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mercredi 04 sept. à : 11:00 (CEST)

Découvertes d'art asiatique Jour 2 - Découvertes d'art japonais, indien et d'Asie du Sud-Est

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Lot 744 - PEINTURE DE KANZAN ET JITTOKU DE L'ÉCOLE DE KANO PEINTURE DE L'ÉCOLE DE KANO REPRÉSENTANT KANZAN ET JITTOKU Japon, 18 siècle, Période Edo (1615-1868) Encre et aquarelles sur papier. Dans un cadre d'époque, derrière une vitre. Représentant les deux célèbres immortels Kanzan (Hanshan) et Jittoku (Shide), ce dernier tenant un balai, alors que le duo lève la tête pour observer la lune. Taille de l'image 26,6 x 11 cm, Taille avec cadre 47 x 35,2 cm État de conservation : Bon état avec une usure mineure et des taches mineures. Quelques trous de vers. Solidement monté sur un cadre en papier. Provenance : Ex-collection Teddy Hahn, Darmstadt. Une copie d'un reçu, daté de juillet 1981, attribuant l'œuvre à Kano Michinobu (1730-1790) et indiquant la valeur du présent lot à "DM 1,800", accompagne ce lot. Theodor "Teddy" Hahn était un collectionneur réputé et respecté de netsuke et d'autres œuvres d'art asiatiques. Après avoir passé du temps dans les musées pour étudier les premières cultures du monde et avoir trouvé un intérêt particulier dans leurs sculptures, il a commencé à collectionner, remarquant : "Je savais d'une certaine manière que cela aurait une influence profonde sur ma vie. Comme j'avais raison. Et combien j'ai été heureux". Comparaison avec une vente aux enchères : Comparez une peinture apparentée de Kanzan et Jittoku, par Kano Eino (1631-1696), chez Bonhams, Fine Japanese Art, 12 novembre 2015, Londres, lot 203 ( vendue pour 3 500 GBP).

Estim. 500 - 1 000 EUR

Lot 745 - SOGA SHOHAKU (1730-1781) : UN IMPORTANT ENSEMBLE DE CINQ PEINTURES SUR ROULEAU REPRÉSENTANT DES OISEAUX DE PROIE SOGA SHOHAKU (1730-1781) : UN ENSEMBLE IMPORTANT DE CINQ PEINTURES SUR ROULEAU AVEC DES OISEAUX DE PROIE Japon, 18 siècle. Encre sur papier. Montés en rouleaux suspendus, sur papier, avec des poignées en bois. Cet ensemble de cinq peintures représente des oiseaux de proie finement détaillés, perchés à la cime des arbres, observant des paysages variés. (5) Inscriptions : Trois peintures portent les sceaux "Joki" 如鬼 et "Jasokuken Shohaku" 蛇足軒蕭白. Deux peintures sont scellées "Joki" 如鬼 et "Shohaku" 蕭白. Provenance : De la collection de Felix Tikotin, puis par filiation au sein de la famille. Felix Tikotin (1893-1986) était architecte, collectionneur d'art et fondateur du premier musée d'art japonais au Moyen-Orient. Né à Glogau, en Allemagne, dans une famille juive, ses ancêtres, originaires d'une ville nommée Tykocin, étaient revenus de Russie avec Napoléon. Il grandit à Dresde et, après la Première Guerre mondiale, il se rend au Japon et tombe immédiatement amoureux de la culture. En avril 1927, il ouvre sa première galerie à Berlin. Toute la famille a survécu à l'Holocauste et, dans les années 1950, Tikotin a lentement repris ses activités de marchand d'art japonais. Il connaît à nouveau un grand succès et une grande notoriété, organisant des expositions dans toute l'Europe et aux États-Unis. Lors de sa première visite en Israël en 1956, il décide que la majeure partie de sa collection doit se trouver dans ce pays. En 1960, le musée Tikotin d'art japonais a été ouvert à Haïfa. État de conservation : Bon état avec une usure mineure, de minuscules semelles, de petits plis et quelques réparations anciennes avec des retouches. Les montages en papier sont dans le même état, avec des plis et des salissures mineures. Dimensions : Taille de l'image ca. 133,5 x 56 cm (chacune), Taille y compris le montage env. 198 x 67 (chacune) Soga Shohaku (1730-1781), de son nom d'origine Miura Sakonjiro, était un peintre japonais du milieu de la période Edo qui tenta de faire revivre le dessin au pinceau des grands maîtres de la période Muromachi. Jeune homme, Shohaku a étudié la peinture sous la direction de Takada Keiho de l'école Kano de Kyoto, mais sa désillusion à l'égard de l'art contemporain l'a conduit à rechercher l'inspiration dans le passé. Il en vint à admirer les œuvres du peintre de Muromachi, Soga Jasoku, et commença à se faire appeler Jasoku ken, ou Jasoku jussei ("le dixième"). Il excellait dans les portraits monochromes à l'encre, qu'il réalisait à l'aide d'un pinceau puissant et de larges traits, comme en témoignent ces cinq panneaux. Nombre de ses peintures sont aujourd'hui conservées dans des musées tels que l'Indianapolis Museum of Art, le Kimbell Art Museum et le Museum of Fine Arts Boston. Comparaison avec un musée : Comparez une peinture très proche de Soga Shohaku, représentant un couple de faucons parmi des branches en fleurs, signée d'un sceau identique, au Indianapolis Museum of Art, numéro d'acquisition 2000.53. Comparaison avec le résultat de la vente aux enchères : Type : Relatif Vente aux enchères : Christie's New York, 22 avril 2015, lot 45 Prix : 81 250 USD ou env. 98 000 EUR convertis et ajustés à l'inflation au moment de la rédaction du présent document. Description : Soga Shohaku (1730-1781), Grues avec tortue et soleil levant Commentaire d'expert : Comparez le motif apparenté. Notez que cet ensemble ne comprend que deux rouleaux suspendus. Notez la taille similaire (chacun 128,6 x 56,8 cm).

Estim. 15 000 - 30 000 EUR

Lot 746 - † IKEGAMI SHUHO : FAUCON SUR UN AFFLEUREMENT ROCHEUX † IKEGAMI SHUHO : FAUCON SUR UN AFFLEUREMENT ROCHEUX Par Ikegami Shuho (1874-1944), signé Shuho avec deux sceaux Shuho et Keiryu/Tsugutaka no in. Japon, période Meiji (1868-1912) à Taisho (1912-1926) Encre, aquarelle et gouache sur soie. Monté comme un rouleau suspendu sur un cadre en brocart de soie avec des poignées en laque rouge. Peinture audacieuse représentant un faucon perché sur un affleurement rocheux, au-dessus de vagues déferlantes. Inscriptions : Signé en haut à droite, "Shuho" 秀畒, deux sceaux "Shuho" 秀畒 et "Keiryu/Tsugutaka no in" [Le sceau de Keiryu/Tsugutaka] 継隆之印. Le verso porte l'inscription "Takazu Shuho hitsu" [Une peinture d'un faucon par Shuho] 鷹図 秀畒筆. Inscrit sur le tomobaku, "Ikegami Shuho taka zu" [Peinture d'un faucon par Ikegami Shuho] 池上秀畒、鷹図. Taille de l'image 123 x 40,5 cm, Taille avec montage 186,5 x 55,7 cm État de conservation : Excellent état avec une usure mineure. Avec une boîte de rangement tomobako portant une inscription. Ikegami Shuho (1874-1944) est né dans la préfecture de Nagano. Il se rend à Tokyo, étudie avec Araki Kanpo (1831-1915) et commence à présenter ses œuvres à l'exposition annuelle de Bunten, remportant le troisième prix en 1914 et le prix spécial en 1916 et 1917. Il est nommé adjudicateur des expositions Teiten en 1933. Il excelle dans la peinture de paysages et d'oiseaux et de fleurs. Comparaison avec un musée : Comparez une peinture sur rouleau apparentée, représentant une grue au nid, réalisée par Ikegami Shuho et conservée dans la collection du Musée national d'art moderne de Tokyo. Comparaison avec une vente aux enchères : Comparez une peinture sur rouleau apparentée représentant un couple de cerfs, par Ikegami Shuho, chez Bonhams, Fine Japanese Art, 5 novembre 2020, Londres, lot 321 ( vendue pour 3 188 GBP). Une TVA de 13 % sera ajoutée au prix d'adjudication en plus de la prime de l'acheteur - uniquement pour les acheteurs au sein de l'UE.

Estim. 500 - 1 000 EUR

Lot 747 - UNKOKU TORYU (1804-1895) : LES AIGLES ET LES FLEURS UNKOKU TORYU (1804-1895) : 'AIGLES ET FLEURS' Japon, 19 siècle. Encre, aquarelle, gouache et peinture à l'or sur soie. Monté comme un rouleau suspendu, sur un cadre en brocart de soie avec des poignées en bois. Peint de façon vivante, ce tableau représente un couple d'aigles, l'un nettoyant sa serpe tandis que l'autre, perché sur une branche de prunier, regarde le paysage avec des pivoines en fleurs et un ruisseau jaillissant. Inscriptions : Sur le bord gauche, signé "Sesshu matsuyo ...chusai Yoshi ga" 雪舟末葉O中斎容之画 ("Peint par Yoshi, un descendant de l'école de Sesshu Toyo"). Deux sceaux, "Yoshi no in" 容之之印 ("Le sceau de Yoshi") et "Tokei" 等谿 (等渓). La boîte porte l'inscription "4e mois de Meiji 6" (correspondant à 1873). L'inscription de la boîte (hakogaki) dit : "Ce rouleau a été donné à un homme qui vivait dans la région de Doma de la province de Sekishu (actuelle préfecture de Shimane). La personne qui a inscrit cette inscription vivait à Tanshu (Tajima), dans l'actuelle préfecture de Hyogo, près de Kyoto. L'étiquette blanche sur le couvercle de la boîte mentionne Sesshu de Sesshu Toyo, le père de l'école d'Unkoku. État de conservation : Très bon état avec des traces d'usure et des taches mineures, quelques légères retouches sur l'arrière-plan, pas sur les images. Le cadre en brocart présente une usure normale et des traces d'âge. Dimensions : Taille de l'image 120,5 x 54,2 cm, Taille y compris le montage 212 x 68 cm Avec une boîte de rangement tomobako portant une inscription. (2) Unkoku Toryu (1804-1895) était un peintre important de la période Edo. Il a fondé sa propre école, l'école de peinture d'Unkoku, et a établi le style de son école à Chugoku et dans la région du nord de Kyushu. Il a peint des paysages à l'encre de Chine dans la tradition de Sesshu, proclamant que son école était le successeur direct de Sesshu. Parmi ses élèves figurent les célèbres Tooku Unkoku, qui a servi Terumoto Mori, Toeki Unkoku et Toji Unkoku. L'école Sesshu, fondée par Sesshu Toyo, est réputée pour son approche particulière de la peinture à l'encre. Influencée par l'art chinois, l'école met l'accent sur l'encre monochrome (sumi-e) et les coups de pinceau audacieux. Sesshū, moine bouddhiste zen et artiste reconnu, a incorporé des techniques issues des traditions picturales chinoises, comme les styles des Song du Sud et des lettrés de la dynastie Yuan. Ses paysages sont célèbres pour leurs compositions dynamiques et leurs techniques d'encre expressives, capturant l'essence de la nature avec simplicité et puissance. Les enseignements et la philosophie artistique de Sesshū se sont transmis de génération en génération, façonnant de manière significative la peinture à l'encre japonaise pendant la période Muromachi et laissant un héritage durable dans l'art japonais.

Estim. 800 - 1 600 EUR

Lot 748 - PEINTURE EN VERRE INVERSÉ ET INCRUSTATION DE NACRE D'UNE VUE DU MONT FUJI PEINTURE EN VERRE INVERSÉ ET INCRUSTATION DE NACRE D'UNE VUE DU MONT FUJI Japon, fin 19e - début 20e siècle Cette peinture représente un paysage montagneux avec une vue du mont Fuji à l'arrière-plan. Une maison sur pilotis se trouve sur la rive d'une rivière sinueuse. L'ensemble se trouve dans un cadre d'époque. Provenance : D'une collection privée à Zagreb, Croatie. État de conservation : Très bon état avec une usure mineure. Léger écaillage. Le cadre présente des signes d'usure et d'âge. Taille de l'image 35 x 50 cm, Taille y compris le montage 43 x 57,8 cm Le transfert de connaissances des traditions hollandaise et chinoise de la peinture sur verre inversé a d'abord eu lieu dans la ville de Nagasaki, où un certain nombre d'artistes locaux ont reçu des aspects des deux traditions et ont créé un nouveau genre d'art japonais. Avec le temps, cette forme d'art s'est répandue dans d'autres régions du Japon, où elle a repris des thèmes typiques des médias visuels japonais, tels que les belles femmes, les acteurs de kabuki et les paysages. Les liens intermédiaux avec les gravures sur bois sont devenus un élément clé de la tradition japonaise de la peinture sur verre inversé et, avec l'avènement des nouveaux médias à la fin du dix-neuvième siècle, la photographie a été intégrée à cette forme d'art. Comparaison documentaire : Comparez une peinture sur verre inversé étroitement liée à une vue du mont Fuji avec des incrustations de nacre, dans la collection des collections d'art de l'État de Dresde, numéro d'inventaire 52961.

Estim. 150 - 300 EUR

Lot 749 - MAKI OZAN : PEINTURE SUR ROULEAU D'UNE AIGRETTE ET D'UN PIN MAKI OZAN : UNE PEINTURE À ROULEAU D'UNE AIGRETTE ET D'UN PIN Par Maki Ozan (actif vers 1890-1920), signé Shunokaku Ozan avec deux sceaux Bokujitsu no in et Bokudo Japon, daté 1918, période Taisho (1912-1926) Encre, aquarelle et gouache sur soie. Monté sur un cadre en brocart de soie et papier, avec des jikusaki (extrémités des rouleaux) en ivoire. Représentation d'une aigrette, éclairée par la lumière de la lune, perchée sur une branche de pin escarpée. Inscriptions : Signé sur le bord inférieur droit, "Shunokaku Ozan" [Ozan, le nom de l'atelier Shunokaku] 春王閣、桜山, deux sceaux "Bokujitsu no in" [Le sceau de Bokujitsu] 牧實之印 et "Bokudo" 牧童. Inscrit sur le tomobako par l'artiste, "Gekka shirasagi no zu, kinuhon hitahaba" [Peinture d'une aigrette blanche sous la lune, rouleau suspendu au format vertical sur soie]. 月下白鷺図、絹本直幅. Inscrit au verso du couvercle, "Toshi tsuchinoe-uma shigatsu kajo nite, Shunokaku Ozan mizukara daisu" [Peint en avril près du château (Kitsuki) avec des fleurs de cerisier, inscrit par moi-même Ozan, Shunokaku, en l'an du Taisho 7 (1918)]. 歳在戊午四月於華城、春王閣桜山自題, avec le sceau "Shiso" 子叟. Taille de l'image 136 x 50,5 cm, Taille avec montage 200 x 65 cm État de conservation : Très bon état avec des usures et des rousseurs mineures. Le cadre présente les traces habituelles d'usure et d'âge. Avis important : Veuillez noter que nous devrons retirer les extrémités des rouleaux en ivoire avant l'expédition / la remise de l'article. Les extrémités des rouleaux ne font pas partie de cette offre. Avec une boîte de rangement tomobako portant une inscription.

Estim. 600 - 1 200 EUR

Lot 750 - NAKAJIMA KAHO : UNE BELLE PEINTURE DE L'ECOLE MARUYAMA D'UN SINGE SOUS UN MARRONNIER NAKAJIMA KAHO : UNE BELLE PEINTURE DE L'ÉCOLE DE MARUYAMA REPRÉSENTANT UN SINGE SOUS UN MARRONNIER Par Nakajima Kaho (1866-1939), signé Kaho avec sceau Japon, fin du 19 siècle au début du 20 siècle, période Meiji (1868-1912) Encre et aquarelles sur soie. Monté comme un rouleau suspendu sur un cadre en brocart de soie, avec des jikusaki (extrémités des rouleaux) en os. Cette charmante peinture représente un singe corpulent assis, la tête levée, qui grignote distraitement quelques baies, tout en regardant la châtaigne qui pend à la branche au-dessus de lui. Inscriptions : Signé 'Kaho' 華鳳 avec un sceau dans la marge gauche. Une étiquette d'éditeur au dos, 'Hachijuyon go, Kaho Sensei, Saru ni Kuri' [No. 84, Maître Kaho, Singe et Châtaigne] 八十四号 華鳳先生 猿ニ栗. Inscrit au dos, "nom du peintre Kaho Nakajima, environ 100 ans". Taille de l'image 111 x 41 cm, Taille avec montage 195 x 51 cm État de conservation : Bon état avec usure. Quelques plis, taches et deux déchirures. Un jiku a été perdu. Provenance : Un reçu partiel de Tessai-Do. Co, Nawate Sanjo Minami, Kyoto, Japon, daté du 5 octobre 1967, au dos. Nakajima Kaho (1866-1939) a étudié la peinture avec Mori Kansai (1814-1892) et la calligraphie avec Tomioka Tessai (1836-1924). À ses débuts, Kaho était un peintre doué dans la tradition de Maruyama-Shijo. À partir de la fin des années 1910, il préfère suivre les voies des peintres du 18 siècle, Rosetsu (1754-1799), Ito Jakuchu (1716-1800) et Yosa Buson (1716-1783).

Estim. 500 - 1 000 EUR

Lot 751 - NAGASAWA ROSETSU (1754-1799) : KAKI AVEC FEUILLES D'AUTOMNE ROUGES ET CHIOTS NAGASAWA ROSETSU (1754-1799) : KAKI AVEC FEUILLES D'AUTOMNE ROUGES ET CHIOTS Japon, 18 siècle. Encre et aquarelle sur soie. Monté comme un rouleau suspendu, avec un cadre en papier recouvert de brocart de soie et des poignées en bois. Le pinceau libre et la composition ludique représentent deux chiots couchés assis sous un arbre. Inscriptions : En bas à gauche, signé "Rosetsu". Un sceau, "Gyo" 魚. Le tomobako (boîte de rangement) avec inscriptions, sur le couvercle, inscrit "Rosetsu, Two Puppies", une étiquette de collection sur un côté "Rosetsu komainu-ko (hakushi)" 蘆雪狛子 ("Puppies by Rosetsu"), l'autre côté 第三一七號、蘆雪、柿紅葉狛 ("Numéro 317, Rosetsu, kaki avec feuilles d'automne rouges et chiots"). Provenance : Collection du baron Masuda Takashi, Tokyo, Japon, de bonne réputation. Louis Pappas Works of Art, San Francisco, 8 août 1969. The James and Marilynn Alsdorf Collection, Chicago, acquise auprès de la collection susmentionnée, puis par filiation. Le baron Masuda Takashi (1848-1938) était un industriel, un investisseur et un collectionneur d'art japonais. Entrepreneur de premier plan dans le Japon de l'ère Meiji, de l'ère Taishō et du début de l'ère Shōwa, il est à l'origine de la transformation de Mitsui en zaibatsu grâce à la création d'une société de commerce général, Mitsui Bussan. La collection de Masuda était une légende de son vivant, mais elle a été vendue par son fils après la mort de Masuda en 1938. La majeure partie de la collection aurait été achetée à cette époque par le marchand d'art de Tokyo Setsu Inosuke. Louis Pappas (1926 - 2018) était un important marchand d'art de San Francisco, aux États-Unis. James et Marilynn Alsdorf se sont mariés en 1952 et ont construit une vie centrée sur l'art, la philanthropie et la famille. Étudier et collectionner l'art était leur passion dévorante, qui les a conduits dans le monde entier. Leur esprit d'aventure était unique ; ils sont allés dans des endroits que peu de collectionneurs de l'époque étaient assez curieux et confiants pour explorer. Leur collection s'est diversifiée au fur et à mesure que leurs intérêts se diversifiaient. Ils n'avaient pas de stratégie dans leur collection", se souvient Bridget Alsdorf, la petite-fille du couple. Ils se laissaient guider par ce qui les fascinait et leur procurait du plaisir, par leurs connaissances et leur instinct. Ils formaient une équipe incroyable. En plus d'être de grands collectionneurs, les Alsdorf soutenaient fidèlement les musées et les institutions culturelles de Chicago et des États-Unis, notamment la National Gallery of Art de Washington, le Leigh Block Museum of Art de la Northwestern University et l'Art Institute of Chicago. James Alsdorf a été président de l'AIC de 1975 à 1978, et Marilynn a siégé dans divers comités. En 1967, les Alsdorf se sont joints à d'autres grands collectionneurs de Chicago, dont Edwin et Lindy Bergman et Robert et Beatrice Mayer, pour fonder le Museum of Contemporary Art Chicago, une institution à laquelle ils ont apporté un soutien financier et personnel considérable. Après le décès de James en 1990, Marilynn, qui était surnommée "la reine de la communauté artistique de Chicago", a continué à faire fructifier l'héritage artistique et philanthropique de son mari, en faisant un legs transformateur à l'AIC en 1997 et en finançant un poste de conservateur pour l'art indien et l'art de l'Asie du Sud-Est à l'AIC en 2006. État de conservation : Excellent état avec seulement une usure mineure. Le montage en brocart de soie est en excellent état avec l'usure attendue. Dimensions de l'image : 118,8 x 46 cm : Taille de l'image 118,8 x 46 cm, Taille y compris le montage 211 x 58,5 cm Avec une boîte de rangement tomobako portant une inscription. (2) Suivant le style de son premier maître Maruyama Ōkyo, en particulier ses représentations naturalistes d'animaux, d'oiseaux et de poissons, Rosetsu s'est forgé une réputation de peintre imaginatif et débridé. Nagasawa Rosetsu (1754-1799) était un peintre japonais du 18 siècle de l'école Maruyama, connu pour son style polyvalent. Il est né dans la famille d'un samouraï de rang inférieur. Il a étudié avec Maruyama Ōkyo à Kyoto. Les œuvres de la première période de Rosetsu sont dans le style de Maruyama Ōkyo, bien que les critiques s'accordent à dire que l'habileté de l'élève a rapidement surpassé celle de son maître. Finalement, ils se brouillent et Rosetsu quitte l'école. Après la rupture, il travaille sous le patronage du seigneur féodal de Yodo et accepte des commandes dans plusieurs temples. Ses œuvres sont conservées dans de nombreux musées du monde entier, dont le Dallas Museum of Art, le Walters Art Museum, le Princeton University Art Museum, le Harvard Art Museums, le Los Angeles County Museum of Art, le British Museum, le Minneapolis Institute of Art, et bien d'autres encore. Comparaison avec un musée : Comparez une peinture très proche de Nagasaw Rosetsu au Walters Art Museum, Baltimore, États-Unis, numéro d'acquisition 35.74.

Estim. 900 - 1 800 EUR

Lot 752 - CHOKEI GENMYO : PEINTURE DU PRÊTRE WANG YONGMING SUR ROULEAU SUSPENDU CHOKEI GENMYO : UN ROULEAU SUSPENDU PORTRAITPEINTURE DU PRÊTRE WANG YONGMING Par Chokei Genmyo (mort en 1734), signé nanajugo-o saika unno Cho Keimin ga Japon, 18 siècle, Période Edo (1615-1868) Encre, aquarelle et gouache sur soie. Monté comme un rouleau suspendu sur un cadre en brocart de soie avec des poignées en ivoire. Finement peint avec un portrait commémoratif du prêtre chinois Wang Yongming tenant un chasse-mouches. Inscriptions : Inscrit dans la marge droite : "Fukuto shujin O Eimei (Wang Yongming) ni keihitsu okuru, nanajugo-o saika unno Cho Keimin ga" [Peinture de Wang Yongming qui est le Maître du Futang, avec un adieu affectueux, peinte par (moi-même) le prêtre peintre Chokei Genmyo, à l'âge de 75 ans]. 福唐主人王永明送恵筆、七十五翁済下雲納兆渓明画. Plusieurs sceaux, dont "So Genmyo" [Prêtre Genmyo] 僧O元明et "Chokei" 兆渓. Taille de l'image 96 x 40,6 cm, Taille avec montage 190 x 55 cm État de conservation : Très bon état avec une usure mineure. Quelques plis, de petites déchirures avec des réparations associées, et des rousseurs. Le cadre présente l'usure habituelle et de petites déchirures et pertes le long des bords. Avis important : Veuillez noter que nous devrons retirer les extrémités des rouleaux en ivoire avant l'expédition / la remise de l'article. Les extrémités des rouleaux ne font pas partie de cette offre. Chokei Genmyo (mort en 1734) était un moine peintre qui a vécu pendant la période Edo. Il appartenait à l'école de peinture Obaku et a étudié sous la direction de Tetsugyu Doki au temple Kofuku-ji, à Edo. Il a beaucoup étudié les peintures du légendaire maître peintre Mincho (1352-1431) et s'est inspiré de son héritage.

Estim. 600 - 1 200 EUR

Lot 753 - MARUYAMA OKYO : UNE BELLE PEINTURE DES SEPT DIEUX CHANCEUX (SHICHIFUKUJIN) MARUYAMA OKYO : UNE BELLE PEINTURE DES SEPT DIEUX PORTE-BONHEUR (SHICHIFUKUJIN) Par Maruyama Okyo (1733-1795), signé Okyo avec deux sceaux Okyo no in et Chusen Japon, daté de 1790, période Edo (1615-1868) Encre, aquarelle, peinture à l'or et gouache sur soie. Monté sur un cadre en brocart de soie et placé dans un cadre ancien, derrière une vitre. Une charmante peinture représentant les sept dieux porte-bonheur engagés dans différentes activités et jeux avec de petits garçons qui courent et jouent avec les différents attributs des divinités. Inscriptions : Inscrit et signé dans le coin inférieur droit, "Kansei Kanoeinu Chushun sha, Okyo" [Peint par Okyo au milieu du printemps, Kansei Kanoeinu (correspondant à l'année 1790)]. 寛政庚戌仲春写, 應舉, avec deux sceaux "Okyo no in 應舉之印" [Le sceau d'Okyo] et Chusen 仲選". Chusen était l'un des noms d'art (go) utilisés par Okyo. Taille de l'image 123 x 55 cm, Taille avec cadre 155,5 x 74,5 cm État de conservation : Bon état avec usure. Quelques plis et salissures. Maruyama Okyo (1733-1795), originaire de l'actuel Kameoka, Kyoto, était étudiant à l'école de peinture de Kano. Il a acquis une grande renommée après sa première commande, les Sept malheurs et sept fortunes. À mesure que son image grandit, Okyo fonde sa propre école à Kyoto, l'école de peinture Maruyama, qui se consacre à son style mêlant le naturalisme occidental et les motifs décoratifs orientaux. Il enseigne à ses élèves à s'appuyer sur la nature pour rendre les images dans un tableau réaliste de lumière, d'ombre et de formes. L'école devint populaire et des succursales apparurent bientôt dans d'autres villes, notamment à Osaka. Une grande partie des œuvres de l'école est aujourd'hui conservée au Daijo-ji, un temple de Kasumi. Parmi les élèves remarquables, on compte le fils d'Okyo, Maruyama Ozui, Nagasawa Rosetsu et Matsumura Goshun.

Estim. 600 - 1 200 EUR

Lot 754 - PEINTURE SUR ROULEAU BOUDDHISTE DE LA DIVINITÉ INARI, 18E SIÈCLE UNE BELLE PEINTURE SUR ROULEAU BOUDDHISTE DE LA DIVINITÉ INARI, 18E SIÈCLE Japon, 18 siècle, Période Edo (1615-1868) Encre, aquarelle, or et gouache sur soie. Monté comme un rouleau suspendu sur un cadre en brocart de soie fine avec des jikusaki (extrémités des rouleaux) en métal doré incisés de fleurs de lotus. Représentée comme une belle divinité, vêtue de robes volumineuses et ornée de bijoux, chevauchant un renard (kitsune), la main droite de la divinité entourant la poignée d'une épée et la gauche tenant un cintamani (bijou qui exauce les souhaits). Le renard, avec un autre joyau dans la bouche, se déplace rapidement et glisse sur les nuages en contrebas. Taille de l'image 81,5 x 35 cm, taille avec le support 164 x 51,4 cm État de conservation : Très bon état avec usure. Quelques légères rousseurs et petites taches, certaines avec de petites retouches associées. La monture est en excellent état avec une légère usure. En tant que divinité représentant la sagesse du Sutra du Lotus, Inari est invoquée dans de nombreux temples du Nichiren Shu. Les sanctuaires Inari de Fushimi, Yutoku et Toyokawa, connus sous le nom des "trois grands Inari du Japon", ainsi que le temple du Nichiren Shu appelé "Saijo Inari-san Myokyoji" dans la préfecture d'Okayama, sont particulièrement célèbres. Inari-san est enchâssé dans les maisons de nombreuses personnes, tout comme Daikokuten, le dieu du bonheur, de la richesse et de la longévité, et les divinités de l'eau "Hachi Dai-ryu-o" (les huit grands rois-dragons). Comparaison avec un musée : Comparez une peinture sur rouleau de Dakini datant du 14 siècle au Metropolitan Museum of Art (The MET), New York, numéro d'acquisition 2000.274.

Estim. 600 - 1 200 EUR

Lot 755 - UNE RARE PEINTURE SUR ROULEAU SUSPENDUE REPRÉSENTANT LES DOUZE ANIMAUX DU ZODIAQUE (JUNISHI) UNE RARE PEINTURE SUR ROULEAU SUSPENDUE REPRÉSENTANT LES DOUZE ANIMAUX DU ZODIAQUE (JUNISHI) Divers artistes Japon, première moitié du 20 siècle, de l'ère Taisho (1912-1926) à l'ère Showa (1926-1989) Encre, aquarelle et gouache sur soie. Monté en rouleau suspendu sur un cadre en brocart de soie. Pour cette collaboration, douze artistes ont chacun peint librement un animal parmi les douze animaux du zodiaque. Inscriptions : Chaque animal est signé et scellé par la signature d'un artiste, dont Rankei 蘭渓 ; Hakuho 白甫 (Mori Hakuho) ; Keisui 渓水 (Ito Keisui). Taille de l'image 103,4 x 26,4 cm, Taille avec montage 186 x 39 cm État de conservation : Très bon état avec une usure mineure, des plis et quelques salissures. Le montage présente les traces habituelles d'usure et d'âge. La présente peinture a probablement été créée lors d'une fête de peinture impromptue (shogakai) au cours de laquelle plusieurs peintres respectés ont collaboré devant un public pour créer cette œuvre d'art avec un nombre limité de coups de pinceau dans un laps de temps relativement court. Ce type d'événement est devenu populaire sous l'ère Meiji et Kawanabe Kyosai (1831-1889) en particulier était connu pour les fréquenter, souvent sous l'influence de grandes quantités de saké. Ce type de peinture impromptue est également appelé sekiga. Mori Hakuho (1898-1980) est né à Tokyo et a exposé dans des expositions gouvernementales et au Nitten. Il a remporté le prix de l'Académie japonaise des arts en 1957. Ito Keisui (1879-1967) est une figure majeure de la peinture japonaise de l'ère Meiji à l'ère Showa. Il a étudié avec Hirai Chokusui et Yamamoto Shunkyo, et a participé activement aux expositions Teiten et Bunten.

Estim. 1 000 - 2 000 EUR

Lot 756 - SHIBATA ZESHIN (1807-1891) : RUSU MOYO (MOTIF ABSENT) POUR FUKUROKUJU SHIBATA ZESHIN (1807-1891) : RUSU MOYO (MOTIF ABSENT) POUR FUKUROKUJU Japon, 19 siècle. Encre, aquarelle et gouache sur soie. Monté comme un rouleau suspendu, sur un cadre en papier recouvert de brocart de soie avec des poignées en bois. Cette peinture fine représente une scène automnale paisible, avec deux singes suspendus aux branches d'un pin, observant un nid de guêpes gardé par d'autres guêpes, deux chauves-souris planant autour d'un cerf et d'un chevreuil broutant près d'un ruisseau, d'abondants champignons reishi, de l'herbe et des bambous poussant derrière des rochers au premier plan. Inscriptions : Signé "Zeshin utsusu, 是真寫" ("peint par Zeshin"), et scellé avec un sceau en forme de pot, "Zeshin" 是真, et un sceau carré, "Koma" 古満. État de conservation : Excellent état avec une usure mineure, de très légers plis et des taches microscopiques. Le brocart de soie présente une usure et des salissures mineures. Dimensions de l'œuvre : 123,7 x 55 cm : Taille de l'image 123,7 x 55 cm, Taille y compris le montage 214,5 x 70 cm Avec une boîte de rangement tomobako. (2) La combinaison d'une chauve-souris (fuku), d'un cerf (roku) et d'un pin (ju) ne sont pas seulement des motifs symboliques de prospérité et de longévité, mais constituent également la lecture de Fukurokuju, le dieu de la longévité, dont l'image est intentionnellement omise dans cette peinture. Shibata Zeshin (1807-1891) était un peintre et un laqueur japonais de la fin de la période Edo et du début de l'ère Meiji. Il a étudié avec les grands artistes de l'école de Kyoto, notamment Maruyama Okyo, Okamoto Toyohiko et Goshin. Bien qu'il soit surtout connu pour son travail avec les laques, Zeshin excelle dans la peinture à l'encre traditionnelle et réalise de nombreuses œuvres sur des sujets traditionnels tels que les tigres et les chutes d'eau. Il hérite de l'atelier de l'école Koma après la mort de son ancien professeur, Koma Kansai, en 1835. C'est là qu'il expérimente les aspects techniques de la laque. Avec Nakayama Komin et Shirayama Shosai, il est considéré comme l'un des trois grands laqueurs tardifs du Japon. L'atelier de Shibata Zeshin était situé au bord d'une rivière, ce qui lui permettait d'observer la nature et les créatures qui l'habitaient. Comme beaucoup de peintres du XIXe siècle, il était éclectique dans ses sources et aurait été exposé à des styles traditionnels. Cependant, le niveau de compétence de Zeshin était tel qu'il pouvait mélanger avec fluidité les techniques, les idées et les options stylistiques, peignant ainsi une partie d'une composition d'une certaine manière et incluant des éléments d'une autre pour ajouter un style et une variété inédits à l'époque.

Estim. 6 000 - 12 000 EUR

Lot 758 - PEINTURE SUR ROULEAU BOUDDHISTE REPRÉSENTANT AMIDA NYORAI, PÉRIODE EDO PEINTURE SUR ROULEAU BOUDDHISTE REPRÉSENTANT AMIDA NYORAI, PÉRIODE EDO Japon, vers 1820-1840, Période Edo (1615-1868) Encre, aquarelle et peinture à l'or sur soie. Monté comme un rouleau suspendu sur un cadre en brocart de soie. Finement peint, le Bouddha Amida Nyorai se tient sur un dais de lotus entouré d'un nimbe lumineux. Inscriptions : Le verso porte deux inscriptions, la première "Honganji Shaku Tatsunyo avec le kao, Hoben hoshin sonkei" [Une image sacrée du Bouddha en tant que Dharma-kaya ("corps-vérité" ou "corps-réalité") et Upaya, peinte par le prêtre Tatsunyo du temple (Higashi) Honganji] 本願寺釈達如、花押。法便法身尊形 ; la seconde, une inscription votive sur la peinture par les dévots, "Ganshu shaku Keikan, shakuni Myoki" [Dédicace votive par le prêtre Keikan, et la nonne Myoki] 願主釈敬歓、釈尼妙喜. Taille de l'image 35,7 x 16,4 cm, Taille avec montage 78,5 x 30,3 cm État de conservation : Excellent état avec des usures mineures. Le cadre en brocart de soie présente des signes d'utilisation et d'usure. Tatsunyo (1780-1865) était le 20 e abbé du temple Higashi Honganji, à Kyoto. Il était connu pour ses talents de peintre et de calligraphe. Il a été abbé principal pendant 54 ans, entre 1792 et 1846, succédant à son père Jonyo (1744-1792), décédé en tant que 19e abbé du même temple. L'ingo (titre donné à un prêtre bouddhiste) de Tatsunyo était Mujokakuin. Son imina (nom personnel) était Mitsuro. Son gago (pseudonyme) était Gusen. Son nom d'enfant était Setsumaru (changé plus tard en Koyomaru).

Estim. 800 - 1 600 EUR

Lot 759 - PEINTURE PARCHEMIN SIGNÉE DE DEUX LUTTEURS DE SUMO UNE PEINTURE PARCHEMIN SIGNÉE DE DEUX LUTTEURS DE SUMO Japon, Période Edo (1615-1868) Encre et aquarelles sur papier. Monté sur un cadre en papier. Signé. Peint avec finesse, ce tableau représente deux lutteurs de sumo engagés dans un combat, celui de dos exécutant la technique du kawazu gaku (chute avec enchevêtrement d'une jambe), en enroulant sa jambe autour de celle de son adversaire, utilisant ainsi son poids pour le faire basculer. Tous deux ont des visages soigneusement détaillés montrant des expressions intenses et tendues. Taille de l'image 84 x 36 cm, Taille avec montage 96 x 42,5 cm État de conservation : Très bon état avec une usure mineure. Léger écaillage, petites déchirures le long des bords, quelques plis et de minuscules pertes. Provenance : De la collection privée de Thomas Padua, Mühldorf, Allemagne. Thomas Padua était un artiste et un collectionneur d'estampes japonaises qui a exposé sa collection de surimono au musée Olaf Gulbransson, dans le cadre de l'exposition "Glückwünsche aus Kyoto : Japanische Shijo-Surimono aus der Sammlung Thomas Padua", du 3 novembre 2013 au 26 janvier 2014. Les deux lutteurs pratiquent le lancer de kawazu, ainsi nommé d'après le célèbre lutteur Kawazu no Saburo Sukeyasu. Lorsque ce dernier était tiré vers le haut par son adversaire Matano Goro Kunihisa (Kagehisa) par le pagne, Sukeyasu empêchait l'élan de la hanche en faisant tomber son adversaire avec sa jambe. Dans ce tableau aussi, on a l'impression que le lutteur à l'avant va être victorieux, mais la chute de l'enchevêtrement des jambes est déjà en cours et, en quelques secondes, il sera étendu sur le sol, vaincu.

Estim. 250 - 500 EUR

Lot 762 - D'APRÈS KANO TSUNENOBU : UNE PEINTURE SUR ROULEAU DE JUROJIN APRÈS KANO TSUNENOBU : UNE PEINTURE PAR ROULEAU DE JUROJIN D'après Kano Tsunenobu (1636-1713), signé Tsunenobu sho Japon, 19 siècle Encre et aquarelles sur papier. Monté comme un rouleau suspendu sur un cadre en papier, avec des jikusaki (extrémités des rouleaux) en bois. Représentation d'un Jurojin assis, vêtu de robes volumineuses, tenant un uchiwa, tandis qu'un petit mini-jeu s'approche de lui. Inscriptions : Signé en bas à droite, "Tsunenobu sho" [Peint par Tsunenobu] 常信書. Taille de l'image 60,7 x 37,3 cm, Taille avec montage 144 x 51,5 cm État de conservation : Bon état avec une usure mineure et un léger brunissement du papier. Une pliure, quelques plis et de légères taches d'encre. Provenance : Provenant de la succession de Sear Hang Hwie Pao (1937-2009). Pao était l'un des principaux marchands de porcelaine et d'œuvres d'art chinoises au Canada. Son magasin d'antiquités, Pao & Moltke Ltd, qu'il tenait avec son épouse Mme von Moltke, issue d'une famille noble allemande et danoise, était un incontournable du quartier branché de Yorkville, à Toronto, des années 1980 au début des années 2000. Kano Tsunenobu (1636-1713) était un peintre japonais de l'école Kano. Il a d'abord étudié avec son père, Kano Naonobu, puis avec son oncle, Kano Tan'yu, après la mort de ce dernier. Il devint un maître peintre et succéda à son oncle Tan'yu à la tête de l'école Kano en 1674. On pense que de nombreuses œuvres attribuées à Tan'yu pourraient en fait être de Tsunenobu, mais il est difficile de le savoir car ils travaillaient souvent ensemble sur des œuvres plus importantes.

Estim. 400 - 800 EUR

Lot 765 - PEINTURE DE BAMBOU ET DE LUNE, ATTRIBUÉE A KANO TAN'YŪ UNE PEINTURE DE BAMBOU ET DE LUNE, ATTRIBUÉE À KANO TAN'YŪ Signé avec le sceau Kano Japon, XVIIe-XVIIIe siècle, Période Edo (1615-1868) Encre sur papier. Monté sur un cadre en brocart de soie et placé à l'intérieur d'un cadre d'époque. Finement peint avec un grand bambou poussant parmi d'épaisses pousses, la pleine lune à l'arrière-plan. Inscriptions : Scellé dans le coin inférieur droit, "Kano". Taille de l'image 84 x 42,7 cm, Taille avec cadre 111 x 50,8 cm État de conservation : Bon état avec usure. Quelques taches, rayures, pertes mineures et salissures. Le verso présente quelques usures et déchirures. Provenance : Art japonais - Galerie Friedrich Müller, Francfort. Ex-collection Teddy Hahn, Darmstadt, acquise auprès de cette dernière. Une ancienne étiquette indique "Sotheby's founded 1744 - 364". Theodor "Teddy" Hahn était un collectionneur réputé et respecté de netsuke et d'autres œuvres d'art asiatiques. Après avoir passé du temps dans les musées pour étudier les premières cultures du monde et avoir trouvé un intérêt particulier dans leurs sculptures, il a commencé à collectionner, remarquant : "Je savais d'une certaine manière que cela aurait une influence profonde sur ma vie. Comme j'avais raison. Et combien j'ai été heureux". Comparaison avec le musée : Pour une peinture très proche, représentant un moineau et un bambou, attribuée à Kano Tan'yu, voir la collection du Metropolitan Museum of Art, numéro d'accession 14.76.35.

Estim. 350 - 700 EUR

Lot 769 - UN ÉCRAN BYOBU À SIX PANNEAUX PRÉSENTANT DES SCÈNES INSPIRÉES DE GRAVURES SUR BOIS UN ÉCRAN BYOBU À SIX PANNEAUX PRÉSENTANT DES SCÈNES INSPIRÉES DE GRAVURES SUR BOIS Japon, période Meiji (1868-1912) ou un peu plus tard Encre, aquarelle, peinture à l'or, gouache et or saupoudré sur papier. Monté sur papier sur six panneaux de bois avec un cadre en laque noire et des ferrures en métal ciselé. Le premier et le deuxième panneau représentent deux généraux Heike, Sasaki Takatsuna et Kajiwara Kagesue, sur leurs chevaux, traversant la rivière Uji, ce qui marque le début de la première bataille du pont d'Uji. Les troisième et quatrième panneaux, inspirés des gravures sur bois de Chikanobu (1838-1912), représentent Miura Daisuke Yoshiaki et Kajiwara Kagetoki, le serviteur de Minamoto, attendant les Taira. Le cinquième panneau, inspiré d'une gravure sur bois de Chikanobu (1838-1912), représente la princesse Minazuru remettant secrètement un rouleau au jeune noble Ushiwakamaru, le futur Minamoto no Yoshitsune. Le sixième panneau, inspiré de la gravure sur bois de Chikanobu (1838 - 1912), représente Lady Tokiwa et ses trois fils s'enfuyant dans la neige de Kyoto vers Fushimi après l'assassinat de son mari Minamoto no Yoshitomo. TAILLE TOTALE 376 x 171,5 cm État de conservation : Excellent état avec une usure mineure, quelques taches et quelques écailles. Couleurs fraîches. Les charnières sont légèrement détachées. Usure minime au verso.

Estim. 1 200 - 2 400 EUR

Lot 770 - PEINTURE DE GRUES AU ROULEAU, APRÈS LE ROSETSU DE NAGASAWA, vers 1920 PEINTURE AU ROULEAU DE GRUES, APRÈS LE ROSETSU DE NAGASAWA, vers 1920 Japon, fin 19e - début 20e siècle Encre et aquarelle sur papier. La peinture en forme d'éventail est montée sur un rouleau suspendu avec un cadre en brocart de soie. Habilement peinte, elle représente un groupe de grues à couronne rouge blotties l'une contre l'autre et observant le lointain. Inscriptions : Signé 'Rosetsu' 蘆雪 avec le sceau "Nagasawa Rosetsu" 長澤 蘆雪 . Taille de l'image 39 x 52 cm, Taille avec montage 131 x 65,5 cm État de conservation : Bon état avec usure. Quelques décolorations, plis et petites taches. Avec une boîte de rangement en bois tomobako. (2) Nagasawa Rosetsu (1754-1799) était un peintre japonais du XVIIIe siècle de l'école Maruyama, connu pour son style polyvalent. Il est né dans la famille d'un samouraï de rang inférieur. Il a étudié avec Maruyama Okyo à Kyoto. Les premières œuvres de Rosetsu sont dans le style de Maruyama Okyo, bien que les critiques s'accordent à dire que l'habileté de l'élève a rapidement surpassé celle de son maître. Finalement, ils se brouillent et Rosetsu quitte l'école. Après la rupture, il travaille sous le patronage du seigneur féodal de Yodo et accepte des commandes dans plusieurs temples. Ses œuvres sont conservées dans de nombreux musées du monde entier, dont le Dallas Museum of Art, le Walters Art Museum, le Princeton University Art Museum, le Harvard Art Museums, le Los Angeles County Museum of Art, le British Museum, le Minneapolis Institute of Art, et bien d'autres encore.

Estim. 150 - 300 EUR

Lot 771 - PEINTURE AU ROULEAU D'HYDRANGEAS, D'APRÈS AOKI MOKUBEI, vers 1920 PEINTURE AU ROULEAU D'HYDRANGEAS, APRÈS AOKI MOKUBEI, vers 1920 Japon, fin 19e - début 20e siècle Encre sur papier. Monté en rouleau suspendu sur un cadre en brocart de soie avec poignées en ivoire. Peint librement avec des fleurs et des bourgeons d'hortensia. Inscriptions : Signé 'Robei' 聾米 avec deux sceaux. Taille de l'image 100,5 x 28 cm, Taille avec montage 167 x 40 cm État de conservation : Très bon état avec une usure mineure et un léger brunissement du papier. Quelques plis mineurs et quelques trous de vers avec des réparations associées. Le montage présente des traces d'usure. Avis important : Veuillez noter que nous devrons retirer les extrémités des rouleaux en ivoire avant l'expédition / la remise de l'article. Les extrémités des rouleaux ne font pas partie de cette offre. Avec une boîte de rangement en bois tomobako. (2) Aoki Mokubei (1767-1833) a appris à peindre alors qu'il travaillait principalement comme potier. Il s'est établi comme peintre dans le style Nanga (école Literati). Il grandit dans le quartier de Gion à Kyoto, où sa famille possédait un restaurant et une maison close. Mokubei a commencé à fabriquer des poteries sous la direction d'Okuda Eisen (1753-1811), et il a rapidement été célébré pour ses copies de céramiques chinoises. Avec Eisen et Nin'ami Dohachi (1783-1855), on lui attribue la renaissance des traditions céramiques de Kyoto.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 778 - PEINTURE PAR ROULEAU D'UN ROCHER D'ÉRUDIT SOUS UN PIN, D'APRÈS URAGAMI SHUNKIN PEINTURE PAR ROULEAU D'UN ROCHER DE SAVANT SOUS UN PIN, D'APRÈS URAGAMI SHUNKIN Japon, fin du 19e siècle, début du 20e siècle Encre et aquarelles sur soie. Monté comme un rouleau suspendu sur un cadre en brocart de soie avec des poignées en bois. Représentation d'un rocher poreux de savant sous un grand pin noueux. Inscriptions : Signé 'sha'寫, 'Shunkin' 春琴 avec sceau. Daté 'Kanoeko Seiwagetsu' 丙甲 清和月 (correspondant à 1836). Taille de l'image 109 x 33,5 cm, Taille avec montage 200 x 46,3 cm État de conservation : Très bon état avec une usure mineure. Quelques salissures, plis et froissements mineurs. Le montage présente les traces habituelles d'usure et d'âge. Avec une boîte de rangement en bois tomobako. (2) Uragami Shunkin (1779-1846) est un peintre japonais nanga (littérateur) qui a vécu à la fin de la période Edo. Il est né dans la province de Bizen (actuelle préfecture d'Okayama) en tant que premier fils d'Uragami Gyokudo, qui était à l'époque un samouraï du daimyo Ikeda. Enfant, il apprend la peinture et la calligraphie auprès de son père. Vers 1792, le marchand d'art Nyoi Dojin commença à acheter les œuvres de Gyokudo et de Shunkin. Uragami Shunkin s'est ensuite installé à Kyoto, où il s'est imposé comme un peintre lettré maîtrisant les arts connexes que sont la poésie, la calligraphie et le koto, l'instrument de musique qui avait été l'un des points forts de son père. Shunkin, qui était actif dans le cercle intellectuel et littéraire de Rai Sanyo (1780-1832) et d'autres à Kyoto, a également acquis une réputation de connaisseur de peintures, calligraphies, pierres à encre et objets métalliques anciens, qu'il collectionnait lui-même.

Estim. 150 - 300 EUR

Lot 784 - PEINTURE DE CANARDS PARMI LES ROSEAUX, D'APRÈS KAIHO YUSHO PEINTURE PAR ROULEAU DE CANARDS PARMI LES ROSEAUX, D'APRÈS KAIHO YUSHO Japon, période Edo (1615-1868) à période Meiji (1868-1912) Encre sur papier. Monté comme un rouleau suspendu sur un cadre en brocart de soie avec des poignées en ivoire. Représentation d'un couple de canards parmi les roseaux, sur le point de se jeter dans la rivière. Inscriptions : Signé de deux sceaux "Kaiho" 海北 et "Yusho" 友松 . Taille de l'image 108 x 40 cm, Taille avec montage 191 x 52,5 cm Condition : Salissures, plis, pertes, taches et usure générale. Le cadre présente les traces habituelles d'usure et d'âge. Un rouleau est détaché. Avis important : Veuillez noter que nous devrons retirer les extrémités des rouleaux en ivoire avant l'expédition / la remise de l'article. Les extrémités des rouleaux ne font pas partie de cette offre. Avec une boîte de rangement en bois tomobako. (2) Kaiho Yusho (1533-1615) était un peintre japonais de la période Azuchi-Momoyama (1568-1600). Il est né dans la province d'Omi de Kaiho Tsunachika, vassal d'Azai Nagamasa. Très jeune, il devient page au Tofuku-ji de Kyoto, puis prêtre laïc. Il y servit sous la direction de l'abbé et fréquenta les principaux prêtres zen de Kyoto. Dans la quarantaine, Yusho se tourne vers la peinture et devient élève de l'école Kano, soit auprès du célèbre Kano Motonobu, soit auprès de son petit-fils Kano Eitoku. Il travaille ensuite à Jurakudai, sous le patronage de Toyotomi Hideyoshi et de l'empereur Go-Yozei. Au début, il s'inspire du peintre Song Liang Kai, ne produisant que des peintures à l'encre monochromes, utilisant un "coup de pinceau réduit", s'appuyant davantage sur des lavis d'encre que sur des traits durs et tranchants. Plus tard, il a travaillé avec des couleurs riches à la mode et des feuilles d'or. Artistiquement au même niveau que Hasegawa Tohaku et Kano Eitoku, il a donné son nom Kaiho au style de peinture que lui et ses disciples pratiquaient.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 791 - PEINTURE DE TENJIN EN VISITE EN CHINE, APRÈS MARUYAMA OKYO, vers 1900 PEINTURE AU ROULEAU DE TENJIN EN VISITE EN CHINE, APRÈS MARUYAMA OKYO, vers 1900 Japon, fin 19e - début 20e siècle Encre, aquarelle et gouache sur papier. Monté comme un rouleau suspendu sur un cadre en brocart de soie et des poignées en bois. Représentation d'un moine vêtu de robes volumineuses serrant dans ses mains une branche de prunier taillée. Inscriptions : Signé "Maruyama Okyo" 円山応挙 . Une inscription au dos "Toto Tenjin Zo". 渡唐天神像 . Taille de l'image 56,5 x 22,5 cm, Taille avec montage 133 x 29 cm État de conservation : Bon état avec une usure mineure et un léger brunissement du papier. Plis, plis et petites déchirures. Le cadre présente une usure liée à l'âge et des trous de vers. Le thème de Tenjin visitant la Chine est l'un des sujets les plus complexes et les plus révélateurs du canon figuratif Chan/Zen. Tenjin, un kami (esprit sacré) japonais indigène, a été imaginé par les communautés japonaises médiévales comme ayant visité le maître Chan chinois Wuzhun Shifan (1177-1249), devenant le destinataire de sa transmission authentique du dharma. La peinture Tenjin visitant la Chine que l'on voit ici est l'un des dizaines d'exemples qui représentent la divinité conformément à cette légende populaire. Habituellement représenté sur un fond blanc, Tenjin est vêtu d'une robe taoïste, les mains jointes et une branche de prunier en fleur dans les bras ; une coiffe de lettré chinois complète l'ensemble. La branche de prunier fait référence à un épisode célèbre de la biographie légendaire de Tenjin. Maruyama Okyo (1733-95) occupe une place centrale dans l'histoire de l'art japonais car il est l'un des premiers artistes à peindre directement d'après nature plutôt qu'à partir de peintures et d'esquisses.

Estim. 150 - 300 EUR

Lot 795 - PEINTURE EN ROULEAU DE PERFORMANTS MANZAI, APRÈS HANABUSA ITCHO, vers 1900 PEINTURE AU ROULEAU DE PERFORMANTS MANZAI, APRÈS HANABUSA ITCHO, vers 1900 Japon, fin 19e - début 20e siècle Encre et aquarelle sur papier. Monté comme un rouleau suspendu sur un cadre en papier. Représentant deux danseurs manzai exécutant leur danse fantaisiste, l'un tenant un éventail, tandis que l'autre, un boke voûté et sénile, bat son tambour à main tsuzumi. Inscriptions : Signé 'Hokusoo Itcho hitsu' 北窓翁一蝶筆 avec joint. Taille de l'image 124,5 x 51,5 cm, Taille avec montage 197 x 61 cm Condition : Usure ancienne, brunissement du papier, taches d'eau, salissures et plis. Le cadre présente des traces d'usure et des taches d'eau. Le manzai est un style traditionnel de comédie dans la culture japonaise qui implique deux artistes, l'un étant un homme "droit" (tsukkomi) et l'autre un homme "drôle" (boke). À l'origine, ces représentations avaient lieu à l'occasion du festival du Nouvel An, la première mention de manzai remontant à la période Heian. Bien que ces spectacles soient traditionnels, des poètes comme Takarai Kikaku s'en moquaient. Dans un haïku, Kikaku écrit : "Les danseurs du Nouvel An / Ne manquent jamais un seul pas / Du millet pour la grue". D'autres poètes, comme Yosa Buson, ont écrit : "Oui, les danseurs du Nouvel An / Frappent bien et correctement / La saleté de Kyoto". On peut dire la même chose des danseurs représentés sur le présent lot. Hanabusa Itcho (1652-1724) était un peintre japonais né à Osaka, un calligraphe et un poète de haïkus. Il a d'abord été formé au style Kano, sous la direction de Kano Yasunobu, mais a finalement rejeté ce style et est devenu un lettré (bunjin).

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 798 - PEINTURE AU ROULEAU D'UN HOMME ET DE SON ASSISTANTE, D'APRÈS YOSA BUSON, vers 1900 PEINTURE AU ROULEAU D'UN HOMME ET DE SON ASSISTANT, D'APRÈS YOSA BUSON, vers 1900 Japon, fin 19e - début 20e siècle Encre et aquarelle sur soie. Monté comme un rouleau suspendu sur un cadre en brocart de soie avec des poignées en ivoire. Représentation d'un homme corpulent accompagné de son serviteur qui porte un baluchon sur un bâton dans une main et un grand chapeau de rotin dans l'autre. Inscriptions : Signé "Higashinari Shain" 東成謝寅 avec cachet. Taille de l'image 91 x 38,5 cm, Taille avec montage 180 x 53 cm État de conservation : Très bon état avec une usure mineure. Quelques taches et plis mineurs. Avis important : Veuillez noter que nous devrons retirer les extrémités des rouleaux en ivoire avant d'expédier / de remettre l'article. Les extrémités des rouleaux ne font pas partie de cette offre. Yosa Buson (1716-1784) est né dans les environs d'Osaka et s'est installé à Edo (Tokyo) pour étudier la peinture et le haïku. Comme son héros littéraire, Basho, Buson a beaucoup voyagé à travers le Japon, publiant les notes de ses voyages sous le nom de Buson. Il est connu comme l'un des grands maîtres du haïku, et son œuvre est généralement considérée comme plus sensuelle. Buson a également été influencé par la poésie chinoise. Dans les années 1750, il s'installe à Kyoto, où il poursuit sa carrière de peintre et change son nom de famille en Yosa.

Estim. 150 - 300 EUR

Lot 801 - PEINTURE AU ROULEAU DE PERFORMANTS MANZAI, vers 1900 PEINTURE AU ROULEAU DE PERFORMANTS MANZAI, vers 1900 Japon, fin du 19e siècle, début du 20e siècle Encre, aquarelle et gouache sur soie. Monté comme un rouleau suspendu sur un cadre en brocart de soie avec des poignées en bois de cerf nervuré. Représentation de deux danseurs manzai exécutant leur danse fantaisiste, l'un tenant un éventail, tandis que l'autre, voûté et sénile, bat son tambour à main tsuzumi. Inscriptions : Signé avec un sceau. Taille de l'image 100 x 35 cm, taille avec montage 184 x 47,3 cm État de conservation : Bon état avec une usure mineure. Quelques plis, plis mineurs, légères salissures et rousseurs. Le montage présente les traces d'usure habituelles, des rousseurs et une déchirure. Avec une boîte de rangement en bois tomobako. (2) Le manzai est un style traditionnel de comédie dans la culture japonaise qui implique deux artistes, l'un étant un homme "droit" (tsukkomi) et l'autre un homme "drôle" (boke). À l'origine, ces représentations avaient lieu à l'occasion du festival du Nouvel An, la première mention de manzai remontant à la période Heian. Bien que ces spectacles soient traditionnels, des poètes comme Takarai Kikaku s'en moquaient. Dans un haïku, Kikaku écrit : "Les danseurs du Nouvel An / Ne manquent jamais un seul pas / Du millet pour la grue". D'autres poètes, comme Yosa Buson, ont écrit : "Oui, les danseurs du Nouvel An / Frappent bien comme il faut / La saleté de Kyoto". On peut dire la même chose des danseurs représentés sur le présent lot.

Estim. 150 - 300 EUR

Lot 802 - PEINTURE AU ROULEAU D'UN BIJIN SOUS LA PLUIE, APRÈS KITAGAWA UTAMARO, vers 1900 PEINTURE AU ROULEAU D'UN BIJIN SOUS LA PLUIE, APRÈS KITAGAWA UTAMARO, vers 1900 Japon, fin 19e - début 20e siècle Encre, aquarelle et gouache sur papier. Monté comme un rouleau suspendu sur un cadre en brocart de soie avec des poignées en bois de cerf. Représentation d'une belle sous la pluie déroulant son parapluie, ses cheveux enveloppés dans un châle dont elle serre le coin entre ses lèvres. Inscriptions : Signé "Utamaro hitsu" 歌麿筆 avec sceau. Taille de l'image 77 x 27,5 cm, Taille avec montage 158 x 30 cm État de conservation : Usures, pertes, craquelures, écailles, plis et salissures. Quelques restaurations. Le montage présente des traces d'usure et d'ancienneté. Avec une boîte de rangement en bois tomobako. (3) Kitagawa Utamaro (1754-1806) est l'un des créateurs les plus réputés de gravures et de peintures sur bois ukiyo-e. Il est surtout connu pour ses bijin okubi-e (images à grande tête de belles femmes) des années 1790. Il a également réalisé des études sur la nature, en particulier des livres illustrés sur les insectes. On sait peu de choses sur la vie d'Utamaro. Ses œuvres ont commencé à être publiées dans les années 1770 et il s'est fait connaître au début des années 1790 avec ses portraits de beautés aux traits exagérés et allongés. Il a produit plus de 2000 estampes connues et fut l'un des rares artistes ukiyo-e à atteindre la célébrité dans tout le Japon de son vivant.

Estim. 150 - 300 EUR

Lot 806 - PEINTURE AU ROULEAU D'UNE KARAKO, D'APRÈS NAGASAWA ROSETSU PEINTURE AU ROULEAU D'UNE KARAKO, D'APRÈS NAGASAWA ROSETSU Japon, période Meiji (1868-1912) Encre, aquarelle, gouache et peinture à l'or sur soie. Monté comme un rouleau suspendu sur un cadre en brocart de soie avec des poignées en ivoire. Représentation d'un jeune garçon jouant sans réfléchir avec une vigne de jacinthe, son chien fidèle à ses côtés. Peint avec de fins détails. Inscriptions : Signé 'Rosetsu' 蘆雪 avec sceaux. Taille de l'image 115 x 35,7 cm, Taille avec montage 202 x 46,7 cm État de conservation : Très bon état avec usure. Quelques plis, pliures mineures, salissures et rousseurs. Le cadre présente des traces d'usure, des taches et des rousseurs. Avis important : Veuillez noter que nous devrons retirer les extrémités des rouleaux en ivoire avant d'expédier / de remettre l'article. Les extrémités des rouleaux ne font pas partie de cette offre. Avec une boîte de rangement en bois tomobako. (2) Nagasawa Rosetsu (1754-1799) était un peintre japonais du XVIIIe siècle de l'école Maruyama, connu pour son style polyvalent. Il est né dans la famille d'un samouraï de rang inférieur. Il a étudié avec Maruyama Okyo à Kyoto. Les premières œuvres de Rosetsu sont dans le style de Maruyama Okyo, bien que les critiques s'accordent à dire que l'habileté de l'élève a rapidement surpassé celle de son maître. Finalement, ils se brouillent et Rosetsu quitte l'école. Après la rupture, il travaille sous le patronage du seigneur féodal de Yodo et accepte des commandes dans plusieurs temples. Ses œuvres sont conservées dans de nombreux musées du monde entier, dont le Dallas Museum of Art, le Walters Art Museum, le Princeton University Art Museum, le Harvard Art Museums, le Los Angeles County Museum of Art, le British Museum, le Minneapolis Institute of Art, et bien d'autres encore.

Estim. 150 - 300 EUR

Lot 807 - PEINTURE SUR ROULEAU D'UN TIGRE, ÉCOLE DE MARUYAMA OKYO PEINTURE SUR ROULEAU D'UN TIGRE, ÉCOLE DE MARUYAMA OKYO Inscrit Kamei et scellé Anagura et Kameisai Japon, Kyoto, fin 18 siècle - début 19 siècle, période Edo (1615-1868) Finement peint à l'encre et à l'aquarelle sur soie, dans un cadre de brocart de soie et monté comme un rouleau suspendu, ce tableau représente un tigre debout sur une pente rocheuse, avec des feuilles brunes, des lianes et des racines tordues à l'arrière-plan, ainsi que des feuilles de bambou au-dessous du tigre, rappelant le motif populaire take no tora (tigre dans le bambou). La fourrure rayée du tigre est soigneusement détaillée et ses grands yeux latéraux ainsi que sa pose dynamique suggèrent une certaine espièglerie de la part de cet animal mystérieux. Inscrit et signé au centre droit, "KAMEI shujin, Heian shuchikuro chu ni oite utsutsu" ("Peint par le maître Kamei, au studio Shuchikuro, Kyoto"). TAILLE 103 x 51 cm (image) et 178 x 67 cm (total) Condition : Très bon état avec une usure mineure, des plis, quelques salissures, le cadre en brocart avec quelques pertes minuscules sur les bords. Provenance : D'une collection privée, Illinois. Bien qu'il n'y ait pas d'informations disponibles sur cet artiste, il est probable qu'il ait été un disciple de Maruyama Okyo (1733-1795). Le nom Kamei signifie littéralement "demeure de la tortue". Maruyama Okyo et ses élèves ont réalisé de nombreuses peintures pour le temple Daijoji, dont le nom de la montagne (sango) est le temple Kamei (également connu sous le nom de temple Okyo) ; la commande a été réalisée dans l'atelier d'Okyo à Kyoto, bien que le temple Kamei (temple Okyo) soit situé dans la ville voisine de Hyogo. L'imagerie du tigre a une longue histoire en Asie de l'Est. Les tigres étaient souvent associés aux dragons, le tigre représentant le principe "mâle", le yin au "yang" féminin du dragon, d'anciens symboles cosmologiques. Le tigre est également souvent associé au bambou, ce qui est connu sous le nom de take no tora, ou "tigre dans le bambou", et donne lieu à de nombreuses interprétations différentes ; le tigre a une nature forte, il est flexible et résistant comme le bambou, mais on dit également que le tigre fort cherche un abri sous le bambou, car toute puissance terrestre est inférieure aux forces de la nature. En outre, le tigre et le bambou représentent le pouvoir de la foi dans le bouddhisme. Comparaison des enchères : Comparez une peinture très proche d'un tigre, décrite comme "École de Maruyama Okyo", 104 x 15,5 cm, chez Christie's, Japanese & Korean Art, 23 mars 2011, New York, lot 879 ( vendu pour 10 000 USD).

Estim. 1 500 - 3 000 EUR

Lot 808 - PEINTURE AU ROULEAU DES TROIS RIGUEURS DE LA RAVINE DU TIGRE, APRÈS NAGASAWA ROSETSU, vers 1920 PEINTURE AU ROULEAU DES TROIS RIGUEURS DE LA RAVINE DU TIGRE, APRÈS NAGASAWA ROSETSU, vers 1920 Japon, fin 19e - début 20e siècle Encre et aquarelle sur papier. Monté comme un rouleau suspendu sur un cadre en brocart de soie avec des poignées en bois et en bois de cerf. Représentant trois hommes vêtus de robes volumineuses, debout au bord d'un pont, se faisant leurs adieux, l'un avec une canne à pêche balancée dans le dos, l'autre tenant un panier. Inscriptions : Signé "Rosetsu sha" 蘆雪写 avec sceau. Taille de l'image 124,5 x 55,5 cm, Taille avec montage 194 x 62 cm État de conservation : Bon état avec une usure mineure et un léger brunissement du papier. Des plis, des salissures, des taches et d'éventuelles retouches. Le cadre présente des signes d'usure et d'ancienneté. Avec une boîte de rangement en bois tomobako. (2) L'allégorie chinoise Kokei Sansho (Les trois rieurs du ravin du tigre) raconte la rencontre de trois lettrés - un poète et un taoïste - qui traversent le ravin pour rencontrer un érudit bouddhiste qui s'était juré de ne jamais franchir le pont de pierre. Se promenant avec eux après une discussion exaltante, il s'aperçoit soudain qu'il a marché par inadvertance sur le pont, ce qui les fait tous éclater de rire en réalisant que la pureté spirituelle ne peut être limitée par des frontières artificielles. Cet épisode a été adapté dans la pièce de théâtre nô Sansho. Nagasawa Rosetsu (1754-1799) est un peintre japonais du XVIIIe siècle de l'école Maruyama, connu pour son style polyvalent. Il est né dans la famille d'un samouraï de rang inférieur. Il a étudié avec Maruyama Okyo à Kyoto. Les premières œuvres de Rosetsu sont dans le style de Maruyama Okyo, bien que les critiques s'accordent à dire que l'habileté de l'élève a rapidement surpassé celle de son maître. Finalement, ils se brouillent et Rosetsu quitte l'école. Après la rupture, il travaille sous le patronage du seigneur féodal de Yodo et accepte des commandes dans plusieurs temples. Ses œuvres sont conservées dans de nombreux musées du monde entier, dont le Dallas Museum of Art, le Walters Art Museum, le Princeton University Art Museum, le Harvard Art Museums, le Los Angeles County Museum of Art, le British Museum, le Minneapolis Institute of Art, et bien d'autres encore.

Estim. 150 - 300 EUR

Lot 810 - PEINTURE PAR ROULEAU DE L'IMPÉRATRICE JINGU AVEC TAKENOUCHI NO SUKUNE ET OJIN, D'APRÈS ITAWA MATABEI UNE PEINTURE PAR ROULEAU DE L'IMPÉRATRICE JINGU AVEC TAKENOUCHI NO SUKUNE ET OJIN, D'APRÈS ITAWA MATABEI Japon, période Meiji (1868-1912) Encre, aquarelle, gouache et peinture à l'or sur papier. Monté comme un rouleau suspendu sur un cadre en brocart de soie avec des poignées en ivoire. Représentation d'une onna-bugeisha (femme samouraï) debout et de sa compagne de voyage agenouillée à ses côtés, tenant son bébé emmitouflé. L'onna-bugeisha tient un grand arc et un carquois de flèches sur son dos. Inscriptions : Signé "Iwasa shi" 岩佐氏 avec un sceau. Inscrit au verso : "Iwasa Matabei". Taille de l'image 70,5 x 36,5 cm, Taille avec montage 155 x 48 cm État de conservation : Très bon état avec une usure mineure. Quelques salissures, plis et petites rousseurs. Le cadre présente les traces habituelles d'usure et d'âge. Avis important : Veuillez noter que nous devrons retirer les extrémités des rouleaux en ivoire avant d'expédier / de remettre l'article. Les extrémités des rouleaux ne font pas partie de cette offre. Avec une boîte de rangement en bois tomobako. (2) Descendant de l'empereur Kogen, Takenouchi no Sukune a servi sous cinq empereurs légendaires, mais il est surtout connu pour avoir été le grand ministre de l'impératrice régente Jingu, avec laquelle il aurait envahi la Corée. Alors que Jingu régentait son fils Ojin, Takenouchi fut accusé de trahison. Il subit "l'épreuve de l'eau bouillante" pour prouver son innocence. Itawa Matabei (1578-1650) était un artiste japonais du début de la période Tokugawa, spécialisé dans les scènes de genre d'événements historiques et les illustrations de la littérature classique japonaise et chinoise, ainsi que dans les portraits. Il était le fils d'Araki Murashige, un important daimyo de la période Sengoku qui s'était suicidé, laissant Matabei élevé avec le nom de famille de sa mère, Iwasa.

Estim. 150 - 300 EUR

Lot 813 - HOSEN HIGASHIHARA : UNE PEINTURE SUR ROULEAU DE DEUX CARPES HOSEN HIGASHIHARA : UNE PEINTURE SUR ROULEAU DE DEUX CARPES Par Hosen Higashihara (1900-1972), signé Hosen avec le sceau Hosen Japon, Milieu du XXe siècle Encre et aquarelles sur soie. Monté comme un rouleau suspendu sur un cadre en brocart de soie avec des poignées en ivoire. Représentation d'une paire de carpes nageant l'une près de l'autre dans un ruisseau. Inscriptions : Signé en haut à droite, Hosen 方僊 un sceau, Hosen 方僊 . Signé avec le sceau "Hosen gaki" [peint et posé par Hosen] 方僊画記. sur le dessous du tomobako. Taille de l'image 63,5 x 72 cm, Taille avec montage 89 x 181 cm État de conservation : Excellent état avec des traces d'usure mineures. Le montage présente de légères traces d'usure. Remarque importante : Veuillez noter que nous devrons retirer les extrémités des rouleaux en ivoire avant l'expédition / la remise de l'article. Les extrémités des rouleaux ne font pas partie de cette offre. Avec une boîte de rangement en bois tomobako. (2) Dans la tradition asiatique, la carpe est associée à la bonne fortune et à la persévérance. Bien que la carpe vive principalement dans des eaux calmes, ses significations symboliques ont conduit à une convention de conception japonaise consistant à montrer le poisson arqué vers le haut, souvent en train de monter des cascades. Hosen Higashihara (1900-1972) est né à Okayama, au Japon. Il quitte Kyoto en 1942 et devient l'élève de Takeuchi Seiho. Après avoir vu sa peinture Hana Ringo (deux peintures d'une paire) acceptée pour la première fois à la 9e exposition Bunten en 1915, il a exposé ses œuvres à de nombreuses expositions officielles et a été recommandé pour la 11e exposition Teiten, mais n'a pas été accepté à la 12e exposition. Au cours de cette période, il expose fréquemment ses œuvres lors d'expositions au Japon et à l'étranger, et peint également des œuvres en bambou, ainsi que des peintures pour le plafond du temple Eiheiji et du sanctuaire Minatogawa. Il se spécialise dans les peintures de fleurs et d'oiseaux, telles que la Nuit à la couronne de poulet (12e exposition impériale), le Camélia blanc (13e exposition impériale) et le Seishu (14e exposition impériale).

Estim. 400 - 800 EUR

Lot 815 - UN ÉCRAN BYOBU À QUATRE PANNEAUX REPRÉSENTANT HUIT TANCHOZURU (GRUES À COURONNE ROUGE) UN ÉCRAN BYOBU À QUATRE PANNEAUX REPRÉSENTANT HUIT TANCHOZURU (GRUES À COURONNE ROUGE) Japon, début du 20 siècle, de la fin de la période Meiji (1868-1912) à la période Taisho (1912-1926) Encre, gouache et aquarelle sur papier peint à l'argent. Monté sur quatre panneaux avec un support en brocart attaché à un cadre en laque noire avec des ferrures métalliques. L'écran représente huit tanchozuru (grues à couronne rouge) se tenant dans l'eau près du rivage. Signé et scellé dans le coin inférieur droit. Dimensions 356 x 173,5 cm État : Usure, quelques salissures, déchirures mineures avec réparations, retouches et salissures associées, dans l'ensemble très bon état. La grue est l'un des symboles les plus importants de la longévité et de la bonne fortune en Asie. On lui prête une grande longévité et la capacité de voyager entre le ciel et la terre. Ces attributs en ont fait les compagnons logiques des sennin, les immortels taoïstes. La grue à couronne rouge ou grue du Japon représentée sur cet écran est censée vivre 1 000 ans. Comparaison d'enchères : Comparez un crible byobu apparenté avec des grues, 18 ème-19 siècle, chez Bonhams, Japanese and Korean Art, New York, 21 septembre 2022, lot 602 ( vendu pour 20 400 USD). Comparez un paravent byobu apparenté avec des grues par Yamamoto Koichi, période Meiji, chez Bonhams, Fine Japanese Art, 11 mai 2010, lot 162 ( vendu pour 43 200 GBP).

Estim. 3 000 - 6 000 EUR

Lot 819 - UN ÉCRAN BYOBU À DEUX PANNEAUX REPRÉSENTANT LA BATAILLE DE MINATOGAWA UN ÉCRAN BYOBU À DEUX PANNEAUX REPRÉSENTANT LA BATAILLE DE MINATOGAWA Japon, 17 e-18 siècle, Période Edo (1615-1868) Encre, aquarelle, or et gouache sur papier à la feuille d'or. Monté sur brocart de soie sur deux panneaux de bois laqué avec ferrures en métal ciselé. Cette peinture représente une bataille féroce, s'étendant sur les deux écrans, entre les forces impériales fidèles à l'empereur Go-Daigo et les Ashikaga. Les Ashikaga, après avoir consolidé leurs forces, ont attaqué les forces impériales à la rivière Minato, à la fois par terre et par mer. TAILLE 160,5 x 185 cm État de conservation : Bon état avec usure. Petites entailles, éraflures, plis et quelques pertes et écailles. Quelques déchirures, certaines avec des retouches associées. Le verso présente des déchirures mineures au niveau du support. Provenance : Collection privée américaine, New York. Une étiquette au verso, "#10326", écran de peinture ANTIQUE, datant d'environ 1650 après J.-C.. Dessin : une scène de bataille à Minatogawa près de Kobe entre les familles de samouraïs Heike et Genji, non signé-attribué à l'artiste de l'école de Tosa. Lors de la bataille décisive de Minatogawa (Minatogawa no tatakai) au début du mois de juillet 1336, Ashikaga Takauji (1305-1358) a vaincu les forces impériales défendues par Nitta Yoshisada (1301-1338) et Kusunoki Masashige (1294-1336), ce qui lui a permis de s'emparer de Kyoto contre la volonté de l'empereur Go-Daigo qui cherchait à réduire le pouvoir de la classe des guerriers et à revenir aux systèmes sociaux et politiques de la période Heian.

Estim. 1 200 - 2 400 EUR

Lot 822 - KITAGAWA UTAMARO : UNE DAME ET UN ENFANT JOUANT AVEC UN CHAT, EX-COLLECTION FREDDIE MERCURY KITAGAWA UTAMARO : UNE DAME ET UN ENFANT JOUANT AVEC UN CHAT, EX-COLLECTION FREDDIE MERCURY Par Kitagawa Utamaro (1754-1806), signé Utamaro hitsu Japon, vers 1803 Gravure sur bois en couleur sur papier. Oban vertical. Signée Utamaro hitsu ; éditeur Iwatoya Kisaburo (Eirindo). Titre Warau Kado niwa Fuku kitaru (La fortune vient à la maison de ceux qui sourient), tiré de la série Kodakana tatoe no fushi (Les enfants précieux comme base des proverbes). Dans cette scène domestique, une jeune femme est assise devant un paravent décoré d'oiseaux rouges sur une branche fleurie, tandis que son petit garçon joue avec un chat, qu'il taquine avec un arc attaché à une longue ficelle. Taille de l'image 36,7 x 25,5 cm, Taille avec cadre 59,2 x 44,5 cm État de conservation : Très bon état avec usure et légers plis sur les bords. Monté délicatement sur un passepartout en papier. Provenance : Sotheby's, Freddie Mercury : A World of His Own - In Love with Japan, 11 septembre 2023, Londres, lot 1010. . De la collection de Freddie Mercury (Farrokh Bulsara, 1946-1991). Freddie Mercury, chanteur universellement acclamé du légendaire groupe de rock Queen, a développé une profonde passion pour le Japon lors de la première de ses nombreuses visites pendant sa tournée en 1975. Six autres tournées l'emmèneront au Japon, avant qu'il n'y vienne seul pour la première fois en 1986, visitant des musées et achetant des objets traditionnels en laque. Dès lors, il a pris plaisir à remplir sa maison de Kensington d'antiquités et d'objets rares et magnifiques, tels que la présente gravure sur bois, et a développé une expertise académique substantielle dans l'histoire de la culture et de l'artisanat du Japon à travers les âges. Il est devenu un défenseur enthousiaste de la culture, déclarant un jour : "J'ai adoré ce pays : le mode de vie, les gens, l'art. Merveilleux !" Kitagawa Utamaro (1754-1806) est l'un des créateurs les plus réputés de gravures et de peintures sur bois ukiyo-e. Il est surtout connu pour ses bijin okubi-e (images à grosses têtes de belles femmes) des années 1790. Il a également réalisé des études sur la nature, en particulier des livres illustrés sur les insectes. On sait peu de choses sur la vie d'Utamaro. Ses œuvres ont commencé à être publiées dans les années 1770 et il s'est fait connaître au début des années 1790 avec ses portraits de beautés aux traits exagérés et allongés. Il a produit plus de 2000 estampes connues et a été l'un des rares artistes ukiyo-e à atteindre la célébrité dans tout le Japon de son vivant. Comparaison avec le musée : Une estampe très proche, de la même série, se trouve dans la collection du Museum of Fine Arts, Boston, numéro d'accession 21.6621. Une estampe très proche, de la même série, se trouve dans la collection du Museum of Fine Arts, Boston, numéro d'acquisition 21.6493. Une estampe apparentée représentant une femme et un chat se trouve dans la collection du Metropolitan Museum of Art, numéro d'accession JP1672. Comparaison avec une vente aux enchères : Comparez une estampe apparentée, du même artiste et également issue de la collection Freddie Mercury, chez Sotheby's, Freddie Mercury : A World of His Own, In Love with Japan, 11 septembre 2013, Londres, lot 1016 ( vendu pour 13 970 GBP). Comparez une estampe apparentée représentant une courtisane et un chat, du même artiste, chez Christie's, Japanese and Korean Art, 18 avril 2018, New York, lot 31 ( vendue pour 37 500 USD).

Estim. 6 000 - 12 000 EUR

Lot 823 - KITAGAWA UTAMARO : UN LOT DE DEUX GRAVURES SUR BOIS KITAGAWA UTAMARO : UN LOT AVEC DEUX GRAVURES SUR BOIS Par Kitagawa Utamaro (c. 1754-1806) Japon, vers 1790-1800, période Edo (1615-1868) Gravures sur bois en couleur sur papier. Oban vertical. 1. Une feuille du triptyque. Signée Utamaro hitsu. Intitulé Women Engaged in the Sericulture Industry (Femmes engagées dans l'industrie séricicole). Représentation des étapes de la production de la soie par des ouvrières : étirement de la soie et du fil sur des poteaux, suspension sur une ligne. Dimensions de la feuille 36,7 x 25,2 cm La curiosité fondamentale d'Utamaro pour les femmes ne se limite pas à un groupe ou à une activité en particulier. Dans cette estampe, il nous montre des femmes travaillant dans la production de soie, une occupation importante pour les femmes et une partie importante de l'économie d'Edo. La composition de cette estampe ressemble davantage à un tableau vivant, les ouvrières ne faisant que suggérer leurs activités. 2. Signé Toyokuni ga. Titré Acteur Ichikawa Yaozo en Obiya Nagaemon et Acteur Iwai Kumesaburo en Shinanoya Ohan. Dimensions de la feuille 36,3 x 23,8 cm État de conservation : Bonne présentation, avec usure et brunissement du papier. Les couleurs s'estompent, les plis se creusent, il y a quelques trous de vers et pertes avec les réparations associées. Un feuillet est soutenu par du papier japonais. Provenance : Collection familiale de Felix Tikotin (1893-1986) ou de son gendre Louis (Loek) Borensztajn (1935-2021), Pays-Bas. Felix Tikotin (1893-1986) était architecte, collectionneur d'art, marchand et fondateur du premier musée d'art japonais au Moyen-Orient. Dès l'âge de 18 ans, il est devenu l'un des principaux collectionneurs d'art japonais au monde. Il a continué à collectionner et à travailler comme marchand d'art à Berlin dans les années 1920. Dans les années 1930, Felix Tikotin a fui les nazis et a caché sa collection aux Pays-Bas. Après la guerre, il a décidé d'emmener sa collection en Israël où, en 1959, avec l'aide d'Abba Hushi, alors maire de Haïfa, le Musée Tikotin d'art japonais a été créé. La collection du musée comprend plus de 8 000 objets d'art et d'artisanat. Comparaison avec un musée : Comparez avec une estampe très proche représentant des femmes s'adonnant à la sériciculture, une feuille du triptyque, dans la collection du Metropolitan Museum of Art, numéro d'accession JP2731.

Estim. 150 - 300 EUR

Lot 826 - TSUCHIYA KOITSU : PONT BENKEI TSUCHIYA KOITSU : PONT BENKEI Par Tsuchiya Koitsu (1870-1949), signé Koitsu avec le sceau 'Shinsei' Japon, 1933 Gravure sur bois en couleur sur papier. Oban vertical. Signée Koitsu avec le sceau 'Shinsei' dans le coin inférieur droit de l'image. Intitulée Benkei Bashi (Pont Benkei) de la série Tokyo Fukei (Vues de Tokyo). Un beau pont illuminé par les réverbères un soir de printemps, avec des arbres en pleine floraison. Dimensions de la feuille 36,3 x 26 cm État de conservation : Très bon état avec une usure mineure et des marges rognées. Grande impression et couleurs vives. Solidement montée sur un cadre en papier. Tsuchiya Koitsu (1870-1949) était un paysagiste renommé et un élève du célèbre dessinateur d'estampes de l'ère Meiji, Kobayashi Kiyochika (1847-1915). Il s'est fait connaître en tant que créateur de shin hanga (nouvelles estampes) pour les principaux éditeurs de gravures sur bois entre le début des années 1930 et 1940. Les estampes de Tsuchiya Koitsu étaient connues pour leur utilisation spectaculaire de la lumière et leurs effets de couleur intéressants, influencés par son professeur Kiyochika. Si certains critiques ont loué son travail, notant que sa qualité était comparable à celle de paysagistes shin hanga célèbres tels que Kawase Hasui, Kasamatsu Shiro et Yoshida Hiroshi, d'autres ont critiqué sa lourdeur de conception et sa sensibilité non conventionnelle en matière de couleurs. Comparaison avec les ventes aux enchères : Comparez une estampe très proche vendue à la Galerie Zacke, Asian Art Discoveries - Japanese Art, 7 septembre 2023, Vienne, lot 385 (vendue pour 1 950 euros).

Estim. 400 - 800 EUR

Lot 830 - OKUHARA SEIKO : LA LUNE ET LES CERISIERS EN FLEURS OKUHARA SEIKO : LUNE ET CERISIERS EN FLEURS Par Okuhara Seiko (1837-1913), signé avec le sceau Japon, 19 siècle Gravure sur bois en couleur sur papier. Shikishiban vertical. Signée avec un sceau. Intitulée Lune et fleurs de cerisier. Fleurs de cerisiers sous la lune, partiellement couverte par de minces nuages. Taille de l'image 24,1 x 25,1 cm, Taille avec cadre 36,6 x 37,1 cm État de conservation : Très bon état avec une usure mineure et un léger brunissement du papier. Bonne impression et bonnes couleurs. Marges légèrement rognées et rousseurs mineures. Monté sur un papier avec du ruban adhésif en haut, derrière un passepartout. Okuhara Seiko était une artiste Literati au Japon à la fin des années 1800. Elle est devenue une artiste de premier plan au Japon en fondant une école d'art et en exposant ses œuvres dans tout le pays. Seiko est remarquable pour sa carrière bien établie et reconnue pendant la période Meiji, ainsi que pour sa réputation au sein de l'école des lettrés, essentiellement masculine. Au début de sa carrière, elle a changé son nom de Setsuko en Seiko, un nom neutre. Son œuvre a été qualifiée de "masculine", tant en peinture qu'en calligraphie, ce qui peut être attribué à la fois au style de vie libéral qu'elle menait et au rôle des femmes peintres à l'époque. Seiko était également connue pour porter des vêtements masculins et des cheveux courts, évitant ainsi délibérément de se présenter comme une femme.

Estim. 150 - 300 EUR

Lot 831 - OKUHARA SEIKO : OISEAU BLEU ET FEUILLES ROUGES OKUHARA SEIKO : OISEAU BLEU ET FEUILLES ROUGES Par Okuhara Seiko (1837-1913), signé Seiko avec le sceau Seiko Japon, vers 1895-1905 Gravure sur bois en couleur sur papier. Shikishiban vertical. Signée Seiko avec le sceau Seiko ; éditeur Daikokuya. Intitulée Blue Bird and Red Leaves (Oiseau bleu et feuilles rouges). Un petit oiseau aux ailes bleues et aux parties inférieures noires et blanches se repose sur une branche aux feuilles orange. Taille de l'image 24,1 x 24,7 cm, Taille avec cadre 36,6 x 37,1 cm État de conservation : Très bon état avec une usure mineure et un léger brunissement. Les couleurs et l'impression sont vives. Marges rognées et quelques rousseurs. Monté sur un papier avec du ruban adhésif en haut, derrière un passepartout. Okuhara Seiko était une artiste Literati au Japon à la fin des années 1800. Elle est devenue une artiste de premier plan au Japon en fondant une école d'art et en exposant ses œuvres dans tout le pays. Seiko est remarquable pour sa carrière bien établie et reconnue pendant la période Meiji, ainsi que pour sa réputation au sein de l'école des lettrés, essentiellement masculine. Au début de sa carrière, elle a changé son nom de Setsuko en Seiko, un nom neutre. Son œuvre a été qualifiée de "masculine", tant en peinture qu'en calligraphie, ce qui peut être attribué à la fois au style de vie libéral qu'elle menait et au rôle des femmes peintres à l'époque. Seiko était également connue pour porter des vêtements masculins et des cheveux courts, évitant ainsi délibérément de se présenter comme une femme. Comparaison avec le musée : Une estampe très proche, avec des sceaux similaires, se trouve dans la collection de l'Art Gallery of Greater Victoria, Canada, numéro d'objet 2009.026.004.

Estim. 150 - 300 EUR

Lot 832 - OGATA GEKKO : MOINEAU SE NOURRISSANT DE FLEURS DE CERISIER OGATA GEKKO : MOINEAU SE NOURRISSANT DE FLEURS DE CERISIER Par Ogata Gekko (1859-1920), signé Gekko avec sceau Japon, 19 siècle, période Meiji (1868-1912) Gravure sur bois en couleur sur papier. Shikishiban vertical. Signée Gekko avec un sceau. Titre Sparrow Feeding on Cherry Blossom (Moineau se nourrissant d'une fleur de cerisier). Un petit moineau se délectant du nectar d'une fleur de cerisier. Taille de l'image 24,2 x 25,1 cm, Taille avec cadre 36,6 x 37,1 cm État de conservation : Très bon état avec une légère usure. Impression et couleurs vives. Marges rognées et quelques rousseurs. Monté sur un papier avec du ruban adhésif en haut, derrière un passepartout. Provenance : D'une ancienne collection privée en Angleterre. Ogata Gekko était un artiste japonais surtout connu comme peintre et créateur de gravures sur bois ukiyo-e. Il était autodidacte en art, a remporté de nombreux prix nationaux et internationaux et a été l'un des premiers artistes japonais à gagner un public international. Autodidacte, il a remporté de nombreux prix nationaux et internationaux et a été l'un des premiers artistes japonais à conquérir un public international. Autodidacte, Gekko a commencé à décorer de la porcelaine et des pousse-pousse, et à concevoir des prospectus pour les quartiers de plaisance. Son style précoce montre l'influence du peintre Kikuchi Yosai. Vers 1881, il prend le nom de famille Ogata sur l'insistance d'un descendant du peintre Ogata Korin. Très vite, il conçoit des gravures et illustre des livres et des journaux. En 1885, Gekko expose à la Painting Appreciation Society et fait la connaissance des spécialistes de l'art Ernest Fenellosa et Okakura Kakuzo. Le format carré du shishikiban semble avoir été l'un des préférés de Gekko. Plus de 60 estampes de ce format figurent dans son œuvre. Comparaison avec le musée : Une estampe très proche, avec des sceaux similaires, se trouve dans la collection du musée d'Edo-Tokyo, sous le numéro de document 88004209.

Estim. 150 - 300 EUR

Lot 836 - OHARA KOSON : DEUX OIES SAUVAGES SURVOLANT UN PAYSAGE ENNEIGÉ OHARA KOSON : DEUX OIES SAUVAGES SURVOLANT UN PAYSAGE ENNEIGÉ Par Ohara Koson (1877-1945), signé Koson avec le sceau Koson Japon, début du 20 siècle Gravure sur bois en couleur sur papier. O-tanzaku vertical. Signée Koson avec le sceau Koson ; éditeur Daikokuya. Intitulée Deux oies sauvages volant au-dessus d'un paysage enneigé. Deux oies blanches en vol dans un paysage enneigé. Des tiges de bambou encadrent le motif de gauche, donnant une impression de profondeur. L'oie blanche était l'un des sujets préférés de Koson pour ses gravures. Taille de l'image 36 x 19 cm, Taille avec cadre 48,6 x 32,8 cm État de conservation : Très bon état avec une usure mineure et un léger brunissement du papier. Bonne impression et couleurs. Marges rognées et léger froissement dans le coin inférieur gauche. Monté sur un papier avec du ruban adhésif en haut, derrière un passepartout. Ohara Koson (1877-1945) était un peintre japonais et un dessinateur de gravures sur bois de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle, qui faisait partie du mouvement shin-hanga ("nouvelles gravures"). Il est connu comme un maître des motifs kacho-e (oiseaux et fleurs). Tout au long de sa carrière prolifique, au cours de laquelle il a créé environ 500 estampes, il a porté trois titres différents : Ohara Hoson, Ohara Shoson et Ohara Koson. Comparaison avec le musée : Une estampe très proche, avec des sceaux similaires, se trouve dans la collection du Museum of Fine Arts, Boston, numéro d'accession RES.51.138.

Estim. 250 - 500 EUR

Lot 837 - HIROSHI YOSHIDA : LE CHÂTEAU DE HIROSAKI HIROSHI YOSHIDA : CHÂTEAU DE HIROSAKI Par Hiroshi Yoshida (1876-1950), signé Yoshida avec le sceau Hiroshi Japon, daté de 1935 Gravure sur bois en couleur sur papier. Oban vertical. Signée Yoshida avec le cachet Hiroshi, signée également au crayon en caractères romains dans la marge extérieure inférieure Hiroshi Yoshida, cachet : jizuri (auto-imprimé). Titre Hirosaki Jo (Château de Hirosaki), de la série Sakura hachidai (Huit vues de cerisiers en fleurs). Illustration d'une vue du château de Hirosaki, siège du clan Tsugaru, partiellement obstruée par les cerisiers en fleurs. Dimensions de la feuille 40,6 x 27,5 cm État de conservation : Bon état avec une légère usure. Très bonne impression avec des couleurs vives. Léger brunissement du papier et petites rousseurs. Le sceau jizuri est la marque la plus importante sur une estampe de Hiroshi Yoshida car il permet de distinguer une édition ancienne dont le processus d'impression a été directement supervisé par lui. Jizuri signifie "auto-imprimé" et indique que Hiroshi Yoshida a joué un rôle actif dans le processus d'impression de l'estampe en question. Hiroshi s'est attaché à développer des tirages de la plus haute qualité et, en règle générale, seuls les tirages présentant les meilleures impressions reçoivent son sceau jizuri. Hiroshi Yoshida (1876-1950) a commencé sa formation artistique avec son père adoptif à Kurume, dans la préfecture de Fukuoka. Vers l'âge de vingt ans, il quitte Kurume pour étudier avec Soritsu Tamura à Kyoto, avant de s'installer à Tokyo sous la tutelle de Shotaro Koyama. Yoshida étudie la peinture occidentale, remporte de nombreux prix lors d'expositions et effectue plusieurs voyages aux États-Unis, en Europe et en Afrique du Nord pour vendre ses aquarelles et ses peintures à l'huile. Après avoir connu un grand succès en tant que peintre à l'huile et aquarelliste, Hiroshi Yoshida s'est tourné vers la gravure sur bois après avoir découvert l'engouement du monde occidental pour l'ukiyo-e. Bien qu'il ait beaucoup voyagé et qu'il connaisse l'esthétique occidentale, il est resté fidèle aux techniques et aux traditions japonaises. Comparaison avec le musée : Une estampe très proche, portant également le sceau jizuri, se trouve dans la collection du Museum of Fine Arts, Boston, numéro d'accession 50.2501.

Estim. 1 500 - 3 000 EUR

Lot 838 - UTAGAWA HIROSHIGE : HODOGAYA, VUE LOINTAINE DES MONTAGNES DE KAMAKURA DEPUIS LA MAISON DE L'ARBRE FRONTIÈRE UTAGAWA HIROSHIGE : HODOGAYA, VUE LOINTAINE DES MONTAGNES DE KAMAKURA DEPUIS LE POSTE DE L'ARBRE FRONTIÈRE Par Utagawa Hiroshige I (1797-1858), signé Hiroshige hitsu Japon, daté 1855 Gravure sur bois en couleur sur papier. Oban vertical. Signée Hiroshige hitsu, sceaux de la censure : aratame, Hare 7 ; éditeur Tsutaya Kichizo (Koeido). Intitulé Hodogaya, Kyoboku tateba Kamakura yama enbo (Hodogaya : Vue lointaine des montagnes de Kamakura depuis le penthouse de l'arbre frontière), numéro 5 de la série Gojusan tsugi meisho zue (Guide illustré des lieux célèbres le long des cinquante-trois stations). Illustration de plusieurs maisons de thé au toit de chaume et de haltes, ornées de lanternes en papier rouge, à Hodogaya, la cinquième station de la route du Tokaïdo ; plusieurs pèlerins se reposent sur des bancs bas. Dimensions de la feuille 36 x 24,2 cm État de conservation : Bon état avec une usure mineure et une légère décoloration des couleurs. Quelques petites déchirures et pertes le long des marges extérieures. Une déchirure dans la marge supérieure. Monté sur un passepartout en papier. La décoloration de l'image est visible et provient probablement du montage précédent. Utagawa Hiroshige (également connu sous le nom d'Ando Hiroshige) est reconnu comme un maître de la tradition de la gravure sur bois ukiyo-e. Il a créé 8 000 estampes de la vie quotidienne et de paysages dans le Japon de l'époque d'Edo. Une grande partie de l'œuvre de Hiroshige se concentre sur les paysages. Inspiré par les populaires Trente-six vues du mont Fuji de Katsushika Hokusai, Hiroshige a adopté une approche plus douce et moins formelle avec ses Cinquante-trois stations du Tokaïdo (1833-34), réalisées après avoir parcouru cette route côtière reliant Edo et Kyoto. La production prolifique de Hiroshige s'explique en partie par le fait qu'il était très peu payé par série. Cela ne l'a pas découragé pour autant, puisqu'il s'est retiré comme moine bouddhiste en 1856 pour achever ses Cent vues célèbres d'Edo (1856-58), une œuvre brillante et durable. Il meurt en 1858, dix ans avant que Monet, Van Gogh et de nombreux peintres impressionnistes ne deviennent des collectionneurs avides d'art japonais. Comparaison avec le musée : Une estampe très proche se trouve dans la collection du musée Van Gogh, sous le numéro d'objet n0058V1962.

Estim. 1 200 - 2 400 EUR

Lot 839 - UTAGAWA HIROSHIGE : YOKKAICHI, LA BAIE DE NAKO ET LA RIVIÈRE MIE UTAGAWA HIROSHIGE : YOKKAICHI, LA BAIE DE NAKO ET LA RIVIÈRE MIE Par Utagawa Hiroshige I (1797-1858), signé Hiroshige hitsu Japon, daté 1855 Gravure sur bois en couleur sur papier. Oban vertical. Signée Hiroshige hitsu, sceau de la censure aratame, Hare 7 ; éditeur Tsutaya Kichizo (Koeido). Intitulée Yokkaichi Nagonoura Mie-gawa (Yokkaichi - baie de Nago, rivière Mie), numéro 44 de la série Gojusan tsugi meisho zue (Guide illustré des lieux célèbres le long des cinquante-trois stations). Porteurs traversant une passerelle au-dessus d'une rivière, vue lointaine de la mer. Dimensions de la feuille 34,4 x 22,7 cm État de conservation : Très bon état avec une usure mineure et une décoloration. Marges rognées, plis mineurs et quelques pertes dans le coin inférieur gauche. Dos en papier japonais. Comparaison avec le musée : Une estampe très proche, avec des sceaux similaires, se trouve dans la collection du Museum of Fine Arts, Boston, numéro d'accession 11.16808. Utagawa Hiroshige (1797 - 1858) (également appelé Ando Hiroshige) est reconnu comme l'un des derniers grands maîtres de la tradition de la gravure sur bois ukiyo-e ("images du monde flottant"). Son style peut être caractérisé par le genre de l'estampe de paysage, innové par son premier contemporain Hokusai (1760-1849). On attribue à Hiroshige la création de plus de 5 000 estampes représentant la vie quotidienne et les paysages du Japon de l'époque d'Edo. Inspiré par les populaires Trente-six vues du mont Fuji de Katsushika Hokusai, Hiroshige a adopté une approche plus douce et moins formelle avec ses Cinquante-trois stations du Tokaïdo (1833-34), réalisées après un voyage entre Edo et Kyoto, qui sont considérées comme ses plus belles réalisations. Il a effectué de nombreux autres voyages au Japon et a publié une série d'estampes de ce type, exprimant avec force détails la sensibilité poétique inhérente au climat et à la topographie du Japon et de ses habitants. Il est mort en 1858, dix ans avant que Monet, Van Gogh et de nombreux peintres impressionnistes ne deviennent d'ardents collectionneurs d'art japonais.

Estim. 250 - 500 EUR

Lot 840 - UTAGAWA HIROSHIGE : VUE DE KONODAI ET DE LA RIVIÈRE TONE UTAGAWA HIROSHIGE : VUE DE KONODAI ET DE LA RIVIÈRE TONE Par Utagawa Hiroshige (1797-1858), signé Hiroshige ga Japon, XIXe siècle, Période Edo (1615-1868) Gravure sur bois en couleur sur papier. Vertical Oban. Signée Hiroshige ga. Titre Konodai Tonegawa fukei (Vue de Konodai et de la rivière Tone), numéro 95 de la série Meisho Edo hyakkei (Cent vues célèbres d'Edo). Vue de la falaise de Konodai surplombant la rivière Tone avec des voiliers naviguant sur la rivière au coucher du soleil. Quelques visiteurs admirent la vue depuis les hauteurs, sous des pins et des érables au feuillage d'automne, le mont Fuji au loin au centre droit. Des bateaux naviguent le long de la rivière en contrebas, avec quelques maisons au bord de l'eau. Le Konodai, ou "falaise de la capitale provinciale", a servi de centre militaire régional dans les premiers temps, car il était facile à défendre. Dimensions de la feuille 34,5 x 22,8 cm État de conservation : Très bon état avec une légère usure. Impression détaillée et couleurs vives. Marges rognées et quelques taches. Utagawa Hiroshige (1797 - 1858) (également appelé Ando Hiroshige) est reconnu comme l'un des derniers grands maîtres de la tradition de la gravure sur bois ukiyo-e ("images du monde flottant"). Son style peut être caractérisé par le genre de l'estampe de paysage, innové par son premier contemporain Hokusai (1760-1849). On attribue à Hiroshige la création de plus de 5 000 estampes représentant la vie quotidienne et les paysages du Japon de l'époque d'Edo. Inspiré par les populaires Trente-six vues du mont Fuji de Katsushika Hokusai, Hiroshige a adopté une approche plus douce et moins formelle avec ses Cinquante-trois stations du Tokaïdo (1833-34), réalisées après un voyage entre Edo et Kyoto, qui sont considérées comme ses plus belles réalisations. Il a effectué de nombreux autres voyages au Japon et a publié une série d'estampes de ce type, exprimant avec force détails la sensibilité poétique inhérente au climat et à la topographie du Japon et de ses habitants. Il est mort en 1858, dix ans avant que Monet, Van Gogh et de nombreux peintres impressionnistes ne deviennent d'ardents collectionneurs d'art japonais. Comparaison avec un musée : Une estampe très proche se trouve dans la collection du Museum of Fine Arts, sous le numéro d'accession 21.9498. Comparaison avec une vente aux enchères : Comparez une gravure sur bois très proche chez Christie's, Japanese and Korean Art, 16 mars 2021, New York, lot 84 (vendue pour 4 375). Comparez une gravure sur bois très proche chez Bonhams, Polish and Poise : Japanese Art Across the Centuries, 12 mai 2022, Londres, lot 366 (vendu pour 1 785 GBP).

Estim. 250 - 500 EUR
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