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mardi 02 juil. à : 17:00 (CEST)

CHÂTEAU DE LAUDON - VENTE AUX ENCHÈRES DU TRÉSOR ! - 13ÈME VENTE AUX ENCHÈRES DE TIBÉRIUS

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Neue-Welt-Gasse 21-23 1130 Wien, Autriche
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568 résultats

Lot 6 - Francesco Bassano le Jeune Bassano del Grappa 1549 - 1592 Venise Marché de Venise pendant le carnaval Huile sur toile originale 140,5 x 185,5 cm, avec cadre 182,5 x 207,5 cm Signée en bas à droite Francesco Bassano le Jeune était un peintre italien appartenant à la célèbre famille d'artistes Bassano. Né à Bassano del Grappa, il est le fils aîné de Jacopo Bassano, figure majeure de la Renaissance vénitienne. Francesco a été formé dans l'atelier de son père, où il a développé ses talents de peintre et adopté le penchant de son père pour les couleurs vives et les compositions dynamiques. La famille Bassano était connue pour son approche novatrice des scènes de genre et son utilisation magistrale de l'ombre et de la lumière, que Francesco a habilement poursuivie. Les œuvres de Francesco se caractérisent par leur énergie vibrante et leur attention méticuleuse aux détails. Il a souvent représenté des sujets religieux, des scènes pastorales et des scènes de marché animées, capturant l'essence de la vie quotidienne avec un sens aigu de l'observation. Ses peintures reflètent un mélange harmonieux de l'influence de son père et de son propre style, ce qui fait de lui une figure importante de la fin de la Renaissance. Cette peinture capture l'atmosphère animée et chaotique d'un marché de Venise pendant la saison du carnaval. La composition détaillée reflète l'atmosphère animée du carnaval vénitien. Au premier plan à droite, une vendeuse de nourriture s'occupe de ses clients, offrant au spectateur un point d'entrée au sol. L'éventail des produits proposés attire immédiatement l'attention du spectateur et donne le ton énergique de la scène. Au premier plan, une femme masquée accompagnée d'un musicien et d'un serviteur accompagné d'un chien se dirige vers la gauche. La femme masquée, symbole du carnaval, confère à la scène un air de mystère et de fête. Le musicien et le serviteur, avec leurs instruments et leurs animaux respectifs, contribuent également au caractère vivant et varié de la scène. Depuis la gauche, on voit un homme barbu courir vers la droite, peut-être à la poursuite de quelque chose ou de quelqu'un, ce qui ajoute un sentiment d'urgence et de mouvement à la peinture. Cette figure dynamique et gesticulante contraste avec la dame qui marche calmement. À l'arrière-plan, la place est remplie de personnes vaquant à leurs diverses activités. Les fenêtres des maisons sont également remplies de spectateurs, ce qui souligne le caractère communautaire de l'événement. Un bœuf apparaît au milieu de la foule, symbolisant la diversité du marché et le mélange des différentes facettes de la vie. Les couleurs vives des vêtements des personnages, en particulier les rouges éclatants, se détachent du ciel nuageux bleu foncé et des tons plus sombres de l'architecture et du sol. Ce contraste crée un effet visuel dramatique qui souligne le caractère festif et quelque peu désordonné de la scène. Le spectateur est attiré par la vie trépidante et les festivités.

Estim. 8 000 - 16 000 EUR

Lot 7 - Leonello Spada Bologne 1576 - 1622 Parme, attribué Suzanne au bain Huile sur toile, rehaussée 161 x 123 cm, avec cadre 177 x 140 cm Ancienne étiquette d'exposition au verso Leonello Spada est un peintre italien originaire de Bologne qui s'est imposé comme l'un des principaux successeurs du Caravage. Spada a d'abord été formé par les frères Carracci, qui ont eu une grande influence sur le mouvement baroque. La rencontre de Spada avec le style révolutionnaire du Caravage lors de son séjour à Rome a eu un impact durable sur son orientation artistique. Les œuvres de Spada se caractérisent souvent par d'intenses contrastes d'ombre et de lumière, des compositions dynamiques et un sens prononcé du réalisme, autant de traits caractéristiques de l'influence du Caravage. Le tableau représente le sujet important de Suzanne au bain et illustre l'histoire biblique de Suzanne, tirée du Livre de Daniel. Dans cette histoire, Suzanne, une femme vertueuse et belle, se baigne dans son jardin lorsqu'elle est abordée par deux hommes âgés qui se sont cachés pour l'observer. Lorsqu'elle repousse leurs avances, ils l'accusent à tort d'adultère, ce qui conduit à son procès. Cependant, le jeune prophète Daniel intervient, prouve son innocence et condamne les vieillards. Dans la représentation de Spada, Suzanne est au premier plan, sa figure nue partiellement détournée du spectateur dans un geste de honte et de détresse. Ses gestes dramatiques et son visage expressif traduisent le choc et la peur qu'elle éprouve en essayant de se couvrir et d'échapper aux hommes en même temps. Les deux hommes plus âgés dans le coin supérieur gauche de la composition la regardent de derrière une clôture, leurs sinistres intentions étant clairement visibles dans leur langage corporel et leurs expressions faciales. Le cadre est un jardin clôturé, symbolisant à la fois l'intimité de Susanna et l'invasion de cette intimité par les aînés. Un arbre à l'arrière-plan ajoute de la profondeur à la composition et sert de barrière naturelle, renforçant la nature fermée et intime de la scène. Le contraste entre l'innocence et la pureté de Susanna et la nature dépravée et prédatrice des vieillards est clairement souligné par l'utilisation habile de la lumière et de l'ombre par Spada, attirant l'attention du spectateur sur les personnages centraux et leur interaction. La maîtrise par Spada des techniques du Caravage est évidente dans le naturalisme des personnages et l'intensité dramatique de la scène. La tension émotionnelle et les thèmes moraux de la vertu et du vice sont puissamment transmis, faisant de cette peinture une représentation fascinante de l'histoire biblique et un témoignage de l'habileté artistique de Spada.

Estim. 4 000 - 8 000 EUR

Lot 8 - Girolamo Forabosco Venise 1605 - 1679 Padoue, attribué Portrait d'une femme noble Huile sur toile, rechampi 128 x 101,5 cm, avec cadre 154 x 128 cm Girolamo Forabosco était un peintre baroque italien connu pour ses portraits et ses compositions religieuses. Né à Venise, Forabosco a été influencé par les riches traditions artistiques de la ville ainsi que par les œuvres de célèbres peintres vénitiens tels que Titien et Tintoret. Il s'est forgé une réputation en capturant habilement les traits fins et les personnalités expressives de ses sujets. Les œuvres de Forabosco se caractérisent par leur souci du détail, la richesse des couleurs et le jeu dramatique de l'ombre et de la lumière, qui sont des éléments clés du style baroque. Ce portrait représente une noble dame qui respire l'élégance et le raffinement typiques de l'aristocratie vénitienne. Ses cheveux bouclés sont ornés d'une coiffure pompeuse qui donne à son apparence une touche de grandeur. De grandes boucles d'oreilles encadrent son visage, tandis qu'un nœud et une fleur rouge frappante dans ses cheveux soulignent sa présence aristocratique. La robe de la dame est d'un rose délicat, contrasté par de la dentelle blanche à l'encolure et aux manches, et par des bordures noires. Cela montre l'attention méticuleuse que Forabosco porte aux détails des tissus et de la mode. Des chaînes dorées sont drapées sur sa robe, ajoutant une touche d'opulence. De la main gauche, elle saisit les plis volumineux de sa robe, suggérant à la fois la grâce et le dynamisme de sa pose. De la main droite, elle s'appuie élégamment sur une table sur laquelle se trouve un vase d'aspect antique contenant une nature morte florale colorée. Le fond du tableau est assombri, créant un fort contraste qui met en valeur la figure éclairée de la figurante. Ce fond sombre, typique du portrait baroque, permet d'attirer l'attention du spectateur sur la présence digne de la dame et sur les détails complexes de ses vêtements. Une colonne cannelée derrière les fleurs ajoute un élément classique à la composition, indiquant à la fois la lignée aristocratique et le raffinement culturel de la dame. Dans l'ensemble, le portrait de Forabosco donne une idée du statut et de la personnalité de la personne représentée grâce à une composition soignée et à des détails riches et texturés.

Estim. 8 000 - 12 000 EUR

Lot 9 - Nicolas de Largillière Paris 1656 - 1746 Paris, attribué Portrait du Lieutenant Général des Armées DE COURCY avec l'Ordre de St Louis ex Coll. DE COURCY Huile sur toile, relaquée 146,5 x 114 cm, avec cadre 173,5 x 142 cm Titré en bas au centre sur le cadre Nicolas de Largillière était un important peintre français connu pour ses portraits, dans lesquels il capturait l'élégance et la grandeur de l'aristocratie et de la bourgeoisie françaises. Il est né à Paris et a passé une partie de sa jeunesse à Anvers, où il a été formé par le peintre baroque flamand Antoine Goubau. Cette influence précoce est clairement visible dans les compositions détaillées et colorées de Largillière. En 1675, Largillière s'installe à Londres, où il travaille brièvement avec Sir Peter Lely, un autre portraitiste important de l'époque. Cependant, il retourne rapidement à Paris, où il est admis à l'Académie Royale de Peinture et de Sculpture en 1686. Au cours de sa carrière, il est devenu le principal portraitiste de son temps en France, réputé pour sa capacité à imprégner ses œuvres de couleurs vives et lumineuses. Il compte parmi ses clients des membres de la cour royale, de la noblesse et des citoyens éminents, ce qui assoit sa réputation d'artiste de premier plan de la période baroque française. Dans cet important portrait, le lieutenant général des armées de Courcy est représenté avec la grandeur et l'autorité qui conviennent à son rang militaire. Le général se tient devant un fond sombre, une technique classique de Largillière qui souligne la présence du personnage et met en valeur ses vêtements. À gauche, une colonne et un motif de rideau confèrent à la composition une touche d'architecture classique et de théâtralité. Le lieutenant général porte une haute perruque grise et bouclée, symbole de statut et de sophistication en vogue dans la France du XVIIIe siècle. Sa robe rouge est richement brodée d'or, ce qui souligne à la fois sa richesse et sa position. Par-dessus ce splendide vêtement, il porte une cuirasse qui symbolise son rôle militaire. La médaille de l'ordre de Saint-Louis, qui récompense un service militaire exemplaire, est attachée à la cuirasse. Son attitude est empreinte d'assurance et de commandement : sa main gauche est fermement posée sur sa hanche, ce qui lui confère une posture d'autorité. Dans sa main droite, il tient une petite canne qu'il appuie sur la base de la colonne, soulignant ainsi sa dignité. Les détails raffinés de ses vêtements et la composition soigneusement étudiée reflètent l'habileté de Largillière à dépeindre non seulement l'apparence physique, mais aussi le caractère et le statut de ses sujets.

Estim. 6 000 - 12 000 EUR

Lot 10 - Hyacinthe Rigaud Perpignan 1659 - 1743 Paris Portrait du cardinal André-Hercule de Fleury Huile sur toile, rentoilée 81,5 x 63,5 cm, avec cadre 95 x 79,5 cm Hyacinthe Rigaud est un peintre français important de la période baroque. Il a fait preuve d'un talent exceptionnel dès son plus jeune âge et a reçu une formation formelle de son père, un modeste portraitiste. Les talents de Rigaud ont rapidement attiré l'attention de mécènes influents, faisant de lui l'un des portraitistes les plus recherchés de France. Le style de Rigaud se caractérise par une attention méticuleuse aux détails, des couleurs riches et des compositions magnifiques, reflétant l'opulence et la splendeur de la cour française. Ses portraits représentent souvent des aristocrates, des ecclésiastiques et d'autres personnages importants, dont il saisit la stature et la personnalité avec une précision remarquable. L'une de ses œuvres les plus remarquables est le portrait du cardinal André-Hercule de Fleury (Lodève 1653 - 1743 Paris). Ce cardinal et premier ministre français a dirigé le gouvernement du roi Louis XV de 1726 à 1743. Sur un fond sombre, le cardinal Fleury est représenté dans un habit blanc orné de détails complexes, complété par un manteau et une coiffe rouge vif. Il regarde le spectateur avec un sourire chaleureux qui rayonne de confiance et de sagesse et dégage une douce autorité. Les robes volumineuses portées par le cardinal soulignent son aura majestueuse et l'enveloppent d'un air de splendeur majestueuse. L'utilisation habile de l'ombre et de la lumière confère au portrait profondeur et dimension, ainsi qu'un sentiment de dynamisme et de vitalité. Ce tableau, une répétition de très grande qualité d'une œuvre antérieure de Rigaud datant de 1730, aujourd'hui conservée dans la Wallace Collection (P130), réalisée de sa propre main, est un exemple de la maîtrise de l'artiste en matière de portrait et de sa capacité à capturer l'essence de ses sujets avec une finesse inégalée. Grâce à son art, Rigaud immortalise le cardinal Fleury et invite le spectateur à contempler l'héritage durable de cette figure influente de l'histoire française.

Estim. 4 000 - 8 000 EUR

Lot 11 - Peintre italien 16ème/17ème siècle Vierge à la fenêtre Huile sur toile, rentoilée 95 x 78 cm, avec cadre 116 x 97 cm Deux étiquettes au verso Ce tableau d'un peintre italien datant d'environ 1600 offre un aperçu captivant de la vie domestique à l'époque baroque. La scène représente un moment de tendresse entre une mère et son enfant qu'elle allaite. La femme berce son enfant contre son sein et son regard est rempli d'affection maternelle. À côté de la mère et de l'enfant, une fenêtre baigne la pièce d'une douce lumière. Un homme âgé se penche à travers la fenêtre, absorbé par un livre, ses doigts tournant doucement la page. Cette juxtaposition de soins domestiques et de travaux d'érudition crée un récit riche qui suggère la coexistence harmonieuse de l'amour familial et de la curiosité intellectuelle. Au premier plan, une nature morte de fruits et de délicieuses friandises ajoute de la profondeur et de la texture à la composition. Cette juxtaposition de la domesticité et de l'indulgence enrichit encore la composition et évoque les thèmes de la richesse et des plaisirs de la vie quotidienne. À l'arrière-plan, des éléments architecturaux tels que des motifs de colonnes et un rideau drapé évoquent des influences classiques et confèrent à la scène un sentiment d'intemporalité et d'élégance. Ces ornements antiques servent de toile de fond au tableau intime qui se déroule au premier plan, renforçant l'impression générale d'harmonie et d'équilibre de la composition. Avec un coup de pinceau habile et une grande attention aux détails, le peintre italien capture l'essence de la vie domestique à l'époque baroque et invite les spectateurs à s'immerger dans un monde de beauté tranquille et de sophistication discrète.

Estim. 4 000 - 6 000 EUR

Lot 12 - Maître d'Europe du Sud XVIIe siècle Saint Daniel Huile sur cuivre 33 x 23,5 cm, avec cadre 45,5 x 36 cm Etiqueté "Portugau" au verso Saint Daniel est un personnage important de la Bible, connu pour sa foi inébranlable et sa survie dans la fosse aux lions. L'histoire du Livre de Daniel raconte la résistance de Daniel au décret du roi Darius interdisant de prier un dieu ou un homme autre que le roi. Pour sa désobéissance, Daniel a été jeté dans la fosse aux lions. Miraculeusement, il est resté indemne toute la nuit, protégé par un ange envoyé par Dieu. Cet événement souligne la piété de Daniel et la puissance de Dieu et fait de lui un symbole de la foi et de la délivrance divine. Une peinture d'un maître d'Europe méridionale du XVIIe siècle, probablement du Portugal, représente cet épisode miraculeux de manière représentative en utilisant un certain nombre de motifs iconographiques. Le tableau montre le jeune Daniel debout, sûr de lui, entre deux lions qui gisent à ses pieds dans un état de soumission. L'arrière-plan est un paysage pittoresque, vallonné et montagneux, peint sous un ciel qui s'estompe dans des tons roses, jaunes et bleus, donnant à la scène une impression de crépuscule serein. Deux petits personnages, dont l'un est un ange, descendent du coin supérieur droit, leur présence signalant une intervention divine. Daniel, vêtu d'une longue tunique brodée, d'un manteau rose et d'un turban assorti, regarde ces êtres célestes d'un air calme et confiant. Une auréole entoure sa tête et souligne sa sainteté. Dans sa main droite, il tient une banderole portant l'inscription "Sanctus Daniel Profecta", qui se traduit par "Saint Daniel le Prophète". Cependant, le lien entre saint Daniel et le Portugal remonte à l'intégration culturelle et religieuse des figures bibliques dans l'art portugais. Le Portugal, avec sa tradition catholique profondément enracinée, a souvent adopté des saints issus de récits bibliques et les a honorés pour leur foi exemplaire et les miracles qui leur étaient associés. La représentation de saint Daniel dans l'art portugais pourrait refléter l'admiration du pays pour son histoire et souligner les thèmes de la protection divine et de la fidélité qui résonnaient profondément dans le contexte religieux portugais. Cette peinture ne démontre pas seulement l'habileté artistique de son créateur, mais témoigne également de l'influence durable des récits bibliques à travers les différentes cultures et époques. Elle illustre également la façon dont l'histoire de saint Daniel continue d'inspirer et de captiver les croyants.

Estim. 2 000 - 4 000 EUR

Lot 13 - Le Christ avec les savants Flandre, XVIIe siècle Huile sur panneau de chêne à caissons 56 x 90 cm, avec cadre 75 x 105 cm Ce tableau, réalisé par un peintre flamand au XVIIe siècle, représente de manière saisissante la scène biblique de Jésus parmi les érudits. La composition introduit le spectateur dans la scène par le biais d'un clerc qui dialogue avec un noble à l'extrême droite. Cette interaction accentuée forme le contrepoint du Christ, qui se trouve à l'extrême gauche, au centre de la scène. Entre ces deux points focaux se trouve un rassemblement dynamique de personnages assis et d'auditeurs à cheval, qui semblent tous écouter attentivement Jésus. La scène se déroule dans un paysage idyllique avec des arbres sombres aux riches nuances de vert et de brun, créant une atmosphère calme et contemplative. Le côté gauche du tableau, derrière le Christ, s'ouvre sur un ciel nuageux. Le Christ fait un geste vers le groupe qui l'entoure, soulignant son rôle d'enseignant et de figure centrale. Ce qui est particulièrement remarquable dans ce tableau, ce sont les couleurs rouges vives qui se détachent de la palette de couleurs, par ailleurs très discrètes. Le manteau du Christ et la robe du noble, ainsi que les plumes de son chapeau, sont peints dans des tons rouges vifs qui attirent l'attention du spectateur. L'utilisation de cette couleur souligne l'importance des figures et donne à la composition un contraste dynamique. L'attention portée aux détails et la capacité de l'artiste à raconter une histoire par le biais de la couleur et de la composition reflètent l'accent mis par le style baroque flamand sur le réalisme dramatique et l'engagement émotionnel. Ce tableau ne se contente pas de capturer un moment d'enseignement profond, il invite également le spectateur à s'immerger dans la riche interaction entre les personnages et le paysage serein.

Estim. 200 - 400 EUR

Lot 38 - Bernard Picart Paris 1673 - 1733 Amsterdam La migration miraculeuse des poissons de Saint-Pierre 1713 Interprétation d'après Raphaël Urbino 1483 - 1520 Rome Plume lavée en grisaille Feuille 32,3 x 43 cm, avec cadre 48 x 57 cm Inscrit, signé et daté en bas à droite : "dessigné par B. Picart d'après Raphaele d'Urbine 1713" Bernard Picart, important graveur et peintre français du XVIIIe siècle, était connu pour sa polyvalence et ses réinterprétations imaginatives de thèmes classiques. Picart a été formé par son père et a ensuite étudié avec Sébastien Leclerc. Il s'est installé à Amsterdam, où il est devenu une figure de proue dans le monde de la gravure et de l'illustration, connu pour son souci du détail et ses compositions novatrices. L'une des œuvres les plus remarquables de Picart est une peinture représentant la pêche miraculeuse, inspirée de la célèbre représentation par Raphaël du même événement biblique dans les cartons pour tapisseries (Royal Collection Trust, RCIN 912944). L'histoire, tirée de l'Évangile de Luc, raconte le moment où Jésus, après avoir donné des instructions à la foule depuis la barque de Simon-Pierre, demande à ce dernier de jeter ses filets en eau profonde. Bien qu'il n'ait rien pris de toute la nuit, Pierre obéit et attrape miraculeusement un nombre impressionnant de poissons, symbolisant l'abondance de la grâce divine et l'appel des apôtres. Dans l'interprétation libre de Picart, la scène est mise en scène par une composition riche et dynamique. Au premier plan, on aperçoit le rivage, où un groupe d'hommes sur la gauche gesticule avec animation, discutant peut-être de l'événement miraculeux qui se déroule devant eux. Au centre, des femmes, qui semblent avoir été chercher de l'eau, sont assises avec des enfants ; une femme semble dormir et est doucement réveillée par une autre. Cette inclusion de la vie quotidienne ajoute un niveau d'humanité et de réalisme à la scène. Sur le côté droit, une souche d'arbre est représentée avec la végétation environnante, donnant à la composition un cadre naturel. La signature de Picart est habilement intégrée à cet élément et marque sa paternité. Le fond central montre la rivière avec deux barques ; le Christ est assis dans la barque de gauche et fait un geste en direction d'un personnage agenouillé, Simon Pierre, qui se trouve devant lui. Derrière le Christ se tient un rameur, soulignant la présence divine et la réaction humaine. Dans l'autre barque, on voit deux hommes tirer le filet rempli de poissons, tandis qu'un autre rameur est assis, symbolisant l'effort et l'étonnement devant la pêche miraculeuse. À l'arrière-plan, une ville fortifiée est représentée avec plusieurs personnages dans diverses positions, ce qui ajoute de la profondeur et du contexte à la narration. Le ciel est orné de nuages et d'oiseaux en vol, ce qui ajoute au naturalisme de la scène. Le tableau de Picart saisit l'essence du miracle biblique tout en prêtant sa vision artistique unique, mêlant le sacré au quotidien et démontrant son talent pour les compositions vives et captivantes.

Estim. 200 - 400 EUR

Lot 44 - Nicolas Bernard Lépicié Paris 1735 - 1784 Paris Portrait d'une noble Huile sur toile, rentoilée 61,5 x 50 cm, avec cadre 76 x 65 cm Nicolas Bernard Lépicié, important peintre français du XVIIIe siècle, est né dans une famille d'artistes. Il a suivi les traces de son père François Bernard Lépicié, célèbre graveur, et a fait preuve d'un talent remarquable dès son plus jeune âge. Il a appris auprès des principaux artistes de son époque, où il a pu affiner ses compétences et développer son style unique. L'œuvre de Lépicié englobe une variété de genres, y compris des portraits, des peintures d'histoire et des scènes de genre. Ses œuvres se caractérisent par la délicatesse du pinceau, l'utilisation subtile de l'ombre et de la lumière et l'attention méticuleuse portée aux détails. Elles reflètent l'élégance et le raffinement du rococo français. Ce remarquable portrait d'une jeune femme noble témoigne de la maîtrise artistique du genre. Ses cheveux noirs, coiffés en chignon, retombent en douces ondulations jusqu'aux oreilles, encadrant un visage aux yeux marron clair qui rayonnent de chaleur et d'intelligence. Elle est vêtue d'une somptueuse robe bleue, dont les plis volumineux et les détails complexes mettent en valeur sa silhouette gracieuse. Une encolure volantée orne son décolleté et ajoute une touche de sophistication à sa tenue. Le manteau de la dame, brodé de fleurs délicates le long des coutures, souligne la richesse de son vêtement et fait allusion à son statut aisé et à son goût exquis. Sur un fond gris abstrait, la figure se distingue par sa présence captivante, son regard calme mais énigmatique, invitant le spectateur à s'interroger sur les mystères de son esprit. Par son art, l'artiste immortalise la beauté et l'élégance de l'aristocratie française et invite le spectateur à s'immerger dans la splendeur de la période rococo.

Estim. 4 000 - 8 000 EUR

Lot 46 - Martin van Meytens Stockholm 1695 - 1770 Vienne, attribué L'empereur Joseph II enfant Vers 1750 Huile sur panneau 107 x 70 cm, avec cadre 115 x 76 cm Martin van Meytens, né à Stockholm en 1695, est un peintre suédo-autrichien réputé pour ses portraits raffinés. Après avoir étudié à Paris, Londres et en Italie, Meytens s'installe à Vienne, où il devient le peintre de la cour de l'impératrice Marie-Thérèse. Son style a évolué du baroque au rococo, marqué par une attention méticuleuse aux détails et une capacité à saisir l'élégance et la personnalité de ses sujets. L'œuvre de Meytens a contribué de manière significative à la documentation visuelle de la cour des Habsbourg, faisant de lui une figure centrale de l'art européen du XVIIIe siècle. Cette remarquable peinture représente l'empereur Joseph II enfant, reflétant l'importance de sa naissance et de ses premières années. Dans ce portrait, le jeune Joseph II se tient avec assurance dans une veste rouge et rayonne d'une sérénité royale. Dans sa main gauche, il tient un bâton, symbole de sa future autorité, tandis que sa main droite repose sur sa hanche, suggérant la confiance en soi et la noblesse. Les vêtements luxueux qu'il porte, exécutés avec une précision méticuleuse, soulignent son statut royal. Joseph II, né en 1741, était l'héritier tant attendu du trône des Habsbourg, ce qui a fait de sa naissance un événement capital. En tant que fils aîné de Marie-Thérèse et de François Ier, empereur du Saint-Empire romain germanique, il était destiné à jouer un rôle décisif dans la politique européenne. Sa naissance a été célébrée dans tout le pays des Habsbourg et de nombreux portraits de lui enfant ont été commandés pour souligner son importance et promouvoir la continuité de la dynastie. La diffusion d'images de Joseph II enfant répond à plusieurs objectifs. Elles renforcent la légitimité et la stabilité de la succession des Habsbourg, véhiculent l'image d'une dynastie forte et stable et préparent le public à son ascension ultérieure au pouvoir. Le portrait a contribué à ce récit grâce à son souci du détail et à sa représentation royale, dépeignant Joseph II non seulement comme un enfant, mais aussi comme un futur empereur incarnant les valeurs et les responsabilités de sa lignée. Joseph II est monté sur le trône en 1765 et son règne a été marqué par d'importantes réformes visant à moderniser l'empire, à promouvoir les idéaux des Lumières et à accroître l'efficacité de l'administration. Son importance dans l'histoire européenne est soulignée par ses efforts de centralisation de l'État et ses tentatives de mise en œuvre de changements profonds dans les domaines de l'éducation, du droit et de la société. Ce tableau témoigne de la capacité du peintre à saisir à la fois la ressemblance du personnage et sa signification symbolique, garantissant ainsi que l'héritage des Habsbourg soit visuellement célébré et préservé pour la postérité.

Estim. 2 000 - 4 000 EUR

Lot 56 - Giovanni Battista Tiepolo Venise 1696 - 1770 Madrid, attribué Bozzetto de l'Assomption de la Vierge Fresque de l'Oratoire de la Pureté, Udine Dessin aquarellé à la plume et à l'encre sur papier 25 x 15,5 cm, avec cadre 36,7 x 29,5 cm Giovanni Battista Tiepolo est l'un des plus importants peintres italiens du XVIIIe siècle. Connu pour sa palette de couleurs vibrantes, ses compositions dynamiques et son utilisation magistrale de la lumière, Tiepolo est devenu une figure de proue de la période rococo. Il a étudié avec Gregorio Lazzarini et a rapidement développé un style distinctif qui combine une narration dramatique avec une touche légère et aérienne. Ses œuvres comprennent de magnifiques fresques, des retables et de nombreux dessins qui ont eu une influence considérable sur le monde de l'art de son époque. Cette œuvre exquise est un dessin à l'encre et à l'aquarelle représentant un bozzetto de l'Assomption de Marie. Dans cette esquisse préparatoire, Marie est représentée au centre ; sa figure est gracieusement soulevée par un groupe d'anges volants. Un ange plus grand la guidant vers le haut souligne l'assistance divine lors de son Assomption. Les lignes fluides et les délicates touches de couleur caractéristiques de Tiepolo donnent une impression de mouvement et de légèreté éthérée, capturant avec finesse l'instant transcendantal. Au-dessous de Marie est assis un homme, peut-être le Christ, qui indique le but céleste d'un geste vers le haut. À ses côtés, deux putti tiennent un bâton, soulignant le récit sacré et la hiérarchie céleste de la scène. Sur le côté droit, un personnage est représenté en train de prier le ciel, représentant peut-être la personne qui a commandé cette peinture. Cette inclusion ne personnalise pas seulement l'œuvre d'art, mais reflète également l'aspect dévotionnel de la commande. Ce bozzetto démontre la capacité de l'artiste à transmettre des thèmes théologiques complexes avec clarté et grâce. La composition, caractérisée par un jeu dynamique de figures et de gestes expressifs, illustre la maîtrise de l'artiste dans la traduction visuelle d'événements spirituels.

Estim. 1 000 - 2 000 EUR

Lot 76 - Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson Montargis 1767 - 1824 Paris Feuille d'étude pour l'important tableau : Révolte du Caire, 21 octobre 1798 (1810) Fusain et craie sur papier, monté 43 x 50 cm, avec carton 57 x 63,8 cm Signé et daté 1809 en bas à gauche Château de Versailles, MV 1497 Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson était un important peintre néoclassique connu pour son attention méticuleuse aux détails et sa capacité à transmettre des émotions dramatiques. Il a été formé par le célèbre artiste Jacques-Louis David et a rapidement été reconnu pour son style distinctif, qui combinait les idéaux classiques avec un flair romantique. Les œuvres de Girodet comprennent souvent des thèmes historiques et mythologiques, et il est célébré pour son habileté technique et ses compositions novatrices. L'une des œuvres les plus importantes de Girodet est "Révolte du Caire, 21 octobre 1798", un tableau épique commémorant la répression par les Français d'un soulèvement au Caire pendant la campagne d'Égypte de Napoléon (Château de Versailles, MV 1497). Plus de dix ans après ce soulèvement, Girodet est chargé par Napoléon de représenter cet épisode. Bonaparte veut organiser le pays et, entre autres, créer un conseil des habitants pour mieux répartir l'impôt foncier. Mais cela entraîne, quelques mois plus tard, un soulèvement des habitants du Caire. Les Français s'arment alors et marchent contre les rebelles. On voit ici le moment où, au milieu d'une bataille tumultueuse, les Français, qui ont pénétré dans la mosquée Al-Azhar, se heurtent aux rebelles. Plusieurs centaines de soldats français et plusieurs milliers d'Égyptiens ont perdu la vie dans cette bataille. Une étude préparatoire pour cette œuvre monumentale, exécutée au fusain et à la craie sur papier, signée et datée de 1809 (un an avant l'achèvement de l'œuvre plus importante en 1810), se concentre sur deux des figures centrales de cette grande composition et capture un moment de drame et d'action intenses. Elle montre l'esclave-serviteur maure, un homme nu à la peau sombre, dans une pose dynamique et diagonale, la main droite levée et brandissant un sabre courbé dans un geste défensif. L'homme semble puissant et déterminé, son corps musclé étant exposé alors qu'un autre personnage s'empare de son manteau. Ses yeux écarquillés et son expression concentrée traduisent un sentiment d'urgence et de vigilance tandis qu'il regarde vers sa gauche, où une silhouette inconnue représente une menace. De son bras gauche, l'homme tient la silhouette inconsciente du blessé, le roi mamelouk, un membre de l'élite de la classe militaire égyptienne, vêtu de vêtements luxueux avec fourrure, turban et poignard. La posture et les vêtements de l'homme inconscient contrastent fortement avec la position attentive et défensive de son sauveteur et soulignent la tension et le chaos du moment, accentués par la mise en scène pyramidale du groupe de personnages. Dans le tableau original, ce groupe central de personnages est placé à l'extrême droite, avec un hussard français qui se précipite vers eux avec une épée, ce qui accentue encore l'impression générale de conflit et d'urgence de la scène. L'étude préparatoire de Girodet démontre non seulement sa capacité à saisir l'anatomie et l'émotion humaines, mais donne également un aperçu captivant de son processus méticuleux de planification et de composition de ses grandes œuvres. On sait que Girodet était fasciné par les études de costumes et qu'il a réalisé de nombreuses études pour cette commande, pour laquelle il ne disposait d'aucun document, plus que pour toute autre commande de sa carrière. Ce bozzetto témoigne du talent de Girodet à transmettre l'intensité narrative et le dynamisme physique grâce à son utilisation magistrale du fusain et de la craie. Les surfaces soigneusement hachurées des vêtements sont comparables au hussard chargeant dans une autre étude du même tableau (MET 2011.86). Ce qui est remarquable dans cette étude, cependant, ce sont les accents blancs que Girodet utilise pour donner de la texture et de la profondeur à la représentation. Les contemporains rapportent qu'il a peint le tableau la nuit à la lumière des lampes. Les effets dramatiques du clair-obscur s'expriment par des rehauts qui soulignent les muscles de la figure en lutte et ajoutent une touche de réalisme et d'extravagance aux tissus des vêtements de l'homme évanoui.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 77 - Giovanni Paolo Pannini Piacenza 1691 - 1765 Rome, attribué Joseph vendu par ses frères Huile sur toile, relaquée 72,5 x 98 cm, avec cadre 97 x 112,5 Inscrit au verso Giovanni Paolo Pannini est un célèbre peintre et architecte italien de l'époque baroque. Il a d'abord été formé dans sa ville natale avant de s'installer à Rome, où il a connu un grand succès et est devenu l'une des figures de proue de la scène artistique romaine. Les œuvres de Pannini se caractérisent par leurs détails complexes et leur utilisation habile de la perspective, ce qui lui a valu une large reconnaissance et le patronage de personnalités éminentes de son époque. Cette peinture représente une scène de l'histoire biblique de Joseph vendu par ses frères. Sur fond de ruines antiques, le tableau capture ce moment dramatique avec un réalisme et une profondeur émotionnelle impressionnants. Au premier plan, un jeune Joseph se tient devant un puits, sa figure étant caractérisée par la vulnérabilité et l'innocence, en contraste frappant avec les visages intrigants de ses frères, assis à gauche. Les ruines environnantes, à la manière d'une fantaisie architecturale d'un capriccio, comprenant une arche monumentale avec des fragments d'un temple et d'imposantes colonnes ioniques, transmettent le sentiment du caractère éphémère de l'effort humain. Sur le côté droit du tableau se trouve un groupe de personnes à cheval et avec des chameaux, qui tentent vraisemblablement d'acheter Joseph. Leur présence confère à la scène un aspect d'urgence et d'imminence, car le destin du garçon est en jeu. Au loin, un paysage montagneux s'étend, évoquant de manière poignante l'immensité du monde au-delà des limites du moment présent. La composition magistrale et l'attention méticuleuse portée aux détails donnent vie à l'histoire biblique et invitent le spectateur à réfléchir sur des thèmes tels que la trahison, la rédemption et la complexité de la nature humaine. Grâce à un habile travail au pinceau et à une profonde compréhension de la lumière et de l'espace, l'artiste crée un chef-d'œuvre intemporel qui continue à captiver le public des siècles après sa création.

Estim. 4 000 - 8 000 EUR

Lot 78 - Peintre inconnu 18e/19e siècle Place Saint-Marc, Venise Huile sur toile, doublée 60 x 80 cm, avec cadre 74 x 93,5 cm État : toile quelque peu bosselée Cette peinture est une représentation pittoresque de la place Saint-Marc à Venise, l'une des places publiques les plus connues et les plus célèbres au monde. La scène présente plusieurs points de repère architecturaux et culturels importants dans une atmosphère idyllique et romantique. Au centre de la scène se trouve la Torre dell'Orologio (Tour de l'Horloge), un élément essentiel de l'horizon vénitien. Cette structure Renaissance a été construite à la fin du XVe siècle et abrite une horloge astronomique remarquable. La tour est ornée de nombreux détails qui reflètent son importance historique et le travail méticuleux de l'époque. Juste à côté de la Torre dell'Orologio se trouve la majestueuse Basilica di San Marco. La basilique est connue pour sa conception opulente, ses mosaïques étonnantes et son architecture byzantine. L'artiste capture la grandeur de la basilique et ajoute une touche de profondeur historique et de richesse culturelle à la peinture. Au premier plan, de petites cabanes de marché sont disséminées sur la place, témoignant d'une activité commerciale animée qui complète la splendeur de l'architecture environnante. Ces cabanes ajoutent un niveau de vie quotidienne à la scène qui contraste avec les structures permanentes et monumentales. La piazza est également peuplée de divers personnages, chacun engagé dans des activités différentes qui animent la scène. Parmi eux, deux chiens se promènent tranquillement sur la place. Ces personnages ajoutent encore au charme du tableau. La palette de couleurs du tableau est dominée par des tons terreux et beige-brun, qui transmettent un sentiment de chaleur et de nostalgie. Le ciel est particulièrement frappant avec ses nuages jaunes romantiques sur un fond bleu clair. Ce choix de couleurs crée une atmosphère idyllique qui confère à la scène une qualité sereine et intemporelle. Cette peinture de la place Saint-Marc capture magnifiquement l'essence de la vie et de l'architecture vénitiennes. Grâce à la description minutieuse des monuments, aux personnages animés et à l'utilisation harmonieuse des couleurs, l'artiste transmet à la fois la splendeur et l'effervescence quotidienne de Venise.

Estim. 2 000 - 4 000 EUR

Lot 79 - Artiste classique Vue de Stockholm Vers 1800/50 Huile sur toile 157 x 158 cm, avec cadre 182 x 183 cm Titrée "Stockholm" en bas à gauche Cette peinture montre une vue de Stockholm avec une vue du palais royal sur l'île de la vieille ville (Gamla Stan) et capture le flair de la capitale suédoise à une époque de grands changements et de développement. Elle souligne la beauté architecturale de la ville médiévale, qui est entourée par les eaux du lac Mälaren et de la mer Baltique. La scène montre l'emblème frappant et le chef-d'œuvre architectural qu'est le Palais royal (Kungliga slottet), l'un des bâtiments baroques les plus importants de Scandinavie, ainsi que les bâtiments historiques des rues étroites et pavées de Gamla Stan. Vous pourrez également observer l'agitation du port, avec les navires et les bateaux qui sillonnent les voies navigables, reflétant la culture commerciale et maritime dynamique de la ville. Cette période se caractérise par un mélange de structures médiévales plus anciennes et de bâtiments plus récents datant du XIXe siècle, montrant l'évolution de Stockholm d'une place forte historique à un centre urbain en pleine modernisation. L'artiste classique capture les jeux d'ombre et de lumière avec un ciel romantique pour souligner l'atmosphère à la fois calme et dynamique de la ville. Les personnages en staff au premier plan animent la scène. Dans l'ensemble, le tableau sert de document historique et fournit un récit visuel du paysage urbain de Stockholm et de sa transformation au cours des siècles.

Estim. 4 000 - 8 000 EUR

Lot 80 - Artiste classique Vue de Saint-Pétersbourg Vers 1800/50 Huile sur toile 157 x 158 cm, avec cadre 182 x 183 cm Titrée "Saint-Pétersbourg" en bas à gauche Cette peinture du XIXe siècle représente une vue de Saint-Pétersbourg et capture la splendeur et la magnificence architecturale de la capitale impériale de la Russie. La scène montre des monuments importants tels que la cathédrale Saint-Isaac, le cavalier de fer et le pont Blagoveshchensky. La cathédrale Saint-Isaac, à l'arrière-plan, domine la ligne d'horizon avec son dôme massif. L'une des plus grandes cathédrales du monde, elle symbolise l'ambition architecturale et l'importance religieuse de la ville. L'artiste a immortalisé la façade complexe de la cathédrale, ses colonnes néoclassiques et la place environnante avec son animation. Au centre, le cavalier d'honneur de la place du Sénat, statue emblématique du tsar Pierre le Grand, se dresse majestueusement sur un socle de granit. Commandé par la Grande Catherine, le monument symbolise la puissance et la vision de l'Empire russe. La posture dynamique de la statue, avec Pierre sur un cheval cabré, reflète l'esprit de progrès et d'illumination qu'il a apporté à la Russie. Le pont Blagoveshchensky ou pont de l'Annonciation au premier plan, le premier pont permanent sur la Neva, est destiné à illustrer les prouesses techniques de la ville. Achevé en 1850, ce pont en fonte relie l'île Vassilievski au continent et symbolise le progrès technique de l'époque. Le tableau reflète la vie trépidante de Saint-Pétersbourg au XIXe siècle, avec des calèches, des piétons et des bateaux sur la Neva, démontrant le statut de la ville en tant qu'important centre culturel et économique. L'utilisation habile de l'ombre et de la lumière sur un ciel romantique souligne l'opulence et le dynamisme de la scène et donne un aperçu de la vie quotidienne et de l'architecture monumentale de l'une des grandes villes européennes.

Estim. 4 000 - 8 000 EUR

Lot 82 - Christoph Albert Dies Hanovre 1755 - 1822 Vienne Paysage pastoral Huile sur toile, doublée 130,5 x 168 cm, avec cadre 142 x 179 cm Signature enlevée et apposée au verso Étiquette au verso : "À la demande du consul Weiss, le tableau très endommagé de A. C. Dies a été réduit de 300 x 250 cm à 163 x 167 cm en 1803. La signature, qui se trouvait auparavant dans le bord inférieur droit du grand tableau, a été transplantée au dos du châssis. 20. VI. 1962" Albert Christoph Dies était un peintre et graveur allemand connu pour ses paysages pastoraux et ses compositions classiques. Né à Hanovre, en Allemagne, Dies a étudié avec le célèbre artiste Jakob Philipp Hackert. Le début de sa carrière a été influencé par ses voyages en Italie, en particulier à Rome, où il a exploré les traditions de la peinture de paysage. Il s'installe finalement à Vienne, où il devient membre de l'Académie des beaux-arts. Il acquiert une grande renommée pour ses peintures de paysages, qui représentent souvent des scènes sereines et idylliques. Ces tableaux s'inspirent de la beauté de la nature qu'il a rencontrée au cours de ses voyages. Outre son travail de peintre, Dies était également un graveur habile, ce qui témoigne de sa polyvalence et de sa profondeur artistique. Cette peinture d'Albert Christoph Dies montre un paysage pastoral idyllique qui témoigne de son souci du détail. Un arbre majestueux s'élève au premier plan à gauche, ses branches s'étendent et fournissent de l'ombre à la famille de bergers en contrebas. Cet arbre introduit le spectateur dans le paysage et transmet simultanément un sentiment de grandeur et de profondeur. La famille de bergers représentée avec son troupeau semble détendue et incarne la relation harmonieuse entre l'homme et la nature, caractéristique des scènes pastorales. Le berger et ses chiens s'occupent du troupeau tandis que la mère s'occupe de ses enfants. Au centre, les toits et le clocher d'un village pittoresque dépassent du paysage, ajoutant un élément humain à l'environnement naturel. Le clocher de l'église, en particulier, sert de point focal, dirigeant le regard du spectateur vers le cœur du village et transmettant un sentiment d'appartenance à la communauté. Derrière le village, le ciel se reflète dans un lac dont les eaux calmes semblent s'étendre jusqu'à l'horizon. L'arrière-plan est dominé par des montagnes majestueuses dont les sommets s'élèvent dans le ciel et confèrent à la scène un air de grandeur. Le jeu de l'ombre et de la lumière sur les montagnes crée un contraste dynamique qui rehausse la composition d'ensemble. L'utilisation de la couleur et de la lumière dans ce tableau est particulièrement remarquable. Les tons chauds et terreux évoquent un sentiment de paix et d'intemporalité, tandis que le rendu minutieux des éléments naturels, de la texture de l'écorce des arbres aux sommets enneigés des montagnes, démontre son habileté technique et son sens de l'observation.

Estim. 4 000 - 8 000 EUR
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