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9 septembre - Design : Meubles d'avant-garde

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Lot 2 - OSVALDO BORSANI (Varedo 1911- Milan 1985) pour Tecno. Chaise-longue P40, design 1955. Structure en métal noir, revêtement d'origine en tissu rouge. Détails et poignées en laiton. Avec le logo Tecno. Dimensions : 90 x 70 x 129 cm ; 40 cm (hauteur du siège). Le fauteuil P40, polyvalent et confortable, a été conçu par Osvaldo Borsani en 1955 pour Tecno. Il offre une multitude de commodités : le fauteuil peut être réglé dans plus de 400 positions ; le dossier peut être incliné à différents angles, l'appui-tête se déplace vers le haut et vers le bas, les accoudoirs en caoutchouc souple peuvent être pliés, et le fauteuil est doté d'un repose-jambes pliant avec un repose-pieds en métal extensible. Formé dès son plus jeune âge dans l'entreprise familiale de meubles, Osvaldo Borsani a participé en 1933 à la Vème Triennale de Milan, avec le projet "Minimal House", qui a reçu la médaille d'argent. Après avoir obtenu son diplôme à l'école polytechnique de Milan, il rencontre et collabore avec d'importants artistes tels que Lucio Fontana, Agenore Fabbri, Aligi Sassu, Roberto Crippa, Fausto Melotti et Arnaldo Pomodoro. En 1953, il fonde avec son frère Fulgencio la société Tecno, un projet auquel il consacrera toute sa vie. Ses premiers travaux de design industriel sont le fauteuil à inclinaison variable P40 (1953) et le canapé à assise inversable D70. En 1968, il crée le système de bureau Graphis (avec Eugenio Gerli, distribué dans le monde entier à un million d'exemplaires), grâce auquel Tecno devient un fabricant de produits d'aménagement de bureau de renommée internationale. À la fin des années soixante, Osvaldo Borsani crée le Tecno Project Center avec Marco Fantoni et Valeria Borsani.

Estim. 4 500 - 4 700 EUR

Lot 3 - HARRY BERTOIA (Italie, 1915 - USA, 1978) pour Knoll. Paire de chaises "Diamond". Piétement chromé et revêtement en tissu. En bon état. Avec le cachet Knoll gravé. Dimensions : 75 x 85 x 75 cm. La structure de la chaise Diamond est ajourée, ce qui lui confère une esthétique légère et aérienne. L'assise présente des côtés légèrement relevés qui complètent les lignes légèrement pointues du dossier, créant ainsi la forme d'un diamant. Les pieds métalliques élancés contribuent à l'aspect minimaliste de la chaise. Peintre, graphiste, sculpteur, professeur d'université et designer de meubles, Harry Bertoia émigre aux États-Unis à l'âge de quinze ans et c'est là qu'il développe sa formation et sa carrière. Il étudie à la Detroit Society of Arts and Crafts, puis à la Cranbrook Academy of Art de Bloomfield, dans le Michigan, où il devient professeur et crée le département de métallurgie. Au cours de ces années, il commence à expérimenter les formes de la bijouterie et à explorer des idées qui émergeront plus tard dans sa sculpture et ses créations. En 1943, il commence à collaborer avec le designer Charles Eames, avec qui il travaille jusqu'en 1946. Après avoir travaillé pour Point Loma Navel Electronics en tant que créateur de manuels d'équipement, il rejoint Hans Knoll en 1949 au sein de Knoll Associates. Sa première exposition de sculptures a eu lieu au Knoll Showroom de New York en 1951, et l'année suivante, Knoll a fait breveter sa création de mobilier la plus célèbre, la chaise "Diamond" à tige soudée. Les créations de Bertoia font aujourd'hui partie des collections des principaux musées de design et d'art contemporain, dont le MoMA de New York et bien d'autres.

Estim. 3 000 - 3 200 EUR

Lot 6 - VLADIMIR KAGAN (Worms, 1927-Floride, 2016). Ensemble de quatre chaises modèle VK 101A, années 1950. Dossier en cuir. Avec des signes mineurs d'utilisation mais en très bon état. Dimensions : 63 x 62 x 95 cm ; 45 cm (hauteur du siège). Ces chaises à la structure élégamment cintrée sont dotées d'un dossier en cuir qui s'étend du haut du rail du dossier jusqu'à l'assise en cuir rembourrée. Le léger angle des pieds vers l'arrière et l'élégante sculpture de l'assise et de l'accoudoir accentuent à la fois le confort et le style de design "less is more" propre à Kagan. Bien que d'origine allemande, Vladimir Kagan a grandi aux États-Unis. Il a étudié l'architecture à l'université de Columbia avant de rejoindre l'atelier de menuiserie new-yorkais de son père, le maître ébéniste et collectionneur d'art Illi Kagan. Entre 1950 et 1960, Kagan s'associe au designer textile et imprimeur Hugo Dreyfuss. Les meubles résolument modernes et sculpturaux de Kagan connaissent rapidement le succès. Parmi ses projets, citons les salons de cocktail destinés aux délégués du premier siège des Nations unies à Lake Success, New York (1947-48), le canapé Serpentine (1949) et l'emblématique collection de sièges Omnibus (c. 1970), entre autres. De 1990 à 1992, il a été président de la section new-yorkaise de l'American Society of Interior Designers (ASID). En 1998, il a réintroduit certaines de ses créations classiques à l'International Contemporary Furniture Fair (ICFF) de New York, relançant ainsi officiellement sa carrière. En 2008, il a lancé la collection Vladimir Kagan Couture, qui comprend une sélection de modèles des années 1950 au XXIe siècle. En 2015, Kagan a conçu une collection de meubles d'art en édition limitée pour Carpenters Workshop. Les œuvres du designer font partie de nombreuses collections privées et publiques, notamment le Vitra Design Museum à Weil am Rhein, en Allemagne, le Metropolitan Museum of Art à New York, Die Neue Sammlung à Munich, le San Francisco Museum of Modern Art et le Victoria and Albert Museum à Londres, entre autres. En 1980, le Fashion Institute of Technology de New York a rendu hommage à Kagan en lui consacrant une exposition rétrospective de trente ans : Vladimir Kagan : Trois décennies de design. En 2002, le Brooklyn Museum of Art lui a décerné un prix pour l'ensemble de sa carrière ; en 2001, le Pinnacle Award de l'American Society of Furniture Designers ; et en 2000, le Lifetime Achievement Award de l'American Society of Furniture Designers.

Estim. 18 000 - 20 000 EUR

Lot 8 - ILMARI TAPIOVAARA (Finlande, 1914-1999) pour La Permanente Mobili Cantù. Ensemble de quatre chaises. Bois de hêtre foncé et cuir cognac. En bon état avec des signes d'utilisation et d'âge. Dimensions : 48 x 60 x 92 cm. Ces chaises robustes d'Ilmari Tapiovaara présentent des structures géométriques marquées pour l'assise et le dossier. Les joints sont très visibles, ce qui renforce leur caractère artisanal. Ilmari Tapiovaara a été un pionnier du nouveau design apparu après la Seconde Guerre mondiale, qui a cessé d'être un luxe culturel pour s'étendre à l'ensemble de la société. Il a étudié à l'École des arts appliqués d'Helsinki, où il est entré en contact avec le fonctionnalisme, les créations de meubles d'Alvar Aalto et le mouvement moderne. Plus tard, son stage dans l'atelier de Le Corbusier a complété sa formation. Le contact étroit avec la nature qu'il a connu dans sa jeunesse a également influencé son orientation : "La nature est le meilleur et le plus proche manuel pour le designer industriel. Tapiovaara a dû faire face aux nouveaux défis pragmatiques posés par le design industriel moderne : assemblage de pièces sérialisées, emballage rationnel pour le transport et l'exportation, solidité, ergonomie et exploration des techniques et des matériaux. Il en résulte des créations ironiques et convaincantes, qui font subtilement allusion à la tradition tout en étant transgressives et intemporelles, à la recherche d'une poétique de la forme. Ilmari Tapiovaara est mort après avoir jeté les bases du développement du design industriel naissant. Tapiovaara se caractérise par l'exploration de son œuvre à travers la multiplicité : pour chaque pièce importante, il crée de nombreuses versions et rééditions multiformes. C'est le cas de pièces telles que la chaise Fanett-Mademoiselle (1957), la célèbre chaise Domus (bouleau massif et contreplaqué laqué), créée en 1946 pour faire partie du mobilier de la résidence d'étudiants Domus Académica, produite plus tard par Knoll sous le nom de FinnChair et dont de multiples versions ont été réalisées au fil des décennies, ou la table Trienna (1954) ; la chaise Lukki, faite d'acier tubulaire courbé et de contreplaqué, empilable dans différentes versions en 1954 et 1956 ; les couverts Otto (1986), ou la lampe Maija Mehiläinen pour Asko (1957), publiée plus tard par Santa & Cole.Ses projets de décoration intérieure en Finlande, aux États-Unis et en Europe, tels que la banque OKO à Helsinki, les salles d'exposition Olivetti, l'hôtel Intercontinental, etc. Tapiovaara a également consacré une partie de sa carrière professionnelle à l'enseignement (aux États-Unis et en Finlande). Il estimait qu'il fallait enseigner la philosophie aux designers, car sans idées, il n'y a pas de design, et il était d'avis que "Léonard était le plus célèbre et peut-être le meilleur designer de produits de l'histoire".

Estim. 3 200 - 3 400 EUR

Lot 17 - ÖRNI HALLOWEEN ; ERNESTO GISMONDI (Italie, 1931) pour Artemide. Suspension Minosse. Métal laqué blanc à l'intérieur et rouge à l'extérieur. Système de suspension qui permet de l'orienter dans différentes directions. Excellent état, sans utilisation antérieure. Dimensions : 20 x 80 x 80 cm. Örni Halloween est le pseudonyme utilisé par Ernesto Gismondi de 1974 au milieu des années 1990 pour signer ses premiers projets de lampes et de meubles pour Artemide, préférant séparer sa propre figure d'entrepreneur de celle de designer, afin de développer simultanément ces deux activités et de pouvoir s'exprimer librement dans ses créations. L'ingénieur et designer industriel italien Ernesto Gismondi a étudié les sciences aéronautiques et aérospatiales à Milan et à Rome. Après avoir obtenu son diplôme en 1959, il a fondé la société Artemide, spécialisée dans la production de luminaires, avec Sergio Mazza. À partir de 1970, Gismondi a conçu de nombreuses lampes publiées par Artemide, telles que la "Tholos" (1979), la "Zen" (1988) et la "Tebe". Il a également participé activement aux tendances progressistes du design italien, en parrainant et en présidant le groupe Memphis et en étant vice-président de l'ADI (Association of Intrustial Design). Il est également membre du conseil de la Triennale de Milan, parmi d'autres postes et fonctions liés à divers aspects du design. Son travail est actuellement représenté dans plusieurs musées consacrés au design industriel.

Estim. 1 100 - 1 200 EUR

Lot 18 - ALFRED ARRIBAS (Barcelone, 1954) pour Carlos Jané. Ensemble de 6 chaises, années 1980. Bois. En très bon état avec une belle patine. Dimensions : 97 x 40 x 50 cm. Ensemble de chaises postmodernes conçues par Alfredo Arribas et produites par l'éditeur catalan Carlos Jané dans les années 80, qui a produit d'autres modèles mythiques tels que la chaise Varius d'Oscar Tusquets. L'entreprise a commencé son activité en 1970 en fabriquant deux lignes de produits différentes : des berceaux et des chaises pour la maison et les installations, en mettant l'accent sur des valeurs telles que la qualité et le design. Alfred Arribas est architecte et designer. Il a étudié à l'Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelone. Il a enseigné dans cette même école et à l'école de design Elisava de 1979 à 1990. En 1986, il a fondé avec Miguel Morte le cabinet Alfredo Arribas Asociados, qui se consacre à l'architecture et à la décoration d'intérieur. Dans ses projets, il a collaboré avec des designers tels que Javier Mariscal et Eduard Samsó, entre autres. Il a été président de l'ARQ-INFAD (1982-1983) et vice-président du Fomento de las Artes y el Diseño (1986-1989), dont il a reçu la médaille en 1990. Son travail a été publié dans de nombreuses revues d'architecture et de design et a reçu plusieurs prix FAD. Parmi ses œuvres figurent le Velvet Bar de Barcelone et l'Aquarium de Nagasaki (Japon). Parmi ses créations les plus représentatives figurent les fauteuils Greystoke (1990) et Pila (1995).

Estim. 3 000 - 3 200 EUR

Lot 24 - JULES WABBES (Belgique, 1919-1974). Table basse, années 1960. Bronze et verre. Elle présente une légère usure due à l'usage et à l'âge. Dimensions : 43 x 120 cm (avec verre) ; 40 x 79 cm (sans verre). Tout au long de sa vie, Wabbes a manifesté un grand intérêt pour l'art et le design. Il a étudié l'architecture à l'Académie des beaux-arts de Bruxelles et a obtenu son diplôme en 1943. Cependant, après avoir terminé ses études, l'artiste a décidé de se concentrer sur le design de meubles et d'objets, laissant de côté l'architecture. À ses débuts, Jules Wabbes travaille comme architecte d'intérieur et décorateur de théâtre. Mais, dans les années 1950, il commence à se distinguer dans la conception de meubles et d'éclairages, en créant des pièces de grande qualité et d'une grande beauté esthétique. Ses créations, caractérisées par des lignes épurées et fonctionnelles, étaient très populaires tant en Belgique qu'à l'étranger. Wabbes met à profit sa capacité à travailler des bois nobles et d'autres matériaux de haute qualité, ce qui lui permet de créer des meubles et des lampes qui allient élégance et fonctionnalité. Ses créations sont intemporelles et s'adaptent parfaitement à différents styles et espaces. Tout au long de sa carrière, Jules Wabbes a également eu l'occasion de travailler sur plusieurs projets de grande envergure, tels que la création de meubles pour les ambassades belges dans différents pays et pour plusieurs bâtiments emblématiques en Belgique. Malgré son succès et sa reconnaissance dans le monde du design, Wabbes est resté discret et était connu pour son humilité et son dévouement à son travail. Il est décédé le 10 mai 1974, laissant un héritage important dans le domaine du mobilier et de l'éclairage, et restant dans les mémoires comme l'un des grands maîtres du design belge.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 25 - PIERRE JEANNERET (Genève, 1896-1967). Chaise-boîte ou modèle PJ-SI-53A, 1960. Structure en teck indien massif. Assise et dossier en cannage. Numérotée. Dimensions : 75 x 51 x 51 cm. La chaise Box était également connue sous le nom de "chaise de bureau avec assise et dossier en canne" lorsqu'elle faisait partie du mobilier de l'université Panjab à Chandigarh vers 1960. Son nom est dû au fait que ce modèle se distingue par un ensemble de pieds asymétriques en forme de double boîte qui servent également d'accoudoirs et de piétements. Il convient de noter que le dossier est légèrement incliné et incurvé et qu'il est séparé de l'assise. Né à Genève en 1896, Pierre Jeanneret a étudié à l'Ecole des Beaux-Arts. En 1922, il commence à travailler dans son nouvel atelier de la rue de Sèvres, à Paris, avec son cousin, le designer Le Corbusier, avec lequel il partage des projets de recherche et des critères de conception grâce à une profonde relation professionnelle. En octobre 1927, ils décident d'intégrer à leur projet une jeune architecte qui commence déjà à se faire un nom sur la scène architecturale de l'époque : Charlotte Perriand : Charlotte Perriand. La collaboration des trois personnalités durera jusqu'en 1937 et sera extrêmement fructueuse, notamment dans le domaine de la création de meubles. Il s'agit d'une coopération très importante, tant du point de vue de l'intérêt culturel de leurs réalisations que du point de vue de la réussite professionnelle. C'est avec Charlotte Perriand qu'ils s'attaquent au projet novateur de "l'équipement de la maison", dont le résultat est d'une grande valeur intellectuelle et d'un succès commercial considérable. En 1951, Le Corbusier propose un nouveau projet pour célébrer l'indépendance de l'Inde et l'ouverture de la nation à la modernité, qui consiste à concevoir une ville, Chandigarh, capitale du Pendjab. Chandigarh, au nord de l'Inde, est une ville construite à partir de rien. Conçue par Le Corbusier, elle est née comme une icône de la liberté face au colonialisme du passé. Pierre Jeanneret est considéré - malgré l'absence de documents le prouvant - comme l'auteur de la plupart des meubles de Chandigarh. Il en résulte des modèles universellement connus, réalisés dans le respect des techniques utilisées dans les produits originaux, fabriqués en Inde par des artisans locaux. L'expérience de Pierre Jeanneret en Inde a duré jusqu'à la fin de ses jours en 1967 et son contact étroit et continu avec le territoire local a conduit ses meubles à incorporer des formes essentielles avec des matériaux simples. Aujourd'hui, les œuvres de Jeanneret se trouvent dans des musées tels que le Museum of Modern Art (MoMA), le Vitra Designs Museum, le Museum Boijmans van Beuningen, le Museum for Gestaktung Zurich, les Museums of India et le Perre Jeanneret Museum.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 30 - PERE COSP (Barcelone, 1907-2007). Paire de chaises chausse-pieds, 1948-1949. Bois de noyer. Marques d'usage. Garniture endommagée et salie. Nécessite une remise à neuf. Vieux xylophages. Provenance : Maison à Llavaneras (Barcelone) dont l'intérieur a été entièrement conçu par Pere Cosp en 1948-1949, référencée sur le site Internet dédié à l'auteur, perecosp.wordpress.com, qui répertorie les plus importants aménagements d'intérieur qu'il a réalisés pour des particuliers et des entreprises. Dimensions : 72 x 43 x 47 cm. Paire de chaises d'appoint conçues par Pere Cosp, avec des pieds en sabre et un dossier ajouré. La finition artisanale est combinée à un concept moderne, caractéristique de l'auteur. Pere Cosp était un architecte d'intérieur de Barcelone. En grande partie autodidacte, Pere Cosp a réorienté l'atelier d'artisanat familial vers l'architecture d'intérieur et la décoration intégrale. Cette profession lui a permis de donner libre cours à son talent créatif, volontairement éloigné des modes et des tendances de l'époque. Les dessins de ses meubles, qui conservent un esprit novateur et transgressif, témoignent de la personnalité anticonformiste et inquiète qui le caractérisait. Cosp a suivi les cours de l'Escuela de Artes y Bellos Oficios (École des arts et métiers), ainsi que les cours de perspective du professeur Arola. Mais le plus important pour lui était la partie pratique : entrer dans l'atelier familial et expérimenter de première main tous les métiers qui y étaient exercés : dorure, moulures et toutes sortes de travaux de restauration. Il travaille également avec le fabricant de meubles Alonso et le décorateur Parcerises. Pere Cosp a été un pionnier dans l'utilisation de matériaux que l'on pourrait qualifier d'humbles, comme le pin, l'aggloméré, le raphia, etc., qu'il a élevés à un niveau supérieur par leur traitement et leur utilisation. Il a souvent collaboré avec d'autres corps de métier : dans le domaine du métal, il a travaillé avec Biosca y Botey et Pere Peronella. Dans cette ligne de collaboration, il produit des pieds de paravent, des appliques murales, du mobilier d'extérieur pour les jardins, une vaste collection de boutons et de poignées. La décoration de ces éléments ou la finition finale était toujours réalisée dans l'atelier. Il réalisait des combinaisons d'une grande beauté : pierre, marbre - Terra Passani était le principal fournisseur - mosaïque, en collaboration avec Bru, verre, Granell, émail, Morató, laques. Au cours de ses 50 ans de carrière, il a transformé une centaine de maisons privées en habitations modernes, souvent en avance sur leur temps. Son empreinte personnelle imprègne chaque recoin de la maison : il distribue les espaces, conçoit le mobilier et décide du moindre détail décoratif.

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 33 - SERGIO ASTI (Milan, 1926-2021) pour Zanotta. Paire de chaises pliantes Navy, 1969. Structure en bois clair. Revêtement en cuir naturel de haute qualité. Dimensions : 87 x 57 x 60 cm : 87 x 57 x 60 cm. Paire de fauteuils pliants à structure ouverte en bois avec assise et dossier en cuir naturel de haute qualité. Les pieds en ciseaux en forme de X se plient de manière à faciliter le rangement des fauteuils tout en leur conférant un aspect distinctif. Sergio Asti a étudié au Politecnico di Milano et a commencé sa carrière dans les années 1950 en travaillant pour des entreprises de design industriel telles que Kartell, Cassina, Knoll, Poltronova, Gabbianelli et Olivetti. Asti est connu pour son style minimaliste et élégant et pour son utilisation de formes géométriques simples et de couleurs vives. Il a ouvert son studio en 1953, devenant l'un des premiers designers industriels italiens et l'un des membres fondateurs de l'ADI (Association for Industrial Design). Parmi ses créations les plus célèbres figurent la lampe "Daruma" pour FontanaArte, la chaise "Siesta" pour Gabbianelli, la lampe "Cobra" pour Martinelli Luce et la machine à écrire "Valentine" pour Olivetti. Dès ses débuts, il est également actif dans la conception de bâtiments publics et privés, d'intérieurs et d'équipements, notamment : le showroom Fiat (Milan, 1964), les bureaux de la présidence de la FISI (Milan, 1976). Il a également enseigné à l'Istituto Superiore d'Arte de Venise et à l'Istituto Sperimentale Superiore de Shizuoka (Japon). En 1956 et 1960, il a reçu le Compasso d'Oro. Son œuvre est actuellement conservée au MoMA de New York et au Musée des Arts Décoratifs de Paris, parmi d'autres collections publiques et privées.

Estim. 1 100 - 1 200 EUR

Lot 35 - Attribué à PIETRO CHIESA (Milan, 1892-1948) pour Fontana Arte. Lampe, années 1950. Abat-jour en laiton et métal perforé. Deux points lumineux. En bon état. Dimensions : 42 x 32 x 32 cm. Cette lampe répond au design et aux proportions italiennes du milieu du siècle, avec des touches raffinées comme le petit bouton sur le dessus. La patine qu'elle a acquise au fil du temps est magnifique et met en valeur la pièce. Elle repose sur un pied circulaire poli sur lequel s'appuie la tige tubulaire, renforcée au centre par une structure cannelée. L'écran perforé et en forme de dôme recouvre entièrement les sources lumineuses. Considéré comme l'un des principaux représentants de l'art déco italien, Pietro Chiesa a travaillé comme apprenti dans le studio du designer de meubles et décorateur d'intérieur Giovan Battista Gianotti à Milan. En 1921, il ouvre la Botega di Pietro Chiesa à Milan. En 1925, le designer milanais expose ses œuvres à l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de Paris. En 1927, il s'associe à Gio Ponti, Michele Marelli, Tomaso Buzzi, Emilio Lancia et Paolo Venini pour fonder Il Labirinto, où sont fabriqués des meubles de haute qualité dans le style Novecento. Il s'y concentre principalement sur le design du verre. En 1933, Chiesa devient directeur artistique de Fontana Arte, la société fondée par Gio Ponti et Luigi Fontana. Fontana Arte se concentre d'abord sur le mobilier et le verre, puis sur l'éclairage. Pietro Chiesa a traité le verre comme un matériau précieux, en le fragmentant et en utilisant des techniques de coupe spéciales. En même temps, il crée des formes pures, comme la table en verre de 1932, faite d'une seule bande de verre transparent pliée. En 1933, il conçoit "Luminator", un élégant lampadaire en forme de flûte fait d'un tube de laiton laqué, qui fournit une lumière indirecte.

Estim. 700 - 750 EUR

Lot 36 - ANDREA BRANZI (Florence, 1938-Milan, 2023) pour Zanotta. Fauteuil Niccola, 1992. Structure en acier. Cuir blanc et sangles en cuir. Dimensions : 103 x 56 x 81 cm. L'originalité du fauteuil Niccola réside sans aucun doute dans l'aspect léger et volatile de sa structure. Son assise apparemment en porte-à-faux - soutenue par une latte dans la partie inférieure avant - est soutenue latéralement par la structure en acier tubulaire, tandis que le dossier, avec ses formes géométriques disparates, est incliné dans un style kitsch. Une structure nettement incurvée couronne l'assise à la manière d'une crête. Andrea Branzi, architecte et designer, diplômé de Florence en 1967, vit et travaille à Milan. De 1964 à 1974, il a été partenaire d'Archizoom Associati, protagoniste du mouvement radical florentin, et l'une des voix les plus respectées du mouvement de l'architecture radicale. Membre éminent du studio Alchimia, fondé en 1976, il participe à partir de 1981 à l'expérience du groupe Memphis. En 1982, Branzi ouvre son propre studio pour se consacrer à l'architecture, à l'urbanisme, à l'architecture d'intérieur et au design industriel. En 1983, il est l'un des fondateurs de la Domus Academy à Milan, la première école internationale spécialisée dans le design industriel, la gestion du design et la mode. Branzi a collaboré avec plusieurs magazines d'architecture italiens, tels que Interni, Domus, Casabella et MODO. En 1994, il a reçu le prix ADI Compasso d'Oro pour l'ensemble de sa carrière.

Estim. 2 000 - 2 200 EUR

Lot 38 - JUUL KRISTENSEN (Danemark) pour Glostrup Møbelfabrik. Fauteuil, années 1960. Teck, rembourré en laine fine. Avec étiquette de la firme. Dimensions : 100 x 80 x 79 cm. Fauteuil conçu par Juul Kristensen et fabriqué au Danemark par Glostrup Møbelfabrik dans les années 1960. La structure en bois de teck, avec les accoudoirs et les pieds (les derniers obliques) sculptés en forme organique, ainsi que le dossier ajouré, témoignent d'un travail exceptionnel, véritablement nordique dans le traitement artisanal des finitions. Les arêtes ont été évitées dans l'ensemble de la structure, ce qui lui confère fluidité des lignes et chaleur de l'aspect. Les coussins d'assise et de dossier sont recouverts d'un fin tissu de laine. Juul Kristensen a commencé sa carrière en travaillant pour des entreprises danoises de design et de mobilier telles que Fritz Hansen et Rosendahl A/S. En 1969, il a fondé sa propre société de design, Juul Kristensen Design, qui produisait des meubles, des luminaires et des accessoires pour la maison. Tout au long de sa carrière, Kristensen a reçu de nombreux prix et récompenses pour ses réalisations en matière de design, notamment le prix d'excellence de la Fondation danoise du design en 1974 et le Grand Danish Design Award en 1987. Ses créations se caractérisent souvent par leur simplicité et leur fonctionnalité, ainsi que par l'utilisation de matériaux naturels tels que le bois et le cuir. Parmi ses créations les plus connues figurent le fauteuil "Kilin" pour Fritz Hansen et la lampe de bureau "Diva" pour Le Klint. Juul Kristensen est considéré comme l'un des designers danois les plus influents et a contribué à façonner l'esthétique du design scandinave moderne. Il est décédé en 2016 à l'âge de 79 ans.

Estim. 1 900 - 2 200 EUR

Lot 39 - ALFRED ALTHERR JUNIOR (Wuppertal, 1911-1972). Buffet, Suisse, années 1950. Bois partiellement polychromé en rouge et bleu céruléen. Pieds en métal. Pièce de collection. Original. Dimensions : 120 x 45 x 72 cm. Buffet conçu dans les années 50 par Alfred Altherr. Il s'agit d'une pièce originale et vintage. Le minimalisme fonctionnel, l'approche ingénieuse de la simplicité structurelle et le bon goût des finitions réunissent des éléments caractéristiques du travail de cet architecte et designer suisse. Le buffet est doté de portes coulissantes avec des poignées en forme de moulures profilées inclinées. Le bois naturel du corps rectangulaire et des poignées se marie avec le rouge et le mauve ou le bleu céruléen des portes. L'intérieur est compartimenté par des étagères. La structure repose sur des pieds en épingle à cheveux en métal noir, typiques de l'esthétique des années 1950. Il convient également de noter l'excellente finition grâce à l'utilisation de matériaux de haute qualité. Le design de cette pièce s'inscrit dans le style prôné par les grandes figures de l'époque, telles que Charlotte Perriand et Jean Prouvé : l'élimination de tout ornement superflu, qui se traduit par un design minimaliste et pratique ; l'adaptabilité, l'artisanat, la fonctionnalité et la pureté des formes. Alfred Altherr était professeur à la Schule für Gestaltung de Zurich, où il enseignait la décoration d'intérieur et l'architecture. Son approche pédagogique encourageait la combinaison de la fonctionnalité et de l'esthétique, une caractéristique essentielle du design suisse moderne. Il est également connu pour ses créations de meubles, qui se distinguent par leur simplicité, leur fonctionnalité et l'utilisation de matériaux de haute qualité. Nombre de ses créations reflètent l'influence du mouvement moderne, avec des lignes épurées et une attention particulière portée à l'ergonomie. Tout au long de sa carrière, M. Altherr a travaillé sur divers projets d'architecture et d'aménagement intérieur. Son travail allait de l'aménagement d'espaces résidentiels à la création de meubles innovants. Les meubles d'Altherr : Banc Landi, avec Charles Hoch, pour l'Exposition nationale suisse de 1939 ; Mobilier pour FREBA. Publications : Nouvelle architecture suisse. Nouvelle architecture suisse. Gerd Hatje, Stuttgart 1965 ; Trois architectes japonais. Mayekawa. Tange. Sakakura. Publié par Niggli, Teufen 1968. Alfred Altherr a laissé une empreinte durable sur le design suisse et européen. Sa contribution se traduit par l'adoption généralisée des principes du design moderne dans l'ameublement et l'architecture en Suisse. En outre, son influence en tant qu'éducateur a contribué à former de nouvelles générations de designers et d'architectes, qui ont continué à développer les principes du design fonctionnel et esthétique.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 40 - VINCENT MARTINEZ BURJASSOT (Valencia, 1949) pour Punt Mobles. Table "Halley". Métal noir et bois. Le plateau en bois a été réalisé sur commande. En très bon état. Ce producteur vintage ne présente aucun défaut, mais peut avoir de légères marques d'usure. L'usure est proportionnelle à l'utilisation et à l'âge. Dimensions : 72 x 90 x 90 cm. La table Halley se distingue par sa géométrie précise et linéaire qui cherche, dans sa contradiction constructive, à rappeler la projection d'un cerf-volant. Sa matérialité est façonnée par la combinaison du bois et du métal. Elle a été reconnue par le Staatliches Museum für Angewandte, Munich, Allemagne. "Le moment où la pensée devient un objet est passionnant, les projets sont avant tout des idées. Les idées sont irréelles jusqu'à ce que l'action les insère dans le réel. L'utilisateur comme référent. Concevoir pour un monde où la qualité de vie de tous est meilleure", déclare Vicent Martínez. L'importance de Vicent Martínez se reflète dans sa présence dans des musées tels que le Museu d'Arts Decoratives. Barcelone, Espagne : Bibliothèque La Torre, table Anaconda, collection modulaire Concert et bibliothèque Literatura Classic. 1994 ; dépôt des archives personnelles et professionnelles 1965-2010 à l'Arxiu Valencià del Disseny. 2019 ; Musée Fur Musem fur Angewandte Kunst. Cologne, Allemagne : Shelves Literatura Classic et La Torre. 1992 et le Staatliches Museum für Angewandte. Munich, Allemagne : Halley et Tables magiques. 1992. Tout au long de sa carrière d'artiste, il a participé à l'IVAM. Design valencien 2009-2019 Alcoi Venue. 2020 ; 30 ans de littérature classique. École d'art et de design de Valence. 2015, ainsi qu'à d'autres expositions importantes.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 41 - AFRA SCARPA (Montebelluna, 1937 - Treviso, 2011) & TOBIA SCARPA (Venice, 1935). Bureau Artona. Bois de racine et cuir. Dimensions : 83 x 250 x 43 cm : 83 x 250 x 43 cm. La série "Artona" est l'une des plus convoitées et recherchées par le couple Scarpa. Elle se caractérise par la magnifique finition de ses bois, ainsi que par le traitement délicat du cuir marron qui recouvre et complète les pièces. Ce bureau présente une structure horizontale marquée, avec des volumes simples et arrondis. A l'avant, il est organisé en deux portes latérales verticales reliées par deux tiroirs. Tobia Scarpa a débuté comme designer de verre dans la verrerie Venini de Murano, jusqu'à ce qu'en 1960, Tobia et Afra, son épouse, décident d'ouvrir leur studio. Parmi leurs clients figurent Gavina, B&B Italia, Cassina et Meritalia. En 1964, ils collaborent avec la société de vêtements Benetton pour concevoir la première usine textile de la société. Afra et Tobia Scarpa ont été chargés des intérieurs des bureaux de la société à Paris, Fribourg et New York. Afra et Tobia Scarpa ont reçu le Compasso d'Oro en 1969 et l'International Forum Design en 1992. Leurs meubles ont été publiés dans des articles de magazines tels que L'ŒIL. De 2004 à 2007, le couple a collaboré à de nombreux projets de restauration de bâtiments historiques tels que le Palazzo della Ragione à Vérone, en Italie. Depuis 2002, Tobia enseigne au département de design de l'Università Iuav di Venezia à Venise, en Italie. Certaines des créations d'Afra et de Tobia Scarpa se trouvent dans des institutions telles que le MOMA, le National Museum of Design de New York, le Philadelphia Art Museum, le musée du Louvre ou le Victoria and Albert Museum, entre autres.

Estim. 3 200 - 3 500 EUR

Lot 42 - HANS J. WEGNER (Danemark, 1914 - 2007) pour ANDREAS TUCK. Table modèle "at10", années 1960. Teck et chêne. Dimensions : 50 x 160 x 50 cm : 50 x 160 x 50 cm. Table basse en teck et chêne, à l'exception du plateau inférieur, ajouré, en grille. Il s'agit d'un design léger, aux racines géométriques et aux lignes droites et nettes, adoucies par des angles courbes, typiques du design danois des années cinquante et soixante. Il se compose d'un plateau rectangulaire mouluré sur son périmètre extérieur et de quatre pieds cylindriques. Hans J. Wegner était une figure de proue du design de meubles, dont les idées ont contribué à la popularité internationale du design danois au milieu du XXe siècle. Son travail appartient à l'école moderne, caractérisée par un accent particulier sur la fonctionnalité. Il a commencé sa formation très jeune, en tant qu'apprenti chez l'ébéniste H. F. Stahlberg. Il s'est rapidement découvert un goût particulier pour l'utilisation du bois, et son travail dans l'atelier d'ébénisterie lui a permis d'expérimenter différents types et modèles. À l'âge de dix-sept ans, il termine son apprentissage, mais il reste encore trois ans dans l'atelier, jusqu'à ce qu'il s'engage dans l'armée. Après son service militaire, il entre dans une école technique, puis à la Danmarks Designskole, où il reçoit l'enseignement d'O. Mølgaard Nielsen, et à l'Académie d'architecture de Copenhague. Dans la capitale danoise, il entre en contact avec les expositions de meubles de la Guilde des charpentiers, où il commence à exposer ses créations en 1927. Au cours de ces années, Wegner collabore avec des maîtres ébénistes tels que J. Hansen, L. Pontoppidan, N. Vodder, J. Kjaer, A. J. Iversen, Moos et R. Rasmussen, ainsi qu'avec les architectes danois les plus en vue de l'époque, parmi lesquels K. Klint, V. Lauritzen et V. Lauritzen. Klint, V. Lauritzen. O. Wanscher et M. Voltelen. Les expositions annuelles permettent au jeune ébéniste de se rendre compte de ce qu'il est possible de réaliser en combinant design et artisanat, ce qui l'amène à se consacrer entièrement au design. Dès ses premières pièces, Wegner montre son intérêt pour le concept consistant à "dépouiller les chaises anciennes de leur style extérieur et à les montrer dans leur structure pure". Tout au long de sa carrière, le designer a reçu des prix tels que le prix Lunning en 1951, le Grand Prix de Milan à la Triennale de Milan la même année, la médaille du Prince Eugène en Suède et la médaille danoise Exkersberg. En 1959, il a été nommé designer royal honoraire pour l'industrie par la Royal Society of Arts de Londres. Ses créations figurent actuellement dans des collections telles que le MoMA de New York ou Die Neue Samlung de Munich.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 43 - JORDI VILANOVA (Barcelone, 1925-1998). Table basse, années 1960. Placage de noyer et plâtre. Roues incorporées, cachées. Dimensions : 100 x 100 x 43 cm. Dans les pièces les plus remarquables de Jordi Vilanova, son admiration pour le design nordique est évidente. Dans cette table basse avec bloc-tiroirs et étagère intérieure, il réussit une combinaison paradoxale de robustesse et de légèreté : le volume, chanfreiné aux angles et surélevé par rapport au sol (il cache des roulettes), est allégé de manière naturelle. Il établit également un jeu géométrique qui essentialise les formes et intègre dans son design les poignées carrées (métalliques) et le tapis circulaire en plâtre noir qui protège le plateau. Architecte d'intérieur et ébéniste catalan, Jordi Vilanova est entré à l'Escuela de Trabajo y Oficios Artísticos de la Lonja en 1939. Il a complété sa formation dans l'atelier de Busquets et, entre 1940 et 1953, il a collaboré à l'atelier de Lluís Gili. Jordi Vilanova a été le fondateur et le promoteur de la revue d'art catalane "Questions d'Art" (1967-74). En 1974, il a ouvert un local avec une exposition permanente de meubles et de tissus d'ameublement de sa propre conception, faisant partie du Collège officiel des décorateurs d'intérieur et des designers de Barcelone et de la SAD. Son mobilier moderne et sa façon de résoudre les espaces s'adressaient initialement à un large public aux ressources économiques limitées et, par conséquent, à des foyers à l'espace de vie réduit. Cependant, cette grande majorité n'a pas compris sa proposition. C'est plutôt la bourgeoisie catalane, désireuse de rompre avec des canons stylistiques dépassés, qui adopte son travail. Il se spécialise dans le mobilier pour enfants, comme le tabouret Delta, qui remporte le prix Delta de Plata décerné par l'ADI/FAD en 1964. Il a exposé ses œuvres en Scandinavie. Parmi ses créations les plus représentatives, citons les chaises Tiracord et Billar (1961), le lit superposé Montseny MP (1961), les chaises à bascule Tartera (1966) et Petit (1978) et le porte-revues Z (1987) conçu avec son fils Pau Vilanova Vila-Abadal. Il est actuellement représenté au musée du design de Barcelone.

Estim. 1 800 - 2 200 EUR

Lot 45 - YRJÖ KUKKAPURO (Finlande, 1933) pour Haimi. Paire de fauteuils "Pressu", design 1972. Toile recouverte de polyuréthane. Structure tubulaire en acier chromé. Dimensions : 66 x 72 x 72 cm : 66 x 72 x 72 cm. Yrjö Kukkapuro a conçu la chaise Pressu pour Haimi en 1972. Le nom du modèle fait référence au matériau textile utilisé, une toile enduite de polyuréthane très résistante et imperméable. Les connaisseurs du design du milieu du siècle pourront rapprocher ce modèle de la chaise Paimio d'Alvar Aalto. Considéré comme l'une des figures les plus importantes du design scandinave de tous les temps, Yrjö Kukkapuro a travaillé en tant que créateur indépendant et architecte d'intérieur depuis ses premiers travaux en 1957 jusqu'à ses plus récents en 2007. Ses œuvres se caractérisent par un contrôle strict des formes et une attention extrême aux détails, ainsi que par une recherche de formes ergonomiques. De 1974 à 1980, il a également travaillé comme professeur d'art et de design. Parmi ses créations figurent la chaise de bureau "Sirkus", la chaise "Remmi", la chaise de bureau "Fysio" (qui a remporté de nombreux prix internationaux) et le fauteuil "Karuselli" (1965). Il a également été designer en chef pour des entreprises telles que Haimi, Lepokalusto et Avarte. Aujourd'hui, Yrjö Kukkapuro continue de travailler et de dessiner principalement pour la société Avarte. L'une de ses œuvres les plus récentes est la collection Element de 2007. Ses œuvres font actuellement partie de collections telles que le Victoria & Albert Museum de Londres, le MoMA de New York et le Vitra Design Museum de Weil am Rhein (Allemagne), entre autres.

Estim. 2 000 - 2 200 EUR

Lot 51 - FOLKE OHLSSON (Suède, 1919 - 2003) pour Dux Möbel AB. Paire de fauteuils USA 75. Structure en noyer américain. Velours beige. Manque un bouton sur un coussin. Dimensions : 70 x 77 x 73 cm. Folke Ohlsson est l'auteur de prestigieux modèles de chaises et de fauteuils qui reflètent le goût de l'école du milieu du siècle d'après-guerre pour les lignes douces, l'aspect léger, organique et confortable. La paire de fauteuils que nous présentons aujourd'hui a une structure solide en bois de noyer américain et une assise et un dossier recouverts de velours beige, contrastant avec cette structure aux lignes douces et fluides. L'absence de stridence et l'utilisation de matériaux nobles comme le bois de noyer sont des éléments indissociables du caractère scandinave et de l'environnement naturel de ces pays. Le designer suédois Folke Ohlsson, installé aux États-Unis depuis 1953, a été très populaire dès la fin des années 50 et surtout dans les années 60, et a reçu tout au long de sa carrière plus de trente prix, dont la Triennale de Milan et l'exposition "Good Design" au Musée d'art moderne de New York. Fondateur de la société DUX, reconnue internationalement, il est l'auteur de créations intemporelles, mais aussi le reflet de son époque, et ses pièces sont d'ailleurs parmi les plus copiées à ce jour. Ohlsson a largement contribué à la diffusion et à la popularisation du mobilier scandinave moderne aux États-Unis. En 1964, le roi Gustave VI Adolphe de Suède lui a décerné l'Ordre royal de Vasa en reconnaissance de son travail.

Estim. 3 200 - 3 500 EUR

Lot 53 - JOAN ANTONI BLANC (Tortosa, 1940) pour Tramo. Lampe de table "Seta/Tulipe", 1968. Double abat-jour en plastique jaune et blanc à l'intérieur qui produit une lumière spectaculaire. Très bon état général avec quelques signes d'âge. Sélection adi fad. Dimensions : 56 cm (hauteur) x 36 cm (diamètre de l'abat-jour). La lampe "Seta/Tulipe" se distingue par son abat-jour semi-ovale qui ressemble au chapeau d'un champignon, ainsi que par le pied circulaire qui s'élève légèrement dans sa partie centrale pour rejoindre la tige cylindrique. Elle a été éditée par Tramo (Trabajos molestos), une entreprise fondée par l'emblématique designer catalan Miguel Milá. Joan Antoni Blanc a été l'un des fondateurs de l'école Eina et l'un des principaux défenseurs de la nécessité d'incorporer des connaissances technologiques et d'orienter le design vers des applications industrielles. Il s'est spécialisé dans le domaine du design, notamment dans le mobilier et l'éclairage appliqués à l'environnement domestique, urbain et de bureau, bien qu'il ait également développé plusieurs designs liés au nautisme, à l'automobile et à la motocyclette. En 1972, il a créé "Estudi de Disseny Blanc", en intégrant comme assistant Pau Joan Vidal, un designer industriel formé dans les écoles Massana et Elisava, qui est devenu plus tard son associé. Il a également été président de l'Association des designers professionnels entre 1986 et 1989 et a participé à la création de BCD. Parmi les produits développés par Blanc, la lampe "Cónica" (Delta de Oro ADI-FAD en 1965), le système d'armoires et de tiroirs "Cubiform", la lampe "semi-sphérique" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966), l'ensemble d'éléments extensibles "Torre de Babel", la lampe "globe" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966), et l'ensemble d'éléments extensibles "Torre de Babel" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966), la lampe "Globe" (Delta de plata ADI-FAD en 1968), le système d'étagères et de conteneurs "Perfils", la lampe "Sinclina" (Delta de plata ADI-FAD et prix du meilleur design espagnol à la foire de Madrid en 1991), le système d'étagères "Prima 1000" et la lampe "Escala". Le musée du design de Barcelone conserve une partie de son fonds documentaire et trois pièces conçues par Joan Antoni Blanc : l'armoire "Cubiform" et les lampadaires "Escala" et "Sinclina". La lampe "Seta/Tulipe" se distingue par son abat-jour semi-ovale qui ressemble au chapeau d'un champignon, ainsi que par le pied circulaire qui s'élève légèrement dans sa partie centrale pour rejoindre la tige cylindrique. Elle a été éditée par Tramo (Trabajos molestos), une entreprise fondée par l'emblématique designer catalan Miguel Milá. Joan Antoni Blanc a été l'un des fondateurs de l'école Eina et l'un des principaux défenseurs de la nécessité d'incorporer des connaissances technologiques et d'orienter le design vers des applications industrielles. Il s'est spécialisé dans le domaine du design, notamment dans le mobilier et l'éclairage appliqués à l'environnement domestique, urbain et de bureau, bien qu'il ait également développé plusieurs designs liés au nautisme, à l'automobile et à la motocyclette. En 1972, il a créé "Estudi de Disseny Blanc", en intégrant comme assistant Pau Joan Vidal, un designer industriel formé dans les écoles Massana et Elisava, qui est devenu plus tard son associé. Il a également été président de l'Association des designers professionnels entre 1986 et 1989 et a participé à la création de BCD. Parmi les produits développés par Blanc, la lampe "Cónica" (Delta de Oro ADI-FAD en 1965), le système d'armoires et de tiroirs "Cubiform", la lampe "semi-sphérique" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966), l'ensemble d'éléments extensibles "Torre de Babel", la lampe "globe" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966), et l'ensemble d'éléments extensibles "Torre de Babel" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966), la lampe "Globe" (Delta de plata ADI-FAD en 1968), le système d'étagères et de conteneurs "Perfils", la lampe "Sinclina" (Delta de plata ADI-FAD et prix du meilleur design espagnol à la foire de Madrid en 1991), le système d'étagères "Prima 1000" et la lampe "Escala". Le musée du design de Barcelone conserve une partie de son fonds documentaire et trois pièces conçues par Joan Antoni Blanc : l'armoire "Cubiform" et les lampadaires "Escala" et "Sinclina".

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 55 - JOAN ANTONI BLANC (Tortosa, 1940) pour Tramo. Lampadaire "Cigüeñal", 1968. Métal chromé. Abat-jour en méthacrylate blanc. Cigüeñal de pied adi-fad (extensible se lève et s'abaisse). Dimensions : 150 cm (hauteur minimale) ; 195 cm (hauteur maximale) ; 36 cm (diamètre de l'abat-jour). La lampe "Cigüeñal" se distingue par son ingénieux système de rotation qui permet de la fixer dans de multiples positions, ainsi que par le délicat équilibre obtenu entre la fine tige en métal chromé et son large abat-jour en méthacrylate blanc. Elle a été éditée par Tramo (Trabajos molestos), une société fondée par l'emblématique designer catalan Miguel Milá. Joan Antoni Blanc a été l'un des fondateurs de l'école Eina et l'un des principaux défenseurs de la nécessité d'incorporer des connaissances technologiques et d'orienter le design vers des applications industrielles. Il s'est spécialisé dans le domaine du design, notamment dans le mobilier et l'éclairage appliqués à l'environnement domestique, urbain et de bureau, bien qu'il ait également développé plusieurs designs liés au nautisme, à l'automobile et à la motocyclette. En 1972, il a créé "Estudi de Disseny Blanc", en intégrant comme assistant Pau Joan Vidal, un designer industriel formé dans les écoles Massana et Elisava, qui est devenu par la suite son associé. Il a également été président de l'Association des designers professionnels entre 1986 et 1989 et a participé à la création de BCD. Parmi les produits développés par Blanc, la lampe "Cónica" (Delta de Oro ADI-FAD en 1965), le système d'armoires et de tiroirs "Cubiform", la lampe "semi-sphérique" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966), l'ensemble d'éléments extensibles "Torre de Babel", la lampe "globe" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966), l'ensemble d'éléments extensibles "Torre de Babel", la lampe "globe" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966) et le système d'armoires et de tiroirs "Torre de Babel", la lampe "Globe" (Delta de plata ADI-FAD en 1968), le système d'étagères et de conteneurs "Perfils", la lampe "Sinclina" (Delta de plata ADI-FAD et prix du meilleur design espagnol à la foire de Madrid en 1991), le système d'étagères "Prima 1000" et la lampe "Escala". Le musée du design de Barcelone conserve une partie de son fonds documentaire et trois pièces conçues par Joan Antoni Blanc : l'armoire "Cubiform" et les lampadaires "Escala" et "Sinclina".

Estim. 1 300 - 1 500 EUR

Lot 56 - JAVIER MARISCAL (Almazora, Castellón, 1950) pour Akaba. Chaise "Garriris", 1987. Structure en tube d'acier carré chromé avec aluminium, assise en contreplaqué et revêtement en cuir rouge. En très bon état. Ce modèle fait partie d'importantes collections et de musées tels que le Victoria & Albert Museum de Londres et le Museu del Disseny de Barcelone. Il a été exposé au George Pompidou à Paris pour l'exposition Nouvelles Tendances en 1987. Dimensions : 97 x 44 x 60 cm. La chaise Garriris assimile le personnage animé Mickey Mouse avec les oreilles emblématiques du dossier et ses chaussures caractéristiques. Dessinateur industriel, caricaturiste et dessinateur de bandes dessinées de renom, Javier Mariscal vit et travaille à Barcelone depuis 1970. Il a étudié le design à l'école Elisava de Barcelone, mais a rapidement abandonné ses études pour apprendre directement de son environnement et suivre ses propres impulsions créatives. Il a commencé sa carrière dans le monde de la bande dessinée underground dans des publications telles que "El Rrollo Enmascarado" ou "Star", aux côtés de Farry, Nazario et Pepichek. Après avoir réalisé ses premières bandes dessinées au milieu des années 1970, il dessine en 1979 le logo du Bar Cel Ona, œuvre pour laquelle il commence à être connu du grand public. L'année suivante, le Dúplex ouvre ses portes à Valence, le premier bar signé par Mariscal, avec Fernando Salas, pour lequel il conçoit l'une de ses pièces les plus célèbres, le tabouret Dúplex, véritable icône du design des années 80, tant à l'intérieur qu'à l'extérieur de nos frontières. En 1981, son travail de designer de meubles l'amène à participer à l'exposition du groupe Memphis à Milan. En 1987, il expose au Centre Georges Pompidou à Paris et participe à la Documenta de Kassel. Deux ans plus tard, son dessin Cobi est choisi comme mascotte des Jeux olympiques de Barcelone de 1992, d'abord controversé, mais aujourd'hui reconnu comme la mascotte la plus rentable de l'histoire des Jeux modernes. En 1989, il crée l'Estudio Mariscal et collabore à divers projets avec des designers et des architectes tels qu'Arata Isozaki, Alfredo Arribas, Fernando Salas, Fernando Amat et Pepe Cortés. Parmi ses travaux les plus remarquables figurent les identités visuelles du parti socialiste suédois, de la station de radio Onda Cero, du zoo de Barcelone, de l'université de Valence, du centre de design et d'architecture Lighthouse à Glasgow, du centre culturel GranShip au Japon et de la société de postproduction londonienne Framestore. En 1999, il a reçu le prix national du design, décerné par le ministère espagnol de l'industrie et la fondation BCD en reconnaissance de l'ensemble de sa carrière professionnelle.

Estim. 1 600 - 1 800 EUR

Lot 57 - MICHEL DUCAROY (Lyon, 1925 - 2009) pour Ligne Roset. Canapé "Togo", France, vers 1970. Cuir noir. Composé de trois modules et d'un pouf. Doublure intérieure avec imprimé Ligne Roset. Il présente des déchirures et l'une des pièces est déchirée. Dimensions : 70 x 174 x 110 cm (coin) ; 70 x 110 x 110 x 110 cm (normal) ; 70 x 85 x 110 x 110 cm (petit) ; 33,5 x 90 x 95 cm (pouf). Ducaroy a conçu des pièces devenues légendaires, comme le canapé Togo, dont la composition lui confère un confort unique. Formé à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Lyon, Ducaroy intègre après ses études l'entreprise familiale de fabrication de meubles contemporains. En 1954, il entre dans l'entreprise Ligne Roset, située dans l'Ain, dont il dirigera le bureau d'études jusqu'à la fin de sa carrière. Au cours des années 1960 et 1970, de nouveaux matériaux apparaissent auxquels Ducaroy s'intéresse : mousse, ouate, plastique thermoformé, autant de matériaux qui lui permettent de donner vie à de nouveaux designs, créant des créations à la fois modernes et intemporelles. Le légendaire canapé Togo est présenté l'année de son lancement au Salon des Arts Ménagers à Paris et remporte le Prix Renè-Gabriel en 1973. D'origine française, elle a été fondée par Antoine Roset en 1860 à Montagnieu. En 1936, l'entreprise se lance dans la fabrication de meubles rembourrés. Aujourd'hui, elle conçoit et fabrique des meubles de maison, des luminaires, des accessoires et des textiles avec une équipe de 50 designers européens. Aujourd'hui, Ligne Roset est reconnue internationalement grâce à son univers d'inspiration illimité et à ses collaborations avec des designers tels que Didier Gomez, Pascal Mourgue, Peter Maly ou Pierre Paulin. Il a des déchirures et l'une des pièces a une déchirure.

Estim. 8 000 - 9 000 EUR

Lot 60 - Lampe de table ; modèle Fase President par GEI (Gabinete de Estudios Industriales), années 1960. Métal et laqué gris. Électrifiée. En état de marche. En bon état. Avec signature sur la base. Dimensions : 46 x 54 x 30 cm. Le fabricant espagnol de luminaires Fase a été fondé à Madrid en 1964 par le designer industriel Pedro Martín. Martín a d'abord vendu ses lampes autoproduites sur les marchés, avant d'établir avec succès une usine à Torrejón de Ardoz, dans la banlieue de Madrid. Dans les années 1970, Fase était un acteur majeur de l'industrie manufacturière espagnole, contribuant à une économie en proie aux crises pétrolières et à une transition difficile vers la démocratie. Pendant plus de trois décennies, Fase a vendu des éclairages à 32 pays différents, ses marchés les plus importants étant le Royaume-Uni, la France, l'Italie, l'Allemagne, les Émirats arabes unis, le Japon, le Canada et les États-Unis. Malgré le succès commercial de Fase, les informations sur l'entreprise et son histoire sont rares et les sources souvent contradictoires. Les premiers modèles de Fase sont considérés comme modernes, avec des combinaisons originales de métaux tels que le chrome et l'acier, avec du marbre et du bois, dans une gamme de couleurs vives. Souvent, les luminaires pouvaient également être déplacés grâce à un système pivotant sophistiqué conçu par les premiers designers de Fase, qui est rapidement devenu une marque de fabrique, au même titre que les diffuseurs en verre. Parmi les modèles importants de Fase, citons Boomerang 64, Boomerang 2000, 520, Faro et President, qui auraient tous été conçus dans les années 1960. À partir des années 1970, Fase a introduit des modèles modernes d'inspiration italienne et Bauhaus auprès d'un public espagnol qui, sortant de la période franquiste, n'était pas familiarisé avec les styles les plus emblématiques du XXe siècle. En plus de combiner des matériaux traditionnels tels que le bois avec une esthétique moderniste, Fase a créé de nombreuses lampes dans un style tout à fait moderniste. Parmi les lampes de cette période, citons la Tharsis et la Babylon, toutes deux en chrome mais avec des lampes simples et doubles respectivement, ainsi que la Harpoon et l'Impala en acier inoxydable (toutes des années 1970). Les concepteurs d'éclairage et les ouvriers de Fase restent largement anonymes, ce qui explique que de nombreuses lampes soient faussement présentées comme étant produites par le fabricant espagnol, donnant naissance à tout un genre d'éclairage "de type Fase", que l'on peut voir dans les lampes produites par les fabricants d'éclairage madrilènes Lupela, GEI (Gabinete Estudios Industriales) et Ma-Of. Les lampes Fase authentiques sont reconnaissables au nom ou au logo de l'entreprise, qui figure généralement sur le culot ou la douille. Dans les années 1980, Fase a commencé à fabriquer des lampes halogènes. Bien que ces lampes aient été très populaires et novatrices à l'époque, la rupture avec la tradition n'a pas été couronnée de succès et a finalement contribué à la disparition de l'entreprise. Électrifié. En fonctionnement. En bon état de conservation.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 61 - WILLY RIZZO, (Naples, 1928-Paris ,2013). Lampe de table ; Italie, vers 1970. Conçue pour Luminica. Base en laiton et laquée en noir, et abat-jour en tissu dans les tons nude. Peut contenir trois ampoules. Électrifié. En état de marche. En bon état de conservation. Dimensions : 70 x 15 x 15 cm (base), 85 x 76 x 75 cm (lampe complète avec abat-jour). Designer et photographe, Willy Rizzo a commencé sa carrière à Paris, se taillant depuis une solide carrière dans le monde de la photographie. Son activité de designer débute en 1966, lorsqu'il s'installe avec sa femme dans un petit appartement au centre de Rome, qu'il rénove lui-même, en concevant également le mobilier. Bien qu'il n'ait jamais eu l'intention de devenir designer, ses amis ont rapidement commencé à lui passer commande après avoir vu sa maison. En fait, il a compté parmi ses clients des personnalités aussi éminentes que Salvador Dali et Brigitte Bardot. Rizzo a toujours admiré les belles choses, qu'elles soient modernes ou anciennes, et il a donc concentré ses expérimentations esthétiques sur la création de meubles modernes qui s'harmonisent parfaitement avec les meubles anciens. Son style a marqué une époque dans le design italien, étant reconnu comme le créateur de la Dolce Vita. La demande pour ses pièces a atteint une telle ampleur qu'en 1968, il a décidé de créer sa propre entreprise, avec laquelle il a depuis créé de nombreuses pièces, toujours faites à la main, combinant des matériaux nobles tels que le travertin ou le bronze avec d'autres matériaux nettement plus modernes comme l'acier. Il finit par ouvrir des magasins à Paris et dans d'autres villes européennes, ainsi qu'à New York, Miami et Los Angeles. En 1978, Rizzo vend sa société et recentre sa carrière sur la photographie, lassé par la vie des affaires. Pendant les dix années où il a conçu des meubles, Rizzo, grand admirateur de Mies van der Rohe, Le Corbusier et Ruhlmann, a développé un style facilement reconnaissable aujourd'hui encore. Il s'agit de pièces aux lignes épurées et aux formes géométriques, réalisées dans des matériaux soigneusement sélectionnés. Il est toujours resté fidèle à l'utilisation traditionnelle et artisanale des matériaux, rejetant le système de production de masse et l'utilisation du plastique. Certaines de ses créations ont été exposées au Metropolitan Museum de New York et, plus récemment, à la Madison Mallet Gallery de Londres. Électrifié. En fonctionnement. En bon état de conservation.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 62 - Lampe de table ; modèle Fase President par GEI (Gabinete de Estudios Industriales), années 1960. Métal et laqué en gris et beige. Ne fonctionne pas. A retravailler. En bon état. Avec signature sur la base. Dimensions : 46 x 54 x 30 cm. Le fabricant espagnol de luminaires Fase a été fondé à Madrid en 1964 par le designer industriel Pedro Martín. Martín a d'abord vendu ses lampes autoproduites sur les marchés, avant d'établir avec succès une usine à Torrejón de Ardoz, dans la banlieue de Madrid. Dans les années 1970, Fase était un acteur majeur de l'industrie manufacturière espagnole, contribuant à une économie en proie aux crises pétrolières et à une transition difficile vers la démocratie. Pendant plus de trois décennies, Fase a vendu des éclairages à 32 pays différents, ses marchés les plus importants étant le Royaume-Uni, la France, l'Italie, l'Allemagne, les Émirats arabes unis, le Japon, le Canada et les États-Unis. Malgré le succès commercial de Fase, les informations sur l'entreprise et son histoire sont rares et les sources souvent contradictoires. Les premiers modèles de Fase sont considérés comme modernes, avec des combinaisons originales de métaux tels que le chrome et l'acier, avec du marbre et du bois, dans une gamme de couleurs vives. Souvent, les luminaires pouvaient également être déplacés grâce à un système pivotant sophistiqué conçu par les premiers designers de Fase, qui est rapidement devenu une marque de fabrique, au même titre que les diffuseurs en verre. Parmi les modèles importants de Fase, citons Boomerang 64, Boomerang 2000, 520, Faro et President, qui auraient tous été conçus dans les années 1960. À partir des années 1970, Fase a introduit des modèles modernes d'inspiration italienne et Bauhaus auprès d'un public espagnol qui, sortant de la période franquiste, n'était pas familiarisé avec les styles les plus emblématiques du XXe siècle. En plus de combiner des matériaux traditionnels tels que le bois avec une esthétique moderniste, Fase a créé de nombreuses lampes dans un style tout à fait moderniste. Parmi les lampes de cette période, citons la Tharsis et la Babylon, toutes deux en chrome mais avec des lampes simples et doubles respectivement, ainsi que la Harpoon et l'Impala en acier inoxydable (toutes des années 1970). Les concepteurs d'éclairage et les ouvriers de Fase restent largement anonymes, ce qui explique que de nombreuses lampes soient faussement présentées comme étant produites par le fabricant espagnol, donnant naissance à tout un genre d'éclairage "de type Fase", que l'on peut voir dans les lampes produites par les fabricants d'éclairage madrilènes Lupela, GEI (Gabinete Estudios Industriales) et Ma-Of. Les lampes Fase authentiques sont reconnaissables au nom ou au logo de l'entreprise, qui figure généralement sur le culot ou la douille. Dans les années 1980, Fase a commencé à fabriquer des lampes halogènes. Bien que ces lampes aient été très populaires et novatrices à l'époque, la rupture avec la tradition n'a pas été couronnée de succès et a finalement contribué à la disparition de l'entreprise. Elle ne fonctionne pas. Nécessite une révision. En bon état de conservation.

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 63 - Lampe de table ; modèle Fase President par GEI (Gabinete de Estudios Industriales), années 1960. Métal et laqué noir. Électrifiée. En état de marche. En bon état. Avec signature sur la base. Dimensions : 46 x 54 x 30 cm. Le fabricant espagnol de luminaires Fase a été fondé à Madrid en 1964 par le designer industriel Pedro Martín. Martín a d'abord vendu ses lampes autoproduites sur les marchés, avant d'établir avec succès une usine à Torrejón de Ardoz, dans la banlieue de Madrid. Dans les années 1970, Fase était un acteur majeur de l'industrie manufacturière espagnole, contribuant à une économie en proie aux crises pétrolières et à une transition difficile vers la démocratie. Pendant plus de trois décennies, Fase a vendu des éclairages à 32 pays différents, ses marchés les plus importants étant le Royaume-Uni, la France, l'Italie, l'Allemagne, les Émirats arabes unis, le Japon, le Canada et les États-Unis. Malgré le succès commercial de Fase, les informations sur l'entreprise et son histoire sont rares et les sources souvent contradictoires. Les premiers modèles de Fase sont considérés comme modernes, avec des combinaisons originales de métaux tels que le chrome et l'acier, avec du marbre et du bois, dans une gamme de couleurs vives. Souvent, les luminaires pouvaient également être déplacés grâce à un système pivotant sophistiqué conçu par les premiers designers de Fase, qui est rapidement devenu une marque de fabrique, au même titre que les diffuseurs en verre. Parmi les modèles importants de Fase, citons Boomerang 64, Boomerang 2000, 520, Faro et President, qui auraient tous été conçus dans les années 1960. À partir des années 1970, Fase a introduit des modèles modernes d'inspiration italienne et Bauhaus auprès d'un public espagnol qui, sortant de la période franquiste, n'était pas familiarisé avec les styles les plus emblématiques du XXe siècle. En plus de combiner des matériaux traditionnels tels que le bois avec une esthétique moderniste, Fase a créé de nombreuses lampes dans un style tout à fait moderniste. Parmi les lampes de cette période, citons la Tharsis et la Babylon, toutes deux en chrome mais avec des lampes simples et doubles respectivement, ainsi que la Harpoon et l'Impala en acier inoxydable (toutes des années 1970). Les concepteurs d'éclairage et les ouvriers de Fase restent largement anonymes, ce qui explique que de nombreuses lampes soient faussement présentées comme étant produites par le fabricant espagnol, donnant naissance à tout un genre d'éclairage "de type Fase", que l'on peut voir dans les lampes produites par les fabricants d'éclairage madrilènes Lupela, GEI (Gabinete Estudios Industriales) et Ma-Of. Les lampes Fase authentiques sont reconnaissables au nom ou au logo de l'entreprise, qui figure généralement sur le culot ou la douille. Dans les années 1980, Fase a commencé à fabriquer des lampes halogènes. Bien que ces lampes aient été très populaires et novatrices à l'époque, la rupture avec la tradition n'a pas été couronnée de succès et a finalement contribué à la disparition de l'entreprise. Électrifié. En fonctionnement. En bon état de conservation.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 66 - WILLY RIZZO, (Naples, 1928-Paris ,2013). Lampe de table ; Italie, vers 1970. Conçue pour Luminica. Base en laiton et laquée en noir, et abat-jour en tissu dans les tons nude. Peut contenir trois ampoules. Électrifié. En état de marche. En bon état de conservation. Dimensions : 70 x 15 x 15 cm (base), 85 x 76 x 75 cm (lampe complète avec abat-jour). Designer et photographe, Willy Rizzo a commencé sa carrière à Paris, se taillant depuis une solide carrière dans le monde de la photographie. Son activité de designer débute en 1966, lorsqu'il s'installe avec sa femme dans un petit appartement au centre de Rome, qu'il rénove lui-même, en concevant également le mobilier. Bien qu'il n'ait jamais eu l'intention de devenir designer, ses amis ont rapidement commencé à lui passer commande après avoir vu sa maison. En fait, il a compté parmi ses clients des personnalités aussi éminentes que Salvador Dali et Brigitte Bardot. Rizzo a toujours admiré les belles choses, qu'elles soient modernes ou anciennes, et il a donc concentré ses expérimentations esthétiques sur la création de meubles modernes s'intégrant parfaitement à l'ancien. Son style a marqué une époque dans le design italien, étant reconnu comme le créateur de la Dolce Vita. La demande pour ses pièces a atteint une telle ampleur qu'en 1968, il a décidé de créer sa propre entreprise, avec laquelle il a depuis créé de nombreuses pièces, toujours faites à la main, combinant des matériaux nobles tels que le travertin ou le bronze avec d'autres matériaux nettement plus modernes comme l'acier. Il finit par ouvrir des magasins à Paris et dans d'autres villes européennes, ainsi qu'à New York, Miami et Los Angeles. En 1978, Rizzo vend sa société et recentre sa carrière sur la photographie, lassé par la vie des affaires. Pendant les dix années où il a conçu des meubles, Rizzo, grand admirateur de Mies van der Rohe, Le Corbusier et Ruhlmann, a développé un style facilement reconnaissable aujourd'hui encore. Il s'agit de pièces aux lignes épurées et aux formes géométriques, réalisées dans des matériaux soigneusement sélectionnés. Il est toujours resté fidèle à l'utilisation traditionnelle et artisanale des matériaux, rejetant le système de production de masse et l'utilisation du plastique. Certaines de ses créations ont été exposées au Metropolitan Museum de New York et, plus récemment, à la Madison Mallet Gallery de Londres. Électrifié. En fonctionnement. En bon état de conservation.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 68 - Paire de fauteuils à bascule. Style VLADIMIR KAGAN (Worms, 1927-Floride., 2016). Bois de rose, assise et dossier en tissu. Présente des marques d'usage et d'usure. Nécessite une remise en état. Dimensions : 73 x 75 x 105 cm. Paire de chaises à bascule. Elles suivent les modèles de Vladimir Kagan, que l'on peut apprécier dans la finition artisanale et dans le contraste entre la pureté géométrique du double triangle en bois de rose qui forme la structure et l'organicité de chacun des côtés. Bien que d'origine allemande, Vladimir Kagan a grandi aux États-Unis. Il étudie l'architecture à l'université de Columbia avant de rejoindre l'atelier de menuiserie new-yorkais de son père, le maître ébéniste et collectionneur d'art Illi Kagan. Entre 1950 et 1960, Kagan s'associe au designer textile et imprimeur Hugo Dreyfuss. Les meubles résolument modernes et sculpturaux de Kagan connaissent rapidement le succès. Parmi ses projets, citons les salons de cocktail destinés aux délégués du premier siège des Nations unies à Lake Success, New York (1947-48), le canapé Serpentine (1949) et l'emblématique collection de sièges Omnibus (c. 1970), entre autres. De 1990 à 1992, il a été président de la section new-yorkaise de l'American Society of Interior Designers (ASID). En 1998, il a réintroduit certaines de ses créations classiques à l'International Contemporary Furniture Fair (ICFF) de New York, relançant ainsi officiellement sa carrière. En 2008, il a lancé la collection Vladimir Kagan Couture, qui comprend une sélection de modèles des années 1950 au XXIe siècle. En 2015, Kagan a conçu une collection de meubles d'art en édition limitée pour Carpenters Workshop. Les œuvres du designer font partie de nombreuses collections privées et publiques, notamment le Vitra Design Museum à Weil am Rhein, en Allemagne, le Metropolitan Museum of Art à New York, Die Neue Sammlung à Munich, le San Francisco Museum of Modern Art et le Victoria and Albert Museum à Londres, entre autres. En 1980, le Fashion Institute of Technology de New York a rendu hommage à Kagan en lui consacrant une exposition rétrospective de trente ans : Vladimir Kagan : Trois décennies de design. En 2002, le Brooklyn Museum of Art lui a décerné un prix pour l'ensemble de sa carrière ; en 2001, le Pinnacle Award de l'American Society of Furniture Designers ; et en 2000, le Lifetime Achievement Award de l'American Society of Furniture Designers.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 71 - Attribué à PIERRE GUARICHE (Paris, 1926-Bandol, France, 1995). Fauteuil, vers 1960. Structure en fer. Tapissé en blanc. Très bon état général. Tapisserie neuve et structure en fer avec une belle patine typique du passage du temps. Dimensions : 85 x 70 x 85 cm ; 40 cm (hauteur du siège). Fauteuil tapissé avec accoudoirs attribué à l'emblématique architecte et designer français Pierre Guariche et produit dans les années soixante. La structure et les pieds aux lignes droites se combinent parfaitement avec l'épais coussin de l'assise et du dossier, créant un ensemble élégant accentué par le contraste entre les pieds noirs et le revêtement blanc. Il s'agit sans aucun doute d'un design au caractère moderne et intemporel marqué. Pierre Guariche était un designer, décorateur d'intérieur et architecte français surtout connu pour les lampes résidentielles qu'il a conçues pour Pierre Disderot dans les années 1950, mais il était également un designer de mobilier et un architecte novateur. Il a étudié à l'École nationale supérieure des arts décoratifs. Il rejoint ensuite l'atelier d'un autre de ses professeurs, Marcel Gascoin. Il commence à exposer ses œuvres au Salon des Arts Ménagers et au Salon des Artistes Décorateurs, lieux d'avant-garde où les créateurs les plus en vue de l'époque exposent leurs œuvres. René-Jean Caillette, Joseph-André Motte, Jean Prouvé, Charlotte Perriand, Antoine Philippon et Jacqueline Lecoq sont quelques-uns des créateurs qui ont exposé leurs œuvres expérimentales dans les salons de l'époque. Après la Seconde Guerre mondiale, l'intérêt pour l'utilisation de nouvelles méthodes et de nouveaux matériaux pour la production de masse de meubles s'est accru. En 1951, Guariche commence à collaborer avec Steiner, un autre grand fabricant de meubles. Il conçoit la chaise innovante "Tonneau", avec une version en plastique et en aluminium en 1953 et une version incurvée en contreplaqué en 1954. Parallèlement, Guariche réalise de nombreux modèles pour le fabricant de luminaires Pierre Disderot, à la recherche d'une alternative moderne, simple et économique à l'opulence des designs français traditionnels.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 78 - JOSEF HOFFMANN (Brtnice, République tchèque, 1870 - Vienne, 1956) pour Wittman. Canapé "Kubus". Revêtement en cuir noir. En bon état. Dimensions : 72 x 166 x 77 cm. Conçu par Josef Hoffmann en 1910, le canapé avant-gardiste Kubus se caractérise par son revêtement en forme de cube. Il s'agit d'un modèle intemporel qui reflète les lignes géométriques strictes du designer. Architecte et designer industriel, Josef Hoffmann étudie à l'Académie des arts appliqués de Vienne, où il est le disciple de Carl Freiherr von Hasenauer et d'Otto Wagner, dont les théories sur l'architecture fonctionnelle et moderne influenceront profondément son travail. Il remporte le prix de Rome en 1895 et rejoint l'année suivante le bureau de Wagner, collaborant avec Olbrich sur certains projets pour le Metropolitan. Il fonde son propre bureau en 1898 et enseigne à l'École des arts décoratifs de Vienne de 1899 à 1936. Il est également l'un des membres fondateurs de la Sécession viennoise. En 1900, il se rend à Londres, où il entre en contact avec l'école anglaise et découvre Mackintosh. À son retour, il crée un atelier de fabrication d'objets d'après les dessins des artistes de la Sécession. C'est ainsi que naît la Wiener Werkstätte, un atelier qui exercera une grande influence sur le design industriel du XXe siècle. En 1903, la production commence à l'échelle internationale. Tout au long de sa vie, Hoffmann a réalisé divers projets de bâtiments et d'ameublement et a exposé ses créations dans le monde entier. Il est actuellement représenté au MAK et au Leopold Museum de Vienne, au Metropolitan et au MoMA de New York, au Brohan de Berlin, au Courtauld Institute de Londres et au Victoria & Albert de Londres, entre autres.

Estim. 5 000 - 5 500 EUR

Lot 80 - LUIS PEREZ DE LA OLIVA (Espagne, milieu du XXe siècle) pour GRIN LUZ/FASE. Lampe de table "Concorde/Tiburon", 1967. Métal laqué et bois massif. Dimensions : 55 x 31 x 42 cm : 55 x 31 x 42 cm. Lampe de bureau Concorde avec un abat-jour inclinable qui offre différents angles d'éclairage. Elle repose sur une base circulaire d'où émerge la tige courbe en bois sur laquelle repose une structure métallique. L'abat-jour inclinable est suspendu à cette dernière. Les lampes Fase se distinguent par leur design impeccable, leur fonctionnalité et la qualité des matériaux. Véritable emblème de la fabrication espagnole, Fase a exporté ses luminaires dans plus de 32 pays au cours des 30 dernières années. Le fabricant espagnol de luminaires Fase a été fondé à Madrid en 1964 par le designer industriel Pedro Martín. M. Martín a d'abord vendu ses lampes autoproduites sur les marchés, avant d'établir avec succès une usine à Torrejón de Ardoz, juste à l'extérieur de Madrid. Dans les années 1970, Fase était un acteur majeur de l'industrie manufacturière espagnole, contribuant à une économie en proie aux crises pétrolières et à une transition difficile vers la démocratie. Pendant plus de trois décennies, Fase a vendu des éclairages à 32 pays différents, ses marchés les plus importants étant le Royaume-Uni, la France, l'Italie, l'Allemagne, les Émirats arabes unis, le Japon, le Canada et les États-Unis. Malgré le succès commercial de Fase, les informations sur l'entreprise et son histoire sont rares et les sources souvent contradictoires. Les premiers modèles de Fase sont considérés comme modernes, avec des combinaisons originales de métaux tels que le chrome et l'acier, avec du marbre et du bois, dans une gamme de couleurs vives. Souvent, les luminaires pouvaient également être déplacés grâce à un système pivotant sophistiqué conçu par les premiers designers de Fase, qui est rapidement devenu une marque de fabrique, au même titre que les diffuseurs en verre. Parmi les modèles importants de Fase, citons Boomerang 64, Boomerang 2000, 520, Faro et President, qui auraient tous été conçus dans les années 1960. À partir des années 1970, Fase a introduit des modèles modernes d'inspiration italienne et Bauhaus auprès d'un public espagnol qui, sortant de la période franquiste, n'était pas familiarisé avec les styles les plus emblématiques du XXe siècle. En plus de combiner des matériaux traditionnels tels que le bois avec une esthétique moderniste, Fase a créé de nombreuses lampes dans un style tout à fait moderniste. Parmi les lampes de cette période, citons la Tharsis et la Babylon, toutes deux en chrome mais avec des lampes simples et doubles respectivement, ainsi que la Harpoon et l'Impala en acier inoxydable (toutes des années 1970). Les concepteurs d'éclairage et les ouvriers de Fase restent largement anonymes, ce qui explique que de nombreuses lampes soient faussement présentées comme étant produites par le fabricant espagnol, donnant naissance à tout un genre d'éclairage "de type Fase", que l'on peut voir dans les lampes produites par les fabricants d'éclairage madrilènes Lupela, GEI (Gabinete Estudios Industriales) et Ma-Of. Les lampes Fase authentiques peuvent être identifiées par le nom ou le logo de l'entreprise, qui se trouve généralement sur le culot ou la douille. Dans les années 1980, Fase a commencé à fabriquer des lampes halogènes. Bien que ces lampes aient été très populaires et novatrices à l'époque, la rupture avec la tradition n'a pas été couronnée de succès et a finalement contribué à la disparition de l'entreprise.

Estim. 900 - 1 000 EUR

Lot 82 - ADO CHALE (Bruxelles, 1928). Paire de bols "Pin". En bronze. En bon état. Dimensions : 4,5 x 15 x 13 cm et 4 x 9,5 cm : 4,5 x 15 x 13 cm et 4 x 9,5 cm. Avec ses créations en bronze et en aluminium, Ado Chale développe de nouvelles formes et surfaces, tout en séduisant le marché contemporain. Autodidacte, Ado Chale a travaillé dans sa jeunesse comme forgeron et dans un atelier de tôlerie. Sa passion pour la minéralogie naît dans les années 1950 lors d'un voyage en Allemagne. Plus tard, en 1962, il ouvre une galerie à Bruxelles où il expose les premières plaques de ciment incrustées de petites marcassites collectées au pied des falaises du nord de la France. À la fin des années 1960, il parcourt le monde (Arizona, Inde, Afghanistan, Pakistan, Madagascar, France) à la recherche de pierres semi-précieuses. Parmi ses matériaux de prédilection figurent le séquoia fossilisé, la malachite, l'agate calcédoine, la cornaline, la rhodochrosite, le lapis-lazuli, le jade, l'hématite, l'œil de tigre, le jaspe, la turquoise ou l'améthyste, éléments coulés dans de la résine époxy, un nouveau matériau à l'époque qui lui permet d'élargir les possibilités esthétiques : les plateaux sont agrandis et entièrement recouverts de pierres polies au diamant. Des années 1960 aux années 1980, son succès se multiplie et même la Cour de Belgique est séduite par ses créations. Il expose au Musée Galliera à Paris, au Palais des Papes à Avignon et au Musée des Beaux-Arts de Nancy. En 1988, il est invité à exposer au Japon, dans le célèbre magasin de luxe Seibu à Tokyo. Il y attire le marché asiatique. En 2002, il expose à la galerie parisienne d'Yves Gastou, ce qui lui permet d'accroître sa clientèle internationale et lui ouvre la voie à de nombreuses collaborations avec des architectes d'intérieur belges, mais aussi de renommée mondiale, tels qu'Alberto Pinto, Peter Marino et Jacques Grange.

Estim. 3 000 - 3 200 EUR

Lot 83 - GEORGE NELSON (États-Unis, 1908 - 1986) pour VITRA. Ensemble de quatre chaises de bureau "Perch", vers 1990. Assise et dossier en cuir brun foncé, base chromée, Siège réglable en hauteur et pivotant. En bon état, pratiquement neuf. Dimensions : 70 x 70 x 102 cm. Paire de chaises de bureau "Perch" montées sur des roues en plastique noir supportant une base en acier chromé à cinq branches. L'assise et le dossier sont recouverts de cuir noir, réglables en hauteur et pivotants. George Nelson est diplômé en architecture de l'université de Yale (1928) et a ensuite étudié l'art à Rome. Il s'est spécialisé dans le design industriel, d'intérieur et d'exposition et a été, avec Charles et Ray Eames, l'un des pères fondateurs du modernisme américain. Pendant son séjour en Italie, il parcourt l'Europe et rencontre plusieurs pionniers du mouvement moderne, dont Mies van der Rohe. En 1935, il rejoint la rédaction de l'"Architectural Forum", magazine dont il deviendra d'abord rédacteur en chef adjoint jusqu'en 1943, puis conseiller éditorial jusqu'en 1949. Durant cette période, il travaille avec Frank Lloyd Wright sur un numéro spécial du magazine, qui marque le retour de Wright sur la scène de l'époque. Nelson défend, parfois avec acharnement, les principes du mouvement moderne, jusqu'à irriter nombre de ses collègues qui, en tant que designers industriels, font, selon lui, trop de concessions aux forces commerciales de l'industrie. L'Américain estime que le travail du designer doit servir à améliorer le monde car, selon lui, la nature est déjà parfaite et l'homme la gâche en créant des choses qui ne suivent pas vraiment les règles naturelles. En 1945, Nelson commence à travailler pour la firme Herman Miller, et c'est à ce moment-là qu'il commence réellement à concevoir des meubles, en occupant le poste de directeur du design. La même année, la première collection de Nelson pour la firme est publiée, marquant le début d'une collaboration qui aboutira à certains des meubles les plus célèbres du XXe siècle. Aujourd'hui, ses créations sont exposées au Vitra Museum of Design (il a commencé à collaborer avec l'entreprise en 1957) et au MoMA de New York, parmi de nombreuses autres collections publiques et privées.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 84 - EERO SAARINEN (Finlande, 1910 - États-Unis, 1961) pour KNOLL. Ensemble de huit chaises "Tulilp". Polyester renforcé de fibre de verre et aluminium moulé. Assise tapissée noire. Avec l'étiquette Knoll. Montre des signes d'utilisation. Dimensions : 81 x 44 x 51 cm. Ensemble de huit chaises "Tulip", un design iconique créé par Saarinen entre 1955 et 1956 pour l'entreprise new-yorkaise Knoll. Il s'agit d'un meuble caractérisé par les lignes douces du mouvement moderne et l'utilisation innovante des matériaux. Elle est aujourd'hui considérée comme un classique du design industriel et a valu à son créateur le MoMA Award (1969), le Federal Award for Industrial Design (1969) et le Stuttgart Design Center Award (1962). Saarinen a d'abord étudié la sculpture à l'Académie de la Grande Chaumière à Paris, puis l'architecture à l'université de Yale. Il a ensuite poursuivi ses études en Europe grâce à une bourse et, à son retour, a occupé un poste d'enseignant à la Cranbrook Academy, l'une des plus importantes écoles d'architecture et de design industriel des États-Unis. En 1937, il commence à dessiner des meubles en collaboration avec Charles Eames et remporte le prix 1940 du concours "Organic Design in Home Furnishings" organisé par le Museum of Modern Art de New York. Plus tard, en tant que designer indépendant, Saarinen a créé des meubles pour Knoll International. Aujourd'hui, ses créations sont présentes dans les plus grandes collections du monde, dont le MoMA de New York.

Estim. 4 000 - 4 500 EUR

Lot 86 - MARIA PERGAY (Roumanie, 1930-France, 2023). Paire de lampes, vers 1970. Pièces uniques. Résine laquée noire ornée de tiges asymétriques en métal doré et chromé. En état de marche. En bon état. Utilisé, avec de légères marques d'usage. Dimensions : 71 x 7 x 7 x 7 cm ; 108 cm (hauteur totale). De parents russes mais née en Roumanie, Maria Pergay émigre à Paris en 1937, alors qu'elle n'a que 7 ans. Elle suit les cours de l'Institut français d'études cinématographiques, où elle étudie la couture et la scénographie, tout en fréquentant l'académie du sculpteur russe Ossip Zadkine. Sa carrière artistique débute par la création d'objets en métal pour la vitrine d'un magasin de Haute Couture à Paris, ce qui lui permet de se faire une place en tant que créatrice d'objets pour Hermès et Dior (pour qui elle dessine des coupe-papier, des bougeoirs...). Surnommée dès lors "Madame Acier" en raison de sa prédilection pour ce matériau, Maria Pergay reçoit une proposition d'Uginox, premier fabricant français d'acier, pour s'investir pleinement dans la création d'objets réalisés dans ce matériau. Il convient de noter que lorsque Maria Pergay a commencé ses créations, le mouvement moderne français de l'après-guerre battait son plein, essayant de les rendre conformes au niveau élevé de consommation de la société française. Deux de ses premières créations, le Ring Chair et le Flying Carpet, ont été exposées pour la première fois à la galerie parisienne Maison et Jardin. Aujourd'hui, son travail a influencé des artistes tels que Salvador Dalí, Pierre Cardin, Givenchy et même Jordi Labanda. Ses œuvres sont conservées au Metropolitan Museum of Art de New York ; la galerie new-yorkaise Demisch Danant a accueilli sa première rétrospective en 2006. Son installation Metamorphosis a été exposée à la foire Design 2013 Miami.

Estim. 8 000 - 9 000 EUR

Lot 87 - ALDO TURA (Italie, 1909-1963). Meuble bar, vers 1960. Bois laqué, palissandre et laiton. Clé incluse. Dimensions : 154 x 80 x 40 cm. Ce meuble de bar très personnel montre la confluence des intérêts qui motivaient les créations d'Aldo Tura et leur donnaient un cachet singulier, comme l'expérimentation de différents matériaux ou des traitements de surface peu orthodoxes : voyez ici la patine attrayante obtenue avec le laquage brunâtre des deux portes semi-circulaires, soulignées par des goujons et fixées au meuble avec une quincaillerie attrayante. Aldo Tura a assimilé les préceptes de l'Art déco, mais il est allé au-delà de son héritage minimaliste à la recherche d'un style plus dynamique, avec des échos historicistes. Le meuble de mer à corps rectangulaire, qui abrite un intérieur vitré, repose sur une base tournée à panse globulaire. Les portes s'ouvrent grâce à des poignées en laiton en forme de pierres tournantes. Aldo Tura a commencé sa carrière dans le design expérimental de meubles dans les années 1930. Après les formes nettes et angulaires de l'Art déco, le bois a commencé à être utilisé dans des formes libres, pleines de courbes, et Tura a vu dans ce nouveau goût une nouvelle direction pour le design de meubles. Son travail est une combinaison significative de formes libres et désinhibées, parfois exceptionnellement ironiques. Ses créations sont également des exemples de la plus haute qualité artisanale, souvent produites en série limitée, voire en prototype. Dans les années 1950, Tura a découvert le charme évocateur des meubles peints avec des vues architecturales vénitiennes, et a également commencé à expérimenter divers matériaux, tels que la coquille d'œuf, le parchemin, la peau de chèvre ou les placages de bois.

Estim. 4 500 - 5 000 EUR

Lot 89 - MARC NEWSON (Sidney, 1963) pour FLOS. Paire de lampadaires "Helix", 1993. Métal. En bon état. Avec l'étiquette Flos sur la base. Dimensions : 190 x 30 x 30 cm. La lampe Hélice a une structure à la fois simple et complexe : la tige centrale traverse la base et l'abat-jour supérieur sans sembler en toucher les côtés, comme s'il s'agissait d'un trou noir. Le diffuseur de lumière est placé sur l'écran supérieur et éclaire très subtilement la tige, rappelant en quelque sorte un OVNI. Marc Newson a réalisé sa première exposition personnelle à l'âge de 23 ans grâce à une bourse de l'Australian Crafts Council. Deux ans plus tard, il créait son emblématique Lockheed Lounge, une chaise longue dont on dit qu'elle est l'œuvre la plus chère d'un designer vivant à être vendue aux enchères. Son succès précoce a conduit Newson à travailler avec un large éventail de clients, dont Louis Vuitton, Montblanc, Hermès, Nike, Dom Pérignon, Jaeger-LeCoultre et Ferrari. Il a également été directeur créatif de Qantas Airways de 2005 à 2015 et a participé à la conception de l'Apple Watch. Depuis, il occupe le poste de concepteur de projets spéciaux pour Apple. En 2019, il a fondé le collectif créatif LoveFrom avec Sir Jonathan Ive. Il est représenté par la Galerie kreo et est également le seul designer industriel représenté par Gagosian. Son travail fait partie des collections permanentes de plus de 40 institutions dans le monde.

Estim. 4 000 - 4 500 EUR

Lot 93 - PINO SIGNORETTO (Favaro Veneto, Italie, 1944-Murano, 2017). "Tête de cheval". Verre et métal. Dimensions : 75 x 47 x 46 cm. Né dans la ville vénitienne de Favaro Veneto, l'artiste verrier Pino Signoretto a commencé sa carrière à l'âge de dix ans, en 1954, lorsqu'il est allé travailler dans une usine de lampes. Quatre ans plus tard, il commence à se former artistiquement auprès du maître Alfredo Barbini, mais aussi auprès d'autres personnes comme Livio et Angelo Seguso ou Ermanno Nason. Il devient finalement maître verrier en 1960. Entre 1961 et 1977, il travaille dans une usine et acquiert une compréhension profonde et une connaissance technique complète du travail du verre. En 1978, il ouvre son propre atelier à Murano. De cette date à 1984, il collabore avec des artistes et des architectes de prestige, tels que Dali, Dal Pezzo Dal et d'autres. En 1985, il se rend au Japon, la première de ses nombreuses visites dans ce pays. Quatre ans plus tard, il fait une démonstration de son travail devant la famille impériale japonaise et plusieurs de ses œuvres font partie de la collection permanente du musée d'art vénitien de la ville d'Otaru. Depuis lors, Signoretto a développé une brillante carrière, collaborant avec d'importantes figures de l'art contemporain telles que Jeff Koons et organisant d'importantes expositions dans le monde entier. Il a également reçu d'importantes récompenses, comme le Gallo d'Oro di Murano (2002). Actuellement, ses œuvres sont présentes dans des musées tels que le Glass Museum of Corning (New York) et Nagoya, ainsi que dans d'importantes collections privées à travers le monde.

Estim. 3 500 - 3 700 EUR

Lot 94 - JOAN ANTONI BLANC (Tortosa, 1940) pour Tramo. Lampe de table Cilindro, 1967. Méthacrylate blanc. En bon état avec de légères marques d'utilisation. Dimensions : 40 x 20,5 cm. Celle que nous présentons aujourd'hui est une lampe d'une grande pureté de lignes, basée sur des formes et des matériaux élémentaires, composée d'un cylindre moulé en méthacrylate blanc avec un cercle perforé à travers lequel la lumière est projetée et une fine bande métallique qui permet de fixer la douille de la lampe. Joan Antoni Blanc a été l'un des fondateurs de l'école Eina et l'un des principaux défenseurs de la nécessité d'incorporer des connaissances technologiques et d'orienter le design vers des applications industrielles. Il s'est spécialisé dans le domaine du design, notamment dans le mobilier et l'éclairage appliqués à l'environnement domestique, urbain et de bureau, bien qu'il ait également développé plusieurs designs liés au nautisme, à l'automobile et à la motocyclette. En 1972, il a créé "Estudi de Disseny Blanc", en intégrant comme assistant Pau Joan Vidal, un designer industriel formé dans les écoles Massana et Elisava, qui est devenu par la suite son associé. Il a également été président de l'Association des designers professionnels entre 1986 et 1989 et a participé à la création de BCD. Parmi les produits développés par Blanc, la lampe "Cónica" (Delta de Oro ADI-FAD en 1965), le système d'armoires et de tiroirs "Cubiform", la lampe "semi-sphérique" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966), l'ensemble d'éléments extensibles "Torre de Babel", la lampe "globe" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966), l'ensemble d'éléments extensibles "Torre de Babel", la lampe "globe" (Delta de Oro ADI-FAD en 1966) et le système d'armoires et de tiroirs "Torre de Babel", la lampe "Globe" (Delta de plata ADI-FAD en 1968), le système d'étagères et de conteneurs "Perfils", la lampe "Sinclina" (Delta de plata ADI-FAD et prix du meilleur design espagnol à la foire de Madrid en 1991), le système d'étagères "Prima 1000" et la lampe "Escala". Le musée du design de Barcelone conserve une partie de son fonds documentaire et trois pièces conçues par Joan Antoni Blanc : l'armoire "Cubiform" et les lampadaires "Escala" et "Sinclina".

Estim. 1 000 - 1 100 EUR

Lot 95 - VINCENT MARTINEZ BURJASSOT (Valencia, 1949) pour Punt Mobles. Table "Halley", 1986. Métal et bois laqué. Plateau en verre. Dimensions : 72 x 90 x 90 cm. La table Halley se distingue par sa géométrie précise et linéaire qui cherche, dans sa contradiction constructive, à rappeler la projection d'une comète. Sa matérialité est façonnée par la combinaison du bois et du métal. Elle a été reconnue par le Staatliches Museum für Angewandte, Munich, Allemagne. "Le moment où la pensée devient un objet est passionnant, les projets sont avant tout des idées. Les idées sont irréelles jusqu'à ce que l'action les insère dans le réel. L'utilisateur comme référent. Concevoir pour un monde où la qualité de vie de tous est meilleure", déclare Vicent Martínez. L'importance de Vicent Martínez se reflète dans sa présence dans des musées tels que le Museu d'Arts Decoratives. Barcelone, Espagne : Bibliothèque La Torre, table Anaconda, collection modulaire Concert et bibliothèque Literatura Classic. 1994 ; dépôt des archives personnelles et professionnelles 1965-2010 à l'Arxiu Valencià del Disseny. 2019 ; Musée Fur Musem fur Angewandte Kunst. Cologne, Allemagne : Shelves Literatura Classic et La Torre. 1992 et le Staatliches Museum für Angewandte. Munich, Allemagne : Halley et Tables magiques. 1992. Tout au long de sa carrière d'artiste, il a participé à l'IVAM. Design valencien 2009-2019 Alcoi Venue. 2020 ; 30 ans de littérature classique. École d'art et de design de Valence. 2015, ainsi qu'à d'autres expositions importantes.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 99 - JORDI VILANOVA (Barcelone, 1925-1998). Paire de suspensions "Campana", années 60. Acier inoxydable et abat-jour en méthacrylate. Dimensions : 55 x 35 x 35 cm : 55 x 35 x 35 cm. Trois bras en acier inoxydable poli soutiennent un écran conique en méthacrylate de grandes dimensions qui rappelle à l'ensemble la forme d'une cloche. Le tout est assemblé au moyen de différentes pièces artisanales en acier inoxydable qui confèrent à la lampe une finition élégante. C'est un bon exemple de la combinaison par Vilanova de matériaux et de techniques traditionnels avec de nouveaux matériaux industriels. Architecte d'intérieur et ébéniste catalan, Jordi Vilanova est entré à l'École du travail et des métiers artistiques de La Lonja en 1939. Il a complété sa formation dans l'atelier de Busquets et, entre 1940 et 1953, il a collaboré à l'atelier de Lluís Gili. Jordi Vilanova a été le fondateur et le promoteur de la revue d'art catalane "Questions d'Art" (1967-74). En 1974, il a ouvert un local avec une exposition permanente de meubles et de tissus d'ameublement de sa propre conception, faisant partie du Collège officiel des décorateurs d'intérieur et des designers de Barcelone et de la SAD. Son mobilier moderne et sa façon de résoudre les espaces s'adressaient initialement à un large public aux ressources économiques limitées et, par conséquent, à des foyers à l'espace de vie réduit. Cependant, cette grande majorité n'a pas compris sa proposition. C'est plutôt la bourgeoisie catalane, désireuse de rompre avec des canons stylistiques dépassés, qui adopte son travail. Il se spécialise dans le mobilier pour enfants, comme le tabouret Delta, qui remporte le prix Delta de Plata décerné par l'ADI/FAD en 1964. Il a exposé ses œuvres en Scandinavie. Parmi ses créations les plus représentatives, citons les chaises Tiracord et Billar (1961), le lit superposé Montseny MP (1961), les chaises à bascule Tartera (1966) et Petit (1978) et le porte-revues Z (1987) conçu avec son fils Pau Vilanova Vila-Abadal. Il est actuellement représenté au musée du design de Barcelone.

Estim. 2 000 - 2 100 EUR
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