Indietro calendario > 10th September - Contemporary Art ...
DROUOT
Dienstag 10 Sep a : 13:15 (CEST)

10. September - Zeitgenössische Kunst

Setdart.com - +34932463241 - Email

www.setdart.com
Informazioni Condizioni di vendita
Visualizza tutte le aste Setdart.com
Live
Iscriversi all’asta
Filtri
168 risultati

Lotto 102 - JOAN GARCÍA RIPOLLÉS (Castellón, 1932) "Der Zauberer". In Bronze. Exemplarisch PA 1/4. Signiert und nummeriert. Präsentiert Zertifikat der Authentizität. Abmessungen: 116 x 45 x 50 cm. Joan García Ripollés, bekannt unter seinem zweiten Nachnamen oder als "der selige Ripo", entdeckte seine Leidenschaft für die Malerei, als er noch sehr jung war und mitten in der Nachkriegszeit in einer industriellen Malerwerkstatt arbeitete. Von da an widmete er sich nachts der Malerei und nahm später am Ribalta-Gymnasium in Castellón Zeichenunterricht. Nach seinem Debüt in einer Kollektivausstellung, die 1951 in der Caja de Ahorros de Castellón stattfand, kam es 1954 zu einem Wendepunkt in seiner Karriere, der auf eine Reise nach Paris zurückzuführen war, wo er mit den Künstlerkreisen der Stadt in Kontakt kam. Er konnte sich jedoch erst 1958 von der industriellen Malerei lösen, als er in die Pariser Galerie Drouand David eintrat, eine der renommiertesten der Welt. 1962 organisierte er seine erste große Einzelausstellung im Museum für zeitgenössische Kunst in Barcelona, und 1967 reiste er nach New York, wo er seine gesamte Sammlung ausstellte und an die William Haber Art Collection verkaufte. Im selben Jahr erwarb der New Yorker Kunsthändler Leon Amiel von der Larrouse Gallery sein gesamtes Werk, was sich bei seiner Reise nach Japan wiederholte. Von diesem Moment an begann eine glänzende internationale Karriere, die seine Werke in die ganze Welt führte. Er hat Einzelausstellungen nicht nur in Spanien, Paris und New York, sondern auch in Mexiko, Holland, Belgien, Italien, der Schweiz, Schweden, mehreren amerikanischen Städten, Deutschland und Japan organisiert. Derzeit ist er Exklusivkünstler von The William Haber Art in New York und der Galerie Drouand in Paris. Im Jahr 2000 wurde er mit dem Kunstpreis der Autonomen Gemeinschaft Valencia ausgezeichnet. Ripollés bezeichnet sich selbst als "unreifen Erwachsenen" und vor allem als "sorglos, ein wenig schelmisch und mit einer gewissen Naivität", Worte, die seinen überschwänglichen kreativen Geist, seinen einfachen und extrovertierten Charakter und seine kindliche Seele widerspiegeln. Ripollés ist heute einer der internationalsten spanischen Künstler und auch einer der vollständigsten, denn er hat sowohl in der Malerei als auch in der Bildhauerei und der Gravur brilliert. Er ist im IVAM, im MOMA in New York, im Museum der Universität von Alicante, im Museum der Schönen Künste in Sevilla und im Museum für zeitgenössische Kunst in Barcelona vertreten. Es präsentiert Zertifikat der Authentizität.

Stima 22 000 - 24 000 EUR

Lotto 103 - JOAN PONÇ BONET (Barcelona, 1927 - Saint-Paul, Frankreich, 1984). "Augen, Kreise, Eulen", 1970-1976. Gemischte Medien auf Papier. Maße: 21 x 13,5 cm; 37 x 29 cm (Rahmen). Zeichnung, die für das Buch "Augen, Kreise, Eulen" von Luis Goytisolo konzipiert wurde. Der Kopf der Zeichnung ist in Goytisolos Buch von 1970 veröffentlicht. Den Anmerkungen auf der Zeichnung zufolge wurde sie in Cadaqués begonnen und 1976 in Colliure fertiggestellt. Der Maler und Zeichner wurde in Barcelona in der Werkstatt von Ramon Rogent und an der Akademie der plastischen Künste bei Angel Lopez-Obrero ausgebildet. Nachdem er sich in der Anonymität der Malerei und Zeichnung gewidmet hatte, fand 1946 seine erste Einzelausstellung in der Kunstgalerie von Bilbao statt, die seine endgültige Konsolidierung im nationalen Kunstpanorama sein sollte. Im Jahr 1948 gründete er zusammen mit Tharrats, Puig, Cuixart, Tàpies und Brossa die Avantgardegruppe Dau al Set. Von Eugenio D'Ors ausgewählt, nahm er 1951 und 1952 am Salón de los Once in Madrid teil. Im Jahr 1952 nahm er an der Hispanoamerikanischen Biennale teil, und im folgenden Jahr verbrachte er einige Zeit in Paris, wo er Joan Miró kennenlernte und im Musée de la Villa ausstellen konnte. Auf dessen Empfehlung hin erhält Ponç Zugang zu brasilianischen Künstlerkreisen und lässt sich von 1953 bis 1962 in São Paulo nieder. Im Jahr 1954, dem Jahr der Auflösung von Dau al Set, veranstaltete er eine Ausstellung im Museum für Moderne Kunst der Stadt, die so erfolgreich war, dass die Organisation alle Werke erwarb. In Brasilien besuchte er den äquatorialen Dschungel, wo er von der Fauna, insbesondere den Insekten, beeindruckt war, die er in seine Bilder einbezog. 1955 gründete er mit Marc Aleu, Modest Cuixart, Jaume Guinovart, Jaume Muxart, Mercadé, Tàpies und Tharrats die Gruppe Taüll. Nachdem er wegen einer Krankheit nach Katalonien zurückgekehrt ist, stellt er seine Werke in New York, Rio de Janeiro, Bonn, Paris, Frankfurt, Genf, Antibes und mehreren spanischen Städten aus. Im Jahr 1965 gewann er den Großen Preis der Internationalen Zeichnung auf der Biennale von São Paulo. Ponçs Gemälde zeigen phantasmagorische Bilder, die gleichzeitig schmerzhaft und gequält sind und in denen das Unterbewusstsein die Hauptrolle spielt. Für den Maler ist die Kunst nichts anderes als eine Einführung in das Mysterium und die Geheimnisse des Geistes. Er ist eher ein Zeichner als ein Maler, und sein Werk ist äußerst detailliert und akribisch. Ponçs Schaffen lässt sich in sechs Perioden unterteilen: die Dau al Set-Periode (1947), die brasilianische Periode (1958), die metaphysisch-geometrische Periode (1969), die Periode der metaphysischen Zeichen (1970), die Periode der Akupunktur (1971) und eine letzte Periode der Synthese (1972). In seinem Werk zeigt sich Ponç als Zauberkünstler, der die Kunst als Magie, als außergewöhnliche Kraft, als Zauberspruch, als etwas Übernatürliches begreift.

Stima 1 500 - 1 800 EUR

Lotto 104 - EVA MONTORO (Madrid, 1968). "Yo Frida", 2021. Gewachste Bronze mit patiniertem Verlust. Signiert und datiert. Maße: 63 x 43 x 36 cm. Frida Kahlo gilt als Ikone der mexikanischen Kultur und als internationale Referenz, deren Aura mit der Zeit wächst. Eva Montoro huldigt der mexikanischen Künstlerin mit dieser Bronzebüste. Bei dieser Gelegenheit wird ihr trotziger Blick von ihren buschigen Augenbrauen umrahmt, die durch einen einzigen Strich verbunden sind. Dies ist ein Element, das sie immer mit Stolz zur Schau stellen wird, indem sie ihre Augenbrauen und oft auch ihren Schnurrbart übertreibt, Elemente, die der spätere Feminismus als Zeichen der Stärke eines Charakters bezeichnen wird, der sich nicht dem beugt, was von einer Frau erwartet wird, sowohl in der äußeren Erscheinung als auch im Verhalten. Eva Montoro begann ihre künstlerische Ausbildung 1984 mit einem Studium an der Schule für angewandte Kunst und künstlerische Berufe in Madrid. 1988 trat sie in die Fakultät der Schönen Künste an der Universität Complutense in Madrid ein, wo sie sich auf Grafikdesign spezialisierte. Zwischen 1991 und 1993 setzte er seine Ausbildung an der Schule für angewandte Kunst und künstlerische Berufe in Madrid fort, wo er Kurse in Storyboard und Drehbuchschreiben sowie computergestütztes Grafikdesign belegte. Im Jahr 1995 spezialisierte er sich auf Bildhauerei, wo er seine wahre Berufung entdeckte. 1992 machte er seine erste Universitätsausstellung in der Aula der Fakultät, 1993 die zweite, im selben Raum und im Rathaus von Ciudad Real. Im selben Jahr begann er, im Illustrationsstudio Tango und Gandolfi zu arbeiten, das sich der Illustration von Büchern unter der Lizenz von Walt Disney widmete. Im Jahr 1994 stellte er seine Werke erneut in der Galerie Lisboa in Madrid aus. 1999 nahm sie an einem entscheidenden Wettbewerb für den Beginn ihrer Karriere als Bildhauerin teil, der von der Gemeinde Leganés in Madrid organisiert wurde. Dieser Wettbewerb brachte ihr mehrere Aufträge für öffentliche Arbeiten ein.

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 105 - SANTIAGO MONTES LUENGAS (Villa de Laredo, Kantabrien, 1911 - 1954). "Komposition". Öl auf Leinwand. Signiert Maße: 81 x 65 cm; 103 x 86 cm (Rahmen). Santiago Montes Luengas war ein spanischer Maler, der für seine Originalwerke und als Kopist des Prado-Museums bekannt war. Während des Spanischen Bürgerkriegs musste er sich acht Jahre lang verstecken und wurde anschließend inhaftiert. Im Yeserías-Gefängnis in Madrid malte er Porträts mehrerer Mitgefangener, darunter Cipriano Rivas Cherif, der Schwager von Manuel Azaña. Santiago, der aus einer Fischerfamilie mit sieben Brüdern stammte, erlebte den Schmerz über den Verlust seines Bruders Ángel, der im Dueso-Gefängnis im Zuge desselben Konflikts erschossen wurde. Mit Beginn des Bürgerkriegs versuchte Montes, der auf der Seite der republikanischen Regierung kämpfte, kurz vor der Einnahme Santanders durch die Rebellen im Jahr 1936 erfolglos, mit dem Boot nach Frankreich zu fliehen. Da alle Versuche, sich freiwillig ins Exil zu begeben, scheiterten, beschloss er, sich in seinem eigenen Haus zu verstecken, und zwar in einem getarnten Versteck auf dem Dachboden, von dem nur er und seine Frau wussten und das sie vor ihren vier Kindern geheim hielten, um zu verhindern, dass sie ihn unwissentlich verrieten. Während der erzwungenen Gefangenschaft malte und zeichnete Montes wie ein Besessener. Am Ende des Zweiten Weltkriegs 1945, zeitgleich mit einer Amnestie des Franco-Regimes, beschloss Montes, aus seinem Versteck herauszukommen und sich den Behörden zu stellen, die ihn fast ein Jahr lang in Haft hielten, während er auf die Anwendung der Amnestie wartete. Während seines Aufenthalts im Gefängnis für politische Gefangene von Yeserías in Madrid sowie in Santander fertigte er zahlreiche Porträts seiner Mitgefangenen an, wie das von Cipriano Rivas Cherif, dem Schwager von Manuel Azaña, dem Präsidenten der Zweiten Spanischen Republik. Nachdem er genügend Beweise gesammelt hatte, um ihn von schweren Verbrechen freizusprechen, wurde er 1946 freigelassen und begann eine neue berufliche und kreative Etappe, die ihn zum offiziellen Kopisten des Prado-Museums machte, indem er Kopien von Mantegna, Van der Weyden oder Murillo anfertigte, die so gut waren, dass es selbst Experten schwerfiel, sie von den Originalen zu unterscheiden. Parallel zu den zahlreichen Kopieraufträgen, die fast ausnahmslos von ausländischen Museumsbesuchern kamen, schuf Montes sein persönliches malerisches Werk in einer künstlerischen Laufbahn, die 1954 durch seinen frühen Tod im Alter von 43 Jahren jäh unterbrochen wurde.

Stima 2 800 - 3 000 EUR

Lotto 106 - URBANO LUGRÍS GONZÁLEZ (La Coruña, 1908-1973). "Im Licht des Mondes", 1965. Tinte auf Papier. Mit Gedicht des Künstlers. Größe: 44 x 33 cm; 64 x 53 cm (Rahmen). Urbano Lugris begann seine künstlerische Ausbildung unter dem Einfluss von Nacho Viéitez, einem Mann, dessen Ziel es war, die Malerei in den neuen Generationen zu fördern. Er brach sein Studium als Kaufmann in La Coruña ab und zog 1930 nach Madrid, wo er sich den Pädagogischen Missionen anschloss, mit denen er durch mehrere spanische Städte reiste und Kostüme und Bühnenbilder für das Theater La Barraca entwarf. In dieser Zeit lernte er Federico García Lorca und Rafael Alberti kennen. Während des Bürgerkriegs nahm er als Freiwilliger an der republikanischen Armee teil und ging an die Front von Asturien. Nach Kriegsende gründete er 1954 in La Coruña zusammen mit seinen Freunden Mariano Tudela und José Mª de Labra die Zeitschrift Atlántida, an der er sich aktiv beteiligte, indem er Artikel und Gedichte schrieb, zahlreiche Illustrationen anfertigte und die Titelseite gestaltete. Im Jahr 1965 zog er nach Vigo, wo er am 23. Dezember 1973 starb. 1997 fand die größte Urbano Lugrís gewidmete Ausstellung, kuratiert von Rosario Sarmiento und Antón Patiño, im Círculo de Bellas Artes in Madrid und im Auditorio de Galicia in Santiago de Compostela statt. Anlässlich dieser Ausstellung wurde ein wichtiger Buchkatalog der Ausstellung sowie ein Faksimile der Zeitschrift Atlántida veröffentlicht. 2007 wurde das Buch von Antón Patiño Urbano Lugrís, "Viaje al corazón del océano" (Reise zum Herzen des Ozeans) veröffentlicht. Lugrís war ein fast autodidaktischer Maler, dessen malerisches Werk eine Vorliebe für maritime Themen widerspiegelt, die mit einer Atmosphäre von traumhaftem und idealisiertem Charakter dargestellt werden. Seine Bilder sind fast immer auf Karton in kleinen und mittleren Formaten gemalt. Beeinflusst wurde er von seinem Patenonkel, dem Schriftsteller Francisco Tettamancy y Gastón, sowie von den Konzepten der italienischen metaphysischen Malerei, insbesondere von Carrá und Chirico, und dem französischen Surrealismus, den Bildern von Tanguy und Magritte. Einige Autoren wollten ihn aufgrund der Verwendung von Blau als Hauptfarbe in seinen Bildern mit Dalí in Verbindung bringen, aber dieses Detail stammt nicht aus dem Katalanischen, sondern aus Platinir.

Stima 3 300 - 3 500 EUR

Lotto 107 - JOSÉ PÉREZ SANLEÓN (Catarroja, Valencia, 1953). Ohne Titel, 1999. Öl auf Aluminium. Provenienz: Bedeutende spanische Sammlung. Größe: 27 x 41 cm. Im Laufe der Jahre hat sich das Werk von José Pérez von der lyrischen Abstraktion zur konzeptuellen Kunst entwickelt. In seinen jüngsten Werken, in denen eine stärkere Intervention des Zufalls zu erkennen ist, verwendet er neue Materialien wie Eisenplatten. Mit einem Stil, der eine große Vorliebe für Farben und Oberflächen auf dem Untergrund zeigt, sticht seine expressionistische Geste hervor, die reich an Material ist und oft auf figurative Themen angewendet wird. José Sanleón, einer der wichtigsten abstrakten Künstler der Erneuerung der valencianischen und spanischen Kunstszene in den achtziger Jahren, begann seine Karriere in den siebziger Jahren und war 1978 und 1979 einer der ersten Preisträger des Bancaja-Malereipreises im damaligen Salón de Primavera (Frühlingssalon). Im selben Jahr, 1979, nahm er an der Ausstellung "Perspectiva 80" teil, und 1986 war er Teil der Gruppenausstellung "Plástica valenciana contemporánea". Im selben Jahr hatte er eine herausragende Ausstellung in Paris, in der Galerie Antiope France, und 1995 stellte er in der valencianischen Galerie Parpalló aus. Sanleón, der hauptsächlich als Maler, aber auch als Bildhauer tätig ist, hat Projekte im letzteren Bereich realisiert, wie zum Beispiel die skulpturale Installation am Haupteingang des Lauria-Gebäudes in Valencia (2008). Im Jahr 2007 wurde ihm eine große Retrospektive im IVAM in Valencia gewidmet, eine Institution, die ihm 2010 eine weitere Ausstellung widmen wird. Zwei Jahre später, im Jahr 2012, zeigte die Stiftung Bancaja eine umfassende Ausstellung seiner jüngsten Arbeiten. Sanleón ist derzeit im IVAM in Valencia, in der Bancaja-Stiftung, in der Argentaria und in anderen öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

Lotto 108 - SYLVIE FLEURY (Genf, 1961). "Kratzer". Lockenwickler und Haarnadeln. Mit Methacrylat-Urne. Arbeit ausgestellt bei: -Galerie Bob Van Orsouw, "Silvie Fleury", Zürich 1993. -Musée d'Art Moderne et Contemporain de Genève, "Silvie Fleury. Erstes Raumschiff auf der Venus", Genf, 7. Juni-8. September 1996. -Centre National d'Art Contemporain, Magasin, "Silvie Fleury. Identität, Schmerz, Astralprojektion", Grenoble, 21. Oktober 2001-6. Januar 2002. Maße: 21 x 21 x 11 cm; 50 x 46 cm (Methacrylat-Urne). Sylvie Fleury ist vor allem für ihre Installationen bekannt. In den neunziger Jahren trat sie erstmals mit ihrer Serie "Shopping Bags" in Erscheinung, einer Sammlung von Taschen aus Luxusboutiquen, mit der sie die Beziehung zwischen Kunst und Mode thematisierte und sich gegen den dominanten und überflüssigen Konsum stellte, der unsere Gesellschaft überflutet. Gegenwärtig integriert seine Kunst die Modeindustrie, Kosmetika und amerikanische Luxusautos (Symbol und Klischee eines amerikanischen Lebens, aber auch ein in der Schweiz häufig importiertes Fahrzeug) und nutzt das Marketingsystem, um ein attraktives und visuelles Werk zu schaffen. In seinem Werk "Lockenwickler" konzentriert sich Fleury auf die oberflächliche Schönheit und ersetzt das Subjekt (das abwesende Gesicht) durch das Objekt (Lockenwickler). Bei einer Gelegenheit erklärte Fleury: "Ich zeige die Dinge, wie sie sind. Ich zeige die Dinge so, wie sie sind, und lege damit auch die Instrumente und Mechanismen offen, die sie zu dem machen, was sie sind", eine Aussage, die uns das künstlerische Denken der Künstlerin verstehen lässt. Viele von Silvie Fleurys Werken befinden sich in wichtigen internationalen Institutionen wie dem Museum of Modern Art in New York, dem Zentrum für Kunst und Medien in Karlshure, dem Museum der Moderne, dem Museum Villa Stuck oder dem MACBA in Barcelona.

Stima 18 000 - 20 000 EUR

Lotto 109 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). "Rote und schwarze Komposition", um 1962. Öl und Gouache auf lithographiertem Papier, auf Leinwand aufgezogen. Beigefügt ist ein Zertifikat des Antoni Clavé-Archivs. Das Werk ist im Archiv Antoni Clavé, Paris, registriert. Nr.: 62TMPMT18. Signiert in der unteren rechten Ecke. Größe: 57 x 77 cm; 67 x 87 cm (Rahmen). Auf einem dunklen Hintergrund hebt sich die Intensität des Rots hervor und erreicht einen Farbkontrast, der der Komposition Lebendigkeit verleiht und den Blick des Betrachters weckt. Durch das Spiel zwischen Rot und Schwarz, ein von Antoni Clave häufig verwendetes Mittel, setzt der Künstler eine ganze Reihe von scheinbar zufälligen Elementen ein, die sich zu einer barocken Komposition zusammenfügen. Antoni Clavé ist eine der wichtigsten Figuren der zeitgenössischen spanischen Kunst. Ausgebildet an der Schule der Schönen Künste San Jordi in Barcelona, widmete sich Clavé zunächst der Werbegrafik, der Illustration und der dekorativen Kunst. Im Jahr 1936 nahm er aktiv am Bürgerkrieg teil und schloss sich den Republikanern an, woraufhin er nach Kriegsende nach Frankreich ins Exil ging. Noch im selben Jahr, 1939, stellt er seine Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Von dieser Zeit an entwickelt Clavé ein Werk, das von einem anderen, weniger klassischen Stil geprägt ist. In dieser Zeit verlieren seine Figuren allmählich ihre Präzision und Form und weichen den Linien und einer persönlichen Palette von Farben und Texturen, die von da an die Hauptmerkmale seiner Werke sein sollten. Er genoss bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Sala Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wurde. In den 1960er Jahren huldigte er El Greco, und in seiner Malerei dieser Zeit sind die Einflüsse dieses Meisters ebenso wie die der Barockmaler zu erkennen. Das Motiv des Ritters mit der Hand auf der Brust ist von besonderer Bedeutung, ein Bezug, der sich in Clavés weiteren Werken wiederfinden wird. Diese Periode ist durch den endgültigen Übergang zur Abstraktion gekennzeichnet. In den 1970er Jahren entwickelt sich Clavés Werk weiter, er verwendet verschiedene Techniken wie die Collage und erfindet neue, wie das "papier froissé", das aus der zufälligen Verwendung von Aerosol auf zerknülltem Papier entsteht. 1978 widmet ihm das Musée National d'Art Moderne in Paris, das heutige Centre Georges Pompidou, eine Retrospektive, die ihn zu einem der renommiertesten Künstler seiner Generation macht. Seine letzten Werke zeichnen sich durch die Wiederherstellung von Texturen innerhalb der Abstraktion aus, wobei er reichlich Papier-Froissé verwendet. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale von Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale von Tokio mit Preisen ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris und Tokio, im British Museum und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Stima 12 000 - 13 000 EUR

Lotto 111 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923 - 2009). Ohne Titel. Öl auf Leinwand. Beiliegend vom Künstler signierter Zahlungsbeleg, Mai 1968. Maße: 43 x 34 cm. Die abstrakte Sprache gab Ràfols Casamada eine beträchtliche kreative Freiheit, um mit Texturen, Formen, Gesten und Farben zu experimentieren, wobei er stets der kompositorischen Einfachheit und dem konzeptionellen Reichtum den Vorrang gab. In dieser Komposition ist der Raum in drei Zonen unterteilt: Auf der rechten Seite ist die schwache Zeichnung einer Tasse auf einem Teller zu sehen, die wie mit einem Meißel auf Holz gemeißelt scheint, und auf der linken Seite verleiht ein Keil der Geometrie Dynamik. Das zentrale weiße Band trennt die beiden Realitäten. Ràfols überlässt es dem Betrachter, die Botschaften anhand der Emotionen, die das plastische Experiment in ihm weckt, zu entschlüsseln. Der Maler, Pädagoge, Schriftsteller und Grafiker Ràfols Casamada genießt großes internationales Ansehen. Er begann in der Welt des Zeichnens und Malens bei seinem Vater, Albert Ràfols Cullerés. Im Jahr 1942 begann er ein Architekturstudium, das er jedoch bald abbrach, um sich der bildenden Kunst zu widmen. Der postimpressionistische Einfluss seines Vaters und sein besonderer Cézannismus prägen die Werke seiner ersten Ausstellung, die 1946 in den Galerien Pictòria in Barcelona stattfindet, wo er mit der Gruppe Els Vuit ausstellt. In der Folge entwickelt er eine poetische Abstraktion, amorph in ihrer Konfiguration, frei und intelligent, das Ergebnis einer langsamen Entwicklung und basierend auf Umgebungen, Themen, Objekten oder Grafiken des täglichen Lebens. Ràfols Casamada arbeitet mit diesen Fragmenten der Realität, des Lebens, in einem Prozess der Entstellung, spielt mit den Konnotationen, den plastischen Werten und dem visuellen Reichtum der möglichen verschiedenen Lesarten, in einem Versuch, die Vergänglichkeit der Realität zu fixieren. 1950 erhält er ein Stipendium, um nach Frankreich zu reisen, und lässt sich bis 1954 in Paris nieder. Dort lernte er die postkubistische figurative Malerei sowie die Werke von Picasso, Matisse, Braque, Miró und anderen kennen. Diese Einflüsse verbinden sich in seiner Malerei mit dem sich zur gleichen Zeit entwickelnden amerikanischen abstrakten Expressionismus. Als er schließlich nach Barcelona zurückkehrte, schlug er seinen eigenen künstlerischen Weg ein, mit einem Stil, der sich durch kompositorische Eleganz auszeichnet und auf orthogonalen Strukturen in Verbindung mit einer gefühlvollen und leuchtenden Farbigkeit beruht. Nachdem er in den sechziger und siebziger Jahren eine interessante Beziehung zum Neo-Dada und zum Neuen Realismus gezeigt hatte, konzentrierte sich sein Werk auf rein malerische Werte: Farbfelder in ausdrucksstarker Harmonie, auf denen sich gestische Kohlestriche abheben. Er hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter 1980 den Nationalen Preis für plastische Kunst des Kulturministeriums, 1982 den Creu de Sant Jordi und 1991 den Premio de las Artes de la CEOE. 1985 wurde er zum Ritter des französischen Ordens der Künste und des Schrifttums ernannt und ist Ehrenmitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando in Madrid. Im Jahr 2003 verlieh ihm die Generalitat den Nationalen Preis für Bildende Kunst von Katalonien, und 2009, nur zwei Monate vor seinem Tod, ehrte ihn die Grup 62 im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien. Seine Werke befinden sich in den wichtigsten Museen der Welt: im Reina Sofia in Madrid, im Guggenheim und im MOMA in New York, im Museum of Modern Art in Los Angeles, im Picasso-Museum in Frankreich, im Georges Pompidou in Paris, im British Museum und in der Tate Gallery in London und in vielen anderen.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 112 - JOSE TELMO LODEIRO (Vigo, 1931-1996). "Sonnenuntergang an den galicischen Flussmündungen", 1996. Öl auf Leinwand. Signiert im unteren Bereich des Bildes. Signiert und datiert auf der Rückseite. Maße: 100 x 81 cm; 124 x 106 cm (Rahmen). Dieses Gemälde erforscht die Landschaft, wie es bei Lodeiro üblich ist, aus einer durch die chromatische Ekstase verinnerlichten Wahrnehmung heraus. Er gilt als einer der großen galicischen Maler des Jahrhunderts. Lodeiro wurde 1993 mit dem galicischen Kritikerpreis für das Engagement seiner künstlerischen Arbeit für das Volk und die Arbeiterklasse ausgezeichnet. Trotz seiner Reisefreudigkeit pflegte er stets einen sehr direkten Kontakt zur lebendigen Kultur Galiciens und zur Arbeiter- und Nationalistenbewegung. Lodeiro war einer der Pioniere der Avantgarde in Galicien, und seine schöpferische Individualität wird als einer der reichsten Beiträge zur Geschichte der galicischen Kultur katalogisiert. 1930 wurde er in einer der charakteristischsten Straßen von Vigo, der Falperra, geboren. Er rühmte sich gerne damit, aus Vigo zu stammen und ein Celtista zu sein, und blieb stets in Kontakt mit der nationalistischen und der Arbeiterbewegung. In der Tat betrachtete er sich selbst als Arbeiter der Malerei. Nach seinem Tod widmete ihm das Centro de Arte Contemporánea de Galicia (CGAC) im Jahr 2007 eine Retrospektive. Und die Stiftung Exponav eröffnete in Ferrol die erste Ausstellung, die ausschließlich Lodeiro gewidmet war. Auch der Maler Antón Patiño bezeichnete ihn als "Sklave des Lichts, besessener Künstler, Nonkonformist, Revolutionär und unverzichtbar".

Stima 2 800 - 3 000 EUR

Lotto 113 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904 - 1989). "Christus in Perspektive". 1972. Tinte auf Offsetpapier. Signiert, datiert und gewidmet. Maße: 32 x 40 cm; 55 x 82 cm (Rahmen). Originalzeichnung auf Papier, die Dalí 1972 anfertigte, zwanzig Jahre später als sein Gemälde "Christus des heiligen Johannes vom Kreuz", auf dem der Gekreuzigte ebenfalls verkürzt dargestellt ist, und zwar aus einer Zenitperspektive. Dalí sucht in diesen Versionen nach Möglichkeiten, die himmlische Betrachtung des Leidens Jesu zu suggerieren, indem er den Blickwinkel von Engeln oder einer göttlichen Wesenheit einnimmt. In dem Gemälde von 1951 bezieht sich der Titel auf den spanischen Mystiker und Dichter aus dem 16. Jahrhundert, der für seine Schriften über die Vereinigung der Seele mit Gott durch spirituelle Liebe bekannt ist. Die Wahl dieses Titels suggeriert eine Verbindung zwischen Dalís Vision der Kreuzigung und tiefer Spiritualität. In den 1970er Jahren nahm Dalí, der stets von einer tiefen Spiritualität bewegt war, seine plastischen Reflexionen über Themen wie Glaube, Erlösung, das Leben nach dem Tod und die göttliche Natur wieder auf. Der Maler und Bildhauer Salvador Dalí war einer der führenden Vertreter der surrealistischen Bewegung. Sein Werk hatte großen Einfluss auf die Entwicklung des Surrealismus in den zwanziger und dreißiger Jahren. Er gilt als Schöpfer der paranoisch-kritischen Methode, einer wesentlichen Verbindung des Realen mit dem Imaginären. Der größte Teil seines Werks befindet sich im Dalí-Theater-Museum in Figueras, gefolgt von den Sammlungen des Salvador-Dalí-Museums in St. Petersburg (Florida), der Reina Sofía in Madrid, der Salvador-Dalí-Galerie in Pacific Palisades (Kalifornien), des Espace Dalí in Montmartre (Paris) oder des Dalí Universe in London.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 114 - JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). "Estellés", 2017. Künstlerbuch (Hommage an den Dichter Vicent Andrés Estellés). Das Buch besteht aus einer Radierung, dreiundzwanzig Diptychen und sechs Triptychen auf handgeschöpftem Papier, begleitet von sechs Kupfertransparenten. Diese sechs Stücke können zu einem Skulpturenset zusammengesetzt werden. In einer von Jaume Plensa entworfenen Kupferhülle. Exemplar 734/999 Exemplare Signiert und nummeriert. Nummerierte Kupferbox mit lasergravierter Signatur von Jaume Plensa. Herausgeber: Enciclopèdia Art, Barcelona. Luxusausgabe. Maße: 38,9 x 28,3 x 6,9 cm (Kupferkassette); 38,5 x 28 x 6,4 cm (mit schwarzem Stoff gefütterte Pappschachtel); 25,5 x 35 cm (jede Gravur); 22,5 x 32 cm (Kupferfolien). Dieses Künstlerbuch ist eine Hommage an den Dichter Vicent Andrés Estellés. Deluxe-Ausgabe. Das Buch besteht aus einer Radierung, dreiundzwanzig Diptychen und sechs Triptychen auf handgeschöpftem Papier, begleitet von sechs Kupfertransparenten. Das Buch wird in einer von Jaume Plensa entworfenen Kupferhülle präsentiert. Diptychen und Triptychen: Texte gedruckt mit metallischer Magnesiumätzung auf 120 gr. handgeschöpftem Papier, hergestellt aus Baumwolle und Eukalyptusfasern. Radierung nach einer Zeichnung von Jaume Plensa, auf 300 g Büttenpapier von Molí Paperer de Ca l'Oliver, aus Baumwolle und Eukalyptusfasern. Jaume Plensa studierte an der Escuela de La Llotja und der Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, beide in Barcelona. Er zeichnete sich in den Bereichen Bildhauerei, Zeichnung und Gravur aus. Sein Werk konzentriert sich auf die Beziehung zwischen dem Menschen und seiner Umwelt, wobei er häufig die Rolle der Kunst in der Gesellschaft und die Stellung des Künstlers hinterfragt. Er lebt heute in Paris und wurde kürzlich von der School of the Art Institute of Chicago mit der Ehrendoktorwürde ausgezeichnet. Plensa begann seine Karriere mit Schmiedeeisen, das er mit Polyester mischte. Zwischen 1983 und 1984 begann er, Eisen mit der Gusstechnik zu formen, und entwickelte ein skulpturales Konzept, das auf zoomorphen Elementen basiert. Sein Werk entwickelte sich schrittweise weiter und gilt heute als Vorläufer des spanischen Neo-Expressionismus. In den neunziger Jahren veränderte er sein Werk sowohl in materieller als auch in formaler Hinsicht und begann, verschiedene Materialien wie Metallschrott, Polyester und Harze zu verwenden. In diesen Jahren arbeitete er Serien von Wänden, Türen und architektonischen Konstruktionen aus und versuchte, dem Raum eine absolute Hauptrolle zu geben. Zwischen 1999 und 2003 wurde Plensa zu einer der Säulen der internationalen Szenografie, indem er mit "La Fura dels Baus" vier klassische Opern von Falla, Debussy, Berlioz und Mozart neu interpretierte und allein eine zeitgenössische Theaterproduktion, "La pareti della solitudine", von Ben Jelloun aufführte. Er hatte Einzel- und Gruppenausstellungen in der ganzen Welt, darunter eine Retrospektive im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía im Jahr 2000. Im Juni 2008 weihte er in London am Hauptsitz der BBC sein Werk Breathing" ein, ein Denkmal für Journalisten, die bei der Ausübung ihres Berufs ums Leben kamen. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter 1993 die Medaille des Ritterordens der Künste und des Schrifttums, verliehen vom französischen Kulturministerium, oder 1997 den Nationalpreis für plastische Kunst der Generalitat von Katalonien. Er gilt als einer der führenden Vertreter der neuen spanischen Kunst des Expressionismus. Seine Werke sind in den besten nationalen und internationalen Galerien und Kunstmessen sowie in den wichtigsten Museen Europas und der Vereinigten Staaten ausgestellt, wie dem MOMA in New York, dem Kemper in Kansas, dem Museo Patio Herreriano in Valladolid, dem Palazzo Forti in Verona, dem MACBA oder dem Museo Reina Sofía in Madrid.

Stima 1 800 - 2 000 EUR

Lotto 115 - JAUME PITARCH (Barcelona, 1963). Aus der Serie "Streichhölzer", Nr. 11. 1999-2000. Fotografie auf Barytpapier. Provenienz: Galerie dels Àngels in Barcelona. Maße: 80 x 80 cm; 81 x 81 cm (Rahmen). Der in Barcelona lebende Künstler Jaume Pitarch hat am Chelsea College of Art und am Royal College of Art in London Bildende Kunst studiert. Seine Sprache basiert auf der Dekontextualisierung von vom Menschen geschaffenen Elementen, die er demontiert und auf eine völlig andere Weise rekonstruiert, indem er sie ihrer ursprünglichen Bedeutung und ihres Wertes beraubt. Im Laufe seiner künstlerischen Karriere hat Jaume Pitarch zahlreiche Ausstellungen auf nationaler und internationaler Ebene durchgeführt, darunter: Àngels Barcelona (2013, 2009, 2004, 1997); Galería Fúcares, Madrid (2013, 2008); Spencer Brownstone Gallery, New York (2013, 2009, 2006) oder in Galerija Vartai, Litauen, 2011. Außerdem wurden seine Arbeiten für Gruppenausstellungen in internationalen Galerien und Institutionen ausgewählt. Seine Werke befinden sich in öffentlichen und privaten Sammlungen wie der MACBA-Sammlung, der Vila Casas Foundation, der La Caixa-Sammlung, Artium, der Bergé-Sammlung, dem Patio Herreriano Museum oder der Sammlung des Royal College of Art in London, um nur einige zu nennen. Pitarch erklärt, dass sich seine Arbeit "darauf konzentriert, wie die Produktivität unsere Vorstellung von Zeit beeinflusst hat. Markt, Arbeit, Wert oder Freizeit sind nur ergänzende Ausdrucksformen davon. Es scheint, dass die zeitgenössische Kunstpraxis, die Teilnahme und der Konsum zeitbasierte Aktivitäten sind und daher einem Produktionssystem unterliegen". Er fährt fort: "Ein Teil meiner Praxis besteht darin, Objekte, Handlungen oder einfache Episoden, die zu diesen Kontexten gehören, zu retten und zu reorganisieren, um sie mit einer neuen Lesart außerhalb der Grenzen zu versehen, die die geplante oder produktive Zeit bestimmt. Diese Objekte, die Reproduktion dieser Handlungen und Episoden sollten als kritische und poetische Mittel gelesen werden, die eine entschleunigte Revision der Realität ermöglichen".

Stima 1 200 - 1 600 EUR

Lotto 116 - JAUME PITARCH (Barcelona, 1963). "Entropía de Jackson".2009. Gemischte Medien (Collage auf Karton). Provenienz: Galerie dels Àngels in Barcelona. Maße: 77 x 107 cm. Dieses Werk war Teil einer gleichnamigen Ausstellung von Jaume Pitarch in der Galerie Àngels Barcelona, in der das Thema Zeit sowohl als Konzept als auch als plastische Entwicklung aus einer neuen Perspektive behandelt wurde. In der Pressemitteilung heißt es dazu: "Pitarch verwandelt alltägliche Gegenstände und Arbeitsrituale in Instrumente der kritischen Reflexion. Häufig bestehen seine Arbeiten aus eigensinnigen Handlungen, die zu scheinbar absurden, unproduktiven, unsichtbaren oder unvorstellbaren Ergebnissen führen. Diese Absurdität ist jedoch nicht selbstverliebt: Sie hinterfragt die Identität, die Vergesellschaftung und die Verhaltensbeziehungen zwischen dem Menschen und seiner materiellen Produktion. Für Pitarch ist dies einfach die Konsequenz der Angst eines Menschen, der sich in einem Netz sich ständig verändernder sozialer Strukturen verliert, in die er seine ganze Energie in dem gescheiterten Versuch steckt, dazuzugehören, "sich in sie einzufügen". Das Thema der Zeit (Zeit als das, was uns ständig aus dem Spiel lässt) ist daher eine Konstante in seinem Werk. Eine virilische Zeit, die manchmal angedeutet, angehalten oder in einen unsichtbaren Verbündeten namens Prozess" verwandelt wird. Jaume Pitarch, der derzeit in Barcelona lebt, studierte Bildende Kunst am Chelsea College of Art und am Royal College of Art in London. Seine Sprache basiert auf der Dekontextualisierung von vom Menschen geschaffenen Elementen, die er demontiert und auf eine völlig andere Weise rekonstruiert, indem er sie ihrer ursprünglichen Bedeutung und ihres Wertes beraubt. Im Laufe seiner künstlerischen Karriere hat Jaume Pitarch zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland bestritten, darunter: Àngels Barcelona (2013, 2009, 2004, 1997); Galería Fúcares, Madrid (2013, 2008); Spencer Brownstone Gallery, New York (2013, 2009, 2006) oder in Galerija Vartai, Litauen, 2011. Außerdem wurden seine Arbeiten für Gruppenausstellungen in internationalen Galerien und Institutionen ausgewählt. Seine Werke befinden sich in öffentlichen und privaten Sammlungen wie der MACBA-Sammlung, der Vila Casas Foundation, der La Caixa-Sammlung, Artium, der Bergé-Sammlung, dem Patio Herreriano Museum oder der Sammlung des Royal College of Art in London, um nur einige zu nennen.

Stima 4 500 - 5 500 EUR

Lotto 117 - SOL LEWITT (Connecticut, 1928 - New York, 2007). "Keine geraden Linien", 2003. Satz von 6 Radierungen, Ausgabe 19/20. Vom Künstler handsigniert und nummeriert. Maße: 25 x 25 cm (u.c.); 41 x 41 cm (Rahmen). In der Serie "Not Straight Lines" entwickelt LeWitt parallele, unregelmäßige Linien, die mit der Ambiguität zwischen Improvisation und akribischem Studium von Mustern spielen. Mit minimalistischen Techniken schafft LeWitt Kompositionen, die auf den ersten Blick einfach erscheinen mögen, aber im Zusammenspiel von Formen und Räumen eine Komplexität offenbaren. LeWitt widmete sein gesamtes Oeuvre der konzeptionellen und grafischen Erforschung von Mustern und Systemen durch Geometrie und Wiederholungen. Die unterbrochenen Linien vermitteln ein Gefühl von Flüssigkeit und Energie, das wir visuell mit dem Puls der Hand und den Emotionen, die mit der Schöpfung verbunden sind, in Verbindung bringen. Diese Linien werden so zu einer Art Seismograph, einem Gerät, das metaphorisch mit kreativer Intuition verbunden ist. Sol LeWitt ist ein Künstler, der mit mehreren Bewegungen verbunden ist, darunter Konzeptkunst und Minimal Art, und der sich vor allem durch Malerei, Zeichnung, Fotografie und Strukturen ausdrückt. Er wurde in eine jüdische Familie russischer Einwanderer hineingeboren und begann nach seinem BFA-Abschluss an der Syracuse University im Jahr 1949 eine Reihe von Reisen durch Europa, wo er von den großen Meistern der Malerei beeinflusst wurde. Als er sich in den fünfziger Jahren in New York niederließ, konzentrierte er sein Interesse auf das Grafikdesign und arbeitete für die Zeitschrift Seventeen. In den folgenden zehn Jahren arbeitete der Künstler am MoMA in New York, eine weitere Erfahrung, die die Entwicklung seines Werks prägen sollte. In diesen Jahren wurde LeWitt zu einem der Hauptvertreter der Konzeptkunst, die betont, dass die Idee und nicht ihre physische Form grundlegend ist. Er war einer der Pioniere dieser Bewegung und einer ihrer bedeutendsten Theoretiker, und sein Werk wurde auch mit dem Minimalismus in Verbindung gebracht. Ab 1965 wird LeWitt in Hunderten von Einzelausstellungen in Museen und Galerien auf der ganzen Welt zu sehen sein. Sein Werk umfasst zwei- und dreidimensionale Arbeiten, von Wandgemälden (mehr als 1.200) bis hin zu Fotografien, Zeichnungen und Skulpturen aller Art, darunter Türme, Pyramiden, geometrische Formen und Verläufe. Sol LeWitt verwendete häufig offene, modulare Strukturen auf der Grundlage des Würfels, einer Schlüsselform für die Entwicklung seiner Sprache. 1978 widmet ihm das Museum of Modern Art in New York seine erste Retrospektive. LeWitt ist derzeit in diesem Museum, im Guggenheim in New York und Bilbao, im Kunstmuseum in Basel, im Palazzo Forti in Verona, im SMAK in Gent, in der Tate Gallery in London, im Hirshhorn Museum and Sculpture Garden und in der National Gallery in Washington, im Metropolitan in New York und in der National Gallery of Australia und vielen anderen vertreten.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 118 - PATRICIA DAUDER (Barcelona, 1973). "Sobreposició II (Haus)". 2007. Collage und Farbstift auf Transparentpapier. Mit rückseitigem Etikett der Galerie Projectes D. Zertifikat auf der Rückseite von der Künstlerin. Maße: 90 x 120 cm. In "Sobreposició" evoziert Patricia Dauder die mit dem häuslichen Raum verbundene Erinnerung. Mit einer suggestiven Sprache, die dem Minimalismus und der lyrischen Abstraktion nahesteht, experimentiert Dauder mit Form und Materie als Reflexion über das Vergehen der Zeit und die Idee des Raums. Anwesenheit und Abwesenheit, das Ganze und das Fragment, die Masse und die Leere, der Rückstand und die Spur sind Begriffe, die in ihren Vorschlägen mitschwingen. Nach ihrem Studium der Schönen Künste an der Universität von Barcelona und Aufenthalten in Holland, New York und Prag lebt und arbeitet sie in Barcelona. Sie arbeitet mit verschiedenen Medien: Zeichnung, Skulptur, Textilien, Film und Fotografie. In ihrem Werk, das einen ausgeprägt prozessualen Charakter hat, spielt das Reisen eine wichtige Rolle, ebenso wie die Kultur des Meeres und die Idee der Natur. Die Künstlerin beansprucht direktere und essentiellere Formen der Beziehung zur natürlichen Umwelt, ein Anspruch, der sowohl in ihren Reisen als auch in ihrer Farbwahl, in ihrer physischen und handwerklichen Beziehung zu Materialien (Papier, Graphit, Karton, Stoffe, Gips, Holz, Luft, Erde) verkörpert wird. Dauder erschafft und zerstört, spürt nach und radiert aus, fügt hinzu und entfernt, bis er raffinierte Stücke mit abstraktem Aussehen formt, die in ihrer Mehrdeutigkeit schließlich mehrere Assoziationen und Ikonographien projizieren. Seit Ende der 1990er Jahre wurden seine Werke unter anderem im Museu de l'Empordà in Figueres (2008), der Fundació Suñol in Barcelona (2009), dem Museu de Serralves in Porto (2012), dem MARCO in Vigo (2015) und der Nationalgalerie in Prag (2018) ausgestellt. Seine Werke befinden sich unter anderem in Sammlungen wie dem Centro Andaluz de Arte Contemporáneo in Sevilla, der Coleçao Fundaçao Serralves in Porto, der Colección CAM de Arte Contemporáneo in Alicante, der Fundació Vila Casas in Barcelona, dem Centro Galego de Arte Contemporánea in Santiago de Compostela, der Chartwell Collection in Auckland, Neuseeland und dem MACBA in Barcelona.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

Lotto 119 - ALFONS BORRELL PALAZÓN (Barcelona, 1931-2020). Ohne Titel. 1998. Gemischte Medien auf dickem Papier. Signiert und datiert. Maße: 74 x 112 cm; 82 x 120 cm (Rahmen). Alfons Borrell gilt als einer der größten Vertreter der lyrischen Abstraktion in Spanien. In dieser Komposition ist der Einfluss von Rothko und seinen fließenden Farbfeldern zu erkennen. Ausgehend von Symmetrien und gestischen Abstraktionen, vereinfachte sich sein Werk zunehmend. Mit großen monochromen Flächen - die Farbe ist in Borrells Werk ein struktureller Protagonist -, die oft auf eine einzige geometrische Figur oder ein grafisches Zeichen oder eine Bemaßung zentriert sind, bringt die Lyrik und Strenge dieser Malerei sie näher an das Innere oder die introspektive Landschaft als an den Willen zur Darstellung. Der in Barcelona geborene, aber seit seiner Kindheit in Sabadell ansässige Alfons Borrell wurde in den fünfziger Jahren bei Hermen Anglada Camarasa auf Mallorca und an der Escola de Belles Arts in Barcelona ausgebildet. 1960 gehörte er der Grup Gallot an, einem in Sabadell gegründeten Kollektiv, das Aktionen auf halbem Weg zwischen Aktionsmalerei und surrealistischem Automatismus praktizierte und die Grenzen der Autorenschaft und des Bildmediums in Frage stellte. Im Jahr 1971 war er an der Gründung der Sala Tres in Sabadell beteiligt. Als enger Freund von Joan Brossa und Künstlern wie Perejaume hat sich seine malerische Abstraktion im Laufe seiner langen Karriere zu einem ausdrucksstarken und soliden Korpus konsolidiert. Seit seinen ersten Einzelausstellungen in den späten fünfziger Jahren hat Borrell seine Werke in bedeutenden Kunstzentren des Landes, aber auch in Frankreich, Deutschland, den Vereinigten Staaten und Japan präsentiert. Der Kunstkritiker Alexandre Cirici lud ihn 1960 zur Teilnahme an der Eröffnungsausstellung des ersten Museu d'Art Contemporani de Barcelona in der Kuppel des Coliseum-Kinos ein. Im Jahr 1978 war er Teil der Ausstellung Seny i rauxa. 11 artistes catalans im Centre Georges Pompidou in Paris. Unter den zahlreichen Retrospektiven seines Werks ragen die im Centre Cultural Tecla Sala in L'Hospitalet de Llobregat (2006), im Museu d'Art de Sabadell (2007) und in der Fundació Joan Miró in Barcelona (2015) heraus.

Stima 3 500 - 4 500 EUR

Lotto 120 - PATRICIA DAUDER (Barcelona, 1973). "Ohne Titel (Verd-vermell)".2008. Buntstifte auf Papier. Mit Etikett auf der Rückseite der Galerie Projectes D. Maße: 91 x 124 cm. Mit einer suggestiven Sprache, die dem Minimalismus und der lyrischen Abstraktion nahesteht, experimentiert Dauder mit Form und Materie als Reflexion über das Vergehen der Zeit und die Idee des Raums. Anwesenheit und Abwesenheit, das Ganze und das Fragment, die Masse und die Leere, der Rückstand und die Spur sind Begriffe, die in ihren Vorschlägen mitschwingen. Nach ihrem Studium der Schönen Künste an der Universität von Barcelona und Aufenthalten in Holland, New York und Prag lebt und arbeitet sie in Barcelona. Sie verwendet verschiedene Medien: Zeichnung, Skulptur, Textilien, Film und Fotografie. In ihrem Werk, das einen ausgeprägt prozessualen Charakter hat, spielt das Reisen eine wichtige Rolle, ebenso wie die Kultur des Meeres und die Idee der Natur. Die Künstlerin beansprucht direktere und essentiellere Formen der Beziehung zur natürlichen Umwelt, ein Anspruch, der sowohl in ihren Reisen als auch in ihrer Farbwahl, in ihrer physischen und handwerklichen Beziehung zu Materialien (Papier, Graphit, Karton, Stoffe, Gips, Holz, Luft, Erde) verkörpert wird. Dauder erschafft und zerstört, spürt nach und radiert aus, fügt hinzu und entfernt, bis er raffinierte Stücke mit abstraktem Aussehen formt, die in ihrer Mehrdeutigkeit schließlich mehrere Assoziationen und Ikonographien projizieren. Seit Ende der 1990er Jahre wurden seine Werke unter anderem im Museu de l'Empordà in Figueres (2008), der Fundació Suñol in Barcelona (2009), dem Museu de Serralves in Porto (2012), dem MARCO in Vigo (2015) und der Nationalgalerie in Prag (2018) ausgestellt. Seine Werke befinden sich unter anderem in Sammlungen wie dem Centro Andaluz de Arte Contemporáneo in Sevilla, der Coleçao Fundaçao Serralves in Porto, der Colección CAM de Arte Contemporáneo in Alicante, der Fundació Vila Casas in Barcelona, dem Centro Galego de Arte Contemporánea in Santiago de Compostela, der Chartwell Collection in Auckland, Neuseeland und dem MACBA in Barcelona.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

Lotto 121 - PATRICIA DAUDER (Barcelona, 1973). "Ohne Titel (Paisaje gris)".2005. Holzkohle auf Papier. Mit Etikett auf der Rückseite der Galerie Projectes D. Maße: 130 x 100 cm; 150 x 120 cm (Rahmen). Patricia Dauder stellt den Titeln oft die Prämisse "Ohne Titel" voran, was eine Absichtserklärung ist: Sie will die Emotionen, die der Betrachter vor (in diesem Fall) einer "grauen Landschaft" (Regen, bleierne Stimmung ...) empfindet, nicht einschränken und lenken. Mit einer suggestiven Sprache, die dem Minimalismus und der lyrischen Abstraktion nahe steht, experimentiert Dauder mit Form und Materie als Reflexion über den Lauf der Zeit und die Idee des Raums. Anwesenheit und Abwesenheit, das Ganze und das Fragment, die Masse und die Leere, der Rückstand und die Spur sind Begriffe, die in ihren Vorschlägen mitschwingen. Nach ihrem Studium der Schönen Künste an der Universität von Barcelona und Aufenthalten in Holland, New York und Prag lebt und arbeitet sie in Barcelona. Sie verwendet verschiedene Medien: Zeichnung, Skulptur, Textilien, Film und Fotografie. In ihrem Werk, das einen ausgeprägt prozessualen Charakter hat, spielt das Reisen eine wichtige Rolle, ebenso wie die Kultur des Meeres und die Idee der Natur. Die Künstlerin beansprucht direktere und essentiellere Formen der Beziehung zur natürlichen Umwelt, ein Anspruch, der sowohl in ihren Reisen als auch in ihrer Farbwahl, in ihrer physischen und handwerklichen Beziehung zu den Materialien (Papier, Graphit, Karton, Stoffe, Gips, Holz, Luft, Erde) verkörpert wird. Dauder erschafft und zerstört, spürt nach und radiert, fügt hinzu und entfernt, bis er raffinierte, abstrakt anmutende Stücke formt, die in ihrer Mehrdeutigkeit vielfältige Assoziationen und Ikonographien hervorrufen. Seit Ende der 1990er Jahre wurden seine Werke unter anderem im Museu de l'Empordà in Figueres (2008), der Fundació Suñol in Barcelona (2009), dem Museu de Serralves in Porto (2012), dem MARCO in Vigo (2015) und der Nationalgalerie in Prag (2018) ausgestellt. Seine Werke befinden sich unter anderem in Sammlungen wie dem Centro Andaluz de Arte Contemporáneo in Sevilla, der Coleçao Fundaçao Serralves in Porto, der Colección CAM de Arte Contemporáneo in Alicante, der Fundació Vila Casas in Barcelona, dem Centro Galego de Arte Contemporánea in Santiago de Compostela, der Chartwell Collection in Auckland, Neuseeland und dem MACBA in Barcelona.

Stima 5 000 - 5 500 EUR

Lotto 122 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Glissement", 1981. Radierung, Aquatinta und Karborundum, P.A. Kopie. Handsigniert und gerechtfertigt. Mit gestempeltem Siegel der Barbará Calcografía, Barcelona. Maße: 60 x 69 cm (Druck); 80,5 x 121 cm (Papier). Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 beginnt Tàpies, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Galerien Layetanas reist er 1950 mit einem Stipendium des Institut Français nach Paris. Im Jahr 1953 hatte er eine Einzelausstellung in der New Yorker Galerie von Martha Jackson. Von da an fanden seine Ausstellungen, sowohl Kollektiv- als auch Einzelausstellungen, in der ganzen Welt statt, in herausragenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York oder dem Museum für moderne Kunst in Paris. Seit den siebziger Jahren wurden ihm Anthologien in Tokio, New York, Rom, Amsterdam, Madrid, Venedig, Mailand, Wien und Brüssel gewidmet. Als Autodidakt hat Tàpies seinen eigenen Stil innerhalb der Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts geschaffen, der Tradition und Innovation in einem abstrakten, aber symbolträchtigen Stil verbindet und dem materiellen Substrat des Werks große Bedeutung beimisst. Erwähnenswert ist der ausgeprägte spirituelle Sinn, den der Künstler seinem Werk verleiht, in dem der materielle Träger über seinen Zustand hinausgeht, um eine tiefgreifende Analyse des menschlichen Zustands darzustellen. Das Werk von Tàpies wurde international hoch geschätzt und in den renommiertesten Museen der Welt ausgestellt. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Preise und Auszeichnungen erhalten, darunter den Praemium Imperiale von Japan, den Nationalen Kulturpreis, den Großen Preis für Malerei in Frankreich, die Wolf-Stiftung der Künste (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983), den Prinz-von-Asturien-Preis für die Künste (1990), die Picasso-Medaille der Unesco (1993) und den Velázquez-Preis für plastische Kunst (2003). Antoni Tàpies ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofía in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Stima 2 000 - 2 200 EUR

Lotto 123 - LUIS FEITO LÓPEZ (Madrid, 1929-2021). Ohne Titel. Aquarell auf Papier. Mit Stempel in der rechten unteren Ecke und signiert in der linken unteren Ecke. Maße: 29 x 39 cm; 42,5 x 52,5 cm (Rahmen). Der in Madrid geborene und ausgebildete Künstler gehörte zu den Gründungsmitgliedern der Gruppe El Paso. Im Jahr 1954 hatte er seine erste Einzelausstellung mit nicht-figurativen Werken in der Galerie Buchholz in Madrid. Von diesem Zeitpunkt an stellte Feito regelmäßig in den wichtigsten Städten der Welt aus, wie Paris, Mailand, New York, Helsinki, Tokio und Rom. 1954 wurde er zum Professor an der Hochschule für Bildende Künste in San Fernando ernannt. Zwei Jahre später verließ er den Lehrstuhl und ging mit einem Stipendium nach Paris, um die aktuellen Avantgarde-Bewegungen zu studieren. In dieser Zeit wurde er vom Automatismus und der Materiemalerei beeinflusst. 1962 wurde er Gründungsmitglied der Gruppe El Paso, zu der er während seiner Jahre in Paris den Kontakt verloren hatte. Seine ersten Werke sind der figurativen Malerei zuzuordnen, um dann eine Phase zu durchlaufen, in der er mit dem Kubismus experimentiert, um schließlich ganz in die Abstraktion einzutreten. Zu Beginn verwendet er nur schwarze, ockerfarbene und weiße Farben, aber als er das Potenzial des Lichts entdeckt, beginnt er, lebhaftere Farben und glatte Flächen zu verwenden. Er entwickelte sich dazu, Rot als Kontrapunkt in seinen Kompositionen zu verwenden (seit 1962) und im Allgemeinen intensivere Farben. In seiner abstrakten Phase, die die 1970er Jahre umfasst, zeigt Feito eine deutliche Tendenz zur Vereinfachung, wobei der Kreis als geometrische Form in seinen Kompositionen vorherrscht. Möglicherweise zeigt sich der Einfluss der japanischen Kunst in seiner Vorliebe für große schwarze Flächen. Die meisten seiner Werke sind unbetitelt, so dass man sie in der Regel an einer ihnen zugewiesenen Nummer erkennt. Zu seinen Auszeichnungen gehört die Ernennung zum Offizier des französischen Ordens der Künste und des Schrifttums im Jahr 1985. Im Jahr 1998 erhielt er die Goldmedaille der Schönen Künste in Madrid und wurde zum Vollmitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando ernannt. Im Jahr 2000 erhielt er den Preis des Spanischen Verbandes der Kunstkritiker auf dem Salon Estampa, 2002 den Großen Preis der AECA für den besten internationalen Künstler auf der ARCO, 2003 den Preis für den bedeutendsten Künstler auf der Kunstmesse in Osaka (Japan), 2004 den Preis für die Kultur der plastischen Künste der Gemeinde Madrid, 2005 den Preis Francisco Tomás Prieto der Fábrica Nacional de Moneda y Timbre und 2008 den Preis der Stiftung Jorge Alió und den Großen Preis für zeitgenössische spanische Kunst CESMAI. Luis Feito ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, darunter die Gallery of Modern Art in Rom, das Guggenheim, das MoMA und die Chase Manhattan Bank in New York, die Museen für moderne Kunst in Tokio, Paris, Rio de Janeiro und Montreal, das Lissone in Italien und die Albright Art Gallery in Buffalo.

Stima 1 500 - 1 800 EUR

Lotto 127 - "VILLASIERRA" MARIO VILLARROEL (Venezuela, 1970). "Zerbrechlich-gelbe Serie", 2021. Harz. Signiert auf dem Metallsockel. Maße: 70 x 24 x 28 cm. Über dieses Werk sagte der Autor: "2020 war das Jahr, in dem wir zerbrachen, das Leben veränderte uns. Diese neue Serie von Werken, "Fragile", zeigt die Narben, die die Pandemie bei uns hinterlassen hat. Aber gleichzeitig spiegeln sie wider, wie wir es geschafft haben, uns wieder zusammenzusetzen, uns zu verändern und bessere Menschen zu werden. Diese Geigen sind anders, stärker, besser und jede von ihnen ist ein einzigartiges Kunstwerk". Villasierra ist das Paradebeispiel eines Autodidakten, der andere Bereiche erkundet hat, bevor er sich ganz der Kunst widmete. Der gelernte Jurist wagte sich auch in die Welt der Motorräder und baute sie nach seinen Wünschen um. Dies wurde zu einem neuen Arbeitsfeld, in dem er seine Kreativität auslebte und sein Interesse an Mechanismen über ihre eigentliche Funktion hinaus förderte. Sein künstlerisches Schaffen begann in den 1990er Jahren, und seither hat er ein beachtliches Werk geschaffen. Ein Teil davon zeigt sein Interesse am Recycling, daran, ausrangierten Gegenständen eine zweite Chance und eine Funktion zu geben. Mit dieser Idee im Hinterkopf unternimmt er Ausflüge zu Antiquitätenmärkten und häuft eine unvorstellbare Fundgrube an. Aus diesem Ansatz und seiner Liebe zur Musik heraus haben Musikinstrumente einen Platz in seinem Werk gefunden. Ein gutes Beispiel dafür ist eine seiner bekanntesten Serien, The Second Life, die er hauptsächlich zwischen 2016 und 2018 entwickelte. Zu den Instrumenten, die in dieser Serie verwendet werden, gehören Geigen. Villasierra erklärte, dass die erste Serie durch einen politischen Akt des Widerstands in seinem Heimatland inspiriert wurde. Im Jahr 2017 stellte sich ein junger Geiger, Wuilly Arteaga, während einer Revolte allein mit seiner Geige der venezolanischen Armee entgegen. Dieser Akt der Tapferkeit bewegte Villasierra, der eine alte Geige nahm und sie in den Farben der Flagge bemalte - als Tribut an die Tapferkeit des Musikers und als Weckruf für die Geschehnisse in seinem Land. Um diese Werke zu schaffen, besucht er die Musikabteilungen der öffentlichen Kunstschulen und nimmt die ausrangierten Geigen im Tausch gegen neue, die er kauft und den Schulen schenkt. Auf diese Weise werden die alten Geigen Teil seines Werks, während er die neuen Geigen in den Händen der Kinder ersetzt.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 128 - "VILLASIERRA" MARIO VILLARROEL (Venezuela, 1970). "Piccolo", 2023-2024. Gemischte Medien (Sackleinen, Trompetin, Öl und Metall) auf Karton. Rahmen von der Autorin hergestellt. Signiert und datiert im unteren rechten Bereich. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 50 x 60 x 10 cm. Villasierra ist der archetypische Fall eines Autodidakten, der andere Bereiche erkundet hat, bevor er sich voll und ganz der Kunst widmete. Der gelernte Jurist wagte sich auch in die Welt der Motorräder, indem er sie herstellte und individuell gestaltete. Dies wurde zu einem neuen Arbeitsbereich, in dem er seine Kreativität erforschte und sein Interesse an Mechanismen jenseits ihrer primären Funktion förderte. Sein künstlerisches Schaffen begann in den 1990er Jahren, und seither hat er ein beachtliches Werk geschaffen. Ein Teil davon zeigt sein Interesse am Recycling, daran, ausrangierten Gegenständen eine zweite Chance und eine Funktion zu geben. Mit dieser Idee im Hinterkopf unternimmt er Ausflüge zu Antiquitätenmärkten und häuft eine unvorstellbare Fundgrube an. Aus diesem Ansatz und seiner Liebe zur Musik heraus haben Musikinstrumente einen Platz in seinem Werk gefunden. Ein gutes Beispiel dafür ist eine seiner bekanntesten Serien, The Second Life, die er hauptsächlich zwischen 2016 und 2018 entwickelte. Zu den Instrumenten, die in dieser Serie verwendet werden, gehören Geigen. Villasierra erklärte, dass die erste Serie durch einen politischen Akt des Widerstands in seinem Heimatland inspiriert wurde. Im Jahr 2017 stellte sich ein junger Geiger, Wuilly Arteaga, während einer Revolte allein mit seiner Geige der venezolanischen Armee entgegen. Dieser Akt der Tapferkeit bewegte Villasierra, der eine alte Geige nahm und sie in den Farben der Flagge bemalte - als Tribut an die Tapferkeit des Musikers und als Weckruf für die Geschehnisse in seinem Land. Um diese Werke zu schaffen, besucht er die Musikabteilungen der öffentlichen Kunstschulen und nimmt die ausrangierten Geigen im Tausch gegen neue, die er kauft und den Schulen schenkt. Auf diese Weise werden die alten Geigen Teil seines Werks, während er die neuen Geigen in den Händen der Kinder ersetzt.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

Lotto 130 - FERNANDO GARCIA PONCE (Mérida, Yucatán, 1933 - Mexiko-Stadt, 1987) Unbetitelt. Öl und Collage auf Leinwand. Maße: 76 x 115 cm. Provenienz: Sammlung Maria Lluisa Borrás, Barcelona. Fernando García Ponce gehört zu der Generation der späten fünfziger Jahre, die als "Generation des Bruchs" bezeichnet wird, da sein Werk eine völlige Abkehr von der so genannten mexikanischen Schule darstellt. So begannen Ausdrücke wie Geometrismus, Abstraktion, Informalismus und Neofigurativität, die in den 60er Jahren fast verboten waren, die Kunstszene zu dominieren. Er wurde am 25. August 1933 in Merida, Yucatan, geboren. Als er 11 Jahre alt war, zog seine Familie in die Hauptstadt des Landes. Im Jahr 1952 trat er in die Nationale Autonome Universität von Mexiko ein, um Architektur zu studieren; außerdem besuchte er das Atelier des valencianischen Malers Enrique Climent, der sein Talent erkannte und, obwohl er sich nicht dem Unterrichten widmete, beschloss, sein Lehrer zu werden. Seine ersten Gemälde stammen aus dem Jahr 1954, es sind Familienporträts, aber zwei Jahre später nimmt die Geometrie in seinen Werken deutlich zu. 1957 unternimmt er mehrere Reisen nach Europa und beschließt, die Architektur aufzugeben, um sich ganz der Malerei zu widmen. Seine erste Einzelausstellung findet in der Galería de Arte Mexicano (1959) statt, mit 26 Ölgemälden von Stilleben; 1960 entsteht eine abstrakte Komposition mit dem Titel Nr. 1, ein Wendepunkt, der sein Werk eindeutig kennzeichnet. Mit einer Serie von Collagen erhält er eine ehrenvolle Erwähnung im Salón de la Plástica Mexicana. In den sechziger Jahren taucht der Begriff Ruptura auf, der eine Generation von Künstlern definiert, zu der Fernando García Ponce gehört und die die neue mexikanische Malerei prägt. García Ponce beteiligt sich erneut an der Galería de Arte Mexicano und an der Colectiva de Pintura Contemporánea de México y América del Sur (1961). Zwei Jahre später ist seine Malerei bereits völlig abstrakt und er stellt 14 Werke in der Galerie Juan Martin aus. Er nimmt auch an der Colectiva de Arte Actual de América y España in Madrid teil. 1974 zeigt seine Malerei den Willen, die kalte geometrische Ordnung zu synthetisieren. Im Sommer 1976 reist García Ponce mit seiner Frau Denise und seinem Sohn Esteban nach Paris und verbringt dann eine Saison in Barcelona, wo er zwei Grafikmappen mit 10 Serigraphien und 12 Lithographien anfertigt. Nach seiner Rückkehr nach Mexiko organisiert das Museum für Moderne Kunst (1978) eine große Ausstellung mit 40 Werken, die zwischen 1977 und 1978 entstanden sind. Ein Jahr nach diesem Ereignis stirbt seine Frau Denise auf tragische Weise, doch Garcia Ponce bleibt konzentriert und seine Kreativität ist ungebrochen; die Malerei jener Jahre ist kraftvoll und äußerst inspirierend. Er präsentiert regelmäßig seine Jahresausstellung in der Galerie Ponce und nimmt an Gruppenausstellungen teil, unter anderem in der Casa de las Americas (Kuba), im Picasso-Museum (Antibes, Frankreich), bei den Jornadas Culturales de Colombia, im Carnegie Institute in Pittsburg (USA) und im National Art Center in Ottawa (Kanada). Im Alter von 54 Jahren starb García Ponce, der als einer der wichtigsten Künstler der nationalen bildenden Kunst galt, in seinem Atelier (11. Juli 1987) an einem Herzinfarkt.

Stima 10 000 - 12 000 EUR

Lotto 131 - OSWALDO GUAYASAMÍN (Quito, Ecuador, 1919 - Baltimore, USA, 1999). "Porträt", 1984. Gemischte Medien auf Papier. Signiert, gewidmet und datiert am unteren Rand. Maße: 76 x 56 cm; 94 x 74 cm (Rahmen). Oswaldo Guayasamín, einer der größten Namen der ecuadorianischen Malerei, zeigte bereits in seiner Kindheit künstlerische Begabung und verkaufte in seinen jungen Jahren sogar einige Bilder auf der Plaza de la Independencia in seiner Heimatstadt Quito. Trotz des Widerstands seines Vaters trat er in die Schule der Schönen Künste in der ecuadorianischen Hauptstadt ein, um Malerei und Bildhauerei zu studieren, und das mitten im so genannten Viertagekrieg. Im Jahr 1941 erhielt er den Titel und den ersten Preis des Mariano Aguilera Salons in Quito, und im folgenden Jahr hatte er im Alter von 23 Jahren seine erste Einzelausstellung. Zwischen Ende 1942 und Anfang 1943 hält sich Guayasamín in den Vereinigten Staaten auf und reist später nach Mexiko, wo er als Assistent von Orozco zu arbeiten beginnt. Später unternimmt er eine Reihe von Reisen durch Lateinamerika und trifft dabei immer wieder auf die gleiche Situation der Unterdrückung der indigenen Gesellschaft, der er selbst angehört. Von da an wird dies ein ständiges Thema in seinem Werk sein. In diesen Jugendjahren erhielt Guayasamín alle nationalen Preise seines Landes, und im Alter von 36 Jahren gewann er den Großen Preis der III Bienal Hispanoamericana de Arte, die 1955 in Barcelona stattfand. Später erhielt er die gleiche Auszeichnung auf der Biennale von São Paulo (1957). Im Laufe seiner Karriere stellte der Meister seine Werke nicht nur in verschiedenen lateinamerikanischen Ländern, sondern auch in vielen europäischen Ländern, in der Sowjetunion, in China und in den Vereinigten Staaten individuell aus. Neben seinen Staffeleibildern schuf er auch Wandgemälde, Skulpturen und Denkmäler, die heute in Lateinamerika und Europa zu sehen sind. 1971 wurde Guayasamín zum Präsidenten der Casa de la Cultura Ecuatoriana ernannt, 1978 zum Mitglied der Real Academia de Bellas Artes de San Fernando in Madrid und ein Jahr später zum Ehrenmitglied der Italienischen Akademie der Künste. Gegenwärtig ist sein Werk in der von ihm gegründeten Stiftung in Quito sowie in bedeutenden internationalen Kunstgalerien und Privatsammlungen weithin vertreten.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 132 - PETER LIK (Australien, 1959). "Das Glühen des Ozeans". Photographie. Limitierte Auflage, Exemplar 347/950. Gerahmt in Methacrylat. Signiert und mit holographischem Siegel des Künstlers auf der Rückseite. Maße: 65,5 x 99,5 cm. Ocean Glow ist eine Ansicht von Maui, Hawaii, ein Werk, das der Künstler wie folgt beschrieben hat: "Das Eintauchen in den Ozean brachte mich der Seele von Mutter Natur näher. Wie ein Surfer habe ich zwei Wochen lang den Surfbericht verfolgt und darauf gewartet, dass etwas passiert, dass die perfekte Welle kommt. Die Farben des Sonnenaufgangs waren der Schlüssel zu diesem Foto: Ich wollte, dass sich das Kaleidoskop in der Welle widerspiegelt. Schließlich wurde eine Dünung vorhergesagt. In der Nacht packte ich meine Ausrüstung zusammen und versuchte zu schlafen. Diese neue Erfahrung war wie mein erster Dreh: Ich habe kaum ein Auge zugetan. Als die Sonne aufging, waren meine Erwartungen hoch: Ich wusste, das Foto war da. Nachdem Mutter Natur mich stundenlang in den Wellen geschlagen hatte, schoss ich wie ein Verrückter eine Welle nach der anderen: Es war eine Sucht." Peter Lik ist ein australischer Fotograf, der für seine Natur- und Panoramabilder bekannt ist. Er moderierte die Sendung From the Edge with Peter Lik, die eine Saison lang auf The Weather Channel ausgestrahlt wurde. Lik wurde in Melbourne als Sohn tschechischer Eltern geboren, die nach dem Zweiten Weltkrieg nach Australien ausgewandert waren. Sein erstes Foto machte er im Alter von 8 Jahren, als seine Eltern ihm zum Geburtstag eine Kodak Brownie Kamera schenkten. In seiner Jugend nahm Lik seine Kamera mit in die Familienurlaube und fotografierte Landschaften und das Meer. Diese Praxis setzte er auf seinen Ausflügen in die australische Wildnis fort, oft in Begleitung seines Freundes und Fotografenkollegen Michael Plumridge. Als Fotograf ist Lik Autodidakt und lernt hauptsächlich durch Versuch und Irrtum. 1984 unternahm Lik seine erste Reise in die Vereinigten Staaten und bereiste das Land ein Jahr lang in einem alten Van. In Alaska lernte er die Panoramakamera und die Großformatfotografie kennen. Nach seiner Rückkehr nach Australien experimentierte er weiter mit dem Panoramaformat. 1989 kehrte Lik in die Vereinigten Staaten zurück und unternahm ein Projekt, bei dem er Landschaften in allen 50 Bundesstaaten fotografierte. Einige der Fotos verkaufte er für die Verwendung in Kalendern und Postkarten. In den frühen 1990er Jahren arbeitete Lik für das Tourismusministerium von Queensland (Australien), reiste durch das Outback und fotografierte wenig bekannte Gegenden. 1994 zog er nach Las Vegas, Nevada, wo er die Firma Lik USA eröffnete, zu der auch eine Werkstatt zum Drucken und Einrahmen seiner Fotos gehört. Mitte der 1990er Jahre gründete er seinen eigenen Verlag, Lik Publishing. Nachdem er bei den Windland Smith Rice International Windland Smith Rice Awards 2010 für die beste Naturfotografie in der Kategorie Kunst in der Natur gewonnen hatte, wurde "Ghost" (aufgenommen im Antelope Canyon, Arizona) im Mai 2011 als Teil einer Ausstellung von Naturfotografien im National Museum of Natural History der Smithsonian Institution in Washington, D.C., ausgewählt.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 133 - JAN VALDÉS TÉLLEZ (Kuba, 1979). "Hot Dog", 2022-2023. Öl auf Leinwand (Triptychon). Beigefügtes Echtheitszertifikat des Künstlers. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 90 x 60 cm (x3); 90 x 180 cm (gesamt). "Hot Dog" fasst die Essenz des zeitgenössischen Lebens durch die fantasievolle Linse von Jan Valdes Tellez zusammen. Die Verknüpfung der Szenarien schafft eine einzigartige visuelle Erzählung, die sich über Konventionen hinwegsetzt und die Vielfalt menschlicher Erfahrungen feiert. Dieses Triptychon, Teil der Serie "3X2", spielt zunächst mit der Visualität von David Hockney und seinen idyllischen Konstruktionen des kalifornischen Lebens. Jan Valdes Tellez macht sich die Ästhetik des britischen Meisters zu eigen und führt in diesem Paradies den "Chaosfaktor" ein. Das Triptychon, das sich in der scheinbaren Ruhe des amerikanischen Traums als respektlos entpuppt, zeigt uns Andeutungen menschlicher Triebe, die eine fast kinematografische Geschichte erzählen. Die mit direktem und ungehemmtem Blick eingefangene Szene, frisch in der Komposition und in der Wahl der Farbpalette, wird zu einer kühnen Bejahung der impulsiven und freien Natur des Lebens. Die Leinwand geizt nicht mit humorvollen Details, aus Zynismus wird wieder einmal die Freude am Leben zelebriert. Jan Valdés Téllez ist ein Künstler kubanischer Herkunft, der derzeit in Madrid lebt. Er begann seine akademische Ausbildung an der Academia Nacional de Bellas Artes de San Alejandro in Havanna, wo er 2004 seinen Abschluss machte. Seine Werke wurden international ausgestellt, u. a. auf der Toronto Art Fair in Kanada, in der Ludwin Foundation und in den Fivars Galleries in Spanien. Ein vom Künstler ausgestelltes Echtheitszertifikat ist beigefügt.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 134 - "VILLASIERRA" MARIO VILLARROEL (Venezuela, 1970). "Lacerations", 2023. Gemischte Medien (Harz, Marmorstaub und Öl) auf Leinwand. Gerahmt mit Museumsglas. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 150 x 110 cm; 175 x 135 cm (Rahmen). Villasierra ist der Archetyp eines Autodidakten, der andere Bereiche erkundet, bevor er sich ganz der Kunst widmet. Der gelernte Jurist wagte sich auch in die Welt der Motorräder, indem er sie herstellte und nach Maß anfertigte. Dies wurde zu einem neuen Arbeitsbereich, in dem er seine Kreativität erforschte und sein Interesse an Mechanismen jenseits ihrer primären Funktion förderte. Sein künstlerisches Schaffen begann in den 1990er Jahren, und seither hat er ein beachtliches Werk geschaffen. Ein Teil davon zeigt sein Interesse am Recycling, daran, ausrangierten Gegenständen eine zweite Chance und eine Funktion zu geben. Mit dieser Idee im Hinterkopf unternimmt er Ausflüge zu Antiquitätenmärkten und häuft eine unvorstellbare Fundgrube an. Aus diesem Ansatz und seiner Liebe zur Musik heraus haben Musikinstrumente einen Platz in seinem Werk gefunden. Ein gutes Beispiel dafür ist eine seiner bekanntesten Serien, The Second Life, die er hauptsächlich zwischen 2016 und 2018 entwickelte. Zu den Instrumenten, die in dieser Serie verwendet werden, gehören Geigen. Villasierra erklärte, dass die erste Serie durch einen politischen Akt des Widerstands in seinem Heimatland inspiriert wurde. Im Jahr 2017 stellte sich ein junger Geiger, Wuilly Arteaga, während einer Revolte allein mit seiner Geige der venezolanischen Armee entgegen. Dieser Akt der Tapferkeit bewegte Villasierra, der eine alte Geige nahm und sie in den Farben der Flagge bemalte - als Tribut an die Tapferkeit des Musikers und als Weckruf für die Geschehnisse in seinem Land. Um diese Werke zu schaffen, besucht er die Musikabteilungen der öffentlichen Kunstschulen und nimmt die ausrangierten Geigen im Tausch gegen neue, die er kauft und den Schulen schenkt. Auf diese Weise werden die alten Geigen Teil seines Werks, während er die neuen Geigen in den Händen der Kinder ersetzt.

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 135 - DAMIEN HIRST (Bristol, UK, 1965). "Kreisschleuder-Malerei", 2009. Acryl auf Karton. Auf der Rückseite gestempelt. Maße: 52 cm (Durchmesser). Dieses Werk wurde für die Ausstellung "Requiem" konzipiert, die 2009 im PinchukArtCentre in Kiew, Ukraine, stattfand. Die Ausstellung umfasste über 100 Werke des Künstlers, darunter "A Thousand Years" (1990), "With Dead Head" (1991) und "Loving in a World of Desire" (1996). "Requiem" war die erste Ausstellung von Werken aus Hirsts Serie von Ölgemälden auf Leinwand, die 2006 begonnen hatte. Die "Spin paintings" basieren auf einer neuartigen Technik, bei der die Leinwand auf eine schnell rotierende Vorrichtung gelegt wird, während der Künstler die Farbe aus verschiedenen Winkeln und Abständen aufträgt. Durch die Drehbewegung der Leinwand entstehen unerwartete Muster und Effekte auf der Oberfläche, wodurch farbige und dynamische Kompositionen entstehen. Diese Gemälde sind dafür bekannt, dass sie die Bewegung und Energie im Schaffensprozess einfangen und Hirsts postmoderne Ästhetik widerspiegeln, die die traditionellen Konventionen der Kunst in Frage stellt. Damien Hirst wurde am 7. Juni 1965 in Bristol in einer wirtschaftlich schwierigen Vorstadtumgebung geboren. Seinen leiblichen Vater hat er nie kennen gelernt, und seine Mutter heiratete einen Autoverkäufer, der sie verließ, als Hirst 13 Jahre alt war. Seine Mutter, eine Amateurkünstlerin und gläubige Christin, kümmerte sich um ihn, aber da sein Vater ihn verlassen hatte, musste er von der Pike auf erzogen werden, was vielleicht der Hauptgrund dafür ist, dass Damien Hirst behauptet, Kunst habe keine Klasse. Er studierte an der Universität von Leed und arbeitete gleichzeitig in der örtlichen Leichenhalle, die er später verließ, um nach London zu ziehen. Während dieser Zeit arbeitete er auf dem Bau und bewarb sich an verschiedenen Kunstschulen wie St. Martins oder der Fakultät von Wales. Schließlich wurde er am Golsdmiths College angenommen, das damals aufgrund der wirtschaftlichen Rezession in England eine Schule war, die begabte Studenten und kreative Dozenten anzog. Während des Studiums finanzierte Hirst seine Ausgaben durch die Arbeit an Telefonumfragen, was direkt auf seine Fähigkeit zurückzuführen ist, am Telefon jede Emotion vorzutäuschen. Während seines Studiums arbeitete er auch bei McDonald's und in Teilzeit in der Galerie Anthony D'Ofray, wo er die Mechanismen des Kunstmarktes kennenlernte. Bereits in seinem zweiten Studienjahr übernahm Hirst die Rolle des Künstlers und Kurators und schaffte es, eine Ausstellung zu machen, die den Kurs der britischen Kunst verändern sollte, es war seine erste Einzelausstellung mit nur 26 Jahren. Vier Jahre später, 1995, erhielt er seine zweite Nominierung für den Turner Prize für Mother and Child. Im Alter von 32 Jahren bot ihm die Larry Gagosian Gallery eine große Retrospektive an, woraufhin er erklärte, er habe keinen Platz mehr, um auszustellen, er habe alles und zu schnell gemacht. So tauften ihn die Medien bald auf den Namen Hooligan-Genie. Obwohl er im Alter von 40 Jahren zum Millionär wurde, machte sich Hirsts Hypersensibilität verdächtig; eingehüllt in eine Aura von Romantik, ließ er die Revolutionierung der Kunstwelt einfach erscheinen. Bei mehreren Gelegenheiten hat er seinen Wunsch, berühmt zu sein, zugegeben und sich angesichts der Kritik mit Sätzen wie "sie konnten sich nicht eingestehen, dass sie berühmt sein wollten und es ihnen übel nahmen, nicht berühmt zu sein" oder "ich glaube, mein Wunsch war es, eher berühmt als reich zu sein, ich glaube, der Wunsch, Kunst zu schaffen und berühmt zu sein, ist wie der Wunsch, für immer zu leben, zwei Obsessionen: Tod und Berühmtheit", verteidigt.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 136 - DAMIEN HIRST (Bristol, Vereinigtes Königreich, 1965). "Star, Spin painting".2009. Acryl auf Karton. Handsigniert von der Künstlerin. Stempel auf der Rückseite. Maße: 54,6 x 54,5 cm. Das Werk entstand am 24. April 2009 anlässlich der Eröffnung der Ausstellung "Requiem" im Pinchuck Art Centre in Kiew. Damien Hirst begann 1994 mit dem Malen von Spinnbildern, als der Künstler während seines Aufenthalts in Berlin die Funktionsweise einer Spinnmaschine beobachten konnte. Noch im selben Jahr wurde eine Serie seiner Spinnmaschinen-Zeichnungen bei Bruno Brunnet Contemporary Fine Arts, Berlin, ausgestellt. Sterne, Schmetterlinge und Totenköpfe sind wiederkehrende Motive, bei denen er diese Technik anwendet, die darin besteht, die Leinwand auf eine schnell rotierende Vorrichtung zu legen, während der Künstler die Farbe aus verschiedenen Winkeln und Abständen aufträgt. Durch die Drehbewegung der Leinwand entstehen unerwartete Muster und Effekte auf der Oberfläche, wodurch farbige und dynamische Kompositionen entstehen. Diese Gemälde sind dafür bekannt, dass sie die Bewegung und Energie im Schaffensprozess einfangen und Hirsts postmoderne Ästhetik widerspiegeln, die die traditionellen Konventionen der Kunst in Frage stellt. Damien Hirst wurde am 7. Juni 1965 in Bristol in einer wirtschaftlich schwierigen Vorstadtumgebung geboren. Seinen leiblichen Vater hat er nie kennen gelernt, und seine Mutter heiratete einen Autoverkäufer, der sie verließ, als Hirst 13 Jahre alt war. Seine Mutter, eine Amateurkünstlerin und gläubige Christin, kümmerte sich um ihn, aber da sein Vater ihn verlassen hatte, musste er von der Pike auf erzogen werden, was vielleicht der Hauptgrund dafür ist, dass Damien Hirst behauptet, Kunst sei klassenlos. Er studierte an der Universität von Leed und arbeitete gleichzeitig in der örtlichen Leichenhalle, die er später verließ, um nach London zu ziehen. Während dieser Zeit arbeitete er auf dem Bau und bewarb sich an verschiedenen Kunstschulen wie St. Martins oder der Fakultät von Wales. Schließlich wurde er am Golsdmiths College angenommen, das zur gleichen Zeit und aufgrund der wirtschaftlichen Rezession in England eine Schule war, die begabte Studenten und kreative Dozenten anzog. Während des Studiums finanzierte Hirst seine Ausgaben durch die Arbeit an Telefonumfragen, was direkt auf seine Fähigkeit zurückzuführen ist, am Telefon jede Emotion vorzutäuschen. Während seines Studiums arbeitete er auch bei McDonald's und in Teilzeit in der Galerie Anthony D'Ofray, wo er die Mechanismen des Kunstmarktes kennenlernte. Bereits in seinem zweiten Studienjahr übernahm Hirst die Rolle des Künstlers und Kurators und schaffte es, eine Ausstellung zu machen, die den Kurs der britischen Kunst verändern sollte, es war seine erste Einzelausstellung mit nur 26 Jahren. Vier Jahre später, 1995, erhielt er seine zweite Nominierung für den Turner Prize für Mother and Child. Im Alter von 32 Jahren bot ihm die Larry Gagosian Gallery eine große Retrospektive an, woraufhin er erklärte, er habe keinen Platz mehr, um auszustellen, er habe alles und zu schnell gemacht. So tauften ihn die Medien bald auf den Namen Hooligan-Genie. Obwohl er im Alter von 40 Jahren zum Millionär wurde, wurde Hirsts Überempfindlichkeit verdächtig; eingehüllt in eine Aura der Romantik gelang es ihm, die Kunstwelt zu revolutionieren, als wäre sie einfach. Bei mehreren Gelegenheiten hat er seinen Wunsch, berühmt zu sein, zugegeben und sich angesichts der Kritik mit Sätzen verteidigt wie: "Sie konnten sich nicht eingestehen, dass sie berühmt sein wollten und sich darüber ärgerten, nicht berühmt zu sein" oder "Ich glaube, mein Wunsch war es, eher berühmt als reich zu sein, ich glaube, der Wunsch, Kunst zu schaffen und berühmt zu sein, ist wie der Wunsch, für immer zu leben, zwei Obsessionen: Tod und Berühmtheit". Damien Hirst besitzt Werke im MoMA in New York, in der Tate Gallery und im Victoria & Albert Museum in London, im Palazzo Gras in Venedig, im Kunstmuseum Wolfsburg (Deutschland), im Hirshhorn in Washington D.C. und in der Neuen Galerie in Graz (Österreich), neben anderen wichtigen öffentlichen und privaten Sammlungen.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 137 - DAMIEN HIRST (Bristol, UK, 1965). "Schädel-Spin-Malerei, 2009. Acryl auf Karton. Das Werk wurde für die Ausstellung "Requiem" im PinchukArtCentre, Kiew, konzipiert. Stempel auf der Rückseite. Maße: 71 x 52 cm. Dieses Werk wurde für die Ausstellung "Requiem" konzipiert, die 2009 im PinchukArtCentre (Kiew, Ukraine) stattfand. Die Ausstellung umfasste über 100 Werke des Künstlers, darunter "A Thousand Years" (1990), "With Dead Head" (1991) und "Loving in a World of Desire" (1996). "Requiem" war die erste Ausstellung von Werken aus Hirsts 2006 begonnener Serie von Ölgemälden auf Leinwand. In diesem Werk sind zwei wiederkehrende Elemente in Hirsts Schaffen zu erkennen: die Technik der Schleudermalerei und die Präsenz des Schädels. Der Tod (in seiner Schwierigkeit, ihn zu denken) ist das zentrale Thema seines Werks. Am bekanntesten ist er für seine Natural History-Serie, in der tote Tiere in Formaldehyd konserviert und manchmal seziert werden. Bekannt ist er auch für seine "Spin Paintings", wie das hier gezeigte, das auf einer rotierenden, kreisförmigen Oberfläche entsteht. Die Spin Paintings sind abstrakte Gemälde, die mit einer einzigartigen Technik hergestellt werden: Die Leinwand wird auf eine sich schnell drehende Vorrichtung gelegt, während der Künstler die Farbe aus verschiedenen Winkeln und Abständen aufträgt. Damien Hirst wurde am 7. Juni 1965 in Bristol in einer wirtschaftlich schwierigen Vorstadtumgebung geboren. Seinen leiblichen Vater hat er nie kennen gelernt, und seine Mutter heiratete einen Autoverkäufer, der sie verließ, als Hirst 13 Jahre alt war. Seine Mutter, eine Amateurkünstlerin und gläubige Christin, kümmerte sich um ihn, aber da sein Vater ihn verlassen hatte, musste er von der Pike auf erzogen werden, was vielleicht der Hauptgrund dafür ist, dass Damien Hirst behauptet, Kunst habe keine Klasse. Er studierte an der Universität von Leed und arbeitete gleichzeitig in der örtlichen Leichenhalle, die er später verließ, um nach London zu ziehen. Während dieser Zeit arbeitete er auf dem Bau und bewarb sich an verschiedenen Kunstschulen wie St. Martins oder der Fakultät von Wales. Schließlich wurde er am Golsdmiths College angenommen, das damals aufgrund der wirtschaftlichen Rezession in England eine Schule war, die begabte Studenten und kreative Dozenten anzog. Während des Studiums finanzierte Hirst seine Ausgaben durch die Arbeit an Telefonumfragen, was direkt auf seine Fähigkeit zurückzuführen ist, am Telefon jede Emotion vorzutäuschen. Während seines Studiums arbeitete er auch bei McDonald's und in Teilzeit in der Galerie Anthony D'Ofray, wo er die Mechanismen des Kunstmarktes kennenlernte. Bereits in seinem zweiten Studienjahr übernahm Hirst die Rolle des Künstlers und Kurators und schaffte es, eine Ausstellung zu machen, die den Kurs der britischen Kunst verändern sollte, es war seine erste Einzelausstellung mit nur 26 Jahren. Vier Jahre später, 1995, erhielt er seine zweite Nominierung für den Turner Prize für Mother and Child. Im Alter von 32 Jahren bot ihm die Larry Gagosian Gallery eine große Retrospektive an, woraufhin er erklärte, er habe keinen Platz mehr, um auszustellen, er habe alles und zu schnell gemacht. So tauften ihn die Medien bald auf den Namen Hooligan-Genie. Obwohl er im Alter von 40 Jahren zum Millionär wurde, machte sich Hirsts Hypersensibilität verdächtig; eingehüllt in eine Aura von Romantik, ließ er die Revolutionierung der Kunstwelt einfach erscheinen. Bei mehreren Gelegenheiten hat er seinen Wunsch, berühmt zu sein, zugegeben und sich angesichts der Kritik mit Sätzen verteidigt wie: "Sie konnten sich nicht eingestehen, dass sie berühmt sein wollten und sich darüber ärgerten, nicht berühmt zu sein" oder "Ich glaube, mein Wunsch war es, eher berühmt als reich zu sein, ich glaube, der Wunsch, Kunst zu schaffen und berühmt zu sein, ist wie der Wunsch, für immer zu leben - zwei Obsessionen: Tod und Berühmtheit". Werke von Damien Hirst befinden sich unter anderem im MoMA in New York, in der Tate Gallery und im Victoria & Albert Museum in London, im Palazzo Gras in Venedig, im Kunstmuseum Wolfsburg (Deutschland), im Hirshhorn in Washington D.C. und in der Neuen Galerie in Graz (Österreich) sowie in anderen wichtigen öffentlichen und privaten Sammlungen.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 138 - DAMIEN HIRST (Bristol, UK, 1965). "Kreisschleuder-Malerei", 2009. Acryl auf Karton. Auf der Rückseite gestempelt. Maße: 52 cm (Durchmesser). Dieses Werk wurde für die Ausstellung "Requiem" konzipiert, die 2009 im PinchukArtCentre in Kiew, Ukraine, stattfand. Die Ausstellung umfasste über 100 Werke des Künstlers, darunter "A Thousand Years" (1990), "With Dead Head" (1991) und "Loving in a World of Desire" (1996). "Requiem" war die erste Ausstellung von Werken aus Hirsts Serie von Ölgemälden auf Leinwand, die 2006 begonnen hatte. Die "Spin paintings" basieren auf einer neuartigen Technik, bei der die Leinwand auf eine schnell rotierende Vorrichtung gelegt wird, während der Künstler die Farbe aus verschiedenen Winkeln und Abständen aufträgt. Durch die Drehbewegung der Leinwand entstehen unerwartete Muster und Effekte auf der Oberfläche, wodurch farbige und dynamische Kompositionen entstehen. Diese Gemälde sind dafür bekannt, dass sie die Bewegung und Energie im Schaffensprozess einfangen und Hirsts postmoderne Ästhetik widerspiegeln, die die traditionellen Konventionen der Kunst in Frage stellt. Damien Hirst wurde am 7. Juni 1965 in Bristol in einer wirtschaftlich schwierigen Vorstadtumgebung geboren. Seinen leiblichen Vater hat er nie kennen gelernt, und seine Mutter heiratete einen Autoverkäufer, der sie verließ, als Hirst 13 Jahre alt war. Seine Mutter, eine Amateurkünstlerin und gläubige Christin, kümmerte sich um ihn, aber da sein Vater ihn verlassen hatte, musste er von der Pike auf erzogen werden, was vielleicht der Hauptgrund dafür ist, dass Damien Hirst behauptet, Kunst habe keine Klasse. Er studierte an der Universität von Leed und arbeitete gleichzeitig in der örtlichen Leichenhalle, die er später verließ, um nach London zu ziehen. Während dieser Zeit arbeitete er auf dem Bau und bewarb sich an verschiedenen Kunstschulen wie St. Martins oder der Fakultät von Wales. Schließlich wurde er am Golsdmiths College angenommen, das damals aufgrund der wirtschaftlichen Rezession in England eine Schule war, die begabte Studenten und kreative Dozenten anzog. Während des Studiums finanzierte Hirst seine Ausgaben durch die Arbeit an Telefonumfragen, was direkt auf seine Fähigkeit zurückzuführen ist, am Telefon jede Emotion vorzutäuschen. Während seines Studiums arbeitete er auch bei McDonald's und in Teilzeit in der Galerie Anthony D'Ofray, wo er die Mechanismen des Kunstmarktes kennenlernte. Bereits in seinem zweiten Studienjahr übernahm Hirst die Rolle des Künstlers und Kurators und schaffte es, eine Ausstellung zu machen, die den Kurs der britischen Kunst verändern sollte, es war seine erste Einzelausstellung mit nur 26 Jahren. Vier Jahre später, 1995, erhielt er seine zweite Nominierung für den Turner Prize für Mother and Child. Im Alter von 32 Jahren bot ihm die Larry Gagosian Gallery eine große Retrospektive an, woraufhin er erklärte, er habe keinen Platz mehr, um auszustellen, er habe alles und zu schnell gemacht. So tauften ihn die Medien bald auf den Namen Hooligan-Genie. Obwohl er im Alter von 40 Jahren zum Millionär wurde, machte sich Hirsts Hypersensibilität verdächtig; eingehüllt in eine Aura von Romantik, ließ er die Revolutionierung der Kunstwelt einfach erscheinen. Bei mehreren Gelegenheiten hat er seinen Wunsch, berühmt zu sein, zugegeben und sich angesichts der Kritik mit Sätzen wie "sie konnten sich nicht eingestehen, dass sie berühmt sein wollten und es ihnen übel nahmen, nicht berühmt zu sein" oder "ich glaube, mein Wunsch war es, eher berühmt als reich zu sein, ich glaube, der Wunsch, Kunst zu schaffen und berühmt zu sein, ist wie der Wunsch, für immer zu leben, zwei Obsessionen: Tod und Berühmtheit", verteidigt.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 139 - ANTONIO DE FELIPE (Valencia, 1965). "Sexhollywood- blauer Hintergrund". Acryl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Das Werk ist auf der Website des Künstlers registriert. Maße: 81 x 100 cm. Antonio de Felipe studierte Bildende Kunst an der Universität San Carlos in Valencia und begann seine Karriere als Kreativer in einer Werbeagentur, was zweifellos seinen zukünftigen Malstil prägen wird. Er gilt als Pop-Künstler - oder genauer gesagt, als Teil der Bewegung "Les noveaux Pop", zusammen mit anderen internationalen Künstlern, die mit der Pop-Welt verbunden sind - im weitesten Sinne des Wortes, wobei er sein umfangreiches Werk in verschiedenen Serien (Logotypes, Cows, Cinemaspop, Popsport, u.a.) entwickelt und dabei immer eine völlig plastische und visuelle Ästhetik beibehält, die klar ist und sich an die allgemeine Gesellschaft richtet. Grundlegend ist die Farbe, laut und provokativ, wie auch das Thema, sehr einfach und direkt. Seine kreative Seite hat ihn dazu gebracht, mit Pedro Almodóvar in dem Film "Carne Trémula" zusammenzuarbeiten, ebenso wie er Kontinuitätswerbung für Telemadrid oder Geschirr für die Firma Santa Clara entworfen hat. Er hat an Plakaten, Plattencovern und wichtigen Publikationen wie ByN Dominical (Sonntagsmagazin von ABC), El País, El Magazine del diario El Mundo, Marie Claire, ELLE, Qué leer und Rolling Stone mitgewirkt, um nur einige zu nennen. In seiner mehr als zwanzigjährigen, intensiven beruflichen Laufbahn hat er mehr als neunzig Einzelausstellungen in Spanien und im Ausland sowie ebenso viele Gruppenausstellungen bestritten. Er ist derzeit im Reina Sofía Museum, im IVAM, in der Sidney Besthoff Foundation in New Orleans, in den Sammlungen Testimoni de La Caixa, Carmen Thyssen-Bornemisza und Kneip in Luxemburg sowie in der Montblanc Cultural Foundation vertreten, neben anderen öffentlichen und privaten Sammlungen in Spanien und im Ausland. Neben dieser nationalen und internationalen Präsenz hat sie auch an Messen wie ARCO, ART COLOGNE, ART PARIS, ART BRUSSELS, ST-ART Strasbourg und KIAF (Korea International Art Fair) teilgenommen, die Maßstäbe für die neuesten künstlerischen Trends setzen.

Stima 3 400 - 3 800 EUR

Lotto 140 - ANTONIO DE FELIPE (Valencia, 1965). "Sara I". Acryl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 200 x 200 cm. Ein Werk, in dem wir sehen können, wie der Künstler ein Foto von Sara Montiel im Pop-Stil neu interpretiert hat. Dieses Foto wurde als Titelbild für die Ausgabe 308 der Zeitschrift Careta im Jahr 1960 ausgewählt. Antonio de Felipe, der sein Studium der Schönen Künste an der Universität San Carlos in Valencia abgeschlossen hatte, begann seine Karriere als kreativer Künstler in einer Werbeagentur, was zweifellos seinen künftigen Bildstil prägen sollte. Er gilt als Pop-Künstler - oder genauer gesagt, als Teil der Bewegung "Les noveaux Pop", zusammen mit anderen internationalen Künstlern, die mit der Pop-Welt verbunden sind - im weitesten Sinne des Wortes, wobei er sein umfangreiches Werk in verschiedenen Serien (Logotypes, Cows, Cinemaspop, Popsport, u.a.) entwickelt und dabei immer eine völlig plastische und visuelle Ästhetik beibehält, die klar ist und sich an die allgemeine Gesellschaft richtet. Grundlegend ist die Farbe, laut und provokativ, wie auch das Thema, sehr einfach und direkt. Seine kreative Seite hat ihn dazu gebracht, mit Pedro Almodóvar in dem Film "Carne Trémula" zusammenzuarbeiten, ebenso wie er Kontinuitätswerbung für Telemadrid oder Geschirr für die Firma Santa Clara entworfen hat. Er hat an Plakaten, Plattencovern und wichtigen Publikationen wie ByN Dominical (Sonntagsmagazin von ABC), El País, El Magazine del diario El Mundo, Marie Claire, ELLE, Qué leer und Rolling Stone mitgewirkt, um nur einige zu nennen. In seiner mehr als zwanzigjährigen, intensiven beruflichen Laufbahn hat er mehr als neunzig Einzelausstellungen in Spanien und im Ausland sowie ebenso viele Gruppenausstellungen bestritten. Er ist derzeit im Reina Sofía Museum, im IVAM, in der Sidney Besthoff Foundation in New Orleans, in den Sammlungen Testimoni de La Caixa, Carmen Thyssen-Bornemisza und Kneip in Luxemburg sowie in der Montblanc Cultural Foundation vertreten, neben anderen öffentlichen und privaten Sammlungen in Spanien und im Ausland. Neben dieser nationalen und internationalen Präsenz hat sie auch an Messen wie ARCO, ART COLOGNE, ART PARIS, ART BRUSSELS, ST-ART Strasbourg und KIAF (Korea International Art Fair) teilgenommen, die Maßstäbe für die neuesten künstlerischen Trends setzen.

Stima 3 000 - 4 000 EUR

Lotto 141 - ANTONIO DE FELIPE (Valencia, 1965). "Marilyn". Acryl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 80 x 80 cm. Antonio de Felipe, der an der Universität San Carlos Valencia Kunst studiert hat, begann seine Karriere als Kreativer in einer Werbeagentur, eine Tatsache, die zweifelsohne seinen zukünftigen Malstil prägen wird. Er gilt als Pop-Künstler - oder genauer gesagt, als Teil der Bewegung "Les noveaux Pop", zusammen mit anderen internationalen Künstlern, die mit der Pop-Welt verbunden sind - im weitesten Sinne des Wortes, wobei er sein umfangreiches Werk in verschiedenen Serien (Logotypes, Cows, Cinemaspop, Popsport, u.a.) entwickelt und dabei immer eine völlig plastische und visuelle Ästhetik beibehält, die klar ist und sich an die allgemeine Gesellschaft richtet. Grundlegend ist die Farbe, grell und provokativ, sowie die Thematik, sehr einfach und direkt. Seine kreativen Fähigkeiten haben ihn dazu gebracht, mit Pedro Almodóvar in dem Film "Carne Trémula" zusammenzuarbeiten, aber auch Werbeträger für Telemadrid oder Geschirr für die Firma Santa Clara zu entwerfen. Er hat an Plakaten, Plattencovern und wichtigen Publikationen wie ByN Dominical (ABC-Sonntagsmagazin), El País, El Magazine del diario El Mundo, Marie Claire, ELLE, Qué leer und Rolling Stone Magazine mitgearbeitet, um nur einige zu nennen. In seiner mehr als zwanzigjährigen, intensiven beruflichen Laufbahn hat er mehr als neunzig Einzelausstellungen in Spanien und im Ausland sowie ebenso viele Gruppenausstellungen bestritten. Gegenwärtig ist er im Reina Sofía Museum, im IVAM, in der Sidney Besthoff Foundation in New Orleans, in den Sammlungen Testimoni von La Caixa, Carmen Thyssen-Bornemisza und Kneip in Luxemburg sowie in der Montblanc Cultural Foundation vertreten, neben anderen öffentlichen und privaten Sammlungen in Spanien und im Ausland. Zu dieser nationalen und internationalen Präsenz kommt die Teilnahme an Messen wie ARCO, ART COLOGNE, ART PARIS, ART BRUSSELS, ST-ART Strasbourg oder KIAF (Korea International Art Fair) hinzu, die als Referenzrahmen für die neuesten künstlerischen Trends dienen.

Stima 1 800 - 2 000 EUR

Lotto 142 - JOAN PONÇ BONET (Barcelona, 1927 - Saint-Paul, Frankreich, 1984). "Suite Caps. Brasilien, 1958-1959 Bleistift und Tinte auf Papier Signiert, datiert und in der linken unteren Ecke angebracht. Das Werk ist im Online-Raisonné-Katalog unter der Nr. 3380 Mit Etikett auf der Rückseite der Galerie Dau al Set. Maße: 70 x 50,5 cm, 87 x 67 cm (Rahmen). Ponç fertigte die Serie "Caps" in seiner brasilianischen Heimat an, wohin er vor dem Franco-Regime geflohen war. Die Zeichnungen der Suite sind Fragmente von mehr oder weniger traumhaften Physiognomien (manchmal begleitet von Vögeln), immer mit einer poetischen Aura versehen. Der Maler und Zeichner wurde in Barcelona in der Werkstatt von Ramón Rogent und an der Akademie der plastischen Künste bei Ángel López-Obrero ausgebildet. Nachdem er sich in der Anonymität der Malerei und Zeichnung gewidmet hatte, fand 1946 seine erste Einzelausstellung in der Kunstgalerie von Bilbao statt, die seine endgültige Konsolidierung im nationalen Kunstpanorama sein sollte. Im Jahr 1948 gründete er zusammen mit Tharrats, Puig, Cuixart, Tàpies und Brossa die Avantgardegruppe Dau al Set. Von Eugenio D'Ors ausgewählt, nahm er 1951 und 1952 am Salón de los Once in Madrid teil. Im Jahr 1952 nahm er an der Hispanoamerikanischen Biennale teil, und im folgenden Jahr verbrachte er einige Zeit in Paris, wo er Joan Miró kennenlernte und im Musée de la Villa ausstellen konnte. Auf dessen Empfehlung hin erhält Ponç Zugang zu brasilianischen Künstlerkreisen und lässt sich von 1953 bis 1962 in São Paulo nieder. Im Jahr 1954, dem Jahr der Auflösung von Dau al Set, veranstaltete er eine Ausstellung im Museum für Moderne Kunst der Stadt, die so erfolgreich war, dass die Organisation alle Werke erwarb. In Brasilien besuchte er den äquatorialen Dschungel, wo er von der Fauna, insbesondere den Insekten, beeindruckt war, die er in seine Bilder einbezog. 1955 gründete er mit Marc Aleu, Modest Cuixart, Jaume Guinovart, Jaume Muxart, Mercadé, Tàpies und Tharrats die Gruppe Taüll. Nachdem er wegen einer Krankheit nach Katalonien zurückgekehrt ist, stellt er seine Werke in New York, Rio de Janeiro, Bonn, Paris, Frankfurt, Genf, Antibes und mehreren spanischen Städten aus. Im Jahr 1965 gewann er den Großen Preis der Internationalen Zeichnung auf der Biennale von São Paulo. Ponçs Gemälde zeigen phantasmagorische Bilder, die gleichzeitig schmerzhaft und gequält sind und in denen das Unterbewusstsein die Hauptrolle spielt. Für den Maler ist die Kunst nichts anderes als eine Einführung in das Mysterium und die Geheimnisse des Geistes. Er ist eher ein Zeichner als ein Maler, und sein Werk ist äußerst detailliert und akribisch. Ponçs Schaffen lässt sich in sechs Perioden unterteilen: die Dau al Set-Periode (1947), die brasilianische Periode (1958), die metaphysisch-geometrische Periode (1969), die Periode der metaphysischen Zeichen (1970), die Periode der Akupunktur (1971) und eine letzte Periode der Synthese (1972). In seinem Werk zeigt sich Ponç als Zauberkünstler, der die Kunst als Magie, als außergewöhnliche Kraft, als Zauberspruch, als etwas Übernatürliches begreift.

Stima 3 000 - 4 000 EUR

Lotto 144 - ANTONIO SAURA (Huesca, 1930 - Cuenca, 1998). "Moi". 1976. Siebdruck, Kopie 16/60. Mit Bleistift signiert und gerechtfertigt. Maße: 102 x 73'5 cm. Antonio Saura ist Autodidakt und beginnt 1947 in Madrid zu malen und zu schreiben. Drei Jahre später hatte er seine erste Einzelausstellung in der Buchhandlung Libros in Saragossa, wo er eine Reihe von experimentellen Werken ("Constelaciones" und "Rayogramas") zeigte, die während seiner langen Krankheit entstanden, die ihn seit 1943 für fünf Jahre bewegungsunfähig machte. 1952 fand seine erste Ausstellung in Madrid in der Buchhandlung Buchholz statt, wo er seine jugendlichen, traumhaften und surrealistischen Werke ausstellte, und im selben Jahr besuchte er zum ersten Mal Paris und ließ sich in der Stadt nieder. Dort wird sein Werk von Künstlern wie Miró und Man Ray beeinflusst, und er widmet sich der Malerei auf Leinwand und Papier mit organischem Charakter, wobei er verschiedene Techniken anwendet. Der Bruch mit der surrealistischen Gruppe ermöglicht es ihm, sich anderen Schaffensweisen zu öffnen, und er beginnt, die Entwicklung seines Werks aufzuzeigen, das sich in Richtung einer unmittelbaren Malerei mit gestischen Strichen und einer reduzierten Palette mit selektivem Charakter bewegt, in der der Informalismus die Zerstreutheit zwischen suggestiven Ausdrucksformen von Linie und Farbe spielt. Sein Debüt in Paris gab er 1957 in der Galerie Stadler, im selben Jahr gründete er die Gruppe El Paso. Im folgenden Jahr nahm er zusammen mit Chillida und Tàpies an der Biennale von Venedig teil, 1960 erhielt er den Guggenheim-Preis in New York, und 1963 fanden seine ersten Retrospektiven im Stedelijk Museum in Eindhoven, im Rotterdamschen Kunstring und in den Museen von Buenos Aires und Rio de Janeiro (Arbeiten auf Papier) statt. Sauras Retrospektiven werden während seiner gesamten Laufbahn sowohl in Spanien als auch in Europa und Amerika immer wieder ausgestellt. Im Jahr 1966 stellt er im Institute of Contemporary Arts in London aus und nimmt an der Biennale der Gravur "Bianco e Nero" in Lugano teil, wo er den Großen Preis erhält. Im darauffolgenden Jahr lässt er sich in Paris nieder, obwohl er jeden Sommer in Cuenca arbeitet und verbringt, einem Grundpfeiler seiner Produktion seit seinen frühen Jahren. Er ist in den wichtigsten nationalen und internationalen Museen für zeitgenössische Kunst vertreten, darunter die Neue Nationalgalierie in Berlin, das Guggenheim in Bilbao, das Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, die Albright-Knox Art Gallery in Buffalo, das Guggenheim und das Metropolitan in New York, das Centre Georges Pompidou in Paris und die Tate Gallery in London.

Stima 1 600 - 1 800 EUR

Lotto 145 - Equipo Crónica (Valencia, 1964 - 1981). "Akt auf der Treppe", 1971. Siebdruck auf Papier, H.C. Kopie. Signiert und gerechtfertigt. Verlag Gustavo Gili, Barcelona. Maße: 100 x 70 cm. Dem mythischen "Akt, der die Treppe hinabsteigt" von Duchamp setzt die Equipo Crónica ein Band auf die Brust, dessen Farben die spanische Flagge zeigen. Darüber hinaus verzichten sie auf den Originalhintergrund und führen ihren eigenen Kontext ein, der ein palastartiges Interieur zeigt. Equipo Crónica, oder Crónicas de la Realidad, war eine Gruppe spanischer Maler, die zwischen 1964 und 1981 aktiv war. Gegründet wurde sie von Manolo Valdés, Juan Antonio Toledo, der die Gruppe bald wieder verließ, und Rafael Solbes, dessen Tod 1981 dem Projekt ein Ende setzte. Der Historiker und Kritiker Tomás Llorens war ebenfalls Mitglied der Gruppe. Er erläutert die theoretischen Grundlagen des Equipo in einem Text mit dem Titel "La distanciación de la distanciación" (Die Distanzierung der Distanzierung). Ebenso unterzeichneten die drei Maler 1965 ein Manifest, in dem sie sich als eine Arbeitsgruppe mit kollektiven Methoden und überindividuellen Zielen definierten. Die Equipo Crónica wendet sich vom vorherrschenden Informalismus ab und pflegt eine figurative Malerei, die eng mit der Pop-Art verbunden ist. Diese Künstler hatten genug von der Selbstbeobachtung und gingen auf die Straße, um die Welt um sie herum zu beobachten, eine Gesellschaft mit beginnender Industrialisierung und Touristen. Ihr Stil ist eine einzigartige Mischung aus Realismus, Kritik, Pop, bildlichen Zitaten, Anachronismen und bittersüßen Pastiches. Die Gruppe produzierte Gemälde, Skulpturen und Stiche und arbeitete in Serien, die es ihnen ermöglichten, ein und dasselbe Thema in verschiedenen Variationen zu analysieren. Die Equipo Crónica geht von einer sehr einfachen Sprache aus, mit monochromen und sich wiederholenden Bildern, die den zeitgenössischen Medien, insbesondere Zeitungsfotos, sehr nahe kommen. Werke von Equipo Crónica befinden sich unter anderem im IVAM in Valencia, im Museum Reina Sofía in Madrid, im MACBA in Barcelona, in der Stiftung Juan March und im Museum Patio Herreriano in Valladolid. Im Jahr 2007 wurde im Museo de Arte Abstracto in Cuenca eine Ausstellung zu Equipo Crónica organisiert.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 149 - JAVIER PAGOLA (San Sebastian, 1955). Ohne Titel, 2004 und 2007. Tinte auf Papier (x2). Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 28 x 40 cm; 42 x 54 cm (Rahmen); 40 x 28 cm; 54 x 42 cm (Rahmen). Er studiert zwischen 1974 und 1978 Architektur an der Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. Später lässt er sich in Cuenca nieder, wo er sich der Malerei widmet. Im Laufe seiner Karriere erhielt er mehrere Stipendien: 1993 ein Endesa-Stipendium für plastische Kunst, 1997 ein Stipendium der Akademie der Schönen Künste in Rom und 1999 ein Stipendium für plastische Kunst der Marcelino-Botín-Stiftung. Zu seinem malerischen Werk kommen seine Arbeiten im Bereich der Illustration von Büchern wie Gargantua von Rabelais und seine Ausflüge in die Welt der Druckgrafik hinzu. Seine kreative Persönlichkeit hält ihn von bestimmten Gruppen und Bewegungen fern. Sein Werk basiert auf der Beherrschung der Zeichnung, und man kann darin eine Entwicklung von der gestischen Anwendung des Strichs im Sinne des abstrakten Expressionismus bis hin zur Verwendung einer spielerischen Ikonographie in den neunziger Jahren beobachten. Diese Figuren, die irgendwo zwischen der surrealistischen und der kindlichen Welt angesiedelt sind, bevölkern auf anarchische Weise die gesamte Oberfläche der Leinwand, und einige Autoren sehen in ihnen eine Inspiration aus der Welt der Comics. Seit seiner ersten Ausstellung im Jahr 1980 in der Galerie Ikusmira in San Sebastián hat er zahlreiche Einzelausstellungen bestritten. Er nimmt auch an wichtigen Kollektivausstellungen teil und ist bei den Ausgaben von Estampa'95 und 96 und Arco'94, 98, 2000, 2003 vertreten. Außerdem ist er seit Jahren Hauptzeichner in nationalen Zeitungen, ABC, El PIS und anderen Publikationen. Derzeit ist er in Sammlungen wie dem MNCA Reina Sofía und den Museen der Schönen Künste von Rom und Alava, Ars Fundum Gestión, S.L., Pamplona City Hall - Contemporary Art Collection, Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) und anderen vertreten.

Stima 300 - 350 EUR

Lotto 151 - HENRI GÖETZ (Vereinigte Staaten, 1909 - Frankreich, 1989). "Komposition", 1978. Gemischte Medien auf Papier. Signiert und datiert in der linken unteren Ecke. Maße: 28 x 37 cm; 30 x 39 cm (Rahmen). Der französisch-amerikanische Maler und Graveur Henri Goetz ist sowohl für seine Werke als auch für die Erfindung des Karborundum-Gravurverfahrens bekannt, bei dem Kohlenstoffsilizid als Schleifmittel verwendet wird. Der in New York geborene Künstler begann schon als Kind zu zeichnen, wobei er sich von der Unbeholfenheit seiner Zeichnungen frustriert fühlte. Später begann er seine Ausbildung an der Grand Central School of Art in New York und ging nach Abschluss seines Studiums 1930 nach Paris, um seine Kenntnisse zu erweitern. In der französischen Hauptstadt besuchte er Kurse an den Akademien Colarossi, Julian und Grande Chaumière, wo er seine Frau, die in Java geborene niederländische Malerin Christine Boumeester, kennenlernte. In diesen Jahren entwickelte Goetz bereits einen persönlichen surrealistischen Stil, der das Werk seiner Frau beeinflusste. Dank seines Freundes Victor Bauer, einem österreichischen Künstler, hatte Goetz 1934 seine erste Einzelausstellung in London. In dieser Zeit lernt er auch Hans Hartung kennen, der ihn in seinen Freundeskreis einführt. Durch ihn kommt er in Kontakt mit Fernand Léger und Wassily Kandinsky. 1937 hat er seine erste Ausstellung in Paris, in der Galerie Bonaparte. Nach Ausbruch des Zweiten Weltkriegs arbeiten Goetz und seine Frau mit der französischen Résistance zusammen und drucken Pamphlete und Plakate, obwohl ihre Hauptbeschäftigung die Herstellung von Ausweisen ist. Im Jahr 1939 gründet Goetz zusammen mit Christian Dotremont und Raoul Ubac "La Main à Plume", die erste surrealistische Publikation während der Besatzung. Nach dem Krieg besucht Goetz jede Woche das Atelier eines anderen Künstlers und lernt so Picasso, Brancusi, Julio Gonzalez, Picabia und Max Ernst kennen. 1947 wird er zum Protagonisten des Kurzfilms "Portrait de Henri Goetz" von Alain Resnais, der für das Musée National d'Art Moderne gedreht wurde. Zwei Jahre später beginnt er zu unterrichten, zunächst selbständig und dann an der Académie Ranson. Später unterrichtet er auch an der Grande Chaumière, und schließlich gründet er seine eigene Akademie, obwohl er für seinen Unterricht nie Geld verlangt. In der Zwischenzeit stellt er seine Werke weiterhin in bedeutenden europäischen Galerien aus. 1968 nahm er einen Lehrauftrag an der Ecole des Beaux-Arts in Paris an, doch als die Schule zwei Wochen später aufgrund von Studentenstreiks geschlossen wurde, wechselte er an die Universität Paris 8. Im selben Jahr erkrankte seine Frau, und drei Jahre später starb sie. Nach ihrem Tod stieß Goetz auf ihre Tagebücher, die er in einem Buch mit einem Vorwort von ihm selbst veröffentlichte. Nach einem krankheitsbedingten Krankenhausaufenthalt beging der Künstler 1989 Selbstmord, indem er aus einem Fenster im fünften Stock des Krankenhauses in Nizza sprang. Derzeit ist er im Goetz-Boumeester-Museum in Villefranche-sur-Mer an der Côte d'Azur, im Centre Georges Pompidou in Paris, in der Fondation Miró in Barcelona, im San Francisco Museum of Art, im französischen Staatsmuseum, im Budapester Museum, im Nationalmuseum für moderne Kunst in Brüssel und in vielen anderen Museen weltweit vertreten.

Stima 800 - 1 000 EUR

Lotto 152 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Cistell", 1991. Aquatinta und Serigraphie, Kopie 15/30. Mit Bleistift signiert und nummeriert. Maße: 91 x 62 cm; 100 x 72 cm (Rahmen). Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 beginnt Tàpies, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Institut Français nach Paris. Im Jahr 1953 hatte er eine Einzelausstellung in der New Yorker Galerie von Martha Jackson. Von da an fanden seine Ausstellungen, sowohl Kollektiv- als auch Einzelausstellungen, in der ganzen Welt statt, in herausragenden Galerien und in Museen wie dem Guggenheim in New York oder dem Museum für moderne Kunst in Paris. Seit den siebziger Jahren wurden ihm Anthologien in Tokio, New York, Rom, Amsterdam, Madrid, Venedig, Mailand, Wien und Brüssel gewidmet. Als Autodidakt hat Tàpies seinen eigenen Stil innerhalb der Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts geschaffen, der Tradition und Innovation in einem abstrakten, aber symbolträchtigen Stil verbindet und dem materiellen Substrat des Werks große Bedeutung beimisst. Erwähnenswert ist der ausgeprägte spirituelle Sinn, den der Künstler seinem Werk verleiht, in dem der materielle Träger über seinen Zustand hinausgeht, um eine tiefgreifende Analyse des menschlichen Zustands darzustellen. Das Werk von Tàpies wurde international hoch geschätzt und in den renommiertesten Museen der Welt ausgestellt. Im Laufe seiner Karriere erhielt er zahlreiche Preise und Auszeichnungen, darunter den Praemium Imperiale von Japan, den Nationalen Kulturpreis, den Grand Prix de Painting in Frankreich, die Wolf Foundation of the Arts (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983), den Prinz-von-Asturien-Preis für Kunst (1990), die Picasso-Medaille der Unesco (1993) und den Velázquez-Preis für plastische Kunst (2003). Antoni Tàpies ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofía in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 153 - BERTA JAYO (Santander, 1971). "Lila Leinwand mit Löchern", 2003. Gemischte Medien auf Leinwand. Präsentiert Etikett der Galerie Siboney (Santander). Maße: 195 x 195 cm. In diesem großformatigen Werk durchlöchert der Künstler die Unterlage, wodurch ein Vakuum entsteht, das es dem Betrachter ermöglicht, hinter diese Löcher zu sehen. Auf diese Weise wird ein zweidimensionales Objekt durch den Raum hindurch neu überdacht und erhält Elemente der Bildhauerei, wie die Interaktion des Objekts mit dem kontextuellen Raum auf aktive Weise. Diese großen Maulwürfe sind ein weit verbreitetes Mittel in der Arbeit von Berta Jayo, die dem Betrachter durch ihre Performances oder Serien wie "Porträts und Kleider" dieses mit Spanien assoziierte Muster präsentiert, jedoch aus einem zeitgenössischen Blickwinkel, der über Identität und Tradition reflektiert. Berta Jayo ist eine multidisziplinäre Künstlerin, die ihr Studium der Schönen Künste an der Universität von Bilbao begann, das sie mit Auszeichnung abschloss. Später absolvierte sie ein Aufbaustudium und einen Masterstudiengang in Bildender Kunst am Chelsea College of Art and Design in London. Sie hat an zahlreichen Programmen wie dem ISCP (International studio and Curational Program) in New York teilgenommen. Wie auf ihrer Website beschrieben, ist sie eine unangepasste, kritische und talentierte Künstlerin in ständiger Entwicklung, deren klarste Sprache die Konzeptkunst ist, die sie in einer Vielzahl von Medien entwickelt. Ihre klaren und prägnanten Ideen regen zum Nachdenken an, stören und provozieren aber auch unseren Intellekt. Seine originellen, kraftvollen Projekte erwecken unsere betäubte und banale Existenz, um uns seine Visionen vom Leben fernab von Stereotypen zu bieten. Seine Arbeiten wurden in vielen Ländern ausgestellt und auf internationalen Kunstmessen wie ARCO Madrid, SWAB Barcelona, FRIEZE London, PULSE New York, Art BASEL Schweiz, 57. Biennale Venedig, Documenta 14 Kassel Deutschland gezeigt, auf internationalen Festivals wie dem Video Screen Festival in Berlin oder dem New Media Festival HACS Miami, in öffentlichen Räumen oder Museen wie MAM RD, MAS, The Chill Concept Museum Miami, CAC Malaga, CAM Naples, Bronx Museum NYC, Reina Sofia, Tate Modern, Guggenheim Bilbao, MoMA, Louvre Paris. Weitere wichtige Ausstellungen sind: Exquisite Doll Kit" Mexiko, Wanderausstellung, "Artistas del siglo XX y XXI", Wanderausstellung, Sala Robayera, "Ellas" Madrid, Wanderausstellung, Void + Tokyo, Japan. Präsentiert das Label der Galerie Siboney (Santander).

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 154 - ROBERTO MATTA (Santiago de Chile, 1911 - Civitavecchia, Italien, 2002). Ohne Titel. Radierung auf Papier, Kopie 49/75. Handsigniert und gerechtfertigt. Größe: 38,5 x 29,5 cm (Druck); 67 x 50 cm (Papier); 81,5 x 65,5 cm (Rahmen). Roberto Matta war Architekt, Dichter, Humanist und Maler, dessen surrealistisch und metaphysisch inspirierte Werke eine traumhafte Welt in Verbindung mit der modernen technologischen Zivilisation illustrieren. Der Sohn einer großen, künstlerisch orientierten Familie, der stark von seinem Großvater mütterlicherseits beeinflusst wurde, absolvierte eine Ausbildung zum Architekten in Santiago de Chile und studierte zwischen 1934 und 1935 bei Le Corbusier in Paris, wo er sich mit dem Maler Marcel Duchamp und Pablo Picasso anfreundete. Bei Ausbruch des Zweiten Weltkriegs zog er in die Vereinigten Staaten, wo er von 1939 bis 1948 in New York lebte. Dort lernte er André Breton, Max Ernst, Yves Tanguy und André Masson kennen, und sein Stil hatte einen entscheidenden Einfluss auf die Formulierung des amerikanischen Abstrakten Expressionismus. Matta widmete sich Werken, in denen er immer wieder Vulkane und Erdbeben darstellte, allesamt unter dem Thema der kosmischen Schöpfung der Natur. Mattas Werk fügt der zeitgenössischen Malerei neue Dimensionen hinzu, obwohl er 1947 aus unbekannten Gründen mit der surrealistischen Bewegung bricht. Er lässt sich in Rom nieder und entwickelt seine Karriere in den 1950er Jahren weiter. Er reiste nach Südamerika, wo er das Wesen der Eingeborenen porträtierte und festhielt. Obwohl er sich 1959 wieder der surrealistischen Welt anschloss, experimentierte er mit verschiedenen künstlerischen Ausdrucksformen, darunter Videoproduktionen wie "Système 88", Fotografie und andere Ausdrucksmittel. 1967 zog er nach Tarquinia, Italien, und wechselte seinen Wohnsitz mit langen Aufenthalten in Paris, London und New York. 1971 arbeitet er an einer revolutionären Luftkunst, indem er kollektive Wandmalereien in der Gemeinde La Granja ausführt. Er ist in den weltweit führenden Galerien für moderne Kunst vertreten, wie dem MoMA und dem Metropolitan in New York, dem Thyssen-Bornemisza und der Tate Gallery in London. Mattas Stil machte ihn zu einem der bedeutendsten Künstler des 20. Jahrhunderts und erhielt hohe internationale Auszeichnungen, darunter den Nationalen Kunstpreis der chilenischen Regierung.

Stima 1 200 - 1 300 EUR

Lotto 155 - YVAN SALOMONE (Saint-Malo, Frankreich, 1957). "Der Schlepper", 1996. Aquarell auf Papier. Es hat ein Etikett auf der Rückseite der Galerie Sollertis, Toulouse. Beschädigt auf dem hinteren Deckel. Maße: 100 x 141 cm; 104 x 145 cm (Rahmen). Yvan Salomone wurde 1957 in Saint-Malo geboren, wo er lebt und arbeitet. 1991 legt Yvan Salomone den Rahmen seiner Praxis fest und widmet sich der Aquarellmalerei, indem er auf gleichen Formaten komponiert. Er malt in seinem Atelier nach vorher aufgenommenen Fotos, die er frei interpretiert. Die Darstellung von Rohstoffen (Behälter, Zement, Stahl usw.) steht im Widerspruch zur Leichtigkeit der Aquarelle und erfährt eine Metamorphose, die den einzigartigen Charakter seiner Kompositionen ausmacht. In vielen Fällen, wie auch in diesem Werk, stellt Salomone Hafenszenen ohne menschliche Präsenz dar, ein Motiv, das für sein Werk von zentraler Bedeutung ist. Die Werke von Yvan Salomone wurden in mehreren europäischen Institutionen ausgestellt, darunter das Centre Pompidou in Paris (Frankreich), Mac Val, Cité de l'architecture, Musée d'art moderne et contemporain de Strasbourg, La Criée - Centre d'art contemporain (Rennes), Mamco (Genf), Witte de With (Rotterdam), Musée de la Chaux-de-Fonds (Schweiz) und mehrere FRACs, um nur einige zu nennen. Seine Werke sind auch in zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen zu finden, darunter: Centre Pompidou, FMAC, Mac Val, FRAC Bretagne, Haute Normandie, PACA, Picardie, Limousin, Poitou-Charentes, Île-de-France, Auvergne, Pays de la Loire, Languedoc-Rousillon, Fonds Municipal de la Ville de Paris, Collection Société Générale, MAM- CO, Museu Coleçao Berardo (Lissabon), und Witte de With (Rotterdam). Es trägt auf der Rückseite ein Etikett der Galerie Sollertis, Toulouse. Beschädigung auf dem hinteren Einband.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 156 - JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). Ohne Titel, 2005. Gemischte Medien (Öl und Assemblage) auf Leinwand. Signiert und datiert. Provenienz; Privatsammlung Maße: 154,5 x 120 x 5 cm. Die Verwendung von Assemblagen in Verbindung mit Experimenten und lyrischer Abstraktion gewinnt in Guinovarts Gemälden der letzten Schaffensperiode an Bedeutung. Er kehrt zu seinen informellen Anfängen zurück, bereichert sie aber, indem er die Auswirkungen verschiedener Verfahren auf unorthodoxen Trägern untersucht. Die starken Kontraste zwischen Schwarz, Rot und Weiß, die sich wie entfesselte Wellen kräuseln, suggerieren Stürme und andere Phänomene, in denen sich die Natur in ihrer ganzen Inbrunst zeigt. Guinovart abstrahiert von der Naturbeobachtung und der Reflexion über die physikalischen Eigenschaften der Malerei eine einzigartige Bildsprache. Josep Guinovart erhielt seine Ausbildung an der Schule für Meistermaler, an der Kunstgewerbeschule und in den Klassen der FAD. In den Galerien Syra in Barcelona stellte er 1948 zum ersten Mal einzeln aus. Er erwarb sich sofort ein hohes Ansehen, arbeitete mit Dau al Set zusammen und nahm an den Salons October, Jazz und Eleven teil. In den fünfziger Jahren lebte er dank eines Stipendiums in Paris, wo er die Werke von Cézanne und Matisse kennenlernte, die zusammen mit Miró und Gaudí seine wichtigsten Einflüsse sein sollten. 1955 gründete er zusammen mit Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies und Tharrats die Gruppe Taüll, in der sich die Avantgarde-Künstler der damaligen Zeit zusammenfanden. Gegen 1957 begann er eine informelle und abstrakte Tendenz, mit einer starken materiellen Präsenz sowohl durch die Einbeziehung verschiedener Elemente und Gegenstände (verbranntes Holz, Kisten, Abfallgegenstände) als auch durch die Anwendung von Techniken wie Collage und Assemblage. Ab den 1960er Jahren wendet er sich von der informellen Poetik ab und beginnt, Werke voller Zeichen und Gesten zu schaffen, die eine starke expressive Ladung in den Linien und Farben enthalten. In den siebziger Jahren verwendete er systematisch Materialien wie Sand, Erde, Schlamm, Stroh oder Faserzement, und im folgenden Jahrzehnt konzentrierte er sich auf das Experimentieren mit der dreidimensionalen Projektion seiner Werke, die die Form der Schaffung von Environments oder räumlichen Umgebungen annahm, wie das Werk mit dem Titel Contorn-extorn (1978). Guinovart hat ein sehr vielseitiges künstlerisches Schaffen: Wandmalereien, Bühnenbilder und Theaterkulissen, wie die für Federico García Lorcas Bluthochzeit, Buchillustrationen, Plakatgestaltung, Wandteppiche und Skulpturen. Er nahm an den Biennalen von São Paulo (1952 und 1957), Alexandria (1955) und Venedig (1958, 1962 und 1982) teil und erhielt unter anderem 1981 den Preis der Stadt Barcelona, 1990 den Nationalen Preis für plastische Kunst und 1990 den Preis für plastische Kunst der Generalitat. Im Jahr 1994 wurde der Guinovart Space in Agramunt, Lérida, eröffnet, eine private Stiftung, die eine ständige Ausstellung des Künstlers zeigt. Guinovart ist in den Museen für zeitgenössische Kunst in Barcelona, Madrid und Mexiko-Stadt, im Museum für Skulpturen im Freien in Santa Cruz de Tenerife, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, im Museo de Bellas Artes in Bilbao, im Museo San Telmo in San Sebastián, das Museo Eusebio Sempere in Alicante, das Museo de Navarra in Tafalla, die Casa de las Américas in Havanna, das Bocchum Museum in Deutschland, das Museo de Bellas Artes in Long Island, New York, und das Museo Patio Herreriano in Valladolid.

Stima 8 000 - 9 000 EUR

Lotto 157 - PABLO PICASSO (Malaga,1881-Mougins,1973). "La Celestina", illustriert von Pablo Picasso. Beiliegendes Buch von "La Celestina" und Buch von Studien. Limitierte Auflage, Exemplar 2370/2998. Mit Aluminiumabdeckung. Verlag: Artika Abmessungen: 33 x 33 cm (La Celestina); 33 x 33 cm (Studienbuch); 35,5 x 35,5 cm (Alukoffer); 44,7 mx 44,7 cm (Koffer). Es handelt sich um eine limitierte Auflage, die die 66 von Picasso genehmigten Originalabzüge der Suite 347 enthält, die in der Sammlung der Bancaja-Stiftung aufbewahrt werden. Gebunden in weichem Karton mit Seidenpapier umwickelt. Es wird vom Studienbuch begleitet, das den Genuss und die Kenntnis zweier schöner künstlerischer Kompositionen ermöglicht: die Tragikomödie des 16. Jahrhunderts und die Stiche des 20. Das außergewöhnliche literarische Werk, das Fernando de Rojas zugeschrieben wird, wird von Antonio Prieto in einem Artikel behandelt, der mit Reproduktionen der Holzschnitte illustriert ist, die die Valencia-Ausgabe von 1514 begleiteten, dank der Zusammenarbeit mit der Spanischen Nationalbibliothek in Madrid, die die Originale aufbewahrt. Die Stiche dieser Ausgabe und mit ihnen die gigantische Gestalt ihres Schöpfers und sein Werk in einem turbulenten 20. Jahrhundert entfalten ihren ganzen Wert in den Händen von Spezialisten wie Pere Gimferrer, Brigitte Leal, Kosme de Barañano und Lourdes Cirlot, die uns mit ihren detaillierten Kommentaren zu jedem der 66 Stiche der Ausgabe die Augen öffnen. Sowohl das Exemplar von La Celestina als auch das Studienbuch werden in einem Aluminiumkoffer aufbewahrt, der wiederum in einer blauen Stoffschatulle mit einem Foto des genialen Künstlers untergebracht ist.

Stima 600 - 800 EUR

Lotto 158 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904 - 1989). "Die Essays von Montaigne, illustriert von Salvador Dalí", 2006. Buch mit ausgewählten Texten und 37 Zeichnungen und Studienbuch. Beiliegend 15 nummerierte Tafeln mit Stempel der Stiftung Gala Dalí. Limitierte Auflage 2250/2990 Verlag: Artika Maße: 30,3 x 36,7 cm (Mappe mit Tafeln); 30,3 x 36,7 cm (Studienbuch); 30 x 36,7 cm (Aufsätze); 34,1 x 41,5 x 9 cm (Schuber). Dieses Werk zeigt die Zeichnungen, die Salvador Dalí zur Illustration des Werks des französischen Denkers Michel de Montaigne angefertigt hat. Er war eine wichtige Persönlichkeit des 16. Jahrhunderts und war der erste, der den Begriff Essay verwendete, um eine Reihe von Schriften zu beschreiben, in denen er über die Welt, in der er lebte, reflektierte. Dalí, der von dem französischen Adligen fasziniert war, wählte 21 Kapitel aus seinem Werk aus und illustrierte sie, in denen Montaignes Werte, Gedanken und Philosophie zusammengefasst sind. In dem in kupferfarbene Seide gebundenen Buch der Essays stellt Dalí uns anhand von 37 Zeichnungen seine besondere Sichtweise und seine Ideen zu den ausgewählten Texten vor. Eine Sammlung von 15 Tafeln - in Tusche und Aquarell - wird in einer eleganten Mappe präsentiert, alle nummeriert und mit dem Siegel der Stiftung Gala-Salvador Dalí versehen, das die Faksimile-Reproduktion garantiert. Ergänzt wird das Werk durch ein Studienbuch, das es ermöglicht, das Werk von Montaigne und Dalí zu vertiefen und die Entstehung dieser neuen literarischen Gattung nachzuvollziehen. Eine unentbehrliche Analyse in einer klaren und prägnanten Sprache, die dem Leser die Illustrationen des Künstlers näher bringt und es uns ermöglicht, dieses Juwel des Sammelns zu genießen.

Stima 800 - 1 000 EUR

Lotto 159 - MIQUEL BARCELÓ ARTIGUES (Felanitx, Mallorca, 1957). "Chauvet. Cahier de félins". Kunstbuch, Künstlerbuch und nummerierte, vom Künstler signierte Tafel. Exemplar 423/2998. Verlag: Artika Etui aus Ahornholz. Maße: 43 x 33 cm (Kunstbuch und Studienbuch); 88 x 33 cm (Mappe mit Platte); 49 x 37 x 5,5 cm (Schachtel). Das "Cahier de félins" ist eine Hommage an die Chauvet-Höhlen. Einmalige Auflage, limitiert und nummeriert auf 2998 Exemplare, hier die vom Künstler signierte Nummer 1932. Das Werk besteht aus einer Schatulle aus Ahornholz mit der Reproduktion eines Originals von Miguel Barceló in Pyrographietechnik, einer Faksimile-Reproduktion des Cahier de félins aus dem Besitz des Künstlers, einem Buch über die Entdeckung der Chauvet-Höhle und einer nummerierten Platte mit der Reproduktion einer der Katzen aus dem Cahier. Tintoretto-Gesso-Papier von 200 gr. Einband aus Baumwoll-Leinwand mit einem exklusiv von Barceló gedruckten Original. Der Maler und Bildhauer Barceló begann seine Ausbildung an der Kunstgewerbeschule in Palma de Mallorca, wo er zwischen 1972 und 1973 studierte. Im Jahr 1974 debütierte er im Alter von siebzehn Jahren in der Galerie Picarol auf Mallorca. Im selben Jahr zieht er nach Barcelona, wo er sich an der Schule der Schönen Künste Sant Jordi einschreibt, und unternimmt seine erste Reise nach Paris. In der französischen Hauptstadt lernt er die Werke von Paul Klee, Fautrier, Wols und Dubuffet sowie die Art Brut" kennen, ein Stil, der seine ersten Gemälde stark beeinflussen wird. In diesen Jahren liest er viel und bereichert sich mit so unterschiedlichen Werken wie den Schriften von Breton und den Surrealisten, dem "Weißen Manifest" von Lucio Fontana oder der "Sozialgeschichte der Literatur und Kunst" von Arnold Hauser. 1976 hat er seine erste Einzelausstellung in einem Museum: "Cadaverina 15" im Museum von Mallorca, bestehend aus einer Montage von 225 Holzkisten mit Glasdeckeln, in denen sich verwesende organische Materialien befinden. Im selben Jahr, zurück auf Mallorca, schließt er sich der Gruppe Taller Lunàtic an und nimmt an deren sozialen, politischen und kulturellen Veranstaltungen teil. 1977 unternimmt er eine zweite Reise nach Paris und besucht auch London und Amsterdam. Im selben Jahr stellt er zum ersten Mal in Barcelona aus und lernt Javier Mariscal kennen, der zu einem seiner besten Freunde in der Stadt wird. Zusammen mit ihm und dem Fotografen Antoni Catany nimmt er als Mitglied der Gruppe "Neón de Suro" an Ausstellungen in Kanada und Kalifornien teil und arbeitet an der Herausgabe der gleichnamigen Zeitschrift mit. Ebenfalls 1977 erhält er seinen ersten großformatigen Bildauftrag: ein Wandgemälde für den Speisesaal eines Hotels in Cala Millor, Mallorca. Im folgenden Jahr, im Alter von einundzwanzig Jahren, verkauft er seine ersten Werke an einige Sammler und Galerien und zieht schließlich nach Barcelona. Seine internationale Anerkennung beginnt Anfang der achtziger Jahre und gibt seiner Karriere nach der Teilnahme an der Biennale von São Paulo (1981) und der Documenta in Kassel (1982) einen endgültigen Aufschwung. Im Jahr 1986 wurde er mit dem Premio Nacional de Artes Plásticas ausgezeichnet, und seither wurde sein Werk mit den wichtigsten Preisen gewürdigt, wie dem Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2003) oder dem Sorolla-Preis der Hispanic Society of America in New York (2007). Barceló ist derzeit in den wichtigsten Museen für zeitgenössische Kunst der Welt vertreten, darunter das MoMA in New York, das Centre Pompidou in Paris, das Guggenheim in Bilbao, das Marugami Hirai in Japan, das Reina Sofía in Madrid, das Patio Herreriano in Valladolid, das CAPC in Bordeaux, das Carré d'Art in Nimes, das Museum für zeitgenössische Kunst in Caracas und das Museum of Fine Arts in Boston.

Stima 900 - 1 000 EUR

Lotto 160 - EDUARDO CHILLIDA JUANTEGUI (San Sebastian, 1924 - 2002). "Über das, was ich nicht weiß", 2008. Illustriertes Buch mit Reproduktionen in Originalgröße von 47 Zeichnungen, 7 Collagen und 6 Manuskripten mit Texten und Zeichnungen des Künstlers. Limitierte Auflage, Exemplar 476/2988. Planeta-Gruppe. Es hat einen Fall mit Schloss und Schlüssel. Der Karton ist beschädigt. Abmessungen: 44 x 34,5 cm (Buch); 48 x 38 x 7 cm (Etui);) 51 x 40 x 11 cm (Schachtel). Das Werk wird von Artika in Zusammenarbeit mit dem Chillida-Leku Foundation-Museum herausgegeben. Es handelt sich um eine limitierte Auflage von 2.998 Exemplaren, wobei die ersten zehn Exemplare von I bis X und die folgenden von 1 bis 2.988 nummeriert sind, wie in der notariellen Urkunde angegeben. Das Etui hat ein Sicherheitsschloss auf der rechten Seite mit einem Schlüssel von exklusivem Design. Zwei Löcher auf der Rückseite zum Aufhängen des Koffers. Eisenhebel im Inneren, um die Bücher zu heben. Chillida wurde zwischen Madrid und Paris gebildet, und hielt seine erste Ausstellung in der französischen Hauptstadt im Jahr 1950. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Preise und Auszeichnungen, darunter den Carnegie-Preis, den Rembrandt-Preis, die Wolf Foundation of the Arts und den Prinz-von-Asturien-Preis für Kunst. Er war außerdem Akademiemitglied von San Fernando, Mitglied der American Academy of Arts and Sciences, Ehrenmitglied der Royal Academy of Arts of London und des Kaiserlichen Ordens von Japan und wurde von der gleichnamigen Institution in Barcelona mit dem Großkreuz für humanitäre Verdienste ausgezeichnet. Neben seinem Chillida-Leku-Museum in Hernani ist er in Museen und Sammlungen auf der ganzen Welt vertreten, darunter das Guggenheim in Bilbao, das MOMA in New York, die Reina Sofia in Madrid, die Tate Gallery in London und die Neue Nationalgalerie in Berlin.

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 161 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). "Hommage an Gaudí". Studienbuch und Kunstbuch mit Reproduktionen der 21 Stiche, die Joan Miró in seiner Hommage an Gaudí anfertigte, mit Texten von Pere Gimferrer. Limitierte Auflage, Exemplar 981/998. Einzigartige Ausgabe Editorial Planeta. In Holzkiste. Maße: 50 x 70 cm (Kunstbuch); 27 x 37,5 cm (Studienbuch); 56 x 76 x 8 cm (Etui) 86 x 69 x 16 cm (Schachtel). Die Reproduktion, die 80 % des Originals entspricht, wurde aus der Sammlung der Fundació Joan Miró in Barcelona hergestellt. Die Reproduktionen wurden auf Fedrigoni Stucco Tintoretto Papier von 220 g gedruckt und von Hand auf schwarzem Karton Tintoretto Ceylon Black Pepper von 200 g geklebt. Limitierte Auflage von 998 Exemplaren, nummeriert von I bis X die ersten zehn und von 1 bis 988 die übrigen, nach der notariellen Urkunde.Joan Miró ist in Barcelona gebildet, und debütiert individuell im Jahr 1918, in der Dalmau Galerien. 1920 zieht er nach Paris und lernt Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara und die Dadaisten kennen. Dort entwickelt er unter dem Einfluss surrealistischer Dichter und Maler seinen Stil weiter; er versucht, die surrealistische Poesie, die auf Erinnerung, Fantasie und dem Irrationalen beruht, auf das Visuelle zu übertragen. Seine dritte Ausstellung in Paris im Jahr 1928 ist sein erster großer Erfolg: das Museum of Modern Art in New York erwirbt zwei seiner Werke. 1941 kehrte er nach Spanien zurück, und noch im selben Jahr widmete ihm das Museum eine Retrospektive, die seine endgültige internationale Anerkennung finden sollte. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen, darunter die Großen Preise der Biennale von Venedig und der Guggenheim-Stiftung, den Carnegie-Preis für Malerei, die Goldmedaillen der Generalitat de Catalunya und der Schönen Künste, und wurde von den Universitäten Harvard und Barcelona zum Doctor Honoris Causa ernannt. Seine Werke sind derzeit in der Stiftung Joan Miró in Barcelona, im Museum Thyssen-Bornemisza, im MoMA in New York, im Museum Reina Sofía in Madrid, in der National Gallery in Washington, im MNAM in Paris und in der Albright-Knox Art Gallery in Buffalo zu sehen.

Stima 1 500 - 2 000 EUR

Lotto 162 - TERÁN (Chile, 1974). "Hommage an Fontana". Öl auf Leinwand. Signiert unten rechts am Rand. Signiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 60 x 60 cm. Dieses Werk gehört zu einer Serie von sieben Gemälden, in denen Terán die ikonische, von Lucio Fontana verewigte Technik neu interpretiert. Allein mit dem Gemälde stellt Terán als Trompe l'oeil eine der bahnbrechendsten Aktionen der zeitgenössischen Kunst nach. Durch verschiedene Weißschattierungen und Variationen schafft er eine Bildserie, die sowohl als Ganzes als auch einzeln funktioniert. Im Katalog zur Ausstellung "Tribute to the Geniuses" heißt es: "Terán versucht, die Rückkehr der Malerei als symbolische Strategie zu postulieren. Seine Hommagen, die die Form von Pastiches annehmen, sind aber keine. Die Künstler, denen er Tribut zollt, werden von ihm bewundert (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla und Andy Warhol). Die Liste könnte nicht heterogener sein. Sie folgt keiner Reihenfolge. Er huldigt den Künstlern, die er bewundert, auch wenn sein eigenes Werk nichts mit ihnen zu tun hat. Die Heterogenität seiner Vorlieben ist offensichtlich und gibt E. Gombrich recht, für den es keine Kunst gibt, sondern nur Künstler. Dieser extreme Nominalismus führt dazu, dass er sowohl ästhetische Kategorien als auch Chronologien überspringt". Der in Spanien lebende chilenische Künstler Manuel Terán, der einen Abschluss in Bildender Kunst hat, hat sein Schaffen im Bereich der plastischen Kunst und der neuen, auf die Kunst angewandten Technologien entwickelt. Seit er 1995 auf dem Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes in Santiago de Chile bekannt wurde, hat er Einzelausstellungen durchgeführt und an Gruppenausstellungen und Messen in Lateinamerika und Europa teilgenommen. Er wurde mit Preisen wie dem der Real Academia de San Carlos de Valencia (2004) ausgezeichnet.

Stima 600 - 800 EUR

Lotto 163 - TERÁN (Chile, 1974). "Hommage an Fontana". Öl auf Leinwand. Signiert unten rechts am Rand. Signiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 60 x 60 cm. Dieses Werk gehört zu einer Serie von sieben Gemälden, in denen Terán die ikonische, von Lucio Fontana verewigte Technik neu interpretiert. Allein mit dem Gemälde stellt Terán als Trompe l'oeil eine der bahnbrechendsten Aktionen der zeitgenössischen Kunst nach. Durch verschiedene Weißschattierungen und Variationen schafft er eine Bildserie, die sowohl als Ganzes als auch einzeln funktioniert. Im Katalog zur Ausstellung "Tribute to the Geniuses" heißt es: "Terán versucht, die Rückkehr der Malerei als symbolische Strategie zu postulieren. Seine Hommagen, die die Form von Pastiches annehmen, sind aber keine. Die Künstler, denen er Tribut zollt, werden von ihm bewundert (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla und Andy Warhol). Die Liste könnte nicht heterogener sein. Sie folgt keiner Reihenfolge. Er huldigt den Künstlern, die er bewundert, auch wenn sein eigenes Werk nichts mit ihnen zu tun hat. Die Heterogenität seiner Vorlieben ist offensichtlich und gibt E. Gombrich recht, für den es keine Kunst gibt, sondern nur Künstler. Dieser extreme Nominalismus führt dazu, dass er sowohl ästhetische Kategorien als auch Chronologien überspringt". Der in Spanien lebende chilenische Künstler Manuel Terán, der einen Abschluss in Bildender Kunst hat, hat sein Schaffen im Bereich der plastischen Kunst und der neuen, auf die Kunst angewandten Technologien entwickelt. Seit er 1995 auf dem Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes in Santiago de Chile bekannt wurde, hat er Einzelausstellungen durchgeführt und an Gruppenausstellungen und Messen in Lateinamerika und Europa teilgenommen. Er wurde mit Preisen wie dem der Real Academia de San Carlos de Valencia (2004) ausgezeichnet.

Stima 600 - 800 EUR

Lotto 164 - TERÁN (Chile, 1974). "Hommage an Fontana". Öl auf Leinwand. Signiert unten rechts am Rand. Signiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 60 x 60 cm. Dieses Werk gehört zu einer Serie von sieben Gemälden, in denen Terán die ikonische, von Lucio Fontana verewigte Technik neu interpretiert. Allein mit dem Gemälde stellt Terán als Trompe l'oeil eine der bahnbrechendsten Aktionen der zeitgenössischen Kunst nach. Durch verschiedene Weißschattierungen und Variationen schafft er eine Bildserie, die sowohl als Ganzes als auch einzeln funktioniert. Im Katalog zur Ausstellung "Tribute to the Geniuses" heißt es: "Terán versucht, die Rückkehr der Malerei als symbolische Strategie zu postulieren. Seine Hommagen, die die Form von Pastiches annehmen, sind aber keine. Die Künstler, denen er Tribut zollt, werden von ihm bewundert (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla und Andy Warhol). Die Liste könnte nicht heterogener sein. Sie folgt keiner Reihenfolge. Er huldigt den Künstlern, die er bewundert, auch wenn sein eigenes Werk nichts mit ihnen zu tun hat. Die Heterogenität seiner Vorlieben ist offensichtlich und gibt E. Gombrich recht, für den es keine Kunst gibt, sondern nur Künstler. Dieser extreme Nominalismus führt dazu, dass er sowohl ästhetische Kategorien als auch Chronologien überspringt". Der in Spanien lebende chilenische Künstler Manuel Terán, der einen Abschluss in Bildender Kunst hat, hat sein Schaffen im Bereich der plastischen Kunst und der neuen, auf die Kunst angewandten Technologien entwickelt. Seit er 1995 auf dem Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes in Santiago de Chile bekannt wurde, hat er Einzelausstellungen durchgeführt und an Gruppenausstellungen und Messen in Lateinamerika und Europa teilgenommen. Er wurde mit Preisen wie dem der Real Academia de San Carlos de Valencia (2004) ausgezeichnet.

Stima 600 - 800 EUR

Lotto 165 - TERÁN (Chile, 1974). "Hommage an Fontana". Öl auf Leinwand. Signiert unten rechts am Rand. Signiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 60 x 60 cm. Dieses Werk gehört zu einer Serie von sieben Gemälden, in denen Terán die ikonische, von Lucio Fontana verewigte Technik neu interpretiert. Allein mit dem Gemälde stellt Terán als Trompe l'oeil eine der bahnbrechendsten Aktionen der zeitgenössischen Kunst nach. Durch verschiedene Weißschattierungen und Variationen schafft er eine Bildserie, die sowohl als Ganzes als auch einzeln funktioniert. Im Katalog zur Ausstellung "Tribute to the Geniuses" heißt es: "Terán versucht, die Rückkehr der Malerei als symbolische Strategie zu postulieren. Seine Hommagen, die die Form von Pastiches annehmen, sind aber keine. Die Künstler, denen er Tribut zollt, werden von ihm bewundert (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla und Andy Warhol). Die Liste könnte nicht heterogener sein. Sie folgt keiner Reihenfolge. Er huldigt den Künstlern, die er bewundert, auch wenn sein eigenes Werk nichts mit ihnen zu tun hat. Die Heterogenität seiner Vorlieben ist offensichtlich und gibt E. Gombrich recht, für den es keine Kunst gibt, sondern nur Künstler. Dieser extreme Nominalismus führt dazu, dass er sowohl ästhetische Kategorien als auch Chronologien überspringt". Der in Spanien lebende chilenische Künstler Manuel Terán, der einen Abschluss in Bildender Kunst hat, hat sein Schaffen im Bereich der plastischen Kunst und der neuen, auf die Kunst angewandten Technologien entwickelt. Seit er 1995 auf dem Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes in Santiago de Chile bekannt wurde, hat er Einzelausstellungen durchgeführt und an Gruppenausstellungen und Messen in Lateinamerika und Europa teilgenommen. Er wurde mit Preisen wie dem der Real Academia de San Carlos de Valencia (2004) ausgezeichnet.

Stima 600 - 800 EUR

Lotto 166 - TERÁN (Chile, 1974). "Hommage an Fontana". Öl auf Leinwand. Signiert unten rechts am Rand. Signiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 60 x 60 cm. Dieses Werk gehört zu einer Serie von sieben Gemälden, in denen Terán die ikonische, von Lucio Fontana verewigte Technik neu interpretiert. Allein mit dem Gemälde stellt Terán als Trompe l'oeil eine der bahnbrechendsten Aktionen der zeitgenössischen Kunst nach. Durch verschiedene Weißschattierungen und Variationen schafft er eine Bildserie, die sowohl als Ganzes als auch einzeln funktioniert. Im Katalog zur Ausstellung "Tribute to the Geniuses" heißt es: "Terán versucht, die Rückkehr der Malerei als symbolische Strategie zu postulieren. Seine Hommagen, die die Form von Pastiches annehmen, sind aber keine. Die Künstler, denen er Tribut zollt, werden von ihm bewundert (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla und Andy Warhol). Die Liste könnte nicht heterogener sein. Sie folgt keiner Reihenfolge. Er huldigt den Künstlern, die er bewundert, auch wenn sein eigenes Werk nichts mit ihnen zu tun hat. Die Heterogenität seiner Vorlieben ist offensichtlich und gibt E. Gombrich recht, für den es keine Kunst gibt, sondern nur Künstler. Dieser extreme Nominalismus führt dazu, dass er sowohl ästhetische Kategorien als auch Chronologien überspringt". Der in Spanien lebende chilenische Künstler Manuel Terán, der einen Abschluss in Bildender Kunst hat, hat sein Schaffen im Bereich der plastischen Kunst und der neuen, auf die Kunst angewandten Technologien entwickelt. Seit er 1995 auf dem Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes in Santiago de Chile bekannt wurde, hat er Einzelausstellungen durchgeführt und an Gruppenausstellungen und Messen in Lateinamerika und Europa teilgenommen. Er wurde mit Preisen wie dem der Real Academia de San Carlos de Valencia (2004) ausgezeichnet.

Stima 600 - 800 EUR

Lotto 167 - TERÁN (Chile, 1974). "Hommage an Fontana". Öl auf Leinwand. Signiert unten rechts am Rand. Signiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 60 x 60 cm. Dieses Werk gehört zu einer Serie von sieben Gemälden, in denen Terán die ikonische, von Lucio Fontana verewigte Technik neu interpretiert. Allein mit dem Gemälde stellt Terán als Trompe l'oeil eine der bahnbrechendsten Aktionen der zeitgenössischen Kunst nach. Durch verschiedene Weißschattierungen und Variationen schafft er eine Bildserie, die sowohl als Ganzes als auch einzeln funktioniert. Im Katalog zur Ausstellung "Tribute to the Geniuses" heißt es: "Terán versucht, die Rückkehr der Malerei als symbolische Strategie zu postulieren. Seine Hommagen, die die Form von Pastiches annehmen, sind aber keine. Die Künstler, denen er Tribut zollt, werden von ihm bewundert (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla und Andy Warhol). Die Liste könnte nicht heterogener sein. Sie folgt keiner Reihenfolge. Er huldigt den Künstlern, die er bewundert, auch wenn sein eigenes Werk nichts mit ihnen zu tun hat. Die Heterogenität seiner Vorlieben ist offensichtlich und gibt E. Gombrich recht, für den es keine Kunst gibt, sondern nur Künstler. Dieser extreme Nominalismus führt dazu, dass er sowohl ästhetische Kategorien als auch Chronologien überspringt". Der in Spanien lebende chilenische Künstler Manuel Terán, der einen Abschluss in Bildender Kunst hat, hat sein Schaffen im Bereich der plastischen Kunst und der neuen, auf die Kunst angewandten Technologien entwickelt. Seit er 1995 auf dem Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes in Santiago de Chile bekannt wurde, hat er Einzelausstellungen durchgeführt und an Gruppenausstellungen und Messen in Lateinamerika und Europa teilgenommen. Er wurde mit Preisen wie dem der Real Academia de San Carlos de Valencia (2004) ausgezeichnet.

Stima 600 - 800 EUR

Lotto 168 - TERÁN (Chile, 1974). "Hommage an Fontana". Öl auf Leinwand. Signiert unten rechts am Rand. Signiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 162 x 130 cm. Dieses Werk gehört zu einer Serie von sieben Gemälden, in denen Terán die ikonische, von Lucio Fontana verewigte Technik neu interpretiert. Allein mit dem Gemälde stellt Terán als Trompe l'oeil eine der bahnbrechendsten Aktionen der zeitgenössischen Kunst nach. Durch verschiedene Weißschattierungen und Variationen schafft er eine Bildserie, die sowohl als Ganzes als auch einzeln funktioniert. Im Katalog zur Ausstellung "Tribute to the Geniuses" heißt es: "Terán versucht, die Rückkehr der Malerei als symbolische Strategie zu postulieren. Seine Hommagen, die die Form von Pastiches annehmen, sind aber keine. Die Künstler, denen er Tribut zollt, werden von ihm bewundert (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla und Andy Warhol). Die Liste könnte nicht heterogener sein. Sie folgt keiner Reihenfolge. Er huldigt den Künstlern, die er bewundert, auch wenn sein eigenes Werk nichts mit ihnen zu tun hat. Die Heterogenität seiner Vorlieben ist offensichtlich und gibt E. Gombrich recht, für den es keine Kunst gibt, sondern nur Künstler. Dieser extreme Nominalismus führt dazu, dass er sowohl ästhetische Kategorien als auch Chronologien überspringt". Der in Spanien lebende chilenische Künstler Manuel Terán, der einen Abschluss in Bildender Kunst hat, hat sein Schaffen im Bereich der plastischen Kunst und der neuen, auf die Kunst angewandten Technologien entwickelt. Seit er 1995 auf dem Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes in Santiago de Chile bekannt wurde, hat er Einzelausstellungen durchgeführt und an Gruppenausstellungen und Messen in Lateinamerika und Europa teilgenommen. Er wurde mit Preisen wie dem der Real Academia de San Carlos de Valencia (2004) ausgezeichnet.

Stima 1 600 - 1 800 EUR
La sicurezza
I pagamenti online sono protetti da Ingenico e le transazioni sono criptate.
Le garanzie
Ogni lotto è stato autentificato e sottoposto a perizia da una Casa d’aste.
Assistenza
Consulta l'aiuto o contattaci
Casa d'aste mitica, Drouot è la più grande casa d'aste in Francia. Aperta a tutti, l'istituzione è il luogo ideale per gli amanti dell'arte e della design. La piattaforma di aste online drouot.com vi permette di fare offerte a distanza, in qualsiasi luogo vi troviate, e di accedere al più grande catalogo di arte e oggetti decorativi dell'Europa continentale.
Il gruppo Drouot
CASE D'ASTA CERTIFICATE DROUOT
Per acquistare
Come acquistare su drouot.com
Come acquistare all'hotel Drouot
Il lessico delle aste
Collegamenti utili
Per vendere
Faccia valutare il suo bene
Vendite all'Hotel Drouot
Iscriviti
SERVIZI PER I PROFESSIONISTI
Venditori all'asta
Contatti
HÔTEL DROUOT
9, rue Drouot 75009 Paris, France
+33 (0)1 48 00 20 00
[email protected]

DROUOT.com
[email protected]
Area stampa
Visite e privatizzazioni
CGU e avvertenze legali - Policy di riservatezza - Copyright © Drouot.it