Null Giuseppe Gambarini 1680 Bologna-1725 Casalecchio di Reno
Escena interior co…

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Giuseppe Gambarini 1680 Bologna-1725 Casalecchio di Reno Escena interior con hilandera y niñeras An 54,5 - Al 70 cm óleo sobre lienzo

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Giuseppe Gambarini 1680 Bologna-1725 Casalecchio di Reno Escena interior con hilandera y niñeras An 54,5 - Al 70 cm óleo sobre lienzo

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Stima 2 000 - 3 000 EUR

Cómoda William & Mary. Inglaterra, hacia 1680. Roble y nogal. Asas de metal. Con marcas de uso. Medidas: 100 x 110 x 55 cm. Cómoda inglesa de madera de caoba, que se alza sobre patas con secciones recortadas y consta de cinco cajones, los dos últimos unidos en un solo registro. El diseño, sobrio y elegante al estilo de la época William & Mary, tiene como único elemento decorativo un motivo geométrico alojado en los cajones e imprime en el frente un atractivo dibujo moldeado a base de rombos y aristas. El estilo Guillermo y María es un diseño de muebles común entre 1700 y 1725 en los Países Bajos, Inglaterra, Escocia y, más tarde, en las colonias americanas de Inglaterra. Fue un estilo de transición entre los muebles manieristas y los de la reina Ana. Se trataba de un mueble robusto cuyo diseño enfatizaba tanto las líneas rectas como las curvas, con elaboradas tallas y torneados de madera, y fue uno de los primeros en imitar elementos del diseño asiático, como el japonés. En 1688, Jacobo II de Inglaterra fue depuesto por su hija, María, y su marido, Guillermo de Orange, en lo que se conoció como la "Revolución Gloriosa". Guillermo y María llevaron a sus reinos el gusto por los estilos de mobiliario holandeses, al igual que varios de los fabricantes de muebles holandeses. Aunque el movimiento hacia lo que se conocería como estilo Guillermo y María había comenzado durante el reinado de Carlos II de Inglaterra, debido principalmente a la influencia de su reina de origen portugués, Catalina de Braganza, el estilo se definió y aceptó ampliamente durante el reinado de Guillermo y María.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Escuela española; ca. 1600. "Sagrada Familia con San Juanito". Óleo sobre lienzo. Repintado. Presenta repintes. Medidas: 97 x 80 cm; 117 x 99 cm (marco). Escena de carácter devocional en la que podemos apreciar la presencia de San José durmiendo situado en la zona izquierda de la composición, la Virgen y el Niño en el centro, San Juanito en la parte derecha, además de un pequeño ángel que completa la escena. Cabe destacar que el Niño está representado en primer plano, junto a la Virgen María, mientras que el resto de las figuras se encuentran en segundo plano. Todas ellas están ambientadas en un interior de tonos oscuros, iluminado por las carnaciones de las figuras. La escena tiene un carácter intimista, ya que a pesar del hieratismo de las figuras, la Virgen y el Niño comparten una actitud de juego y complicidad entre ellos. En el sentido más común de la expresión, la Sagrada Familia incluye a los parientes más cercanos del Niño Jesús, es decir, madre y abuela o madre y padre nutricio. En ambos casos, tanto si es Santa Ana como San José quien aparece, se trata de un grupo de tres figuras. Desde el punto de vista artístico, la disposición de esta Trinidad terrestre plantea los mismos problemas y sugiere las mismas soluciones que la Trinidad celestial. Sin embargo, las dificultades son menores. Ya no se trata de un Dios único en tres personas, cuya unidad esencial debe expresarse al mismo tiempo que su diversidad. Los tres personajes están unidos por un vínculo de sangre, ciertamente, pero no constituyen un bloque indivisible. Además, los tres están representados con forma humana, mientras que la paloma del Espíritu Santo introduce en la Trinidad divina un elemento zoomórfico difícil de combinar con dos figuras antropomórficas. Por otra parte, esta iconografía era tradicionalmente, hasta la Contrarreforma, una representación de la Virgen y el Niño con la figura de San José en primer plano. No fue hasta las reformas de Trento cuando San José pasó a ocupar un lugar central como protector y guía del Niño Jesús. La pintura barroca española es uno de los ejemplos más auténticos y personales de nuestro arte, porque su concepción y forma de expresión surgieron del pueblo y de sus sentimientos más profundos. Con la economía del Estado en ruinas, la nobleza en decadencia y el clero fuertemente sometido a impuestos, fueron los monasterios, parroquias y cofradías de clérigos y seglares quienes impulsaron su desarrollo, financiándose las obras en ocasiones mediante suscripción popular. La pintura se vio así obligada a expresar los ideales imperantes en estos ambientes, que no eran otros que los religiosos, en un momento en que la doctrina de la Contrarreforma exigía al arte un lenguaje realista para que los fieles pudieran comprender e identificarse con lo representado, y una expresión dotada de un intenso contenido emocional para aumentar el fervor y la devoción del pueblo. La temática religiosa fue, por tanto, el tema principal de la pintura española de este periodo, que en las primeras décadas del siglo se centró en la captación del mundo natural y se fue intensificando a lo largo de la centuria en los valores expresivos, que conseguía a través del movimiento y la variedad de gestos, el uso de la luz y la representación de estados de ánimo y sentimientos.

Stima 600 - 700 EUR

Escuela española; siglo XVI. "Los esponsales de la Virgen". Óleo sobre lienzo. Revestido. Medidas: 94 x 77 cm. La presente obra representa el tema de las bodas entre María y José siguiendo una composición tradicional en la historia del arte desde el Renacimiento: una estructura simétrica con el sacerdote en el centro, pero al fondo, y a ambos lados María y José. María y José son llevados de la mano por el sacerdote. Dado que la imagen se inspira en la tradición, el autor ha decidido no prescindir de varios elementos iconográficos recurrentes en la representación de esta escena, como, por ejemplo, la paloma que representa al Espíritu Santo y la vara florecida característica de la iconografía de San José. Aunque el movimiento de ciertos paños, el cromatismo, las marcas de luz, etc. dan un cierto aire barroco a la composición, hay que señalar que existe una cierta armonía que debe más bien al Renacimiento. La abundancia de personajes secundarios también puede relacionarse con esta influencia, aunque hay que tener en cuenta que la escuela italiana también era conocida por este interés por lo anecdótico. Refinado.

Stima 150 - 200 EUR

Giuseppe Maria Mitelli Chair salesman | Hemp and Linen Tanner from the series Le Arti di Bologna, by Annibale Carracci, etching, 278 x 195 mm (plate), 300 x 218 mm (sheet). Beautiful impression on laid paper. Condition: oxidized sheet, with a central crease and some creasing at the bottom. Otherwise in very good condition. Included: "Tanner of Hemp, and Linen" by Simon Guillain (after Annibale Carracci), etching, 310 x 185 mm (sheet). Printed on laid paper with watermark. Sheet in good condition except for a central crease.

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