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Dipinti impressionisti e moderni

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mar 10 set

JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN (Barcellona, 1931 - 2005). Senza titolo, 1956. Olio su carta incollata su tavola. Firmato, datato e dedicato nell'angolo superiore sinistro. Misure: 50 x 64 cm; 81 x 97 cm (cornice). Questo olio su carta appartiene a una fase iniziale dell'artista interessata alla semplificazione formale, influenzata sia dall'espressionismo d'avanguardia che dall'arte romanica. Joan Hernández Pijuan inizia la sua formazione a Barcellona, frequentando le Scuole di Belle Arti La Lonja e Sant Jordi, prima di completare gli studi alla Scuola di Belle Arti di Parigi. Nominato professore alla Facoltà di Belle Arti di Barcellona nel 1981, Hernández Pijuan occupa una posizione unica tra gli artisti spagnoli degli ultimi decenni. La forza della sua individualità creativa lo colloca ai margini delle successive tendenze e mode dominanti, ma non impedisce di riconoscere nel suo lavoro una profonda identificazione con le preoccupazioni estetiche del suo tempo. Hernández Pijuan inizia la sua carriera praticando un espressionismo tragico con una forte carica sociale e in questo periodo forma, insieme agli altri membri del Gruppo Sílex, la cosiddetta Scuola di Barcellona. Negli anni Settanta semplifica la sua espressione fino ad adottare una figurazione geometrica, stile che abbandona nel decennio successivo per dedicarsi all'informale. In realtà, l'interesse e il fascino per la carriera di questo pittore continuano ad essere più forti che mai, e sono oggetto di nuove mostre ed esposizioni pubbliche delle sue opere. Durante la sua vita ha tenuto mostre personali in diverse città spagnole, oltre che a Zurigo, Milano, Johannesburg, Colonia, Ginevra, New York, Parigi e Osaka, tra le altre città del mondo, e nel 2003 è stato protagonista di una grande retrospettiva al MACBA di Barcellona, successivamente esposta al Musée d'Art et Histoire de Neuchatel (Francia), alla Konsthalle de Malmö (Svezia) e alla Galleria Comunale d'Arte Moderna di Bologna (Italia). Anche dopo la sua morte il suo lavoro ha continuato a essere esposto a livello internazionale, come dimostrano le mostre dedicate alla sua opera tenutesi alla Flowers Gallery di Londra (2006), agli Istituti Cervantes di New York, Chicago e Lisbona (2007), al Museo de Arte Abstracto Español di Cuenca (2008), alla Galleria Andres Thalmann di Zurigo (2009), al Baukunst di Colonia (2010), all'Altana Kulturstiftung di Bad Homburg (Germania, 2011) e al Museo d'Arte Moderna di Mosca (2012), tra le tante. Hernández Pijuan è stato preside della Facoltà di Belle Arti dell'Università di Barcellona e nel 2000 è stato nominato membro della Real Academia de San Fernando di Madrid. Nel 1981 ha ricevuto il Premio Nacional de Artes Plásticas, nel 1985 la Cruz de Sant Jordi e, nel 2004, il Premio della Città di Barcellona. È stato inoltre insignito del Premio della Direzione Generale delle Belle Arti all'Esposizione Nazionale di Alicante nel 1957, del Primo Premio di Pittura "Peintres Residents" a Parigi (1958), del Premio "Malibor" alla Biennale di Incisione di Lubiana (1965), della Biennale Internazionale di Incisione di Cracovia (1966) e del Premio editoriale "Vijesnik u Srijedu" a Zagabria (1970). Hernández Pijuán è presente al MACBA, al Museo d'Arte Astratta Spagnola di Cuenca, al Reina Sofía di Madrid, al Museo Patio Herreriano di Valladolid e al Museo Basco d'Arte Contemporanea, oltre che in centri esteri come il Guggenheim Museum di New York, il Liaunig (Austria), il Museo d'Arte Contemporanea di Helsinki, il Museo di Belle Arti di Helsinki in Finlandia, il Museo d'Arte Contemporanea di Helsinki in Finlandia, il Museo di Belle Arti di Helsinki in Finlandia e il Museo d'Arte Contemporanea di Helsinki in Finlandia, quelli d'Arte Contemporanea di Helsinki e Lussemburgo, la Kulturstiftung di Bad Homburg (Austria), la Galleria Yamaguchi di Osaka (Giappone), il Palazzo delle Belle Arti di Bruxelles, la Galleria Nazionale di Montreal, il Museo d'Arte Moderna di Buenos Aires e il Museo Sztuki di Lodz (Polonia).

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

mar 10 set

JAVIER MARISCAL (Almazora, Castellón, 1950). Palo Alto, Barcellona. Maggio 2006. Olio su tela. Firmato e datato sul margine destro; firmato, localizzato e datato sul retro. Provenienza: collezione privata Misure: 180 x 160 cm. La maestria di Javier Mariscal nel comporre scene animate, folle illuminate dalla magia della notte, non ha concorrenti. Con uno stile spensierato dispone i personaggi di questa tela in modo apparentemente casuale, ma sotto l'apparente caos di riflettori, brindisi, sorrisi, corpi e tavoli c'è un rigore compositivo frutto di autentiche doti. Mariscal si abbevera ai fumetti, ma trasforma il fumetto in un'incursione sociologica e plastica. Riconosciamo la sua firma in ognuno dei suoi personaggi, quei volti sintetici e alcuni di essi leggermente canini, che ricordano una delle mascotte più famose degli ultimi decenni. Javier Mariscal, noto designer industriale, disegnatore e fumettista, vive e lavora a Barcellona dal 1970. Ha studiato design alla Scuola Elisava di Barcellona, ma ha presto abbandonato gli studi per imparare direttamente da ciò che lo circondava e seguire i propri impulsi creativi. Inizia la sua carriera nel mondo del fumetto underground in pubblicazioni come "El Rrollo Enmascarado" o "Star", insieme a Farry, Nazario e Pepichek. Dopo aver realizzato i suoi primi fumetti a metà degli anni Settanta, nel 1979 disegna il logo del Bar Cel Ona, opera per la quale inizia a farsi conoscere dal grande pubblico. L'anno successivo apre a Valencia il Dúplex, il primo bar firmato da Mariscal insieme a Fernando Salas, per il quale disegna uno dei suoi pezzi più famosi, lo sgabello Dúplex, vera e propria icona del design degli anni Ottanta sia all'interno che all'esterno dei nostri confini. Nel 1981 la sua attività di designer di mobili lo porta a partecipare alla mostra del Gruppo Memphis a Milano. Nel 1987 espone al Centro Georges Pompidou di Parigi e partecipa alla Documenta di Kassel. Due anni dopo il suo disegno Cobi viene scelto come mascotte per i Giochi Olimpici di Barcellona del 1992, inizialmente controverso ma oggi riconosciuto come la mascotte più redditizia nella storia dei Giochi moderni. Nel 1989 crea l'Estudio Mariscal e collabora a diversi progetti con designer e architetti come Arata Isozaki, Alfredo Arribas, Fernando Salas, Fernando Amat e Pepe Cortés. Tra i suoi lavori più importanti ci sono le identità visive per il Partito Socialista Svedese, la stazione radio Onda Cero, lo Zoo di Barcellona, l'Università di Valencia, il centro di design e architettura Lighthouse di Glasgow, il centro culturale GranShip in Giappone e la società di post-produzione londinese Framestore. Nel 1999 ha ricevuto il Premio Nazionale di Design, assegnato dal Ministero dell'Industria spagnolo e dalla Fondazione BCD come riconoscimento per la sua intera carriera professionale.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

mar 10 set

ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "Composizione rossa e nera", 1962 circa. Olio e gouache su carta litografata montata su tela. In allegato un certificato rilasciato dall'Archivio Antoni Clavé. L'opera è registrata presso gli Archivi Antoni Clavé, Parigi. N. : 62TMPMT18. Firmato in basso a destra. Dimensioni: 57 x 77 cm; 67 x 87 cm (cornice). Su uno sfondo scuro l'intensità del rosso risalta, raggiungendo un contrasto di colori che dona vivacità alla composizione e risveglia lo sguardo dello spettatore. Attraverso il gioco tra il rosso e il nero, risorsa spesso utilizzata da Antoni Clave, l'artista dispiega un insieme di elementi, apparentemente casuali, che si uniscono per formare una composizione barocca. Antoni Clavé è una delle figure più importanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Scuola di Belle Arti San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica inizialmente alla grafica pubblicitaria, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla guerra civile, unendosi alle file repubblicane, cosa che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. A partire da questo periodo, Clavé inizia a sviluppare un lavoro caratterizzato da uno stile diverso, meno classico. In questo periodo le sue figure perdono gradualmente la loro precisione e la loro forma, per lasciare il posto alle linee e a una personale gamma di colori e texture che diventeranno le caratteristiche principali delle sue opere da quel momento in poi. L'artista godeva già di un grande prestigio internazionale quando iniziò a essere riconosciuto in Spagna, dopo la sua mostra alla Sala Gaspar di Barcellona nel 1956. Negli anni Sessanta rende omaggio a El Greco e la sua pittura in questo periodo rivela le influenze di questo maestro, oltre a quelle dei pittori barocchi. Il tema del cavaliere con la mano sul petto assume una rilevanza particolare, un riferimento che si ripeterà nelle opere future di Clavé. Questo periodo è caratterizzato dal passaggio definitivo all'astrazione. Negli anni Settanta l'opera di Clavé continua a evolversi, utilizzando varie tecniche come il collage e inventandone di nuove come il "papier froissé", frutto di un uso casuale di aerosol su carta stropicciata. Nel 1978 il Musée National d'Art Moderne di Parigi, oggi Centre Georges Pompidou, gli ha dedicato una retrospettiva che lo ha reso uno degli artisti più prestigiosi della sua generazione. Le sue ultime opere sono caratterizzate dalla ricreazione di texture all'interno dell'astrazione, con un uso abbondante di papier froissé. È stato premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo di Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi e Tokyo, al British Museum e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Estim. 12 000 - 13 000 EUR

mar 10 set

FERNANDO GARCIA PONCE (Mérida, Yucatán, 1933 - Città del Messico, 1987) Senza titolo. Olio e collage su tela. Misure: 76 x 115 cm. Provenienza: Collezione Maria Lluisa Borrás, Barcellona. Fernando García Ponce appartiene alla generazione della fine degli anni Cinquanta chiamata "Generazione della Rottura", poiché la sua proposta segna una distanza totale con la cosiddetta Scuola messicana. Così, espressioni come il geometrismo, l'astrazione, l'informale, il neofigurativo, che negli anni '60 erano espressioni artistiche quasi proibite, iniziarono a dominare la scena artistica. Nasce il 25 agosto 1933 a Merida, nello Yucatan. All'età di 11 anni la sua famiglia si trasferisce nella capitale del Paese. Nel 1952 entra all'Università Nazionale Autonoma del Messico per studiare architettura; frequenta anche l'atelier del pittore valenciano Enrique Climent, che riconosce il suo talento e, pur non dedicandosi all'insegnamento, decide di diventare suo maestro. I suoi primi dipinti risalgono al 1954, sono ritratti di famiglia, tuttavia, due anni dopo, la geometria aumenta notevolmente nelle sue opere. Nel 1957 compie diversi viaggi in Europa e decide di lasciare l'architettura per dedicarsi completamente alla pittura. La sua prima mostra individuale è alla Galería de Arte Mexicano (1959), con 26 dipinti a olio di nature morte; nel 1960 realizza una composizione astratta intitolata No. 1, uno spartiacque che segna definitivamente la sua opera. Con una serie di collage riceve una menzione d'onore al Salón de la Plástica Mexicana. Negli anni Sessanta nasce il termine Ruptura, che definisce un gruppo generazionale di artisti, a cui Fernando García Ponce appartiene e che segna la nuova pittura messicana. García Ponce partecipa nuovamente alla Galería de Arte Mexicano e alla Colectiva de Pintura Contemporánea de México y América del Sur (1961). Due anni dopo la sua pittura è già totalmente astratta ed espone 14 opere alla Galleria Juan Martin. Partecipa anche alla Colectiva de Arte Actual de América y España, che si tiene a Madrid. Nel 1974 la sua pittura rivela la volontà di sintetizzare il freddo ordine geometrico. Nell'estate del 1976 García Ponce si reca a Parigi con la moglie Denise e il figlio Esteban, poi trascorre una stagione a Barcellona, dove realizza due cartelle grafiche contenenti 10 serigrafie e 12 litografie. Al suo ritorno in Messico, il Museo d'Arte Moderna (1978) organizza una grande mostra di 40 opere realizzate tra il 1977 e il 1978. Un anno dopo questo evento, la moglie Denise muore tragicamente, ma Garcia Ponce rimane concentrato e la sua creatività rimane intatta; la pittura di quegli anni è potente ed estremamente ispirata. Presenta regolarmente la sua mostra annuale alla Ponce Gallery e partecipa a mostre collettive presso la Casa de las Americas (Cuba), il Museo Picasso (Antibes, Francia), le Jornadas Culturales de Colombia, il Carnegie Institute di Pittsburg (USA) e il National Art Center di Ottawa (Canada), tra gli altri. A 54 anni, considerato uno dei più importanti artisti delle arti plastiche nazionali, García Ponce è morto nel suo studio (11 luglio 1987) per un infarto miocardico.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR
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