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mardi 23 juil. à : 14:30 (CEST)

23 juillet - Collection privée III

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132 résultats

Lot 1 - Atelier KARL HAGENAUER (Autriche, 1898 - 1956). "Cheval". Autriche, vers les années 1940. Métal argenté. Base en bois peint. La figurine est usée, la base est rayée et endommagée. Dimensions : 24 x 30 x 6 cm (personnage) ; 5,5 x 38 x 8 cm (socle). Le style de Karl Hagenauer est évident dans la réalisation de ce cheval : un modelage essentiel et synthétique, mais sans éviter le naturalisme. Fils de l'orfèvre Carl Hagenauer, Karl a étudié à l'École des arts et métiers de Vienne, où il a reçu l'enseignement de Josef Hoffmann et d'Oskar Strnad et s'est imprégné de l'esprit de la Wiener Wekstätte. Après avoir obtenu son diplôme d'architecte, il effectue son service militaire entre 1917 et 1919 et, à son retour, commence à travailler comme architecte et dans l'atelier de son père. Au cours de ces années, il crée de nombreuses pièces en argent, en laiton, en cuivre, en émail, en ivoire, en pierre et en bois. En 1928, après la mort de son père, il reprend la direction de l'atelier et est responsable de l'expansion de l'entreprise, en élargissant la production à l'ébénisterie et en ouvrant des magasins à Vienne et à Salzbourg. Dès lors, il expose ses meilleures pièces en Autriche et à l'étranger, reçoit deux fois la médaille d'or à la Triennale de Milan et est nommé membre du Werkbund autrichien et du Werkstätte. Aujourd'hui, ses œuvres font partie de collections du monde entier, notamment du Victoria & Albert Museum de Londres, du MoMA et du Jewish Museum de New York, de la Casa Lis de Salamanque et de bien d'autres.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 7 - PABLO GARGALLO CATALÁN (Maella, Zaragoza, 1881 - Reus, Tarragona, 1934). "Tête d'Arlequin", 1928. Pointe sèche sur papier vergé, exemplaire 9/12. Signé dans la planche : PG 28. Avec cadre d'époque peint à la main. Présente quelques manques de polychromie. Quelques taches sur le papier. Dimensions : 18 x 13 cm (assiette) ; 22 x 17 cm (papier) ; 43 x 37 cm (cadre). Rare estampe de l'artiste. Cette œuvre n'a été tirée qu'à 12 exemplaires numérotés. Le musée Pablo Gargallo possède les planches originales des quatre seules gravures à la pointe sèche de Gargallo (Autoportrait, Tête d'Arlequin, Nu féminin et Ballerine). Pablo Gargallo est considéré comme le précurseur de la sculpture sur fer. Il a appris la technique de la forge auprès de son père, qui possédait un atelier de forgeron. En 1888, sa famille émigre à Barcelone pour des raisons économiques et c'est là qu'il commence sa formation artistique, dans l'atelier du sculpteur Eusebio Arnau et à l'école de la Lonja, avec Venancio Vallmitjana comme principal professeur. À l'apogée du modernisme à Barcelone, Gargallo fréquente les réunions de "Els quatre Gats", établissant des relations avec des artistes tels que Nonell et Picasso. C'est pourquoi ses premières œuvres sont influencées par le modernisme, comme c'est le cas de la décoration des bâtiments barcelonais qu'il réalise en collaboration avec l'architecte Domènech i Montaner, tels que l'hôpital de la Santa Cruz y San Pablo ou le Palau de la Música. En 1903, Gargallo obtient une bourse qui lui permet de se rendre à Paris pour terminer ses études. Son séjour dans la capitale française est bref, mais à partir de cette date et jusqu'en 1923, lorsqu'il s'installe définitivement à Paris, ses voyages sont fréquents. C'est dans cette ville qu'il trouve les formulations esthétiques du cubisme, assimile ses systèmes expressifs et recherche le schématisme et l'essentialité des figures et des objets, en essayant de trouver l'expression tridimensionnelle authentique des postulats cubistes. Au cours de ces années, il commence à utiliser des matériaux métalliques tels que la tôle, le cuivre et le fer. Vers 1911-12, il réalise ses premiers masques, des pièces d'une grande simplification réalisées avec des tôles découpées, liées à l'esthétique cubiste. Avec la tôle, Gargallo commence à suggérer des volumes et à exalter les vides par la pénétration de la lumière dans les intérieurs. En 1920, il est nommé professeur de sculpture à la Escuela Técnica de Oficios Artísticos de la Mancomunidad de Cataluña, poste dont il est démis en 1923 pour des raisons politiques. C'est alors que Gargallo s'installe définitivement à Paris avec sa femme et sa fille. À partir de ce moment, son style acquiert une dimension très personnelle, dérivée de son interprétation du cubisme, basée sur la recherche d'une synthèse formelle de la figure dans des plans géométriques toujours fluides, en remplaçant les matériaux conventionnels par des feuilles de fer forgé, et en introduisant un nouveau langage sculptural par l'introduction du vide comme volume, ce qui confère à ses figures un grand dramatisme expressif. Pablo Gargallo est actuellement représenté au musée qui porte son nom à Saragosse, au MoMA de New York, au MACBA de Barcelone, au musée d'art moderne de Paris et au Reina Sofia de Madrid, entre autres.

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

Lot 13 - EUSEBI ARNAU MASCORT (Barcelone, 1864 - 1933) pour MASRIERA Y CARRERAS. Presse-papier "Ninfa", vers 1905. Bronze sur base en marbre veiné. Signé de l'anagramme de l'auteur. Cachet de Masriera y Carreras sur un côté. Dimensions : 9 x 5 x 8 cm (sculpture) ; 1,5 x 8 x 9 cm (socle). Le sculpteur Eusebi Arnau a été formé à l'École des beaux-arts de Barcelone, et a été le disciple de José Gamot. À partir de 1887, il poursuit ses études à Rome, grâce à une bourse de l'école de la Lonja. Plus tard, il approfondit sa formation à l'Académie Julian de Paris, exposant ses œuvres au Salon de la capitale française en 1895 et 1902. Plus tard, il ouvre son propre atelier à Barcelone, où il a des disciples tels que Pablo Gargallo et Josep Dunyach. Arnau réalisera de nombreuses commandes, comme le retable de l'église basilicale de Santa Engracia à Saragosse, où il travailla avec Josep Llimona. D'autre part, ses sculptures appliquées à l'architecture le distinguent comme sculpteur moderniste. Citons par exemple celles réalisées pour les maisons Lleó Morera et Amatller, l'hôtel España, le Palacio de la Música Catalana et l'Hospital de San Pablo, tous situés à Barcelone. Il a également été un collaborateur régulier de l'architecte Enric Sagnier Villavecchia, avec lequel il a travaillé sur le bâtiment des douanes du port de Barcelone, la maison Ruper Garriga, la Via Crucis de Montserrat, le temple expiatoire du Sacré-Cœur, la paroisse du Sacré-Cœur de Poblenou, l'agence de la Caixa de Pensions à Reus et d'autres projets. Il a également excellé dans la fabrication de médailles, notamment la médaille de l'exposition universelle de Barcelone en 1888, la médaille de la solidarité catalane, la médaille du centenaire de Christophe Colomb et la médaille commémorative de la démolition des murailles de Barcelone. Tout au long de sa vie, Arnau a participé à de nombreuses expositions en Espagne, à Chicago, à Mexico et à Paris. Il a reçu une médaille de bronze à l'exposition universelle de Barcelone en 1888, un diplôme d'honneur à l'exposition des beaux-arts de la même ville en 1891 et un prix à l'exposition de 1896 ; une mention honorifique en sculpture à l'exposition nationale de Madrid en 1899, une médaille de première classe en arts décoratifs à l'exposition nationale de 1908, la médaille d'or du cercle artistique de Barcelone à l'exposition internationale d'art de 1911 et une médaille de troisième classe à l'exposition nationale de 1912. Actuellement, on trouve des monuments publics d'Arnau à Barcelone, Madrid et Villafranca, ainsi que d'autres œuvres de l'artiste à Barcelone, Comillas et Saragosse. Il est également représenté au musée national d'art de Catalogne.

Estim. 150 - 180 EUR

Lot 25 - LORENZO FRECHILLA (Valladolid, 1927 - Madrid, 1990) Sans titre. Acier, copie 171/500. Signé et numéroté. Base doublée de velours avec de fortes salissures. Dimensions : 12 x 9 x 5 cm (sculpture) ; 2 x 11 x 7,5 cm (socle). Lorenzo Frechilla del Rey était un sculpteur espagnol. Il a étudié à l'École des arts et métiers de Valence. En 1948, il participe à la fondation du groupe d'avant-garde Pascual Letreros de Valladolid. Il s'agit d'un groupe artistique littéraire influencé par l'universalisme constructif de l'Uruguayen Joaquín Torres García, actif jusqu'à la première moitié des années 1950. Le théoricien et fondateur du groupe est le poète uruguayen José Parrilla et les peintres uruguayens Alma Castillo et Raúl Javiel Cabrera ainsi que les artistes de Valladolid Publio Wifrido Otero, Gerardo Pintado, Primitivo Cano et le sculpteur cantabrique Teodoro Calderón y participent. Il expose avec eux jusqu'en 1954. En 1951, il s'installe à Madrid où il rencontre sa femme Teresa Eguibar, également sculptrice. Tous deux s'installent à Paris et, à partir de 1961, ils rejoignent le Groupe international Est-Ouest, avec lequel ils parcourent l'Europe au cours des années soixante. En 1968, il se rend dans les pays nordiques. Il expose en Norvège avec le groupe Est-Ouest et tient une exposition individuelle à Helsingborg, en Suède, et deux à Paris. En 1969, il assiste aux séminaires sur l'art informatique au Centro de Cálculo de l'université de Madrid. Il participe à l'exposition sur l'art cybernétique avec Eusebio Sempere, Jose Luis Alexanco, Manuel Barbadillo, Manolo Quejido, Jose Maria Yturralde et Teresa Eguibar. Il est décédé à Madrid en 1990.

Estim. 180 - 200 EUR

Lot 66 - MARINO AMAYA (Astorga, León, 1927-Andalousie, 2014). Sans titre. Bronze patiné. Signé au burin en bas du dos. Dimensions : 12 x 5 x 5 x 5 cm (figure) ; 3 x 5,5 x 5,5 x 5,5 cm (base). Né à Astorga, Marino Amaya a été dans ses premières années berger, charpentier et tisserand, bien qu'à quinze ans seulement il ait obtenu sa première commande en tant que sculpteur, une statue de l'apôtre Saint-Jacques taillée dans la pierre. Il a commencé sa formation artistique à l'école des arts et métiers de Salamanque, où il a obtenu une bourse pour se rendre à Madrid en 1945, afin de poursuivre ses études. Quatre ans plus tard, en 1949, il entame un long voyage d'études qui le conduit en France, en Italie, en Autriche, en Hollande, au Danemark, en Norvège, en Suède, en Allemagne, en Grèce et, hors d'Europe, en Égypte et en Palestine. En 1950, Amaya retourne en Espagne et participe à l'exposition nationale des beaux-arts de Madrid, où il reçoit une médaille d'argent. Ce succès lui vaut en 1951 une importante commande de l'évêché de León, un monument grandiose dédié à l'Immaculée Conception. L'année suivante, il organise sa première exposition, qui a lieu à l'Association des écrivains et artistes de Madrid, et en 1954, il est présenté pour la première fois à León, lors d'une exposition organisée par le conseil provincial. Toujours au cours de cette décennie, il expose à l'Ateneo de Santander (1956) et au Musée romantique de Madrid (1957). Dans les années soixante, il travaille intensément, organisant également des expositions dans différentes capitales espagnoles, dans des centres tels que le Círculo de Bellas Artes de Madrid (1962). C'est également au cours de ces années qu'il fait le saut à l'international, en se présentant en 1961 à Rio de Janeiro. Il poursuivra sa carrière d'exposant dans les années soixante-dix et, en 1974, il est nommé fils préféré d'Astorga, ville dans laquelle une rue lui sera également dédiée. En 1981, il réalise une exposition exceptionnelle à la Zoma Gallery de New York, où quinze de ses œuvres sont acquises par la Fondation Rockefeller. La même année, il s'installe à Marbella, ville où il vivra et travaillera désormais, parallèlement à son atelier de Madrid. En 1985, le pape Jean-Paul II lui accorde une entrevue pour voir son œuvre "Le droit à la vie", qui est bénie par le Saint-Père et fait désormais partie de la collection du Vatican. Cette sculpture sera à l'origine d'une série d'œuvres qu'Amaya consacre à la vie des enfants. Les figures animales, en particulier les chiens et les chats, sont également très présentes dans son œuvre. C'est un sculpteur très engagé dans la sculpture publique, et aujourd'hui on peut trouver des œuvres de sa main dans des lieux publics de toute l'Espagne, ainsi qu'au musée Mateo Hernández de Béjar et dans d'autres collections publiques et privées.

Estim. 250 - 300 EUR

Lot 85 - Atelier KARL HAGENAUER (Autriche, 1898 - 1956). "Skieur et joueur de polo. Autriche, vers les années 1940-50. Métal argenté et bois. Non signé. Présente des signes d'usure, des salissures et des marques d'utilisation. Dimensions : 9 x 16 x 12 cm, la plus grande. Le style de Karl Hagenauer est évident dans la réalisation de ces deux statuettes. Fils de l'orfèvre Carl Hagenauer, Karl a étudié à l'École des arts et métiers de Vienne, où il a reçu l'enseignement de Josef Hoffmann et d'Oskar Strnad et s'est imprégné de l'esprit de la Wiener Wekstätte. Après avoir obtenu son diplôme d'architecte, il effectue son service militaire entre 1917 et 1919 et, à son retour, commence à travailler comme architecte et dans l'atelier de son père. Au cours de ces années, il crée de nombreuses pièces en argent, en laiton, en cuivre, en émail, en ivoire, en pierre et en bois. En 1928, après la mort de son père, il reprend la direction de l'atelier et est responsable de l'expansion de l'entreprise, en élargissant la production à l'ébénisterie et en ouvrant des magasins à Vienne et à Salzbourg. Dès lors, il expose ses meilleures pièces en Autriche et à l'étranger, reçoit deux fois la médaille d'or à la Triennale de Milan et est nommé membre du Werkbund autrichien et du Werkstätte. Aujourd'hui, ses œuvres font partie de collections du monde entier, notamment du Victoria & Albert Museum de Londres, du MoMA et du Jewish Museum de New York, de la Casa Lis de Salamanque et de bien d'autres.

Estim. 250 - 300 EUR

Lot 88 - Atelier KARL HAGENAUER (Autriche, 1898 - 1956). "Ballerine". Autriche, vers les années 1940-50. Métal argenté. Pas de signature. Base en métal noir. Elle présente des usures et quelques manques dans la polychromie de la base. Dimensions : 42 x 24 x 5 cm (figure) ; 2 x 40 x 9 cm (base). Dans la réalisation de cette danseuse élancée, le style de Karl Hagenauer est évident : un modelage essentiel et synthétique typiquement Art déco, mais sans éviter le naturalisme. Fils de l'orfèvre Carl Hagenauer, Karl étudie à l'École des arts et métiers de Vienne, où il reçoit l'enseignement de Josef Hoffmann et d'Oskar Strnad et s'imprègne de l'esprit de la Wiener Wekstätte. Après avoir obtenu son diplôme d'architecte, il effectue son service militaire entre 1917 et 1919. À son retour, il commence à travailler comme architecte et dans l'atelier de son père. Au cours de ces années, il crée de nombreuses pièces en argent, en laiton, en cuivre, en émail, en ivoire, en pierre et en bois. En 1928, après la mort de son père, il reprend la direction de l'atelier et est responsable de l'expansion de l'entreprise, en élargissant la production à l'ébénisterie et en ouvrant des magasins à Vienne et à Salzbourg. Dès lors, il expose ses meilleures pièces en Autriche et à l'étranger, reçoit deux fois la médaille d'or à la Triennale de Milan et est nommé membre du Werkbund autrichien et du Werkstätte. Aujourd'hui, ses œuvres font partie de collections du monde entier, notamment du Victoria & Albert Museum de Londres, du MoMA et du Jewish Museum de New York, de la Casa Lis de Salamanque et de bien d'autres.

Estim. 500 - 600 EUR