durante este periodo trabajó con Frank Lloyd Wright en un número especial de la revista, que supuso el regreso de Wright a la escena de la época. Nelson defendió, a veces ferozmente, los principios del movimiento moderno, llegando a irritar a muchos de sus colegas que, como diseñadores industriales, hacían, según él, demasiadas concesiones a las fuerzas comerciales de la industria. El estadounidense creía que el trabajo de un diseñador debía servir para mejorar el mundo porque, en su opinión, la naturaleza ya es perfecta y el hombre la estropea creando cosas que en realidad no siguen las reglas naturales. En 1945 Nelson empezó a trabajar para la firma Herman Miller, y fue entonces cuando realmente comenzó a diseñar muebles, ocupando el cargo de director de diseño. Ese mismo año se publicó la primera colección de Nelson para la firma, iniciando una colaboración que daría lugar a algunos de los diseños de muebles más famosos del siglo XX. Hoy sus diseños pueden verse en el Museo de Diseño Vitra (con el que empezó a colaborar en 1957) y en el MoMA de Nueva York, entre otras muchas colecciones públicas y privadas.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 84 - EERO SAARINEN (Finlandia, 1910 - Estados Unidos, 1961) para KNOLL. Conjunto de ocho sillas "Tulilp". Poliéster reforzado con fibra de vidrio y aluminio fundido. Asiento tapizado en negro. Con etiqueta Knoll. Muestra signos de uso. Medidas: 81 x 44 x 51 cm. Juego de ocho sillas "Tulip", un diseño icónico creado por Saarinen entre 1955 y 1956 para la firma neoyorquina Knoll. Se trata de un mueble caracterizado por las líneas suaves del movimiento moderno y el uso innovador de materiales. Hoy se considera un clásico del diseño industrial, y le valió a su creador el Premio del MoMA (1969), el Premio Federal de Diseño Industrial (1969) y el Premio del Centro de Diseño de Stuttgart (1962). Saarinen estudió inicialmente escultura en la Académie de la Grand Chaumière de París, y más tarde arquitectura en la Universidad de Yale. Posteriormente amplió sus estudios en Europa gracias a una beca, y a su regreso aceptó un puesto de profesor en la Cranbrook Academy, una de las escuelas de arquitectura y diseño industrial más importantes de Estados Unidos. En 1937 empezó a diseñar muebles en colaboración con Charles Eames, ganando el premio de 1940 en el concurso "Diseño orgánico en mobiliario doméstico" organizado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Más tarde, como diseñador independiente, Saarinen creó diseños de muebles para Knoll International. Hoy sus creaciones están presentes en las colecciones más importantes del mundo, incluido el MoMA de Nueva York.

Schätzw. 4 000 - 4 500 EUR

Los 86 - MARIA PERGAY (Rumanía, 1930-Francia, 2023). Pareja de lámparas, ca. 1970. Piezas únicas. Resina lacada negra decorada con varillas asimétricas de metal dorado y cromado. En estado de funcionamiento. En buen estado. Usado, con ligeras marcas de uso. Medidas: 71 x 7 x 7 x 7 cm; 108 cm (altura total). De padres rusos pero nacida en Rumanía, Maria Pergay emigró a París en 1937, cuando sólo tenía 7 años. Se educó en el Instituto Francés de Estudios Cinematográficos, donde estudió corte y confección y escenografía, época en la que también asistió a la academia del escultor ruso Ossip Zadkine. Su carrera artística comenzó diseñando objetos de metal para el escaparate de una tienda de Alta Costura de París, lo que le permitió abrirse camino como diseñadora de objetos para Hermès y Dior (para quien diseñó abrecartas, candelabros, etc.). Conocida a partir de ese momento como "Madamme Steel" por su predilección por este material, Pergay recibió una propuesta de Uginox, el principal fabricante francés de acero, para sumergirse de lleno en la creación de objetos de este material. Cabe destacar que, cuando Maria Pergay comenzó con sus creaciones, el Movimiento Moderno francés de posguerra estaba en pleno apogeo, debido al alto nivel de consumismo de la sociedad francesa. Dos de sus primeras creaciones, la Silla Anillo y la Alfombra Voladora, se expusieron por primera vez en la galería parisina Maison et Jardin. Hoy su obra ha influido en artistas como Salvador Dalí, Pierre Cardin, Givenchy e incluso Jordi Labanda. Su obra se conserva en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York; la galería neoyorquina Demisch Danant acogió su primera retrospectiva en 2006. Su instalación Metamorfosis se expuso en la feria Design 2013 de Miami.

Schätzw. 8 000 - 9 000 EUR

Los 87 - ALDO TURA (Italia, 1909-1963). Mueble bar, ca. 1960. Madera lacada, palisandro y latón. Incluye llave. Medidas: 154 x 80 x 40 cm. Este personalísimo mueble bar muestra la confluencia de intereses que motivaban las creaciones de Aldo Tura y les daban un sello singular, como la experimentación con distintos materiales o los poco ortodoxos tratamientos superficiales: véase aquí la atractiva pátina conseguida con el lacado parduzco de las dos puertas semicirculares, perfiladas con tachuelas y sujetas al mueble con atractivos herrajes. Aldo Tura absorbió los preceptos del Art Déco, pero fue más allá de su legado minimalista en busca de un estilo más dinámico, con ecos historicistas. El armario marino de cuerpo rectangular, que alberga un interior acristalado, se asienta sobre una base torneada con panza globular. Las puertas se abren con tiradores de latón en forma de tornapuntas. Aldo Tura comenzó su carrera en el diseño experimental de muebles en la década de 1930. Tras las formas angulosas y afiladas del Art Déco, la madera empezó a utilizarse en formas libres, llenas de curvas, y Tura vio en este nuevo gusto una nueva dirección para el diseño de muebles. Su obra es una significativa combinación de formas libres y desinhibidas, a veces excepcionalmente irónicas. Sus diseños son también ejemplos de la más alta artesanía, y a menudo se producen en series de edición limitada, e incluso sólo un prototipo. En la década de 1950, Tura descubrió el evocador encanto de los muebles pintados con vistas arquitectónicas venecianas, y también empezó a experimentar con diversos materiales, como la cáscara de huevo, el pergamino, la piel de cabra o las chapas de madera.

Schätzw. 4 500 - 5 000 EUR

Los 93 - PINO SIGNORETTO (Favaro Veneto, Italia, 1944-Murano, 2017). "Cabeza de caballo". Vidrio y metal. Medidas: 75 x 47 x 46 cm. Nacido en la ciudad veneciana de Favaro Veneto, el artista del vidrio Pino Signoretto comenzó su carrera con sólo diez años, en 1954, cuando entró a trabajar en una fábrica de lámparas. Cuatro años más tarde empezó a formarse artísticamente con el maestro Alfredo Barbini, y también con otros como Livio y Angelo Seguso o Ermanno Nason. Finalmente se convirtió en maestro vidriero en 1960. Entre 1961 y 1977 trabajó en una fábrica y alcanzó una profunda comprensión y un completo conocimiento técnico del trabajo del vidrio, y finalmente en 1978 abrió su propio estudio en Murano. Desde esa fecha hasta 1984, colabora con artistas y arquitectos de prestigio, como Dalí, Dal Pezzo Dal y otros. En 1985 viaja a Japón, la primera de sus muchas visitas a este país. Cuatro años más tarde hace una demostración de su trabajo ante la familia imperial japonesa, y varias de sus obras pasan a formar parte de la colección permanente del Museo de Arte Veneciano de la ciudad de Otaru. Desde entonces, Signoretto ha desarrollado una brillante carrera, colaborando con importantes figuras del arte contemporáneo como Jeff Koons y celebrando importantes exposiciones en todo el mundo. También ha recibido importantes premios, como el Gallo d'Oro di Murano (2002). Actualmente sus obras están presentes en museos como el Museo del Vidrio de Corning (Nueva York) y Nagoya, así como en importantes colecciones privadas de todo el mundo.

Schätzw. 3 500 - 3 700 EUR

Los 94 - JOAN ANTONI BLANC (Tortosa, 1940) para Tramo. Lámpara de mesa Cilindro, 1967. Metacrilato blanco. En buen estado con ligeras marcas de uso. Medidas: 40 x 20,5 cm. La que ahora presentamos es una lámpara de gran pureza de líneas basada en formas y materiales elementales, compuesta por un cilindro moldeado de metacrilato blanco con un círculo perforado a través del cual se proyecta la luz y una fina tira metálica que permite acoplar el portalámparas. Joan Antoni Blanc fue uno de los fundadores de la escuela Eina y uno de los principales defensores de la necesidad de incorporar conocimientos tecnológicos y orientar el diseño en aplicaciones industriales. Se especializó en el campo del diseño, especializándose en mobiliario e iluminación aplicados al ámbito doméstico, urbano y de oficinas, aunque también ha desarrollado diversos diseños relacionados con la náutica, el automovilismo y el motociclismo. En 1972 creó el "Estudi de Disseny Blanc", incorporando como ayudante a Pau Joan Vidal, diseñador industrial formado en las escuelas Massana y Elisava, que más tarde se convertiría en su socio. También fue presidente de la Asociación de Diseñadores Profesionales entre 1986 y 1989 y participó en la creación de BCD. Entre los productos desarrollados por Blanc, destacan la lámpara "Cónica" (Delta de Oro ADI-FAD en 1965), el sistema de armarios y cajones "Cubiform", la lámpara "semiesférica" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966), el conjunto de elementos extensibles "Torre de Babel", la lámpara "globo" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966), el conjunto de elementos extensibles "Torre de Babel", la lámpara "globo" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966) y el sistema de armarios y cajones "Torre de Babel", la lámpara "Globo" (Delta de plata ADI-FAD en 1968), el sistema de estanterías y contenedores "Perfils", la lámpara "Sinclina" (Delta de plata ADI-FAD y premio al mejor diseño español en la feria de Madrid de 1991), el sistema de estanterías "Prima 1000" y la lámpara "Escala". El Museo del Diseño de Barcelona custodia parte de sus fondos documentales y tres piezas diseñadas por Joan Antoni Blanc: el armario "Cubiform" y las lámparas de pie "Escala" y "Sinclina".

Schätzw. 1 000 - 1 100 EUR

Los 95 - VINCENT MARTINEZ BURJASSOT (Valencia, 1949) para Punt Mobles. Mesa "Halley", 1986. Metal y madera lacada. Tapa de cristal. Medidas: 72 x 90 x 90 cm. La mesa Halley se distingue por su geometría precisa y lineal que busca en su contradicción constructiva recordar la proyección de un cometa. Su materialidad se plasma en la combinación de madera y metal. Recibió el reconocimiento del Staatliches Museum für Angewandte de Múnich (Alemania). "El momento en que el pensamiento se convierte en objeto es emocionante, los proyectos son ante todo ideas. Las ideas son irreales hasta que la acción las inserta en lo real. El usuario como referente. Diseñar para un mundo en el que la calidad de vida de todas las personas sea mejor", afirma Vicent Martínez. La importancia de Vicent Martínez se refleja en su presencia en museos como el Museu d'Arts Decoratives. Barcelona, España: Estantería La Torre, mesa Anaconda, colección modular Concert y estantería Literatura Classic. 1994; el archivo personal y profesional 1965-2010 depositado en el Arxiu Valencià del Disseny. 2019; en el Museum Fur Musem fur Angewandte Kunst. Colonia, Alemania: Shelves Literatura Classic y La Torre. 1992 y el Staatliches Museum für Angewandte. Munich, Alemania: Halley y Tablas Mágicas. 1992. A lo largo de su trayectoria como artista ha participado en el IVAM. Diseño Valenciano 2009-2019 Sede de Alcoi. 2020; 30 Años de Literatura Clásica. Escuela de Arte y Superior de Diseño de Valencia. 2015 así como en otras importantes exposiciones.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 99 - JORDI VILANOVA (Barcelona, 1925-1998). Pareja de lámparas de suspensión "Campana", años 60. Acero inoxidable y pantalla de metacrilato. Medidas: 55 x 35 x 35 cm. De tres brazos de acero inoxidable pulido se sustenta una pantalla cónica de metacrilato de grandes dimensiones, recordando el conjunto a la forma de una campana. Todo ello se ensambla mediante diferentes piezas artesanales de acero inoxidable que dan a la lámpara un elegante acabado. Es un buen ejemplo de la combinación que hace Vilanova de los materiales y técnicas tradicionales con los nuevos materiales industriales. Interiorista y ebanista catalán, Jordi Vilanova ingresó en la Escuela de Trabajo y Oficios Artísticos de La Lonja en 1939. Completó su formación en el taller de Busquets, y entre 1940 y 1953 colaboró en el estudio de Lluís Gili. Jordi Vilanova fue fundador y promotor de la revista catalana de arte "Questions d'Art" (1967-74). En 1974 abrió un local con exposición permanente de muebles y tapizados de diseño propio, formando parte del Colegio Oficial de Decoradores y Diseñadores de Interior de Barcelona y de la SAD. Sus muebles modernos y su forma de resolver los espacios se dirigieron inicialmente a un gran público de escasos recursos económicos y, en consecuencia, a hogares con menos espacio habitable. Sin embargo, esta gran mayoría no entendió su propuesta. En cambio, fue la burguesía catalana, deseosa de romper con cánones estilísticos anticuados, la que abrazó su obra. Su especialidad fueron los muebles para niños, como el taburete Delta, que obtuvo el Premio Delta de Plata otorgado por la ADI/FAD en 1964. Realizó exposiciones de su obra en Escandinavia. Entre sus diseños más representativos destacan las sillas Tiracord y Billar (1961), la litera Montseny MP (1961), las mecedoras Tartera (1966) y Petit (1978) y el revistero Z (1987) diseñado junto a su hijo Pau Vilanova Vila-Abadal. Actualmente está representado en el Museo del Diseño de Barcelona.

Schätzw. 2 000 - 2 100 EUR