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13 juin - Art contemporain

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184 résultats

Lot 1 - HELMUT NEWTON (Allemagne, 1920- Californie, 2004). "Grand nu I : Lisa", Paris, 1980. Gélatine argentique. Signée, titrée, datée et numérotée 8/10 au crayon. Provenance : Galerie Alona Kagan, New York. Dimensions : 54,2 x 49,2 cm. Avec ses Big Nudes, Helmut Newton a connu dans les années 1980 un succès commercial à long terme sans précédent. En même temps, il a offert une image concentrée de son programme esthétique. Les femmes puissantes sont présentées dans toute leur vérité nue, sans feuilles de vigne ni fioritures à la mode. Cette série de photographies en noir et blanc, réalisée entre 1979 et 1981, marque également un changement de style dans l'œuvre de Newton. Les dessins élaborés, pleins de luxe et de décadence, ont cédé la place à une déclaration monumentale et sans ambiguïté. Newton est né à Berlin, a fréquenté le Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium et l'American School in Berlin. Intéressé par la photographie dès l'âge de 12 ans, lorsqu'il achète son premier appareil, il travaille pour la photographe allemande Yva (Elsie Neuländer Simon) à partir de 1936. Les restrictions de plus en plus oppressives imposées aux Juifs par les lois de Nuremberg font perdre à son père le contrôle de l'usine ; il est brièvement interné dans un camp de concentration lors de la Nuit de Cristal, ce qui contraint finalement la famille à quitter l'Allemagne. Les parents de Newton s'enfuient en Argentine. Enfin, arrivé à Singapour, il découvre qu'il peut y rester, d'abord brièvement en tant que photographe pour le Straits Times, puis en tant que photographe portraitiste. Newton a été interné par les autorités britanniques alors qu'il se trouvait à Singapour et a été envoyé en Australie à bord du Queen Mary, arrivant à Sydney le 27 septembre 1940. Il est libéré en 1942 et travaille brièvement comme cueilleur de fruits dans le nord de l'État de Victoria. En avril 1942, il s'est engagé dans l'armée australienne et a travaillé comme chauffeur de camion. Après la guerre, en 1945, il est devenu sujet britannique et a changé son nom en Newton en 1946. La même année, Newton installe un studio sur Flinders Lane à Melbourne et travaille dans la photographie de mode, de théâtre et industrielle pendant la période d'après-guerre. Il partage sa première exposition commune avec Wolfgang Sievers en mai 1953. L'exposition "New Visions in Photography" est présentée au Federal Hotel dans Collins Street et constitue probablement le premier aperçu de la photographie de la Nouvelle Objectivité en Australie. Newton s'associe à Henry Talbot, un juif allemand qui avait également été interné à Tatura, et son association avec le studio se poursuit même après 1957, lorsqu'il quitte l'Australie pour Londres. Le studio est alors rebaptisé "Helmut Newton and Henry Talbot". La réputation grandissante de Newton en tant que photographe de mode est récompensée lorsqu'il obtient une commande pour illustrer la mode dans un supplément australien spécial pour le magazine Vogue, publié en janvier 1956. Il décroche un contrat de 12 mois avec British Vogue et part pour Londres en février 1957, laissant Talbot gérer l'entreprise. Newton quitte le magazine avant la fin de son contrat et se rend à Paris, où il travaille pour des magazines français et allemands. Il revient à Melbourne en mars 1959 pour travailler avec Australian Vogue. Newton et sa femme s'installent finalement à Paris en 1961. Ses images apparaissent dans des magazines tels que l'édition française de Vogue et Harper's Bazaar. Il établit un style particulier marqué par des scènes érotiques et stylisées, souvent à connotation fétichiste. En 1980, il crée la série des "Big Nudes". Vient ensuite le portfolio "Nude and Clothed" et, en 1992, "Domestic Nudes", qui marque l'apogée de son style érotico-urbain, toutes ces séries témoignent de la dextérité de ses compétences techniques. Newton a également travaillé sur des portraits et des études plus fantastiques. Il a réalisé une série d'illustrations pour Playboy, notamment de Nastassja Kinski et de Kristine DeBell.

Estim. 18 000 - 20 000 EUR

Lot 2 - FERNANDO ZÓBEL (Manille, Philippines, 1924 - Rome, Italie, 1984). "Los hocinos", 21-11-1979. Huile sur toile. Signée dans le coin droit. Signée et titrée au dos. Œuvre référencée dans le catalogue raisonné de l'artiste Fernando Zóbel, Ref. 79-78, page 598. Œuvre référencée par Fernando Zóbel dans : "El cuaderno de Zóbel, Mancha gris a la derecha". Dimensions : 80 x 100 cm ; 83 x 103 cm (cadre). En 1971, Fernando Zóbel entame un parcours prolifique dont le protagoniste incontesté est le paysage naturel de Cuenca, et plus particulièrement les gorges des rivières Huecar et Júcar. Ses recherches ont duré toute une décennie, devenant un thème récurrent dans sa peinture, jusqu'à peu de temps avant sa mort. L'artiste a réalisé ce paysage naturel dans tous ses contextes et en toutes saisons, capturant ses impressions contemplatives à l'aide de photographies, d'aquarelles et d'esquisses, à partir desquelles il a commencé des œuvres plus importantes. Dans cette œuvre, où Zóbel a immortalisé "Los hocinos", il met l'accent sur l'utilisation des reflets et sur l'harmonie chromatique basée sur une gamme douce et vaporeuse, complétée par des éléments linéaires qui constituent les dimensions et l'espace pictural. Partant d'une réalité matérielle du paysage vers une conception abstraite de celui-ci, où des éléments disparates tels que le fictif et le réel, ou le pictural et le pictographique se rejoignent, formant ainsi une œuvre d'un grand contenu lyrique. Historien, mécène, professeur d'université ou collectionneur, tels sont quelques-uns des adjectifs correspondant à la figure de Fernando Zóbel, l'un des peintres les plus remarquables du XXe siècle espagnol. La formation et la culture de sa personnalité ne cessent de se développer, mettant en évidence son amour pour les livres. Il étudie la médecine aux Philippines et obtient un diplôme en philosophie et en arts à l'université de Harvard, aux États-Unis. C'est à cette époque qu'il commence à s'intéresser au monde pictural influencé par l'école de Boston, dont la palette présente des couleurs presque pures encadrées par un dessin très marqué. C'est ainsi qu'en 1951, il occupe la chaire des beaux-arts à l'Ateneo de Manila. L'évolution de Zóbel et le besoin de développer un langage artistique personnel l'ont amené à explorer le monde de l'abstraction influencé par Rothko, ou l'expressionnisme de Pollock ou de Kooning, en travaillant sur des propositions non figuratives très valables. Il faut ajouter à cela la grande influence et l'intérêt qu'il a éprouvés pour les cultures orientales, qui se sont accrus avec sa participation à des fouilles archéologiques chinoises découvertes dans la péninsule philippine de Calatagan. Comme on l'a dit, l'œuvre de Zóbel s'abreuve à l'Orient, à tel point que la calligraphie orientale est celle qui favorise la présence de lignes sinueuses d'une grande élégance, que l'on peut apprécier dans l'œuvre qui nous intéresse, dans laquelle on peut apprécier le travail préalable méticuleux et réfléchi. Et rien n'est laissé au hasard dans sa peinture apparemment spontanée, qui contient toutes une période de réflexion et d'exécution préalable, car, comme il l'a dit, "mon processus est un processus d'esquisse" : "mon processus est un processus d'esquisse, de dessin, d'esquisse et de peinture", une planification qui aboutit à des scénographies parfaites formées par le mouvement, les lignes, la vitesse, l'espace et la lumière. Son œuvre est représentée dans d'importants musées tels que le Museo de Arte Contemporáneo Español de Valladolid, le Museum of Fine Arts de Boston, le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, le Museo de Bellas Artes de Bilbao, le Brooklyn Museum of Art à New York, le Joslyn Art Museum à Omaha (Nebraska), la Hispanic Society of America, ainsi que dans des collections telles que la Chase Manhattan Bank, la AENA Art Collection of Contemporary Art à Madrid, et la Banco Urquijo à Barcelone.

Estim. 140 000 - 160 000 EUR

Lot 3 - LOLÓ SOLDEVILLA (Pinar del Río, Cuba 1901-Havana, 1971). Sans titre, vers 1950. Sculpture en fer. Signée sur la base. Certificat joint délivré par Martha Flora Carranza. Dimensions : 56 x 35 x 7 cm. Sculpture en fer de Loló Sodevilla, dotée d'engrenages et de pièces dentées qui semblent rendre hommage aux intrépides machines dadaïstes et néo-dadaïstes, poétiques et dysfonctionnelles. Souvent, Soldevilla a donné du mouvement à ces pièces. Dans d'autres cas, le mouvement est évoqué, potentiel, plutôt que physique, ce qui accroît l'exercice de l'imagination, comme dans cette œuvre. Lolo Soldevilla, d'abord peintre, s'est tournée vers la sculpture dans les années 1940. En 1949, elle étudie la sculpture à l'Académie de la Grande Chaumière à Paris. Loló Soldevilla est considérée comme l'une des figures les plus importantes de l'abstraction géométrique et du cinétisme, à la fois pour ses réalisations au cours de sa carrière et pour ses efforts visant à promouvoir l'art cubain à l'intérieur et à l'extérieur des frontières de son pays. Il a toujours fait preuve d'un engagement politique à travers son art, tant dans son pays qu'à l'étranger, en prenant une part active aux campagnes d'aide à la République espagnole après le déclenchement de la guerre civile. Sa carrière artistique a toujours été marquée par l'expérimentation, non seulement sur le plan stylistique, mais aussi sur le plan technique, en créant des œuvres sur différents supports tels que la sculpture, la gravure et le dessin. Sa carrière artistique débute en 1948, influencée par son amitié avec Wifredo Lam, qui l'encourage et le soutient dans ses débuts dans le monde de la peinture. En 1949, il s'installe à Paris, où il étudie à l'Académie de la Grande Chaumière, tout en effectuant de fréquents voyages et expositions à Cuba pour y présenter son travail. En 1951, elle entre dans l'atelier de Dewasne et Pillet, où elle reste deux ans, et suit un cours sur les techniques de gravure de Hayter et Cochet, maintenant et favorisant les échanges créatifs avec l'École de Paris. Liée au Mouvement du 26 juillet, elle est contrainte de vivre dans la clandestinité, car pendant la période prérévolutionnaire, elle collabore à Diario de la Marina, Carteles, Información, El País, Avance, Porvenir, Tiempo en Cuba et Survey, ainsi qu'aux publications parisiennes Combat et Arts. Après le triomphe révolutionnaire de 1959, elle rejoint le journal Revolución en tant que rédactrice et, au cours de l'année universitaire 1960-1961, elle devient professeur d'arts plastiques à l'école d'architecture de l'université de La Havane. À partir de ce moment, Dolores Soldevilla combine sa carrière artistique avec son travail d'enseignante à l'école d'architecture de l'université et au journal Granma. Grâce à ses approches esthétiques, le Grupo Espacio a vu le jour et elle a été membre du groupe Diez Pintores Concretos ; elle a été membre de l'UPEC et de l'UNEAC et a collaboré avec Bohemia. Au cours de sa vie, son œuvre a été exposée dans des espaces artistiques importants tels que le Palais des beaux-arts de Cuba, à Caracas (Venezuela), à Paris, à Valence, à Valladolid (Espagne), en Tchécoslovaquie, etc. Aujourd'hui, son œuvre est conservée dans de nombreuses collections privées à travers le monde et dans des institutions telles que le Musée national des beaux-arts de Cuba (où se trouve la principale collection).

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 4 - "KAWS", Brian Donnelly (New Jersey, 1974). "4FT Companion XXL", 2007. Pour Medicom Toy. Vinyle coulé peint. Dimensions : 128 x 60 x 30 cm. La sculpture la plus emblématique de l'artiste américain KAWS, "4FT Companion", acquiert dans cette pièce produite par Medicom Toy des proportions XXL. Le personnage à tête ronde et aux grandes oreilles semble à la fois s'inspirer de Mickey Mouse et le transgresser, ses yeux de dessin animé étant remplacés par une paire de X. La signification de l'œuvre de KAWS est délibérément ouverte à l'interprétation. On peut y voir une critique de la culture populaire et du consumérisme. Les X dans les yeux peuvent également symboliser la censure ou la cécité mentale. Mais l'œuvre peut aussi être perçue comme une célébration de l'enfance et de la nostalgie. Brian Donnelly, connu professionnellement sous le nom de Kaws (stylisé en KAWS), est un artiste et designer américain. Son travail comprend l'utilisation répétée d'une série de personnages et de motifs figuratifs, dont certains remontent au début de sa carrière dans les années 1990, d'abord peints en 2D, puis réalisés en 3D. Les sculptures de Kaws mesurent de quelques centimètres à dix mètres de haut et sont réalisées dans divers matériaux, dont la fibre de verre, l'aluminium, le bois, le bronze et un ponton gonflable en acier. Ses œuvres sont exposées dans des galeries et des musées, font partie des collections permanentes d'institutions publiques et sont avidement collectionnées par des particuliers, dont le producteur de musique Swizz Beatz et le rappeur Pharrell Williams. Plusieurs livres illustrant son travail ont été publiés. Il vit et travaille à Brooklyn, New York, créant des sculptures, des peintures acryliques sur toile et des sérigraphies, tout en collaborant commercialement, principalement sur des jouets en édition limitée, mais aussi sur des vêtements, des skateboards et d'autres produits.Le travail de Kaws peut être caractérisé par une emphase sur la couleur et la ligne, des graphiques distinctifs, tels que l'utilisation répétée du "x" dans les mains et les yeux, et une réappropriation des icônes de la culture pop comme Mickey Mouse, le Bibendum, les Schtroumpfs, Snoopy et l'Éponge. Snoopy et Bob l'éponge. Ses personnages sont généralement représentés dans une pose timide ou impuissante, souvent avec les mains sur les yeux.

Estim. 40 000 - 50 000 EUR

Lot 5 - GOTTFRIED HONEGGER (Zurich, 1917-2016). Sans titre. 1997. Acier laqué jaune. Signé et daté sur la base. Dimensions : 24,8 x 49 x 6 cm. Dans ses sculptures et ses peintures, Gottfried Honegger est resté fidèle aux postulats de l'"art concret", inventé par Theo van Doesburg en 1930. Dans la présente œuvre, cette affiliation est évidente : une pièce arquée avec une ouverture rectangulaire en son centre et le jaune vif comme seule couleur. Selon Honegger, les lignes, les volumes et les couleurs sont concrets en eux-mêmes et l'abstraction doit être libérée de toute association symbolique avec la réalité. Gottfried Honegger était un artiste et collectionneur suisse. Il a étudié la vitrerie à l'école d'art de Zurich, où il a enseigné à partir de 1948. Il a d'abord travaillé dans le domaine du graphisme commercial. Entre 1955 et 1958, il a été directeur artistique chez Geigy. Il a vécu à New York de 1958 à 1960, où il a organisé sa première exposition. En 1961, il s'installe à Paris et se consacre à la peinture, en se concentrant sur l'exploration du cercle et du carré ; à partir de 1968, il se consacre à la sculpture. Honegger a également passé un certain temps au Texas, en tant qu'artiste en résidence à l'université de Dallas. Gottfried Honegger a été l'un des créateurs les plus originaux de l'art concret, reconnu tant aux États-Unis qu'en Europe. Il est l'auteur de nombreuses œuvres monumentales. Il a travaillé avec des variations sur le même thème : volume, structure, stèle.... Tout en conservant l'influence de l'art concret de Max Bill et de Lhose Richard, Honegger se tourne vers une certaine programmation mathématique verticale dans les années 1960 et 1970. L'utilisation de l'ordinateur lui permet de développer ses recherches plastiques. Il est décoré de l'Ordre des Arts et des Lettres sous la direction de Jack Lang au ministère français de la Culture ; en 1999, il devient membre de la Légion d'honneur. En 1990, il crée avec Sybil Albers l'Espace de l'Art Concret (Mouans-Sartoux) à partir de leurs collections. En 2015, le Centre Pompidou à Paris a consacré une rétrospective à cet artiste unique, dont les œuvres figurent dans les collections de plusieurs grands musées, dont le MoMA de New York.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 6 - LITA CABELLUT (Sariñena, Huesca, 1961). "Rêves cachés 14", 2014. Huile sur toile. Signée et datée au dos. Dimensions : 148 x 150 cm. Lita Cabellut nous offre un portrait monumental. Le visage de la jeune femme impressionne par ses yeux verts et l'éclat de ses lèvres rouges, qui contrastent avec la délicatesse de son teint. Résolu avec une technique hyperréaliste, il contraste avec l'informalisme qui règne à l'arrière-plan et avec les coulures qui serpentent sur la figure et explosent sur le chapeau. La figure et le fond acquièrent des textures magnétiques qui éveillent chez le spectateur le désir de toucher la surface du tableau. La complexité technique et les résultats expressifs, caractéristiques du style de Cabellut, ont fait de l'Espagnol l'un des artistes les plus recherchés au niveau international. D'origine gitane, Lita Cabellut est née dans la petite ville de Sariñena, à Huesca, dans une famille présentant de graves dysfonctionnements. Abandonnée par ses parents, elle est élevée par sa grand-mère dans la ville de Barcelone. Las Ramblas, le marché de la Boqueria, le Port Vell et la Plaza Real, lieux remplis à l'époque de marginaux, d'artistes et de personnalités du show-business mais aussi de touristes, ont été le théâtre de son enfance, marquée par la dyslexie et la nécessité, parfois, de mendier. La mort de sa grand-mère, alors qu'elle n'avait que dix ans, l'a conduite à être internée dans un orphelinat où, à l'âge de treize ans, elle a été adoptée par une famille catalane de la haute société. Les peintures de Goya, Velázquez, Ribera et Rembrandt, découvertes lors de visites au musée du Prado, ont révélé sa vocation artistique et, en 1978, l'artiste a organisé sa première exposition à la mairie de Masnou. En 1982, elle s'installe avec sa famille aux Pays-Bas, où elle étudie, grâce à une bourse, à l'académie d'art Gerrit Rietveld jusqu'en 1984. La peinture des grands maîtres baroques hollandais a été essentielle dans la construction de son art, non pas tant en termes de style que de technique. L'artiste travaille aussi bien l'huile sur toile que le dessin sur papier, la sculpture, la photographie, le poème visuel ou l'art vidéo. Parfois, ses œuvres reprennent certains aspects du "buon fresco" italien, ou bien elle ajoute à ses peintures à l'huile un effet de craquelure qui produit un fort impact plastique et visuel. Son œuvre regorge de portraits, où l'on retrouve la forte influence de Rembrandt, Francis Bacon ou Jackson Pollock, tous caractérisés par l'expressivité du trait et la défiguration de la réalité, cherchant à refléter la déchirure intérieure de ses modèles. Refléter la violence, le sordide, la cruauté, qui se cachent parfois sous une couche superficielle de glamour, sous une beauté évanescente et éphémère, est l'un de ses principaux objectifs. Son travail est regroupé dans des collections ou des séries, comme celle consacrée à Frida Kahlo ou A Portrait of Human Knowledge (2012), où elle effigie certaines des figures les plus significatives du monde de la culture et de la science des 150 dernières années, de Stravinsky à Marie Curie, en passant par Billy Holiday ou Federico García Lorca. L'artiste a participé à de nombreuses expositions, tant individuelles que collectives, dans des villes importantes telles que New York, Dubaï, Miami, Singapour, Hong Kong, Londres, Paris, Venise, Monaco et Séoul. Elle a reçu de nombreux prix et distinctions, comme le Gypsy Culture Award for Painting and Plastic Arts de l'Institute of Gypsy Culture, en 2011. Elle est également l'une des artistes vivantes les plus recherchées sur le marché de l'art actuel. En 2015, le magazine Artprice l'a incluse à la 333e place dans sa liste des 500 artistes contemporains les plus recherchés, la plaçant juste derrière Miquel Barceló et Juan Muñoz en ce qui concerne les artistes espagnols.

Estim. 70 000 - 80 000 EUR

Lot 7 - JOSE MARIA SICILIA (Madrid, 1954). "Maguelone I", 2005. Aquarelle sur papier japonais. Présente l'étiquette de la galerie Estarte, Madrid. Œuvre exposée dans : "Magelone : Broto, Sicilia, Valente", galerie Estiarte, Madrid 2006. Signé et titré dans la partie inférieure gauche. Dimensions : 51 x 50 cm ; 70 x 70 cm (cadre). La lumière et l'obscurité, le chaos et le cosmos, l'ordre et le hasard sont l'avers et le revers de la philosophie vitale et artistique de José María Sicilia. Dans cette composition de grand format, la latence cosmique et la lumière mystique sont suggérées par l'utilisation de la cire (que Sicilia a toujours comprise dans sa symbolique plastique de la trace, de la poésie, de l'éphémère et de la mémoire) sur un fond sombre comme le ciel nocturne. Sicilia commence ses études à l'École des beaux-arts de Madrid, qu'elle abandonne en 1980 pour s'installer à Paris. Deux ans plus tard, il présente sa première exposition personnelle, dans un style conforme au néo-expressionnisme alors en vogue en Europe. Par la suite, ce sont les différents objets du monde quotidien qui deviennent les protagonistes de ses œuvres. Aspirateurs, fers à repasser, ciseaux, seaux, etc., seront au centre d'un nouveau langage dans lequel Sicilia accordera une importance plus grande et progressive au traitement des textures. Son travail est organisé en séries sur les natures mortes, les paysages et, les plus connues, sur les quartiers de Bastille et d'Aligre, où il vit et travaille. C'est au milieu des années quatre-vingt que son travail a connu un grand retentissement national et international. En 1986, il présente à la Blum Helman Gallery de New York un ensemble d'œuvres qui témoignent d'une forte épuration du style antérieur, vers une peinture abstraite dans laquelle il élimine progressivement toute référence formelle. Ce nouveau style se reflète dans les séries "Tulipes" et "Fleurs". Dans les années 90, cette esthétique réductionniste affectera la gamme chromatique, laissant les formes suggérées par la réflexion de la lumière sur la surface. Un nouveau traitement matériel à la résonance poétique subtile, à base de cires qui laissent les thèmes floraux légèrement transparents, ramène la couleur dans une œuvre déjà pleinement consacrée. José María Sicilia a reçu le Prix National des Arts Plastiques (1989), et est représentée au Musée Reina Sofía de Madrid, au MOMA et au Guggenheim de New York et au CAPC de Bordeaux, entre autres centres.

Estim. 2 400 - 2 800 EUR

Lot 9 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "Suite Catalana, Las estampas de la cometa". Gravure à l'aquatinte, exemplaire 3/75. Editorial Gustavo Gili, S.A., Barcelone, 1972. Signé et justifié à la main. Dimensions : 75 x 100 cm. Œuvre reproduite dans "Antoni Tàpies. Œuvre graphique, 1947-1990". Gouvernement d'Aragon-Diputación de Zaragoza, 1994. Antoni Tàpies débute dans l'art pendant sa longue convalescence d'une maladie pulmonaire. Il se consacre progressivement et plus intensément au dessin et à la peinture, et finit par abandonner ses études de droit pour se consacrer entièrement à l'art. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, il commence à exposer aux Salones de Octubre à Barcelone, ainsi qu'au Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. Au cours de ces années, il commence à participer à la Biennale de Venise, expose à nouveau aux Layetanas et, après une exposition à Chicago, en 1953, il fait une exposition individuelle à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson. Dès lors, ses expositions, tant collectives que personnelles, se déroulent dans le monde entier, dans des galeries et des musées de premier plan tels que le Guggenheim de New York et le Musée d'art moderne de Paris. Depuis les années soixante-dix, des anthologies lui ont été consacrées à Tokyo (1976), New York (1977 et 2005), Rome (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venise (1982), Milan (1985), Vienne (1986) et Bruxelles (1986). Autodidacte, Tàpies a créé son propre style au sein de l'art d'avant-garde du XXe siècle, combinant tradition et innovation dans un style abstrait mais plein de symbolisme, accordant une grande importance au substrat matériel de l'œuvre. Il convient de noter le sens spirituel marqué que l'artiste donne à son œuvre, où le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine. L'œuvre de Tàpies a été très appréciée au niveau international et a été exposée dans les musées les plus prestigieux du monde. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Praemium Imperiale du Japon, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture de France, la Fondation Wolf des arts (1981), la Médaille d'or de la Generalitat de Catalunya (1983), le Prix du Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'Unesco (1993) et le Prix Velázquez pour les arts plastiques (2003). Grand défenseur de la culture catalane, dont il est profondément imprégné, Tàpies est un grand admirateur de l'écrivain mystique Ramón Llull, ainsi que de l'art roman catalan et de l'architecture de Gaudí. Parallèlement, il apprécie l'art et la philosophie orientaux qui, à l'instar de son propre travail, brouillent la frontière entre la matière et l'esprit, entre l'homme et la nature. Influencé par le bouddhisme, il montre dans ses peintures comment la douleur, physique et spirituelle, est inhérente à la vie. Antoni Tàpies est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofía à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 10 - ANTONIO SAURA (Huesca, 1930 - Cuenca, 1998). Appartenant au dossier "Aphorismes", 1972. Sérigraphie, exemplaire 38/45. Signé et justifié à la main. Dimensions : 70 x 50 cm ; 83 x 61,5 cm (cadre). Autodidacte, Antonio Saura commence à peindre et à écrire à Madrid en 1947. Trois ans plus tard, il réalise sa première exposition individuelle à la librairie Libros de Saragosse, où il présente une série d'œuvres expérimentales ("Constelaciones" et "Rayogramas"), créées pendant la longue maladie qui l'a immobilisé à partir de 1943, pendant cinq ans. En 1952, il organise sa première exposition à Madrid, à la librairie Buchholz, où il présente ses œuvres juvéniles, oniriques et surréalistes. La même année, il visite Paris pour la première fois et s'y installe. Là, son travail est influencé par des artistes tels que Miró et Man Ray, et il se consacre à la réalisation de peintures sur toile et sur papier de nature organique, en utilisant diverses techniques. La rupture avec le groupe surréaliste lui permet de s'ouvrir à d'autres modes de création, où il commence à montrer l'évolution de son travail, qui évolue vers une peinture instantanée de traits gestuels et une palette réduite de caractère sélectif, où l'informalisme joue le rôle de trompe-l'œil entre les expressions suggestives de la ligne et de la couleur. Il débute à Paris en 1957, à la galerie Stadler, la même année où il fonde le groupe El Paso. L'année suivante, il participe à la Biennale de Venise en compagnie de Chillida et de Tàpies, et en 1960, il reçoit le prix Guggenheim à New York. En 1963, les premières rétrospectives lui sont consacrées, au Stedelijk Museum d'Eindhoven, au Rotterdamsche Kunstring et dans les musées de Buenos Aires et de Rio de Janeiro (œuvres sur papier). Les expositions rétrospectives de Saura se répètent tout au long de sa carrière, tant en Espagne qu'en Europe et en Amérique. En 1966, il expose à l'Institute of Contemporary Arts de Londres et participe à la Biennale de gravure "Bianco e Nero" de Lugano, où il obtient le Grand Prix. L'année suivante, il s'installe à Paris, bien qu'il travaille et passe tous ses étés à Cuenca, pilier fondamental de sa production depuis ses premières années. En 1968, il abandonne la peinture à l'huile pour se consacrer exclusivement aux œuvres sur papier. En 1979, il reçoit un prix à la première biennale de gravure de Heidelberg, en 1981, il est nommé chevalier de l'ordre des Arts et des Lettres en France et, l'année suivante, il reçoit la médaille d'or des Beaux-Arts. Il a exposé dans le monde entier et est représenté dans les plus importants musées d'art contemporain nationaux et internationaux, notamment la Neue Nationalgalierie de Berlin, le Guggenheim de Bilbao, le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, l'Albright-Knox Art Gallery de Buffalo, le Guggenheim et le Metropolitan de New York, le Centre Georges Pompidou de Paris et la Tate Gallery de Londres.

Estim. 1 600 - 2 000 EUR

Lot 11 - TAKASHI MURAKAMI (Tokyo, 1962). "DOB Kun". Vinyle. Édition MOMA, 2019. Édition de 99 exemplaires. Cachet de l'éditeur et de l'artiste sur la semelle les pieds. Dimensions : 19 x 12 x 11 cm. DOB est un personnage de dessin animé aux yeux vifs et aux grandes oreilles, qui rappelle quelque peu le Mickey Mouse occidental. La créature prend de nombreuses formes dans les sculptures et les peintures de Murakami, allant d'un Mr. DOB souriant et innocent à une image de personnage hostile dans laquelle différentes images fusionnent. Mr. DOB est la première création de Murakami inspirée par les personnages d'anime et de manga, des courants qui ont acquis un statut de culte dans la culture des jeunes Japonais. Son nom est une contraction de l'expression argotique japonaise "dobojite" ou "pourquoi ?" et est littéralement épelé dans ses traits, garantissant que nous le reconnaissions malgré son apparence toujours changeante. La représentation de M. DOB n'a pas seulement été adoptée par Murakami en sculpture ou en peinture, elle apparaît également sous des formes plus commerciales, telles que des poupées, des porte-clés, des t-shirts, des tapis de souris et des montres. L'artiste vend ces articles dans le magasin de cadeaux de son studio, dans la banlieue de Tokyo, car, selon Murakami, le monde compétitif de l'art lui a appris à créer pour le marché, un marché où le merchandising a sa place. En réalité, cette idée de produire en masse un art facilement accessible à la société est un concept pop. Tout comme l'utilisation de "héros" ou de personnages issus de la bande dessinée ou de la culture urbaine comme protagonistes de son art. Cependant, Murakami offre une nouvelle perspective sur ce que l'on appelle le pop. Il apporte une vision radicalement nouvelle en jouant avec des éléments de la culture orientale. Il a réussi à introduire ses propres idiosyncrasies sur le marché occidental en incorporant de petits éléments dynamiques et reconnaissables qui peuvent être assimilés par les deux cultures apparemment si différentes. C'est pourquoi son art est si transgressif. Murakami est l'un des artistes les plus influents de la génération japonaise de l'après-guerre. Takashi Murakami a fait ses études à l'Université nationale des beaux-arts et de la musique de Tokyo, où il a obtenu un diplôme en Nihonga (peinture japonaise traditionnelle). En 1990, il est initié à l'art contemporain par son partenaire et ami Masato Nakamura et, en 1993, il crée son alter ego Mr. Il commence alors à être reconnu à l'intérieur et à l'extérieur du Japon pour sa synthèse particulière entre l'art traditionnel japonais, les courants contemporains de son pays (anime, manga...) et la culture américaine, principalement le courant pop. Dans son œuvre, Murakami transmet une vision critique de la société japonaise actuelle, de l'héritage de la tradition culturelle du pays, de son évolution après la Seconde Guerre mondiale et de sa relation avec le monde occidental, en particulier avec les États-Unis. Dans ses écrits, il a inventé le terme "Superflat" pour définir son style artistique personnel, un terme qui correspond à une œuvre caractérisée par la bidimensionnalité et qui critique également la structure même de l'art, brouillant les frontières entre la haute et la basse culture. En fait, sa production couvre de multiples formes d'art, de la peinture et de la sculpture au design industriel, en passant par les dessins animés, la mode et d'autres médias de la culture populaire et les objets de merchandising. Sa trilogie d'expositions "Superflat" (2000, 2002 et 2005) a été présentée dans d'importants centres d'art du monde entier, tels que la Parco Gallery à Tokyo, le MOCA à Los Angeles, la Fondation Cartier à Paris ou la Serpentine Gallery à Londres. En outre, entre 2008 et 2009, des expositions rétrospectives ont été organisées au MOCA, au Brooklyn Museum de New York, au Museum für Moderne Kunst.

Estim. 1 500 - 2 000 EUR

Lot 12 - "KAWS", BRIAN DONNELLY (New Jersey, 1974) pour Medicom Toy. "What Party". Édition ouverte. Vinyle peint. Signature estampillée de l'artiste et de l'éditeur sur la semelle. Avec boîte d'origine. Dimensions : 28 x 13 x 9 cm. Les "compagnons" de cette série ont pu être vus dans l'exposition "KAWS : What party", qui s'est tenue au Brooklyn Museum de New York en 2021. Elle rassemblait plus de 100 œuvres du célèbre artiste KAWS (originaire de Brooklyn). Parmi le large éventail de créations de Kaws, se distinguent les "Companions", des figures inspirées du personnage de Mickey Mouse, une icône que l'artiste connaît bien puisqu'il a commencé sa carrière aux Studios Disney en travaillant comme animateur. Ses compagnons portent également des gants blancs et les chaussures de la souris, mais à la place des yeux, ils ont deux croix. Son iconographie basée sur la culture populaire ne s'est pas seulement concentrée sur la figure de Mickey, mais il y a des compagnons basés sur Star Wars, Bob l'éponge ou les personnages de Sesame Street. L'artiste et designer américain Kaws se distingue par son travail distinctif qui s'étend sur plusieurs décennies. Son répertoire de personnages et de motifs figuratifs, certains créés par lui-même et d'autres réinterprétés à partir d'icônes existantes, a laissé une marque unique dans le monde de l'art contemporain. Les sculptures de Kaws présentent une diversité impressionnante, allant de dimensions réduites à des tours de dix mètres de haut. Fabriquées à partir de matériaux tels que la fibre de verre, l'aluminium, le bois, le bronze et même un ingénieux ponton gonflable en acier, ses créations sont une fusion de l'innovation technique et de l'expression artistique. Les œuvres de Kaws ont trouvé leur place dans les galeries et les musées, ainsi que dans les collections permanentes des institutions publiques. Elles ont également attiré l'attention de collectionneurs passionnés, dont le producteur de musique Swizz Beatz et le célèbre rappeur Pharrell Williams. De nombreux livres ont été publiés pour illustrer et analyser son œuvre puissante. Installé à Brooklyn, New York, Kaws ne se contente pas de créer des sculptures, mais explore également d'autres formes d'art telles que la peinture acrylique sur toile et la sérigraphie. Son influence s'étend au domaine commercial, où il a principalement collaboré à la production de jouets en édition limitée, ainsi qu'à la conception de vêtements, de planches à roulettes et d'autres produits. Le style distinctif de Kaws se caractérise par une emphase vibrante sur la couleur et la ligne, ainsi que par des graphiques emblématiques, tels que l'inclusion répétée du "x" dans les mains et les yeux. Son travail se distingue également par la réappropriation intelligente d'icônes de la culture pop, telles que Mickey Mouse, Bibendum, les Schtroumpfs, Snoopy et Bob l'éponge.

Estim. 1 400 - 1 600 EUR

Lot 14 - JAUME PLENSA (Barcelone, 1955). Sans titre, 1983. Aquatinte et gravure sur fer, exemplaire 10/25. Signé et justifié Provenance : Galerie N2, Barcelone. Œuvre nº 40 du catalogue raisonné. Dimensions : 16 x 23 cm (impression) ; 38 x 37 cm (papier). Le torse humain émerge d'un fond gris comme s'il s'agissait d'une radiographie montrant une structure osseuse particulière. Dans ses gravures, Jaume Plensa, comme dans ses sculptures, a privilégié le thème de l'identité et de la mémoire, en utilisant de préférence l'eau-forte pour obtenir des résultats d'une grande plasticité. Jaume Plensa a étudié à la Escuela de La Llotja et au Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, tous deux à Barcelone. Il a excellé dans la sculpture, le dessin et la gravure. Son travail se concentre sur la relation entre l'homme et son environnement, questionnant souvent le rôle de l'art dans la société et la position de l'artiste. Il vit actuellement à Paris et a récemment reçu le titre de docteur honoris causa de la School of the Art Institute of Chicago. Plensa a commencé sa carrière en travaillant avec du fer forgé mélangé à du polyester. Entre 1983 et 1984, il commence à mouler le fer avec la technique de la fonte et développe un concept sculptural basé sur des éléments zoomorphes. Son œuvre évolue progressivement et il est aujourd'hui considéré comme un précurseur du néo-expressionnisme espagnol. Dans les années 90, il modifie son travail, tant sur le plan matériel que formel, et commence à utiliser des matériaux différents tels que la ferraille, le polyester et les résines. Au cours de ces années, il élabore des séries de murs, de portes et de constructions architecturales, cherchant à donner à l'espace un protagonisme absolu. Entre 1999 et 2003, Plensa est devenu l'un des piliers de la scénographie mondiale, réinterprétant avec "La Fura dels Baus" quatre opéras classiques de Falla, Debussy, Berlioz et Mozart, et réalisant seul une production théâtrale contemporaine, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Il a présenté des expositions individuelles et collectives dans le monde entier, dont une rétrospective au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En juin 2008, il a inauguré à Londres, au siège de la BBC, son œuvre "Breathing", un monument dédié aux journalistes tués dans l'exercice de leur profession. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses distinctions, telles que la Médaille des Chevaliers des Arts et des Lettres en 1993, décernée par le ministère français de la Culture, ou le Prix national des arts plastiques en 1997, décerné par la Generalitat de Catalogne. Considéré comme l'un des principaux représentants du nouvel art espagnol de tendance expressionniste, son œuvre est présente dans les meilleures galeries et foires d'art nationales et internationales, ainsi que dans les principaux musées d'Europe et des États-Unis, tels que le MOMA à New York, le Kemper au Kansas, le Museo Patio Herreriano à Valladolid, le Palazzo Forti à Vérone, le MACBA ou le Museo Reina Sofía à Madrid.

Estim. 1 400 - 1 600 EUR

Lot 15 - JOAN MIQUEL ROCA FUSTER (Palma de Majorque, 1942 - 2006). "Fille avec fenêtre flottante regardant à l'intérieur". 1972. Huile sur toile. Signée dans la marge inférieure. Signée, titrée et datée au dos. Avec étiquette au dos de la salle Nonell. Dimensions : 80 x 64 cm ; 83 x 66 cm (cadre). Roca Fuster commence sa formation artistique à Palma de Majorque, mais très vite, en 1958, il s'installe à Barcelone et s'inscrit à l'école des beaux-arts de Sant Jordi. Lors de son premier voyage à Madrid, en 1960, il est fasciné par les peintures de Velázquez, Zurbarán, Goya et El Greco au Prado. Au cours de cette décennie, il s'intéresse à l'abstraction et à l'informalisme, peignant des tableaux où la figuration est reléguée à un rôle secondaire. La musique, ainsi que les mythes du cinéma et du théâtre, ont toujours été des éléments clés de son travail. Dans les années soixante-dix et quatre-vingt, il se rapproche de Rembrandt et du Caravage, ainsi que de l'école préraphaélite. Ses premières expositions, organisées en 1965 dans les galeries Grifé Escoda de Madrid et de Palma, remportent un grand succès auprès du public et de la critique. En fait, l'année suivante, il fait le saut à l'étranger, avec son exposition personnelle à la Don Quixote Gallery de Londres ; presque toutes ses œuvres de cette période ont été vendues en Angleterre, à d'importantes collections privées. Dès lors, il expose ses œuvres dans toute l'Europe et aux États-Unis, avec des expositions collectives et individuelles à New York, Stockholm, Oklahoma, Chicago, Antibes (France), Lyon et Los Angeles, en plus de sa participation répétée aux foires internationales de Bâle, Francfort, Los Angeles et New York. Tout au long de sa carrière, il a remporté de nombreux prix, tels que les premiers prix de la jeune peinture de la Sala Parés (1961) et de la Dirección General de Bellas Artes (1962), la première médaille du Salón de Otoño de Palma de Mallorca (1966), le prix extraordinaire de la I Bienal Internacional de Barcelona (1967), ou la première médaille du Salón de Otoño de Madrid (1968), entre autres mentions. Bien que la plupart de ses œuvres soient conservées dans des collections privées, une exposition est organisée au musée d'art contemporain de Madrid.

Estim. 1 500 - 2 000 EUR

Lot 19 - SANTICRI (Macereta, Italie, 1992). "Les licornes sont réelles", 2022. Résine de poudre de marbre, acier et acrylique. Exemplaire 3/100 Signé à la main. Certificat joint. Dimensions : 50 x 34 x 10 cm. Cette sculpture représente une interprétation audacieuse et provocante de la mythologie traditionnelle. L'artiste semble remettre en question les conventions iconiques de la licorne, symbole de pureté et de magie, en la transformant en icône de la souffrance et du conflit. L'utilisation des couleurs de l'arc-en-ciel pour représenter la blessure crée un contraste extraordinaire entre la beauté et la tragédie. Cette sculpture peut être interprétée de multiples façons : une réflexion sur la fragilité de la beauté, une représentation de la lutte pour l'identité ou une critique de la violence qui se cache derrière les apparences. Il s'agit d'une œuvre d'art qui suscite indubitablement des émotions et stimule la réflexion, incitant le spectateur à s'interroger sur le sens profond de la beauté et de la souffrance. La sculpture est une édition limitée à 100 pièces, chacune d'entre elles ayant des couleurs différentes des autres. Né à Macerata, l'artiste italien a suivi un parcours qui, entre ses études de géomètre et d'architecte, l'a amené à collaborer avec un artisan de sculptures en résine. C'est là qu'est né le besoin de plus en plus fort de se trouver et de donner libre cours à sa créativité. Ses œuvres sont vendues dans le monde entier et il collabore avec des galeries en Italie et en Europe. "Il n'est jamais facile de classer son art, j'essaie de transmettre ce que mes yeux voient, ma façon de voir ce qui m'entoure et de le retravailler avec un design qui se marie bien avec les temps modernes : frappant et mémorable". Nous vous informons que la livraison de l'œuvre aura lieu environ 15 jours après que le paiement ait été effectué.

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

Lot 20 - EDUARDO ARRANZ BRAVO (Barcelone, 1941-Vallvidrera, 2023). "Home orellut", 1985. Bronze, copie P.A. 1/2. Signé et numéroté. Dimensions : 21 x 28,5 x 8,5 cm : 21 x 28,5 x 8,5 cm. Eduardo Arranz Bravo a été formé à l'École des beaux-arts de Sant Jordi, à Barcelone, entre 1959 et 1962. Il fait ses débuts individuels en 1961, au Club universitaire de Barcelone, mais l'exposition qui le fait connaître des critiques barcelonais est celle organisée par l'Ateneo de Barcelone en 1961. Entre 1968 et 1970, il fait partie du groupe formé par Gerard Sala, Robert Llimós et Rafael Lozano Bartolozzi. Il continue à collaborer avec ces derniers jusqu'en 1982, alternant expositions communes et expositions personnelles. Le contact avec ces artistes a influencé son style initialement abstrait, qui s'est rapproché de la nouvelle figuration et du pop art. Il a exposé dans toute l'Espagne, ainsi qu'à Paris, Amsterdam, Venise, São Paulo et Rio de Janeiro. En 1983, il a organisé une exposition anthologique de son œuvre à la Sala Gaspar de Barcelone et, entre 1986 et 1988, il a été chargé de la direction artistique des films de Jaime Camino "El balcón abierto" et "Luces y sombras". Il participe au VIIIe Salón de Mayo à Barcelone et aux expositions "Muestra de Arte Nuevo" (Barcelone, 1971), "Picasso 90" (Musée du Louvre, 1971), "Experiencias conceptuales" (Barcelone, 1971-72), entre autres. En 1989, il a présenté une exposition des travaux de ses trois dernières années au musée d'art moderne de São Paulo, ainsi qu'une exposition anthologique au Palau Robert de Barcelone. Parmi les prix qu'il a reçus, citons la IIe Biennale internationale du sport, le prix de la figure de la Biennale Estrada Saladich et le prix du dessin Ynglada-Guillot. Ses œuvres sont exposées au musée Reina Sofía de Madrid, aux musées des beaux-arts de Vitoria et de Séville, au musée de São Paulo et au musée d'art moderne de New York.

Estim. 1 500 - 1 600 EUR

Lot 21 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "A effacé", 1974. Lithographie, exemplaire 80/90. Signée et justifiée au crayon. Dimensions : 63 x 90 cm ; 70 x 100 cm (cadre). Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, Tàpies commence à exposer aux Salones de Octubre à Barcelone, ainsi qu'au Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition personnelle aux Galerías Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. En 1953, il présente une exposition personnelle à la galerie Martha Jackson à New York. À partir de ce moment, ses expositions, tant collectives que personnelles, ont eu lieu dans le monde entier, dans des galeries et des musées de premier plan tels que le Guggenheim de New York et le Musée d'art moderne de Paris. Depuis les années 1970, des anthologies lui sont consacrées à Tokyo, New York, Rome, Amsterdam, Madrid, Venise, Milan, Vienne et Bruxelles. Autodidacte, Tàpies a créé son propre style au sein de l'art d'avant-garde du XXe siècle, alliant tradition et innovation dans un style abstrait empreint de symbolisme, accordant une grande importance au substrat matériel de l'œuvre. Il convient de noter le sens spirituel marqué que l'artiste donne à son œuvre, où le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine. L'œuvre de Tàpies a été très appréciée au niveau international et a été exposée dans les musées les plus prestigieux du monde. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Praemium Imperiale du Japon, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture de France, la Fondation Wolf pour les arts (1981), la Médaille d'or de la Generalitat de Catalunya (1983), le Prix Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'Unesco (1993) et le Prix Vélasquez pour les arts plastiques (2003). Antoni Tàpies est représenté dans de grands musées du monde entier, comme la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofía à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 2 500 - 2 800 EUR

Lot 24 - EDUARDO ÚRCULO FERNÁNDEZ (Santurce, Biscaye, 1938 - Madrid, 2003). "Monumentalis Podias", 1977. Dossier de sérigraphie, exemplaire 10/100. Huit sérigraphies sur papier. Signées, datées et numérotées à la main. Dimensions : 94 x 66 cm. Peintre et sculpteur, l'un des meilleurs représentants du pop art en Espagne, Eduardo Úrculo commence à peindre dès l'enfance, sans aucune formation artistique, et publie en 1957 ses premières bandes illustrées dans le journal d'Oviedo "La Nueva España". Peu après, il s'installe à Madrid et commence à suivre des cours au Círculo de Bellas Artes. En 1959, il se rend à Paris, où il se perfectionne à l'Académie de la Grande Chaumière. En 1967, il fait un voyage en Europe du Nord et c'est à cette occasion qu'il entre en contact avec le pop art américain. Dans les années 1980, il vit à New York, où il réalise d'importants projets. En 1992, il revient à Paris. Au cours de cette dernière période, il ajoute à son répertoire le thème du voyageur confronté à la grande ville moderne, variante ironique de la figure du romantique submergé par le paysage. Cette évolution formelle s'est traduite par de nombreuses expositions individuelles à travers le monde depuis 1959, ainsi que par des anthologies (Centro Cultural de la Villa de Madrid, 1997, et Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella, 2000). Úrculo est actuellement présent dans de nombreux musées et collections d'art moderne, dont le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Galleria Nazionale d'Arte Moderno de Rome, la Biblioteca Nacional de Madrid, le Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, les collections AENA, Testimoni et Fundesco, le Museo del Dibujo Castillo de Larrés, le Museo de Arte Contemporáneo de Vilafamés et d'autres encore.

Estim. 2 000 - 3 000 EUR

Lot 25 - VÍCTOR MIRA (Saragosse, 1949 - Munich, 2003). Sans titre, 1987. Technique mixte sur carton. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 104 x 75 cm ; 107 x 79 cm (cadre). Peintre, sculpteur, graveur et écrivain, sa formation a été essentiellement autodidacte. À l'âge de dix-huit ans, il réalise sa première exposition individuelle à la galerie N'Art de Saragosse, qui est aussi la première exposition de sculpture en plein air organisée dans cette ville. Peu après, il s'installe à Madrid, où il expose en 1973 à la galerie Pol Verdié. Pendant ses années dans la capitale, il assiste aux Rencontres de Pampelune, où il rencontre John Cage. Deux ans plus tard, en 1974, Ana María Canales publie son livre "Víctor Mira, eres mi pintor preferido" (Victor Mira, tu es mon peintre préféré). En 1975, elle se rend à Heidelberg, où elle vit pendant cinq mois, et publie la même année "El libro de las dos hojas". En 1976, il commence à travailler en Allemagne sur ses séries "Spanische Haltung" et "Manos". Après avoir passé un certain temps entre Madrid et l'Allemagne, il s'installe à Barcelone en 1977. C'est là qu'il commence son cycle de peintures "Interiores catalanes con tomate" et qu'il publie en 1979 son premier recueil de poèmes, "El bienestar de los demonios". La même année, il réalise sa première exposition personnelle à Munich, à la galerie Tanit, et l'année suivante, il expose ses œuvres aux États-Unis, à la galerie George Staempfli de New York. Dès lors, sa carrière internationale prend son essor, avec des expositions en Allemagne, aux États-Unis, en Hollande, en Suisse, en Suède, en Norvège, en Colombie, en France, en Belgique et en Autriche, tout en continuant à exposer régulièrement en Espagne. En 1983, il se rend pour la première fois aux États-Unis, invité par le Meadows Museum de Dallas. La même année, il travaille dans les ateliers de gravure de la Southern Methodist University de Dallas et séjourne cinq mois à New York. C'est également en 1983, à Barcelone, qu'il crée sa première série de sculptures en fer, "Cultura del arco" et "Mediodías". Au cours des années suivantes, il continue à organiser d'importantes expositions dans le monde entier, tout en publiant des livres de poèmes, des éditions bibliophiles, des œuvres graphiques, etc. En 1997, Amy Chaiklin l'invite à participer à la Biennale d'art de New York et, six ans plus tard, peu avant sa mort, il reçoit le prix du meilleur artiste espagnol vivant à la foire ARCO. L'exposition rétrospective la plus récente consacrée à cet artiste s'est tenue à Düsseldorf, en Allemagne, à la galerie Beck & Eggeling. Les œuvres de Mira sont conservées dans des musées et des collections privées du monde entier, notamment au Museum of Modern Art de New York, au Centre national d'art Reina Sofia, au MACBA de Barcelone, aux musées des beaux-arts de Vitoria et de Saragosse, à la Fondation Beulas de Huesca et au musée des collections de l'ICO de Madrid, entre autres.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 27 - JAVIER CALLEJA (Málaga, 1971) pour MEDICOM TOY. "Pas d'art ici", 2020. Pvc et verre. Édition de 1000 exemplaires. Boîte d'origine. Dimensions : 30 x 27 x 15 cm. Édition basée sur l'œuvre de trois mètres en aluminium et en verre exposée au Parco Museum Tokyo, dans le cadre de l'exposition "Global Pop Underground". L'artiste de Malaga Javier Calleja s'est associé à Medicom pour lancer une version miniature en édition limitée de sa sculpture "No Art Here". Elle représente un personnage aux grands yeux et aux cheveux orange tenant une pancarte sur laquelle on peut lire "No Art Here" ; le personnage porte des chaussures marron, un pantalon clair, une chemise bleue et une casquette rouge. Callejo utilise un langage naïf et pop pour réfléchir à la nature de l'art. Javier Calleja est un artiste de Malaga, en Espagne, formé à l'université de Grenade, où il a obtenu un diplôme en beaux-arts en 2000. Depuis le début de sa carrière artistique, ses œuvres ont attiré l'attention des critiques et du public, devenant ainsi l'un des artistes les plus recherchés au niveau national et international. Il a organisé sa première exposition en 2002, en participant à l'exposition collective Arte más joven, "Instituto Andaluz de la Juventud (IAJ)" Almeria, Jaen et Séville, Espagne IAJ Grenade, et seulement un an plus tard (2003), il a tenu sa première exposition solo intitulée "Recuperar la mirada", Carmen de la Victoria, Université de Grenade. Ces expositions ont été suivies de nombreuses autres, tant au niveau national qu'international ; Play room" au CAC Malaga, en 2008, Fast food, à la Galerie Zink, Allemagne (2015), No cartoons tonight, Art on paper Fair (projet solo), à la Castor Gallery, New York (2016), Do not touch, à la Nanzuka Gallery, Tokyo (2018), F*ck You, Nanzuka EchoOne, Nanzuka Gallery, Bangkok (2018), Javier Calleja, Solo exhibition, at Aisho/Nanzuka, Hong Kong (2019) et Those Little things, Artist residency, Dio Horia, in Mykonos. En outre, Calleja a participé à plusieurs des foires les plus importantes d'Espagne, telles que ARCO (2020), Estampa (2019) et Urbanity Art (2020). Ses œuvres ont été acquises par de nombreux collectionneurs privés, ainsi que par des institutions pertinentes telles que Banco Sabadell, la Diputación de Málaga, DKV Collection, Marset Collection, la CAB de Burgos, le CAC de Málaga, Unicaja, la Junta de Andalucía et l'Université de Grenade. Il convient de noter que pendant le COVID, Calleja a mis en vente plusieurs figurines connues avec Art toy, afin de reverser les bénéfices aux personnes touchées par la pandémie.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 28 - MARINA CAPDEVILA (Falset, 1985). "Marujas". Acrylique sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Signée et titrée au dos. Dimensions : 120 x 120 cm. Marina Capdevila i Papió est une illustratrice et muraliste catalane. Diplômée en beaux-arts de l'université de Barcelone, l'artiste Marina Capdevila, née à Tarragone, a complété ses études à l'Académie Willem de Kooning de Rotterdam par un diplôme de troisième cycle en illustration créative à l'Escola Eina de Barcelone. Son style particulier, qui va des petites illustrations aux peintures murales, consiste à exagérer les situations qui se produisent dans la routine de n'importe quel citadin ou rural, en apportant une touche d'humour à la trivialité de la vie quotidienne. L'artiste a avoué que l'une de ses muses était sa propre grand-mère, c'est pourquoi les femmes âgées sont récurrentes dans son imaginaire. Avec elles, elle tente de communiquer le désir d'atteindre la vieillesse avec une pleine vitalité. Capdevila a travaillé sur des projets publicitaires pour des marques telles que Reebok, Zara, Bershka, Movistar, Estrella Damm, TV3, Freixenet et a peint des fresques murales dans différents endroits des États-Unis tels que la Floride, New York ou la Californie, ainsi qu'au Mexique, en Suisse, en Italie, au Canada, aux Pays-Bas, au Royaume-Uni, en Autriche ou en Espagne. En 2021, il a peint une peinture murale de quatre étages, consistant en une étreinte géante d'un groupe de personnes âgées, dans la résidence Puig d'en Roca, dans le quartier de Fontajau, dans la ville de Gérone, où sa mère était récemment décédée.

Estim. 2 200 - 3 000 EUR

Lot 29 - MAN RAY (Philadelphie, États-Unis, 1890 - Paris, 1976). "Masque", 1971. Relief en bronze. Édition de 90 exemplaires. Signé dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 17,5 x 13 cm ; 42 x 37 x 4 cm. En artiste aux multiples facettes, Man Ray s'est essayé à toutes sortes de techniques et de langages. Dans ce relief en bronze réalisé vers la fin de sa vie, il nous offre une image onirique : le visage d'un homme endormi caressé par de multiples mains qui, tels des anges, veillent sur ses rêves. Artiste visionnaire, maître de la photographie expérimentale, peintre, cinéaste, poète, essayiste, philosophe, chef de file du modernisme américain, il était connu pour représenter la vibrante scène culturelle française de son point de vue unique. Man Ray commence à se former au dessin avec Robert Henri au Centre Ferrer, tout en fréquentant régulièrement la galerie 291 d'Alfred Stieglitz. Influencées par les photographies de Stieglitz, ses œuvres abordent sans complexe des sujets inhabituels. Ses compétences en art l'amènent à expérimenter dans le domaine des œuvres plastiques, travaillant dans un style cubiste, qui dérive vers une tendance abstraite. Ray a également expérimenté diverses techniques dans le processus d'exécution et de développement photographique, telles que l'effet Sabatier, ou solarisation, qui donne un effet argenté et fantomatique à l'image, ainsi que les rayogrammes. Man Ray a exposé son art dans des galeries à New York, Londres et Paris, entre autres. Ses œuvres novatrices se trouvent dans des musées du monde entier, ainsi que dans des collections privées, et l'on se souvient de lui pour son ingéniosité et son originalité artistiques.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 30 - Equipo Crónica (Valence, 1964 - 1981). "El telegrama, Homenaje a Viñes", Serie un lugar, una fecha, una imagen. 1976 Sérigraphie sur papier Super Alfa de Guarro, numéro 6/75. Signé et justifié à la main. Dimensions : 73 x 103 cm, 75,50 x 105,50 cm (cadre). L'Equipo Crónica, ou Crónicas de la Realidad, est un groupe de peintres espagnols actif entre 1964 et 1981. Il a été fondé par Manolo Valdés, Juan Antonio Toledo, qui a rapidement quitté le groupe, et Rafael Solbes, dont la mort en 1981 a mis fin au projet. L'historien et critique Tomás Llorens était également membre du groupe. Il explique les fondements théoriques de l'Equipo dans un texte intitulé "La distanciation de la distanciation". De même, les trois peintres signent un manifeste en 1965, dans lequel ils se définissent comme un groupe de travail aux méthodes collectives et aux objectifs supra-individuels. L'Equipo Crónica s'éloigne de l'informalisme ambiant pour cultiver une peinture figurative, étroitement liée au pop-art. Lassés de l'introspection, ces artistes sortent dans la rue et observent le monde qui les entoure, une société à l'industrialisation naissante et aux touristes. Leur style est un mélange unique de réalisme, de critique, de pop, de citations picturales, d'anachronismes et de pastiches doux-amers. Des œuvres d'Equipo Crónica se trouvent, entre autres, à l'IVAM de Valence, au musée Reina Sofía de Madrid, au MACBA de Barcelone, à la fondation Juan March et au musée Patio Herreriano de Valladolid. En 2007, une exposition consacrée à Equipo Crónica a été organisée au Museo de Arte Abstracto de Cuenca.

Estim. 2 200 - 2 400 EUR

Lot 31 - SANTI MOIX (Barcelone, 1960). "Je connais beaucoup de chansons mais je ne sais pas chanter", New York, 1997. Huile sur toile. Signée, datée, localisée et titrée au dos. Dimensions : 97 x 131 cm ; 100 x 133 cm (cadre). Adepte du grand format, bien qu'il commence toujours par de petites esquisses, Moix mélange habituellement les textures, les coups de pinceau et les coups de brosse. Et, oui, beaucoup de couleurs, qui servent à donner à son atmosphère onirique une tonalité lumineuse, parfois inquiétante. Installé à New York, Santi Moix vit plongé dans une recherche incessante qui le pousse à travailler avec une voracité et une créativité étonnantes. Son travail, direct et audacieux, est toujours un champ de recherche, d'apprentissage et de résolution. Créateur aux multiples facettes, Moix dessine et sculpte également, mais c'est dans la peinture qu'il trouve son lieu de réflexion. Bien que sa peinture soit éminemment abstraite, Moix a démontré à maintes reprises sa grande capacité à dessiner (dernièrement avec sa série d'œuvres inspirées des Aventures de Huckleberry Finn de Mark Twain). Son propre langage le conduit à des créations troublantes et énigmatiques qui naviguent entre abstraction et figuration. L'artiste assure que, par ailleurs, sa sculpture s'abreuve de sa peinture et vice-versa, et qu'elles sont inséparables, car elles font toutes partie du même voyage. Ses œuvres sont comme un écho de la nature, des objets qu'il est impossible d'y trouver. L'œuvre de Santi Moix se caractérise par l'accumulation et la fragmentation, la sensualité et un sens poétique de la forme dans un espace horizontal plat, dense et vital. Il rompt avec l'image de la continuité, crée des digressions qui avancent et reculent pour construire, finalement, des structures biomorphiques schématiques. Des peintures et des sculptures qui sont des éléments en mouvement, comme des labyrinthes qui se ramifient à l'infini, et qui provoquent une réflexion sur un monde fluctuant entraîné par la somptuosité et la vitesse qui nous introduisent dans un temps différent, libre, vital, débordant et passionné.L'un des travaux récents de l'artiste a consisté à réhabiliter une église romane de San Víctor, située dans le village de Saurí, dans la région du Pallars Sobirà, en y incluant sa marque et ses motifs, faisant entrer pour la première fois sa peinture dans un édifice religieux, bien qu'il ait réalisé des actions similaires dans des musées et des espaces publics. En 2002, il a reçu une bourse de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 34 - EDUARDO CHILLIDA JUANTEGUI (Saint-Sébastien, 1924 - 2002). "San Juan de la Cruz". Artika, Musée Chillida-Leku, Planeta, 2007. Copie 714/988. Avec des reproductions grandeur nature de 32 dessins et gravitations de son œuvre graphique. Boîtier en fer. Présente des marques d'usage, de l'usure et quelques dommages latéraux à la couverture. Dimensions : 39 x 31 x 4 cm (livre) ; 50 x 39 x 18 cm (coffret). Il n'est pas surprenant que le "Cantique spirituel" de San Juan de la Cruz ait été l'un des livres de chevet de Chillida, étant donné que la philosophie, la spiritualité et le mysticisme sont omniprésents dans son œuvre. Ce volume réunit deux des grandes passions de l'artiste basque : les poèmes mystiques de saint Jean de la Croix et l'art. Un bijou inégalable qui mêle les deux en parfaite harmonie, associant la poésie à la reproduction de 32 dessins et gravitations de Chillida, accompagnés de 16 citations manuscrites, intimes et personnelles, sur l'art et la spiritualité. Chillida s'est formé à Madrid et à Paris, et a réalisé sa première exposition dans la capitale française en 1950. Tout au long de sa vie, il a reçu de nombreux prix et récompenses, dont le prix Carnegie, le prix Rembrandt, le prix de la Fondation Wolf pour les arts et le prix du Prince des Asturies pour les arts. Il a également été académicien de San Fernando, membre de l'Académie américaine des arts et des sciences, membre honoraire de l'Académie royale des arts de Londres et de l'Ordre impérial du Japon, et a été décoré de la Grand-Croix du mérite humanitaire par l'institution du même nom à Barcelone. Outre son musée Chillida-Leku à Hernani, il est représenté dans des musées et des collections du monde entier, tels que le Guggenheim de Bilbao, le MOMA de New York, le Reina Sofía de Madrid, la Tate Gallery de Londres et la Neue Nationalgalerie de Berlin.

Estim. 3 500 - 3 700 EUR

Lot 35 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelone, 1893 - Palma de Majorque, 1983). "La Caixa. 75 ans". Lithographie, exemplaire 41/100. Signée et justifiée à la main. Dimensions : 89 x 61 cm ; 92 x 65 cm (cadre). Affiche réalisée par Joan Miró à l'occasion du 75e anniversaire de la Caja de Pensiones para la Vejez y de Ahorros de Cataluña y Baleares, plus connue sous le nom de Caja de Pensiones, d'abord, et de la Caixa, ensuite. Joan Miró est l'une des grandes figures internationales de l'art du XXe siècle. Il s'est formé à Barcelone, d'abord à l'Escuela de la Lonja, puis à l'Academia Galí, à l'esprit plus novateur. C'est dans cette école et au Cercle artistique de Sant Lluc, également à Barcelone, que le jeune Miró rencontre certains de ses grands amis, comme le critique Sebastià Gasch, le poète J.V. Foix, le peintre Josep Llorens Artigas et le promoteur artistique Joan Prats. Ainsi, depuis ses années de formation, il est directement lié aux cercles les plus avant-gardistes de Barcelone et, dès le début de l'année 1918, il organise sa première exposition dans les galeries Dalmau de Barcelone. En 1920, il s'installe à Paris et rencontre Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara et les dadaïstes. Ce seront les années cruciales de sa carrière artistique, au cours desquelles Miró découvrira son langage personnel. À Paris, il se lie d'amitié avec André Masson, autour duquel se constitue le groupe dit de la rue Blomet, futur noyau du surréalisme. Ainsi, sous l'influence des poètes et des peintres surréalistes, avec lesquels il partage de nombreuses approches théoriques, son style mûrit ; il tente de transposer la poésie surréaliste au visuel, en se basant sur la mémoire, la fantaisie et l'irrationnel. À partir de ce moment, son style entame une évolution qui le conduit à des œuvres plus éthérées, dans lesquelles les formes et les figures organiques sont réduites à des points, des lignes et des taches de couleur abstraits. En 1924, il signe le premier manifeste surréaliste, bien que l'évolution de son œuvre, trop complexe, ne permette pas de l'inscrire dans une orthodoxie particulière. Sa troisième exposition à Paris, en 1928, est son premier grand triomphe : le Museum of Modern Art de New York acquiert deux de ses œuvres. À partir des années trente, Miró devient l'une des figures les plus marquantes de la scène artistique internationale et l'un des artistes clés du XXe siècle. C'est précisément à cette époque que l'artiste, anticonformiste par nature, entre dans une phase qu'il appelle le "meurtre de la peinture", au cours de laquelle il renonce volontairement à être peintre et expérimente d'autres techniques, telles que le collage, le dessin sur papier de différentes textures ou la construction d'"objets" avec des éléments trouvés, sa première approche de la sculpture. Ainsi, s'il reprend rapidement la peinture, Miró n'abandonne jamais son désir d'expérimenter toutes sortes de matériaux et de techniques, comme la céramique, le bronze, la pierre, les techniques graphiques et même, depuis 1970, la tapisserie. Il rentre en Espagne en 1941 et, la même année, le Museum of Modern Art de New York lui consacre une rétrospective qui sera sa consécration internationale définitive. De 1956 à sa mort en 1983, il vit à Palma de Majorque dans une sorte d'exil intérieur, tandis que sa renommée internationale grandit. Tout au long de sa vie, il a reçu de nombreuses récompenses, comme les grands prix de la Biennale de Venise en 1954 et de la Fondation Guggenheim en 1959, le prix Carnegie de peinture en 1966, les médailles d'or de la Generalitat de Catalunya (1978) et des Beaux-Arts (1980), et a été nommé docteur honoris causa par les universités de Harvard et de Barcelone. Aujourd'hui, son œuvre est exposée à la Fondation Joan Miró de Barcelone, inaugurée en 1975, ainsi que dans les principaux musées d'art contemporain du monde entier, tels que la Thyssen-Bornemisza, le MoMA de New York, le musée Reina Sofia de Madrid, la National Gallery de Washington ou le MNAM de Paris.

Estim. 3 400 - 3 800 EUR

Lot 36 - VÍCTOR MIRA (Saragosse, 1949 - Munich, 2003). "Révélation I". 1983 Huile sur panneau. Signée, titrée et datée dans le coin inférieur. Dimensions : 105,5 x 75,5 cm ; 109 x 78 cm (cadre). Les croix et les colombes messagères de la paix alternent dans cette composition qui semble s'inspirer de l'art du vitrail, une esthétique que Mira a privilégiée à l'aube des années quatre-vingt, à la recherche d'une spiritualité renouvelée. Peintre, sculpteur, graveur et écrivain, sa formation a été essentiellement autodidacte. À l'âge de dix-huit ans, il réalise sa première exposition individuelle à la galerie N'Art de Saragosse, qui est aussi la première exposition de sculpture en plein air organisée dans cette ville. Peu après, il s'installe à Madrid, où il expose en 1973 à la galerie Pol Verdié. Pendant ses années dans la capitale, il assiste aux Rencontres de Pampelune, où il rencontre John Cage. Deux ans plus tard, en 1974, Ana María Canales publie son livre "Víctor Mira, eres mi pintor preferido" (Victor Mira, tu es mon peintre préféré). En 1975, elle se rend à Heidelberg, où elle vit pendant cinq mois, et publie la même année "El libro de las dos hojas". En 1976, il commence à travailler en Allemagne sur ses séries "Spanische Haltung" et "Manos". Après avoir passé un certain temps entre Madrid et l'Allemagne, il s'installe à Barcelone en 1977. C'est là qu'il commence son cycle de peintures "Interiores catalanes con tomate" et qu'il publie en 1979 son premier recueil de poèmes, "El bienestar de los demonios". La même année, il réalise sa première exposition personnelle à Munich, à la galerie Tanit, et l'année suivante, il expose ses œuvres aux États-Unis, à la galerie George Staempfli de New York. Dès lors, sa carrière internationale prend son essor, avec des expositions en Allemagne, aux États-Unis, en Hollande, en Suisse, en Suède, en Norvège, en Colombie, en France, en Belgique et en Autriche, tout en continuant à exposer régulièrement en Espagne. En 1983, il se rend pour la première fois aux États-Unis, invité par le Meadows Museum de Dallas. La même année, il travaille dans les ateliers de gravure de la Southern Methodist University de Dallas et séjourne cinq mois à New York. C'est également en 1983, à Barcelone, qu'il crée sa première série de sculptures en fer, "Cultura del arco" et "Mediodías". Au cours des années suivantes, il continue à organiser d'importantes expositions dans le monde entier, tout en publiant des livres de poèmes, des éditions bibliophiles, des œuvres graphiques, etc. En 1997, Amy Chaiklin l'invite à participer à la Biennale d'art de New York et, six ans plus tard, peu avant sa mort, il reçoit le prix du meilleur artiste espagnol vivant à la foire ARCO. L'exposition rétrospective la plus récente consacrée à cet artiste s'est tenue à Düsseldorf, en Allemagne, à la galerie Beck & Eggeling. Les œuvres de Mira sont conservées dans des musées et des collections privées du monde entier, notamment au Museum of Modern Art de New York, au Centre national d'art Reina Sofia, au MACBA de Barcelone, aux musées des beaux-arts de Vitoria et de Saragosse, à la Fondation Beulas de Huesca et au musée des collections de l'ICO de Madrid, entre autres.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 37 - CÉSAR LÓPEZ OSORNIO (La Plata, Argentine, 1930-2015). Sans titre, de la série "Soleils flottants", 1995. Acrylique sur toile. Signé et daté au dos. Avec le cachet au dos de la Galería Maria José Castellví, Barcelone. Dimensions : 40 x 40 cm. Formé à la faculté des beaux-arts de l'université de La Plata, César López Osornio reçoit en 1960 une bourse pour étudier au Japon pendant trois ans. Il y apprend les arts asiatiques, les arts orientaux et l'architecture paysagère, étudie la philosophie zen et passe 45 jours dans un temple bouddhiste. À son retour, César López Osornio devient professeur à la faculté des beaux-arts de La Plata, ainsi qu'à la faculté d'architecture de l'université catholique de la même ville. En 1975, il voyage en Colombie, au Costa Rica, à Porto Rico et au Venezuela, réfléchissant à la possibilité de réunir tous les artistes latino-américains. Suite à cette idée, il a organisé une première exposition de ces peintres en Europe en 1992. Par la suite, en 1999, il a fondé le musée MACLA des artistes latino-américains contemporains en Argentine. Son œuvre, classée dans la catégorie de la géométrie libre, n'adhère pas à un mouvement unique, mais est liée au Groupe de recherche d'art visuel de Paris, ainsi qu'aux concepts de sévérité et de rationalité. López Osornio a participé à plus de 300 expositions individuelles et collectives dans son pays natal et dans le monde entier. Il a également exposé ses œuvres dans des galeries et des musées en Argentine, au Venezuela, au Japon, en Colombie, en France, à Porto Rico, en Espagne, en Bulgarie, à Bratislava et en Italie, et a réalisé des travaux en tant que muraliste, designer et architecte paysagiste.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 38 - DAMIEN HIRST (Bristol, Royaume-Uni, 1965). "Belle, très infinitésimale, admirablement, retenue, et pourtant grande, non formulée, étrange et fascinante peinture d'un amas d'étoiles". Série de belles peintures 2023. Glicée. Impression sur toile d'artiste en polycoton montée sur châssis en contreplaqué de bouleau. Exemplaire 1/1 (Unique). -Reproduit dans le catalogue des éditions Heini sous le numéro H12-8-82. Etiquette informative au dos. Préserve la boîte de l'auteur. Signé à la main au bas de l'ouvrage. Dimensions : 23 x 23 cm ; 9 x 35 x 32 cm (boîte). Damien Hirst est né à Bristol le 7 juin 1965, dans un environnement suburbain en proie à des problèmes économiques. Il n'a jamais connu son père biologique et sa mère a épousé un vendeur de voitures, qui les a quittés lorsque Hirst avait 13 ans. Sa mère, artiste amateur et chrétienne fervente, s'est occupée de lui, mais à cause de l'abandon de son père, il a dû s'éduquer de bas en haut, ce qui est peut-être la principale raison pour laquelle Damien Hirst affirme que l'art n'a pas de classe. Il a suivi une formation à l'université de Leed tout en combinant ses études avec un emploi à la morgue locale, qu'il quittera plus tard pour s'installer à Londres. À cette époque, il travaille dans le bâtiment tout en postulant à diverses écoles d'art telles que St Martins et le Welsh College. Il est finalement accepté au Golsdmiths College qui, à l'époque, en raison de la récession économique en Angleterre, est une école qui attire des étudiants brillants et des professeurs créatifs. Pendant ses études, Hirst finance ses dépenses en travaillant sur des enquêtes téléphoniques, une cause directe de sa capacité à simuler n'importe quelle émotion au téléphone. Pendant ses études, il travaille également chez McDonald's et à temps partiel à la galerie Anthony D'Ofray, où il apprend les mécanismes du marché de l'art. Dès sa deuxième année, Hirst assume le rôle d'artiste et de commissaire d'exposition et parvient à organiser une exposition qui changera le cours de l'art britannique, sa première exposition solo à l'âge de 26 ans. Quatre ans plus tard, en 1995, il est nommé pour la deuxième fois au Turner Prize pour Mother and Child. À 32 ans, la galerie Larry Gagosian lui offre une grande rétrospective, à l'issue de laquelle il déclare qu'il n'a plus rien à exposer, qu'il a tout fait et trop vite. Il est alors rapidement surnommé "Hooligan Genius" par les médias. Bien qu'il soit devenu millionnaire à l'âge de 40 ans, l'hypersensibilité de Hirst devient suspecte. Enveloppé d'une aura de romantisme, il a révolutionné le monde de l'art en toute simplicité. Les œuvres de Damien Hirst se trouvent au MoMA de New York, à la Tate Gallery et au Victoria & Albert Museum de Londres, au Palazzo Gras de Venise, au Kunstmuseum de Wolfsburg (Allemagne), au Hirshhorn de Washington D.C. et à la Neu Galerie de Graz (Autriche), parmi d'autres grandes collections publiques et privées.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 39 - TAKASHI MURAKAMI (Tokyo, 1962) pour ComplexCom. "M. Dob, rouge-bleu". Édition originale. En résine. Édition limitée à 750 exemplaires. Avec cachet sur la base. Dans sa boîte. Dimensions : 24 x 30 cm. Sculpture emblématique de Takashi Murakami. DOB est un personnage de dessin animé aux yeux vifs et aux grandes oreilles, qui rappelle quelque peu le Mickey Mouse occidental. La créature prend de nombreuses formes dans les sculptures et les peintures de Murakami, allant d'un Mr DOB souriant et innocent à une image de personnage hostile dans laquelle différentes images se confondent. Mr. DOB est la première création de Murakami inspirée par les personnages d'anime et de manga, des courants qui ont acquis un statut de culte dans la culture des jeunes Japonais. Son nom est une contraction de l'expression argotique japonaise "dobojite" ou "pourquoi ?" et est littéralement épelé dans ses traits, garantissant que nous le reconnaissions malgré son apparence toujours changeante. La représentation de M. DOB n'a pas seulement été adoptée par Murakami en sculpture ou en peinture, elle apparaît également sous des formes plus commerciales, telles que des poupées, des porte-clés, des t-shirts, des tapis de souris et des montres. L'artiste vend ces articles dans le magasin de cadeaux de son studio, dans la banlieue de Tokyo, car, selon Murakami, le monde compétitif de l'art lui a appris à créer pour le marché, un marché où le merchandising a sa place. En réalité, cette idée de produire en masse un art facilement accessible à la société est un concept pop. Tout comme l'utilisation de "héros" ou de personnages issus de la bande dessinée ou de la culture urbaine comme protagonistes de son art. Cependant, Murakami offre une nouvelle perspective sur ce que l'on appelle le pop. Il apporte une vision radicalement nouvelle en jouant avec des éléments de la culture orientale. Il a réussi à introduire ses propres idiosyncrasies sur le marché occidental en incorporant de petits éléments dynamiques et reconnaissables qui peuvent être assimilés par les deux cultures apparemment si différentes. C'est pourquoi son art est si transgressif. Murakami est l'un des artistes les plus influents de la génération japonaise de l'après-guerre. Takashi Murakami a fait ses études à l'Université nationale des beaux-arts et de la musique de Tokyo, où il a obtenu un diplôme en Nihonga (peinture japonaise traditionnelle). En 1990, il est initié à l'art contemporain par son partenaire et ami Masato Nakamura et, en 1993, il crée son alter ego Mr. Il commence alors à être reconnu à l'intérieur et à l'extérieur du Japon pour sa synthèse particulière entre l'art traditionnel japonais, les courants contemporains de son pays (anime, manga...) et la culture américaine, principalement le courant pop. Dans son œuvre, Murakami transmet une vision critique de la société japonaise actuelle, de l'héritage de la tradition culturelle du pays, de son évolution après la Seconde Guerre mondiale et de sa relation avec le monde occidental, en particulier avec les États-Unis. Dans ses écrits, il a inventé le terme "Superflat" pour définir son style artistique personnel, un terme qui correspond à une œuvre caractérisée par la bidimensionnalité et qui critique également la structure même de l'art, brouillant les frontières entre la haute et la basse culture. En fait, sa production couvre de multiples formes d'art, de la peinture et de la sculpture au design industriel, en passant par les dessins animés, la mode et d'autres médias de la culture populaire et les objets de merchandising. Sa trilogie d'expositions "Superflat" (2000, 2002 et 2005) a été présentée dans d'importants centres d'art du monde entier, tels que la Parco Gallery à Tokyo, le MOCA à Los Angeles, la Fondation Cartier à Paris ou la Serpentine Gallery à Londres. En outre, entre 2008 et 2009, des expositions rétrospectives ont été organisées au MOCA, au Brooklyn Museum de New York, au Museum für Moderne Kun

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 40 - MARTÍN ET SICILIA ; JOSÉ ARTURO MARTÍN (Santa Cruz de Tenerife, 1974) et JAVIER SICILIA RODRÍGUEZ (Santa Cruz de Tenerife, 1971). "Mon ami le Paraguayen". 2014. Acrylique sur bois découpé. Avec étiquette au dos de la galerie N2 de Barcelone. Dimensions : 65 x 30 cm. La caricature, l'autofiction et l'humour sont trois ingrédients inconditionnels de la peinture de ce duo d'artistes à succès, observateurs nés de ce qui se passe autour d'eux. L'autoportrait et le déguisement prennent ici la forme d'une affiche publicitaire folklorique. José et Javier ont commencé leur collaboration artistique en 1995, lors d'une exposition à l'Ateneo de la Lagunas. Depuis, ils ont participé ensemble à de nombreuses expositions telles que : Nina Menocal. Mexico DF My Name's Lolita Art, Valence, Miguel Marcos, Barcelone, L'Oeil, Paris, Val i 30. Valence, Manuel Ojeda, Las Palmas. Ferrán Cano, Barcelone et Majorque, Carmen de la Guerra. Madrid. Espacio Líquido, Gijón, m:acontemporary. Berlin, Nara Roesler, Sao Paolo, Torbandena. Trieste, Ulf Saupe, Berlin. Artizar, La Laguna, Galerie Momo. Johannesburg, Galerie N2. Barcelone, Kir Royal. Valence, Charles Cowles New York, La Casa Cuadrada, Bogota, Apama Mackey, Houston et Paola Verrengia en Italie, TEA, Tenerife. CAAM, Las Palmas, Casa de America Madrid, Espai Cuattre Mallorca. Artium Vitoria, Da2 Salamanca, Kunstraum De Castro Frankfurt, Espacio C Camargo, Henie Onstad Kunsenter Oslo, Kunsthalle Darmstadt et récemment à l'Institut des îles Canaries Cabrera Pinto : ainsi qu'aux biennales de La Havane à Cuba. Dakart Sénégal, Fotonoviembre Tenerife, Bamako Mali, NDSM Amsterdam et On Porto Bay Madeira. Parmi les récompenses, citons : 1er prix, Villa de Santayí, Mencion de Honor ABC de fotografía, Artistas emergentes de ARCO07, Ron Brugal.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 41 - MARTÍN ET SICILIA ; JOSÉ ARTURO MARTÍN (Santa Cruz de Tenerife, 1974) et JAVIER SICILIA RODRÍGUEZ (Santa Cruz de Tenerife, 1971). "Mon amie Kim". 2014. Acrylique sur bois découpé. Avec étiquette au dos de la galerie N2 de Barcelone. Dimensions : 66 x 22 cm. Caricature, autofiction et humour sont trois ingrédients inconditionnels de la peinture de ce duo d'artistes à succès, observateurs nés de ce qui se passe autour d'eux. José et Javier ont commencé leur collaboration artistique en 1995, lors d'une exposition à l'Ateneo de la Lagunas. Depuis, ils ont participé ensemble à de nombreuses expositions telles que : Nina Menocal. Mexico DF My Name's Lolita Art, Valence, Miguel Marcos, Barcelone, L'Oeil, Paris, Val i 30. Valence, Manuel Ojeda, Las Palmas. Ferrán Cano, Barcelone et Majorque, Carmen de la Guerra. Madrid. Espacio Líquido, Gijón, m:acontemporary. Berlin, Nara Roesler, Sao Paolo, Torbandena. Trieste, Ulf Saupe, Berlin. Artizar, La Laguna, Galerie Momo. Johannesburg, Galerie N2. Barcelone, Kir Royal. Valence, Charles Cowles New York, La Casa Cuadrada, Bogota, Apama Mackey, Houston et Paola Verrengia en Italie, TEA, Tenerife. CAAM, Las Palmas, Casa de America Madrid, Espai Cuattre Mallorca. Artium Vitoria, Da2 Salamanca, Kunstraum De Castro Frankfurt, Espacio C Camargo, Henie Onstad Kunsenter Oslo, Kunsthalle Darmstadt et récemment à l'Institut des îles Canaries Cabrera Pinto : ainsi qu'aux biennales de La Havane à Cuba. Dakart Sénégal, Fotonoviembre Tenerife, Bamako Mali, NDSM Amsterdam et On Porto Bay Madeira. Parmi les récompenses, citons : 1er prix, Villa de Santayí, Mencion de Honor ABC de fotografía, Artistas emergentes de ARCO07, Ron Brugal.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 42 - VICTOR MIRA (Saragosse, 1949 - Munich, 2003). "Haiku baroque".1985. Huile et matériaux sur toile. Signé et daté au dos. Provenance : galerie N2, Barcelone. Dimensions : 55 x 45,8 cm. Dans ses natures mortes particulières des années 80, Victor Miro associe des cœurs blessés à des poissons et à des croix, allusions eucharistiques évidentes mais qui transcendent la composante purement chrétienne, car elles semblent plutôt suggérer la volonté de réfléchir sur la maladie spirituelle de la culture humaine. Peintre, sculpteur, graveur et écrivain, sa formation a été essentiellement autodidacte. À l'âge de dix-huit ans, il réalise sa première exposition individuelle à la galerie N'Art de Saragosse, qui est aussi la première exposition de sculpture en plein air organisée dans cette ville. Peu après, il s'installe à Madrid, où il expose en 1973 à la galerie Pol Verdié. Pendant ses années dans la capitale, il assiste aux Rencontres de Pampelune, où il rencontre John Cage. Deux ans plus tard, en 1974, Ana María Canales publie son livre "Víctor Mira, eres mi pintor preferido" (Victor Mira, tu es mon peintre préféré). En 1975, elle se rend à Heidelberg, où elle vit pendant cinq mois, et publie la même année "El libro de las dos hojas". En 1976, il commence à travailler en Allemagne sur ses séries "Spanische Haltung" et "Manos". Après avoir passé un certain temps entre Madrid et l'Allemagne, il s'installe à Barcelone en 1977. C'est là qu'il commence son cycle de peintures "Interiores catalanes con tomate" et qu'il publie en 1979 son premier recueil de poèmes, "El bienestar de los demonios". La même année, il réalise sa première exposition personnelle à Munich, à la galerie Tanit, et l'année suivante, il expose ses œuvres aux États-Unis, à la galerie George Staempfli de New York. Dès lors, sa carrière internationale prend son essor, avec des expositions en Allemagne, aux États-Unis, en Hollande, en Suisse, en Suède, en Norvège, en Colombie, en France, en Belgique et en Autriche, tout en continuant à exposer régulièrement en Espagne. En 1983, il se rend pour la première fois aux États-Unis, invité par le Meadows Museum de Dallas. La même année, il travaille dans les ateliers de gravure de la Southern Methodist University de Dallas et séjourne cinq mois à New York. C'est également en 1983, à Barcelone, qu'il crée sa première série de sculptures en fer, "Cultura del arco" et "Mediodías". Au cours des années suivantes, il continue à organiser d'importantes expositions dans le monde entier, tout en publiant des livres de poèmes, des éditions bibliophiles, des œuvres graphiques, etc. En 1997, Amy Chaiklin l'invite à participer à la Biennale d'art de New York et, six ans plus tard, peu avant sa mort, il reçoit le prix du meilleur artiste espagnol vivant à la foire ARCO. L'exposition rétrospective la plus récente consacrée à cet artiste s'est tenue à Düsseldorf, en Allemagne, à la galerie Beck & Eggeling. Les œuvres de Mira sont conservées dans des musées et des collections privées du monde entier, notamment au Museum of Modern Art de New York, au Centre national d'art Reina Sofia, au MACBA de Barcelone, aux musées des beaux-arts de Vitoria et de Saragosse, à la Fondation Beulas de Huesca et au musée des collections de l'ICO de Madrid, entre autres.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 43 - MIQUEL BARCELÓ ARTIGUES (Felanitx, Majorque, 1957). "Chien sous la pluie", 1984. Lithographie (diptyque) sur papier, exemplaire 21/100. Signée et justifiée au crayon. Dimensions : 93 x 68 cm ; 107 x 81 cm (cadre). Diptyque formé de deux pièces qui se reflètent l'une l'autre, montrant la figure du chien du reflet principalement décomposé par la texture et la suggestion de la terre mouillée par la pluie. Les tons terreux et sombres créent une atmosphère mélancolique. L'image du chien solitaire sous la pluie est intense et très sensible. Peintre et sculpteur, Barceló a commencé sa formation à l'École des arts et métiers de Palma de Majorque, où il a étudié entre 1972 et 1973. En 1974, il fait ses débuts individuels, à l'âge de dix-sept ans, à la galerie Picarol de Majorque. La même année, il s'installe à Barcelone, où il s'inscrit à l'école des beaux-arts Sant Jordi, et effectue son premier voyage à Paris. Dans la capitale française, il découvre les œuvres de Paul Klee, Fautrier, Wols et Dubuffet, ainsi que l'"art brut", un style qui exercera une influence importante sur ses premières peintures. Pendant ces années, il lit beaucoup et s'enrichit d'ouvrages aussi divers que les écrits de Breton et des surréalistes, le "Manifeste blanc" de Lucio Fontana ou l'"Histoire sociale de la littérature et de l'art" d'Arnold Hauser. En 1976, il organise sa première exposition personnelle dans un musée : "Cadaverina 15" au musée de Majorque, qui consiste en un montage de 225 boîtes en bois avec des couvercles en verre, contenant des matériaux organiques en décomposition. La même année, de retour à Majorque, il rejoint le groupe Taller Lunàtic et participe à ses événements sociaux, politiques et culturels. En 1977, il effectue un second voyage à Paris, et se rend également à Londres et à Amsterdam. La même année, il expose pour la première fois à Barcelone et rencontre Javier Mariscal, qui deviendra l'un de ses meilleurs amis dans cette ville. Avec lui et le photographe Antoni Catany, il participe, en tant que membre du groupe "Neón de Suro", à des expositions au Canada et en Californie, et collabore à la publication de la revue du même nom.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 45 - HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, France, 1908- Céreste, France, 2004). "Pêcheur et son fils", Puri, Orissa, 1980. Gélatine argentique. Signée et dédicacée à Gèrard Leman à l'encre. Avec cachet de copyright dans la marge. Dimensions : 26,6 x 17,7 cm (image) ; 36,5 x 26,3 cm (plaque). Le célèbre photographe Henri Cartier-Bresson nous offre dans cette photographie une scène quotidienne mettant en scène un pêcheur capturé avec une dignité qui l'assimile aux héros classiques de l'Antiquité. À sa facette de travailleur s'ajoute sa condition de père, son jeune fils se serrant contre ses jambes pour empêcher son père d'entamer une longue journée de travail sur les rives du golfe du Bengale. Henri Cartier-Bresson était un artiste français et un photographe humaniste considéré comme un maître de la photographie et un utilisateur précoce de la pellicule 35 mm. Pionnier de la photographie de rue, il considérait la photographie comme la capture d'un instant décisif. Son premier grand voyage de reportage l'a conduit en Côte d'Ivoire en 1931. Les photographies de ses nombreux voyages ont rapidement trouvé une tribune dans les magazines et les expositions. Il acquiert également de l'expérience à New York auprès de Paul Strand. À la fin de l'été 1937, avant la bataille de Belchite, il se rend en Espagne avec Herbert Kline, ancien rédacteur en chef du magazine New Theater, et le caméraman Jacques Lemare pour tourner un documentaire sur l'American Medical Bureau pendant la guerre civile espagnole. Ils ont filmé à Villa Paz, l'hôpital des Brigades internationales à Saelices, non loin de Madrid, et sur la côte de Valence pour documenter le rétablissement des volontaires blessés dans les villas de Benicàssim. Ils visitent également la Brigade Abraham Lincoln à Quinto, près de Saragosse, et tournent le film Avec la Brigade Abraham Lincoln en Espagne. De 1937 à 1939, Cartier-Bresson est assistant réalisateur sur trois films de Jean Renoir, dont La Règle du jeu. En 1940, il passe près de trois ans comme prisonnier de guerre en Allemagne. Après avoir été considéré à tort comme mort à la guerre, le Museum of Modern Art de New York lui consacre une grande rétrospective "posthume" en 1947. La même année, il fonde avec Robert Capa, David Seymour et George Rodger l'agence Magnum Photos à New York, dans le but de préserver les droits des photographes.Cartier-Bresson est le premier photographe autorisé à exposer au Louvre, à Paris, en 1955. Ses photographies ont été rassemblées et publiées dans Images à la sauvette (1952), D'une Chine à l'autre (1968) et Moscou (1955), entre autres. Cartier-Bresson arrête la photographie professionnelle en 1972 et se consacre intensément à l'art du dessin. En 1974, il est élu membre de l'Académie américaine des arts et des sciences. Son œuvre fait partie des collections de l'Art Institute of Chicago, du Museum of Modern Art, de l'International Center of Photography, du Victoria and Albert Museum et du J. Paul Getty Museum.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 46 - AGUSTÍ PUIG PINYOL (Sabadell, Barcelone, 1957). Sans titre, 2006. Technique mixte sur toile. Signée et datée au dos. Dimensions : 162 x 130 cm ; 164 x 132 cm (cadre). La toile en question se distingue à la fois par la suggestion d'éléments synthétiques à peine esquissés et par le caractère mystique imprégné par ces silhouettes noires sur le fond blanc. Les figures utilisées simulent des gestes émotionnels, des incursions dans le subconscient et les éternels dilemmes de l'artiste, qui nous plonge dans un univers graphique et symbolique complexe qui nous permet de réfléchir à l'essence de la vie. Agustí Puig a étudié à l'École des arts et métiers de Sabadell, puis à la Massana de Barcelone. Sa peinture, en constante évolution, était initialement basée sur la contemplation de la nature et du paysage, abstrayant des éléments tels que la lumière et la couleur. Puig cultive également la conception d'affiches, l'illustration, le graphisme et la sculpture, toujours avec une personnalité distincte. Il a participé à de nombreuses expositions collectives, notamment à la IIe Biennale du jeune art (Barcelone, 1985) et à la Foire internationale de Hanovre (1990). Il a reçu une mention honorable au prix de dessin Joan Miró (Barcelone, 1985) et un prix à la Muestra de Arte Joven (Madrid, 1987). Parmi les expositions personnelles qu'il a organisées, on peut citer celles des galeries René Métras à Barcelone (1987, 1989 et 1991), Egam à Madrid (1988), Luis Adelantado à Valence (1989), SIC à Vigo (1990), Fernando Latorre à Saragosse (1993) et Van Art à Madrid (1997). Il a également réalisé des expositions personnelles dans des galeries étrangères telles que le Centre les Hautes de Belleville à Paris (1988), la Esse Gallery à Cologne (1990), la Jadite Gallery à New York (1992), la Futaba Gallery à Tokyo (1992), la Messum's Gallery à Londres (2002-2005) et la DeNovo Gallery à Chicago (2009). À partir de la fin des années 1990, Puig s'éloigne de ses sujets antérieurs pour se concentrer sur des éléments de la vie quotidienne, comme des chaises, des chaussures ou des chapeaux, qu'il recrée avec une apparente spontanéité dans une vision essentialisée, pleine de subtilité, où l'économie de moyens confère aux images un certain caractère magique et symbolique. L'œuvre d'Agustí Puig est actuellement exposée en permanence dans les galeries Giart à Gérone, Set Espai d'Art à Javea et Messum's London, à Londres. Il est également représenté à la Fondation Vila Casas à Barcelone.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 48 - MANOLO VALDÉS (Valence, 1942). "Picasso", 1984. Série "Reina Mariana comme prétexte". Gravure sur papier GVARRO. Exemplaire 58/75. Signé et numéroté au crayon. Dimensions : 42 x 30 cm (estampe) ; 76 x 56,50 cm (papier). Manolo Valdés est né à Valence le 8 mars 1942. En 1957, il s'inscrit à l'école des beaux-arts de San Carlos où il passe deux ans, avant d'abandonner ses études pour se consacrer à la peinture. En 1964, il fonde le groupe artistique Equipo Crónica avec Juan Antonio Toledo et Rafael Solbes, dans lequel il restera jusqu'à la mort de ce dernier en 1981, bien que deux ans après la création du groupe, Toledo l'ait quitté. Après la mort de Rafael Solbes, il continue à travailler seul à Valence pendant quelques années, jusqu'en 1989, date à laquelle il se rend à New York où il installe son atelier et continue à expérimenter de nouvelles formes d'expression. Il appartient à la Marlborough Gallery et à la Freites Gallery. Il a également installé un atelier à Madrid pour la réalisation de grandes sculptures, alternant son travail dans les deux villes. Influencé par Velázquez, Rembrandt, Rubens et Matisse, Manolo Valdés crée une œuvre de grand format dans laquelle les lumières et les couleurs expriment une sensation de tactilité par le traitement donné aux matériaux. Son travail oblige le spectateur à plonger dans sa mémoire et à rechercher des images significatives de l'histoire de l'art. Outre les œuvres exposées dans le cadre de l'Equipo Crónica, Valdés a participé à plus de 70 expositions individuelles et collectives entre 1965 et 1981. En tant que sculpteur, il est l'auteur de La Dama del Manzanares (2003), une œuvre de 13 mètres de haut située dans le Parque Lineal del Manzanares (Madrid). En 2005, il a créé le groupe sculptural Asturcones, pour la ville d'Oviedo. Valdés a reçu plusieurs prix, parmi lesquels on peut citer en 1965, les prix Lissone et Biella, à Milan (Italie), en 1979, la médaille d'argent de la IIe Biennale internationale de gravures à Tokyo (Japon) et le prix du musée d'art Bridgestone à Lis'79 à Lisbonne (Portugal) ; en 1983, le prix national des arts plastiques ; le prix Alfons Roig, à Valence ; le prix national des beaux-arts d'Espagne ; en 1986, la médaille de la biennale du festival international des artistes plasticiens, à Bagdad (Irak) et, en 1993, la décoration de l'ordre d'Andres Bello dans la classe de la bande d'honneur, au Venezuela. En 2012, il a été chargé de concevoir l'affiche de la saison tauromachique de la Real Maestranza de Caballería à Séville.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 49 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelone, 1893 - Palma de Majorque, 1983). "Hommage à Joan Miró", 1973. Aquatinte et carborundum sur papier Guarro, copie H.C. Signé, dédicacé et justifié à la main. Tirage à 275 exemplaires. Édité par Sala Gaspar. Référencé dans le catalogue raisonné, Jacques Dupin, "Miró graveur, vol. III : 1973-1975", nº868, p. 190. Dimensions : 67, 5 x 49 cm (épreuve) ; 77 x 56 cm (papier) ; 92 x 72 cm (cadre). Réalisée en 1973, cette gravure à l'eau-forte et au carborundum a été publiée par la Sala Gaspar de Barcelone à l'occasion de la célébration du 80e anniversaire de la naissance de Joan Miró. Elle présente une composition suggestive qui semble s'inspirer de la vie microscopique. Les lignes blanches sur le fond noir flottent avec une vie propre, créant un monde presque étranger. Des éclats de bleu et de rouge font irruption dans certaines zones, ajoutant au mystère. Joan Miró a été formé à Barcelone, entre l'Escuela de la Lonja et l'Academia Galí. Dès le début de l'année 1918, il expose pour la première fois dans les galeries Dalmau à Barcelone. En 1920, il s'installe à Paris et rencontre Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara et les dadaïstes. C'est là, sous l'influence des poètes et des peintres surréalistes, qu'il mûrit son style ; il tente de transposer la poésie surréaliste sur le plan visuel, en se basant sur la mémoire, la fantaisie et l'irrationnel. À partir de ce moment, son style entame une évolution qui le conduit à des œuvres plus éthérées, dans lesquelles les formes et les figures organiques sont réduites à des points, des lignes et des taches de couleur abstraits. En 1924, il signe le premier manifeste surréaliste, bien que l'évolution de son œuvre, trop complexe, ne permette pas de l'inscrire dans une orthodoxie particulière. Sa troisième exposition à Paris, en 1928, est son premier grand triomphe : le Museum of Modern Art de New York acquiert deux de ses œuvres. Il retourne en Espagne en 1941 et, la même année, le musée lui consacre une rétrospective qui marquera sa consécration internationale définitive. Au cours des années cinquante, il expérimente d'autres supports artistiques, tels que la gravure, la lithographie et la céramique. De 1956 à sa mort en 1983, il vit à Palma de Majorque dans une sorte d'exil intérieur, tandis que sa renommée internationale grandit. Tout au long de sa vie, il a reçu de nombreuses récompenses, telles que les grands prix de la Biennale de Venise en 1954 et de la Fondation Guggenheim en 1959, le prix Carnegie de peinture en 1966, les médailles d'or de la Generalitat de Catalunya (1978) et des Beaux-Arts (1980), et a été nommé docteur honoris causa par les universités de Harvard et de Barcelone. Aujourd'hui, son œuvre est exposée à la Fondation Joan Miró de Barcelone, inaugurée en 1975, ainsi que dans les principaux musées d'art contemporain du monde entier, tels que la Thyssen-Bornemisza, le MoMA de New York, le musée Reina Sofia de Madrid, la National Gallery de Washington, le MNAM de Paris et l'Albright-Knox Art Gallery de Buffalo.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 50 - FRANCISCO FARRERAS RICART (Barcelone, 1927 - Madrid, 2021). "Abstraction", Pozuelo, 1977. Technique mixte sur papier collé sur carton. Signé, daté et situé au dos. Dimensions : 100 x 100 cm, 102 x 102 cm (cadre). Francisco Farreras Ricart a commencé très jeune à développer sa vocation artistique grâce, au moins au début, à Antonio Gómez Cano de Murcia et Mariano Cossío, lorsqu'il a commencé à étudier à l'École des arts et métiers de Santa Cruz de Tenerife. Il poursuit son apprentissage à l'école San Fernando de Madrid, où il obtient le titre de professeur de dessin en 1949, ainsi qu'à Paris, en Belgique et en Hollande grâce à ses voyages d'études. À la fin des années 50, son style est géométrique, utilisant des matériaux épais ; plus tard, lorsqu'il découvre le papier de soie, il développe les possibilités de ce matériau avec un grand nombre de collages, en particulier son œuvre a été vue, depuis 1954, date à laquelle il a commencé sa carrière artistique professionnelle, dans de nombreuses villes tant en Espagne qu'à l'étranger (Madrid, New York, Munich, Logroño, Gijón, Elche, Lisbonne, Porto, Alicante, Berlin, Buenos Aires, Grenade, Lahr en Allemagne, Mallorca, Genève, Californie, etc.) Elle est également conservée dans de nombreuses collections privées à travers le monde et dans des institutions telles que le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia à Madrid, le Carnegie Institute of Pittsburgh en Pennsylvanie, le Contemporary Art Center of Almada au Portugal, l'Honolulu Academy of the Arts à Hawaï, le musée des beaux-arts de la Chaux de Fonds en Suisse, le musée national d'art moderne de Paris, le musée d'art contemporain de Madrid, le musée des beaux-arts de Bilbao, le musée Patio Herreriano de Valladolid, le musée du XXe siècle de Vienne en Autriche, etc.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 51 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). Composition. 12/03/1992. Aquarelle et encre sur papier. Signée et datée dans la marge inférieure. Dimensions : 26 x 26 cm ; 82 x 82 cm (papier). Cette œuvre sur papier de Tàpies fait partie d'un ensemble d'œuvres présentées dans l'exposition "Celebració de la mel" (1992-1993), dont le fil conducteur était l'utilisation du vernis de manière non conventionnelle. Avec le vernis, Tàpies joue sur la transparence, la luminosité et la suggestion calligraphique. Antoni Tàpies s'est initié à l'art pendant sa longue convalescence à la suite d'une maladie pulmonaire. Il se consacre progressivement et plus intensément au dessin et à la peinture, et abandonne finalement ses études de droit pour se consacrer entièrement à l'art. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, il commence à exposer aux Salones de Octubre à Barcelone, ainsi qu'au Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. Au cours de ces années, il commence à participer à la Biennale de Venise, expose à nouveau dans les galeries Layetanas et, après une exposition à Chicago, en 1953, il présente une exposition individuelle dans la galerie de Martha Jackson à New York. Dès lors, ses expositions, tant collectives que personnelles, ont eu lieu dans le monde entier, dans des galeries et des musées de premier plan tels que le Guggenheim de New York et le Musée d'art moderne de Paris. Il a reçu des prix tels que le Prince des Asturies, le Praemium Imperiale de la Japan Art Association, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture de France, etc., et des anthologies lui ont été consacrées à Tokyo (1976), New York (1977 et 2005), Rome (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venise (1982), Milan (1985), Vienne (1986) et Bruxelles (1986). Il est représenté dans les plus grands musées du monde, comme la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofia à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 52 - VIVIANE BRICKMANNE (Belgique, 1957). "Sculpture pyramidale, 2018. Aluminium texturé au nickel. Copie 1/3. Ci-joint un certificat d'authenticité délivré par l'artiste. Signé et justifié. Dimensions : 54 x 26 x 6,5 cm. Brickmanne a commencé sa carrière d'exposant en 2003 en participant à diverses expositions de groupe. Depuis lors, il a participé à diverses expositions nationales et internationales, tant en tant que groupe qu'en tant qu'individu, parmi lesquelles se distinguent les suivantes : les expositions de groupe à AAF New York, en 2013, Art Santa Fe, à la Gaudí Gallery en Corée du Sud, à AAF, Hambourg en 2014 à Feriarte en 2017 à SumArte à l'Ateneo de Madrid en 2018 et à Studio Lisboa au Portugal en 2018, parmi d'autres. À titre individuel, elle a exposé ses œuvres au pavillon belge de Saragosse en 2008, à la galerie Atalante de Madrid en 2011 et à l'hôtel Hisperia en 2017. Elle a reçu plusieurs prix qui ont récompensé son travail, parmi lesquels le trophée des prix Plus es más, éditions Bayard, le prix Face au vent de la Chambre de commerce de Belgique et du Luxembourg en Espagne et du Forum hispano-néerlandais et le prix First Spring Sculpture de l'Association internationale dans les arts. Ses œuvres ont également été publiées dans la revue Plaform Prees d'avril 2000, dans la revue Plus es mas de 2012 et dans le projet de conservation de la sculpture contemporaine. Étude de la sculpture Eurídice pour la Faculté des beaux-arts de l'Université Complutense de Madrid, 2014. Vous trouverez ci-joint un certificat d'authenticité délivré par l'artiste.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 53 - JOHN NIXON (Sydney, 1949-2020). "Orange Monochrome. Construction avec 5 couleurs", 2000. Émail sur bois sur plexiglas. Dimensions : 36 x 28 x 2,5 cm. L'esthétique minimaliste et abstraite du travail de John Nixon est nettement influencée par Kazimir Malevitch, artiste et théoricien essentiel de l'avant-garde russe. Ainsi, "Orange Monochrome. Construction with 5 coulours" révèle une abstraction géométrique planifiée sur des principes rationnels, aspirant à l'objectivité et à l'universalité. John Nixon a été formé au Preston Institute of Technology et à la Melbourne National Gallery School of Art. Il a représenté l'Australie à l'une des expositions internationales les plus influentes du monde de l'art contemporain, la Documenta 7, qui s'est tenue à Kassel, en Allemagne, en 1982. À Melbourne, quelques années plus tard, il a fondé l'influent espace artistique Art Projects, où il a pu exposer ses propres œuvres ainsi que celles de ses contemporains. En tant que directeur de l'Institut d'art moderne de Brisbane en 1980-81, Nixon a été un phare pour les sensibilités et les pratiques d'avant-garde. Son travail de conservateur, ses petites publications et ses performances musicales expérimentales faisaient partie de sa pratique très variée, qui incluait l'installation, le collage, la photographie et la vidéo. Ses œuvres figurent dans toutes les grandes collections des musées d'État australiens et dans des collections publiques au Danemark, en France, en Allemagne, en Corée, en Nouvelle-Zélande, en Pologne, en Suisse et aux États-Unis.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 54 - GOTTFRIED HONEGGER (Zurich, 1917-2016). "Relief en rouge", 1986. Peinture sur bois. Signée et datée au verso. Avec l'étiquette au dos de Wohnbedarf, Zürich. Dimensions : 19,5 x 19,5 cm. Représentant exceptionnel de l'art concret, Gottfried Honegger est resté fidèle aux postulats de ce mouvement abstrait jusqu'à la fin de sa vie. Cette œuvre minimaliste appartient à une période de maturité de l'artiste, alors qu'il était déjà reconnu internationalement et que ses postulats utopiques avaient marqué le monde de l'art. Gottfried Honegger était un artiste et collectionneur suisse. Il a étudié la vitrerie à l'école des beaux-arts de Zurich, où il a enseigné à partir de 1948. Il a d'abord travaillé dans le domaine du graphisme commercial. Entre 1955 et 1958, il a été directeur artistique chez Geigy. Il a vécu à New York de 1958 à 1960 et y a organisé sa première exposition. En 1961, il s'installe à Paris et se consacre à la peinture, en se concentrant sur l'exploration du cercle et du carré ; à partir de 1968, il se consacre à la sculpture. Honegger a également passé un certain temps au Texas, en tant qu'artiste en résidence à l'université de Dallas. Gottfried Honegger a été l'un des créateurs les plus originaux de l'art concret, reconnu tant aux États-Unis qu'en Europe. Il est l'auteur de nombreuses œuvres monumentales. Il a travaillé avec des variations sur le même thème : volume, structure, stèle.... Tout en conservant l'influence de l'art concret de Max Bill et de Lhose Richard, Honegger se tourne vers une certaine programmation mathématique verticale dans les années 1960 et 1970. L'utilisation de l'ordinateur lui permet de développer ses recherches plastiques. Il est décoré de l'Ordre des Arts et des Lettres sous la direction de Jack Lang au ministère français de la Culture ; en 1999, il devient membre de la Légion d'honneur. En 1990, il crée avec Sybil Albers l'Espace de l'Art Concret (Mouans-Sartoux) à partir de leurs collections. En 2015, le Centre Pompidou à Paris a consacré une rétrospective à cet artiste unique, dont les œuvres figurent dans les collections de plusieurs grands musées, dont le MoMA de New York.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 55 - JORGE CASTILLO CASALDERREY (Pontevedra, 1933). "Europe, retour des ténèbres", 2022. Acrylique sur toile collée sur carton. Certificat joint délivré par l'artiste. Signé, daté et situé au dos. Dimensions : 162 x 130 cm. Les natures mortes de Castillo sont des images imprégnées de fantaisie et d'un sens de la décoration qui provient de Matisse. Sa peinture est construite avec des formes qui se déploient dans l'espace avec des effets d'une grande originalité plastique. Branches, feuilles, oiseaux et fruits lévitent ou se perchent sur une table ou servent de support pour la maintenir en équilibre sur le fond du tableau. Jorge Castillo se passionne pour le dessin depuis son enfance et c'est à l'âge de dix ans qu'il réalise sa première copie de Rubens avec des crayons de couleur. Selon lui, la peinture de Rubens lui a permis de comprendre le cubisme de Braque et de Picasso. Il a vécu en Argentine, en Espagne, en France, en Italie, en Allemagne et aux États-Unis, et vit à Ibiza depuis 2008. Il a grandi à Buenos Aires, où il passait de longues heures sur le port, tout en se consacrant à la peinture et à l'écriture. C'est à cette époque qu'il commence à exposer ses peintures, notamment au Salón de Mayo. Il publie également des poèmes et des nouvelles dans des revues. Cependant, à l'âge de vingt-deux ans, il décide de quitter sa ville et de se rendre à Paris. Mais pour des raisons économiques, il s'installe en Espagne, plus précisément à Madrid, où il passe six ans entre 1957 et 1963, dont les trois premiers en tant que vagabond. Mais le contact avec Viola et Jorge Cela, impressionnés par ses dessins, change le cours de sa vie. Au cours de ces années, il se tourne progressivement vers la technique de la gravure, qui sera désormais l'un de ses principaux moyens d'expression. Il commence alors à émerger en tant qu'artiste, à vendre ses premières œuvres et à nouer des contacts importants, protégé par Luis González Robles qui, en 1960, l'emmène à la Biennale de São Paulo. Au cours de ces années, il expose également à Madrid et à Barcelone, ainsi qu'à San Francisco, Lisbonne, Pittsburgh et Tokyo. Et c'est en 1964, année de sa participation à la Biennale de Venise, que les portes de Paris s'ouvrent enfin à lui, grâce au contrat qu'il signe avec le marchand d'art André Schoeller. Il s'installe dans la capitale française pendant près de quatre ans, jusqu'en 1967, où il visite régulièrement le musée du Louvre et continue à organiser des expositions qui rencontrent un succès croissant. En 1967, Castillo quitte Paris et s'installe à Genève, Schoeller ayant vendu son contrat au Suisse Jan Krugier, alors l'un des plus importants galeristes d'Europe. Mais la ville ne lui plaît pas et il s'installe à Boissano, en Italie. Il s'y plonge dans l'art italien classique, en particulier celui du Trecento et du Quattrocento, et en 1969, il est invité par le gouvernement allemand à travailler à Berlin, où il vit jusqu'en 1975. En 1970, il expose à la Nationalgalerie de la capitale allemande, première grande exposition muséale consacrée à une période spécifique de sa carrière, puis dans de nombreuses galeries berlinoises. Lorsqu'il quitte Berlin, Castillo s'installe à Barcelone, où il est devenu un peintre reconnu en Europe et en Amérique. Il expose régulièrement à la galerie Joan Prats et rencontre Salvador Dalí. C'est à cette époque qu'il commence à se rendre à New York, où il s'installe en 1981 et y reste jusqu'en 1992. Il est alors engagé par la prestigieuse galerie Marlborough, où il connaît des succès successifs. Tout au long de sa carrière, Castillo a remporté des prix tels que les prix internationaux de dessin (1964) et de peinture (1975) à Darmstadt, la ville de Pontevedra (1994), etc.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 56 - JEFF KOONS (États-Unis, 1955) pour la Cour suprême. "Monkey Train", 2006 Sérigraphie sur bois canadien. Planche à roulettes. Édition limitée à 500 exemplaires. Avec signature imprimée. Légèrement manquante. Dimensions : 80 x 19 cm. Produite par Supreme, la légendaire boutique new-yorkaise, la série de planches de skateboard en édition limitée de Jeff Koons présente des finitions argentées qui leur confèrent un aspect similaire à celui de ses gravures. Les sérigraphies Monkey Train (2006) de Jeff Koons superposent des photographies du visage d'un singe en ballon sur des arrière-plans de trains à vapeur dignes de Warhol. La juxtaposition entre le train à vapeur, pionnier de l'explosion du capitalisme, et le singe kitsch explore la lignée de l'esthétique commerciale contemporaine et souligne l'innovation continue de Koons par rapport au Pop Art antérieur. Artiste incontournable de la scène internationale depuis la fin du XXe siècle, Jeff Koons développe un langage aux accents kitsch et au format souvent monumental. Il a étudié la peinture à l'Art Institute of Chicago et au Maryland College of Art, bien qu'il ait travaillé un temps comme agent de change à Wall Street avant de se tourner vers l'art. Il commence à se faire un nom dans les années 1980 et ouvre bientôt un atelier avec trente assistants, sur le modèle de la Factory de Warhol. Pionnier dans sa vision entrepreneuriale de l'art, il engage une agence de publicité pour promouvoir son image, du jamais vu. Artiste vivant parmi les plus recherchés, Koons a été honoré tout au long de sa carrière par de nombreux prix, dont le Cultural BZ de Berlin (2000), chevalier de la Légion d'honneur française (2001, officiel en 2007), Museum of Fine Arts School Medal de Boston (2003), membre élu de l'Académie américaine des arts et des sciences (2005), Artistic Achievement Award de l'American for the Arts de Washington D.C. (2006), Wollaston Award de la Royal Academy de Londres (2008), Rob Pruitt Award du Solomon Guggenheim Museum de New York (2009), Honorary Fellow de la Royal Academy (2010) et Medal of Arts du Département d'État de Washington D.C. (2012), entre autres. Il est actuellement représenté dans de grandes collections du monde entier, notamment les musées Guggenheim de New York, Bilbao et Berlin, le MoMA de New York, la Tate Gallery de Londres, le château de Versailles, le musée d'art moderne Arken au Danemark, le Whitney Museum of American Art de New York, le Los Angeles County Museum of Art, le Palazzo Grassi de Venise, le Stedelijk Museum d'Amsterdam et le San Francisco Museum of Modern Art. Elle présente un léger défaut.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 57 - JAN MULDER (Belgique, 1895-1988). "Déesses". Huile sur toile. Avec étiquette sur le châssis. Dimensions : 48 x 54 cm ; 54 x 60 cm (cadre). Jan Mulder nous présente une toile d'inspiration métaphysique et de traces cubistes mettant en scène des figures féminines sans tête, sans mains et sans pieds. La simplicité des formes donne un caractère poétique et évocateur à la composition. Élevé à Maastricht, Jan Mulder s'est installé à Amsterdam en 1906, où il a fréquenté des écoles professionnelles et des écoles d'art. Après la Première Guerre mondiale, il a travaillé comme décorateur de théâtre, architecte d'intérieur et artiste publicitaire, avant de devenir peintre. Il a eu des contacts avec la scène artistique d'avant-garde d'Amsterdam, où il a rencontré Erich Wichmann, Laurens van Kuijck, Piet Mondriaan et Theo van Doesburg, entre autres. En 1921, il entreprend un voyage à Cuba, au Mexique et aux États-Unis. Un an plus tard, il expose pour la première fois ses peintures à De Branding, à Rotterdam. Entre 1925 et 1931, il vit et travaille en France, d'abord à Paris, où il collabore avec Erich Wichmann au pavillon néerlandais de l'Exposition internationale des arts décoratifs, puis dans le village de pêcheurs d'Etaples-sur-Mer. Il était membre et exposait dans "Les vrais Indépendants". De retour à Amsterdam, il devient membre du conseil d'administration de De Independents et président de l'association de peintres De Brug. Avec ce dernier groupe, il expose chaque année au Stedelijk Museum d'Amsterdam. En 1946/47, il reçoit deux bourses consécutives du comité néerlando-suédois Van Gogh pour un séjour en Suède. C'est la raison pour laquelle il s'installe définitivement en Suède en 1947.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 58 - JAN MULDER (Belgique, 1895-1988). "Dualité". Huile sur toile. Avec l'étiquette au dos du Stedelijk Museum à Lakenhalm, Leiden. Elle a fait partie de la rétrospective Jan Mulder à la galerie Van Langenhove en 1993. Dimensions : 53 x 65 cm ; 58 x 70 cm (cadre). Jan Mulder nous présente une composition d'inspiration métaphysique et de traces surréalistes dans laquelle deux figures féminines sans tête, sans mains et sans pieds se fondent en un seul corps, se faisant dos l'un à l'autre, mais avec un grand lien. La simplicité des formes donne un caractère poétique et évocateur à la composition qui, avec peu de moyens, nous parle de la dualité de l'être humain. Élevé à Maastricht, Jan Mulder s'est installé à Amsterdam en 1906, où il a fréquenté des écoles professionnelles et des écoles d'art. Après la Première Guerre mondiale, il a travaillé comme décorateur de théâtre, architecte d'intérieur et artiste publicitaire, avant de devenir peintre. Il a eu des contacts avec la scène artistique d'avant-garde d'Amsterdam, où il a rencontré Erich Wichmann, Laurens van Kuijck, Piet Mondriaan et Theo van Doesburg, entre autres. En 1921, il entreprend un voyage à Cuba, au Mexique et aux États-Unis. Un an plus tard, il expose pour la première fois ses peintures à De Branding, à Rotterdam. Entre 1925 et 1931, il vit et travaille en France, d'abord à Paris, où il collabore avec Erich Wichmann au pavillon néerlandais de l'Exposition internationale des arts décoratifs, puis dans le village de pêcheurs d'Etaples-sur-Mer. Il est membre et expose dans "Les vrais Indépendants". De retour à Amsterdam, il devient membre du conseil d'administration de De Independents et président de l'association de peintres De Brug. Avec ce dernier groupe, il expose chaque année au Stedelijk Museum d'Amsterdam. En 1946/47, il reçoit deux bourses consécutives du comité néerlando-suédois Van Gogh pour un séjour en Suède. C'est la raison pour laquelle il s'installe définitivement en Suède en 1947.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 59 - SUSO33 (Madrid, 1973). "Hidden".2010. Émail synthétique sur toile. Signé et daté au dos. Avec l'étiquette de la galerie barcelonaise N2 au dos. Dimensions : 130 x 97 cm. Artiste prolifique et polyvalent, dans cette peinture de 2010 l'auteur s'aventure dans une abstraction colorée et dynamique sous laquelle de denses tracés multicolores semblent dessiner d'insaisissables formes figuratives qui interrogent notre perception. De là découle le titre, comme s'il renvoyait que sous l'horror vacui se cache une autre réalité. De même, cette peinture particulière est enracinée dans ces expériences que l'artiste raconte dans certaines interviews, sur le fait qu'à l'âge de onze ans, il a déjà commencé dans le monde du graffiti avec un style personnel de dessin avec des lignes continues sans lever l'outil. La peinture en mouvement, entendue comme geste et trace du corps, est l'essence même du travail de SUSO33. Figure internationale du graffiti, il expérimente depuis trois décennies l'action painting, le muralisme, la performance, l'installation et l'art vidéo, des environnements éphémères, dans la rue ou dans la nature, rendant hommage à la mémoire des espaces et de leurs habitants. La lumière est le protagoniste, que ce soit à l'extérieur (en valorisant les conditions naturelles) ou sur scène, en utilisant les nouvelles technologies. Loin des spéculations théoriques, son travail "traverse le corps". Critiques à l'égard de la déshumanisation de la société, ses derniers travaux s'inscrivent dans une démarche spirituelle. Suso33 est considéré comme l'une des références du graffiti, de l'art urbain et du muralisme dans le contexte espagnol. Pionnier du graffiti iconographique et de l'expérimentation du langage dans cette discipline, il est également un précurseur du Post-Graffiti, du Street-Art et de l'Urban-Art et le plus grand représentant du livepainting en Espagne. Son travail a été influencé par le hip hop et la culture urbaine de l'époque. Tout au long de sa carrière, Suso33 a expérimenté plusieurs techniques et styles, notamment la peinture, le collage, l'installation, l'art vidéo, la performance et la scénographie. Son travail se caractérise par un symbolisme fort, des couleurs vibrantes et des compositions dynamiques. Son style est passé par différentes étapes et différents styles. Dans certaines peintures, il a exploré des thèmes tels que l'identité et l'aliénation en représentant des figures humaines, dans d'autres, il plonge dans l'abstraction. La ville est un autre thème récurrent dans son œuvre, reflétant son intérêt pour la culture urbaine et la vie contemporaine. Ces dernières années, Suso33 a intégré des éléments de la nature dans son travail, afin de réfléchir à la relation entre l'homme et l'environnement. Suso33 a exposé ses œuvres dans des galeries et des musées du monde entier, notamment au musée Reina Sofia de Madrid, au Centre Pompidou de Paris et à la Tate Modern de Londres. Il a participé à de nombreux festivals d'art urbain et a collaboré avec des artistes de renommée internationale.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 60 - SERGI AGUILAR (Barcelone, 1946). Sans titre. 1974. Marbre noir. Socle en bois. Il présente de légers défauts. Dimensions : 17 x 36 x 36 cm. Pièce sculpturale formée de deux modules de marbre noir qui se moulent et permettent différentes positions sur une base carrée en bois. Sergi Aguilar explore dans cette œuvre les possibilités plastiques et conceptuelles de la sculpture modulaire minimaliste, dans une ligne proche de Donald Judd. Sergi Aguilar a commencé ses études à l'Escola Massana de Barcelone, tout en fréquentant le Conservatori de les Arts del LLibre entre 1962 et 1967. Au cours des quatre années suivantes, il poursuit sa formation, qu'il prolonge par des voyages à Paris, Londres, Prague, Stuttgart et Minorque. En 1972, il commence à travailler comme sculpteur, influencé par les œuvres de Julio González, Constantin Brancusi et les constructivistes russes. À partir de 1993, il étend sa production artistique au dessin et à la photographie, bien qu'il les utilise comme véhicule pour créer ses sculptures, en les associant à des structures ou en les traduisant en volume. Sergi Aguilar a réalisé des expositions individuelles et collectives en Europe, aux États-Unis et au Japon, notamment au Guggenheim Museum de New York, au Carnegie Museum of Art de Pittsburgh et à la Fondation Gulbenkian de Lisbonne. Ses œuvres font également partie de nombreuses collections privées et publiques telles que le MACBA à Barcelone, la Fundació "La Caixa", le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, la Fundación Juan March à Madrid, parmi beaucoup d'autres.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 61 - DENNIS OPPENHEIM (Washington, 1938 - New York, 2011). "Faithfully Yours", de la série "Salutation from the Sky", 2005. Photographie. Édition limitée à 3 exemplaires. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 122 x 123 cm. Créateur du "Land Art" ou "Earth Art" avec Robert Smithson ou Walter de Maria, Oppenheim photographie dans sa série "Salutation from the Sky" le cours de la rivière Sacramento en Californie à partir d'une vue d'oiseau et le manipule. Cette proposition révèle le lien intangible entre le ciel et la terre, à travers lequel le spectateur peut lire des mots tels que "Always", "Goodbye", "Kiss" ou "Faithfully Yours", des mots qui émergent de la rivière elle-même lorsqu'elle se faufile à travers la flore, la faune et la terre de l'État américain. Dennis Oppenheim était un artiste graphique et sculpteur américain de renommée mondiale, formé à la California School of Arts and Crafts. Au contact des générations d'artistes les plus populaires du XXe siècle, il est devenu l'un des précurseurs de l'art conceptuel, faisant œuvre de pionnier en tant qu'artiste de la performance. Sa reconnaissance publique intervient à la fin des années 1960 en tant que représentant, avec d'autres artistes, du mouvement du Land Art. Il s'est également distingué par des œuvres explorant la relation entre le créateur et le spectateur. Il a également travaillé avec l'art corporel et des performances dans lesquelles la photographie, la vidéo et le texte sont des matériaux de premier plan. L'œuvre d'Oppenheim est présente dans plus de 70 musées, collections et espaces publics parmi les plus importants au monde, tels que le National Museum of Modern Art en Corée, le Metropolitan et le MoMA à New York, le Whitney Museum of American Art, la Tate Modern à Londres et le MACBA à Barcelone. En Espagne, ses œuvres ont été exposées au musée Reina Sofía de Madrid en 2005, ainsi que dans le cadre d'une rétrospective organisée par le musée-fondation Cristóbal Gabarrón de Valladolid en 2004, qui a ensuite été présentée au Círculo de Bellas Artes de Madrid et dans d'autres villes.

Estim. 4 500 - 5 000 EUR

Lot 62 - DENNIS OPPENHEIM (Washington, 1938 - New York, 2011). "Farewell", de la série "Salutation from the Sky", 2005. Photographie. Édition limitée à 3 exemplaires. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 123 x 122 cm. Créateur du "Land Art" ou "Earth Art" avec Robert Smithson ou Walter de Maria, Oppenheim photographie dans sa série "Salutation from the Sky" le cours de la rivière Sacramento en Californie à partir d'une vue d'oiseau et le manipule. Cette proposition révèle le lien intangible entre le ciel et la terre, à travers lequel le spectateur peut lire des mots tels que "Always", "Goodbye", "Kiss" ou "Faithfully Yours", des mots qui émergent de la rivière elle-même lorsqu'elle se faufile à travers la flore, la faune et la terre de l'État américain. Dennis Oppenheim était un artiste graphique et sculpteur américain de renommée mondiale, formé à la California School of Arts and Crafts. Au contact des générations d'artistes les plus populaires du XXe siècle, il est devenu l'un des précurseurs de l'art conceptuel, faisant œuvre de pionnier en tant qu'artiste de la performance. Sa reconnaissance publique intervient à la fin des années 1960 en tant que représentant, avec d'autres artistes, du mouvement du Land Art. Il s'est également distingué par des œuvres explorant la relation entre le créateur et le spectateur. Il a également travaillé avec l'art corporel et des performances dans lesquelles la photographie, la vidéo et le texte sont des matériaux de premier plan. L'œuvre d'Oppenheim est présente dans plus de 70 musées, collections et espaces publics parmi les plus importants au monde, tels que le National Museum of Modern Art en Corée, le Metropolitan et le MoMA à New York, le Whitney Museum of American Art, la Tate Modern à Londres et le MACBA à Barcelone. En Espagne, ses œuvres ont été exposées au musée Reina Sofía de Madrid en 2005, ainsi que dans le cadre d'une rétrospective organisée par le musée-fondation Cristóbal Gabarrón de Valladolid en 2004, qui a ensuite été présentée au Círculo de Bellas Artes de Madrid et dans d'autres villes.

Estim. 4 500 - 5 000 EUR

Lot 64 - MIGUEL MACAYA (Santander, 1964). "Vache". Huile sur toile. Signée au dos. Dimensions : 180 x 200 cm ; 195 x 215 cm (cadre). Peintre reconnu au niveau national et international, Miguel Macaya fait ses débuts individuels en 1986 dans sa ville natale, avec une exposition à la galerie Pancho Cossío. Deux ans plus tard, il a présenté son travail à la galerie Cartoon de Barcelone et, dans les années 90, il a commencé à organiser des expositions à Madrid : Galerie Jorge Albero en 1994 et 1997, Nolde en 1996 et 1999, etc. Il franchit le pas international en 1999 avec une exposition personnelle à la galerie Arcturus à Paris et, l'année suivante, il présente son travail à la prestigieuse Sala Parés de Barcelone, galerie avec laquelle il collabore depuis lors. Il continue d'exposer régulièrement en tant qu'artiste solo en Espagne et en France, ainsi qu'aux Pays-Bas, en Allemagne et au Royaume-Uni. Il a également participé à des foires telles que Antica Namur en Belgique, Strasbourg (toutes deux en 2014), Arco à Madrid (2001), Art London dans la capitale britannique (2008) et Art Madrid (2011-2015), entre autres. Parallèlement, il participe depuis 1992 à d'importantes expositions collectives nationales et internationales. La première a été organisée par le Delfina Studio Trust à Londres en 1992, suivie par d'autres expositions importantes telles que celles organisées au Design Center de la Recoleta à Buenos Aires (1998), à la Fundació Vila Casas à Barcelone (1999), à la galerie Vieleers à Amsterdam (2003), etc. L'œuvre de Macaya possède une expressivité intense et sombre, ainsi qu'une veine Goyaesque particulièrement évidente dans ses œuvres tauromachiques. En ce sens, le critique Enrique Lynch a écrit que sa peinture "oriente le regard vers le sublime précisément parce que, sans renoncer à la lumière, elle nous dirige vers le côté obscur de la vision : vers ce que nous ne pouvons (ou ne voulons) pas voir, l'arrière-plan inconnu auquel ses personnages nous tournent le dos". C'est une œuvre, en tout cas, qui joue sur le mystère, sur le jeu de ne révéler qu'une partie du clair-obscur, sur la suggestion de questions au spectateur. Miguel Macaya est actuellement représenté à la Fundació Vila Casas et a reçu le premier prix de la jeune peinture de la Fundació Banc de Sabadell-Sala Parés (2001).

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 65 - ARNO BREKER (Elberfeld, Allemagne, 1900-Düsseldorf, Allemagne, 1991) & SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904-1989). "Dalí-Morphosis", 1974-1975. Bronze partiellement doré. Base en marbre noir. Signé et daté par Arno Breker. Avec le cachet de la fonderie Venturi Arte Bologna. Expositions : - Hommage à Salvador Dalí", Schloss Nörvenich, Allemagne, inaugurée par Philippe VI, alors prince, 1991. - Centenaire de la naissance de Salvador Dalí", 2004, sous le patronage de S.M. Juan Carlos I et de la Reine Sofia d'Espagne. Dimensions : 27 x 25 x 15 cm (sans socle) ; 35 cm (avec socle). En 1974, Salvador Dalí invite Arno Breker, sculpteur allemand pour lequel il éprouve une grande admiration, à l'inauguration du Musée Dalí de Figueras, en Espagne. L'Allemand y expose un buste en marbre de Jean Cocteau que Dalí lui-même avait demandé, et raconte l'expérience comme suit : "Après son discours, il a lui-même guidé les invités à travers le musée. Lorsque nous sommes arrivés dans la salle où se trouvait le buste, il a demandé : "Où est Breker ?". Ils m'ont cherché et je me suis approché de lui. La conversation de Dalí s'est tournée vers moi. Devant le public, il m'a serré dans ses bras et m'a remercié d'avoir offert le buste de Cocteau au musée. D'un moment à l'autre, ils m'ont pris le buste. Mais Dalí l'a fait avec un tel charme que je n'ai pas pu dire non". (extrait du livre Schriften d'Arno Breker). L'année suivante, et suite à l'harmonie entre les deux artistes lors de la rencontre, ils entament une collaboration qui aboutit à la réalisation de 10 sculptures uniques et inédites. À cette fin, Breker réalise des portraits exceptionnels de l'artiste de Figueras, sur lesquels Dalí lui-même interviendra par la suite, leur apportant sa touche surréaliste inimitable. Peintre et sculpteur, Salvador Dalí a été l'un des plus grands représentants du mouvement surréaliste. Son œuvre a grandement influencé le cours du surréalisme au cours des années 20 et 30. Il est considéré comme le créateur de la méthode paranoïaque-critique, une combinaison essentielle du réel et de l'imaginaire. La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres. Arno Breker entre à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf en 1920. En 1927, il s'installe à Paris, où il se familiarise avec les œuvres de Rodin et de Charles Despiau. En 1931, il se rend à Rome. Lors d'un voyage à Florence, il voit le David de Michel-Ange, ce qui signifie pour lui "comme un appel cosmique, comme un ordre, du pur occultisme" pour se consacrer à une sculpture réaliste et harmonieuse. En 1936, à l'occasion des Jeux olympiques de Berlin, il reçoit la commande de trois statues pour le stade. En 1938, il reçoit la commande de deux statues monumentales pour l'entrée de la Nouvelle Chancellerie, qui marqueront le destin de son œuvre. Une semaine plus tard, lorsqu'il présente le projet du Porteur de flambeau et du Porteur d'épée, Adolf Hitler est séduit par les dessins, ce qui marque le début de la période la plus fructueuse de la carrière de Breker, qui devient le sculpteur officiel du régime. Jusqu'en 1945, il sculpte pour les places et les avenues de la capitale du Troisième Reich. Cependant, pendant la Seconde Guerre mondiale, pas même un quart de ses œuvres n'a été épargné par les bombardements ennemis et le vandalisme des troupes d'invasion. Après la Seconde Guerre mondiale, Breker a continué à se consacrer à la fois à l'architecture et à la sculpture, comme en témoignent le bâtiment construit à Cologne pour une compagnie d'assurance en 1955 ou la statue équestre de Mohammed V, roi du Maroc. Salvador Dalí, Ezra Pound, l'athlète Ulrike Meyfarth et le baron Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza sont quelques-uns des visages célèbres représentés par ce sculpteur.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 66 - AKIRA TORIYAMA (Nagoya, préfecture d'Aichi, Japon, 1955-2024). "Les celluloïdes de Gohan. Dragon Ball". Quatorze celluloïds plus deux arrière-plans. Avec des dessins originaux de la société de production utilisée pour créer ces acétates. Dimensions : 25 x 27 cm (x14) ; 27 x 40 cm (x2). Ce lot comprend deux arrière-plans et quatorze celluloïds dans lesquels une explosion est simulée et Gohan, un personnage de Dragon Ball, est vu en train de s'enfuir. L'ensemble représente une séquence complète de la série. Le nom de Gohan vient du mot japonais "gohan", "riz cuit" ou "nourriture de toute sorte", dans la continuité du système de dénomination des aliments de Toriyama. Lors de la conceptualisation du personnage de Gohan, Toriyama avait à l'origine ajouté des lunettes ou une veste à sa tenue, et ses cheveux étaient généralement hérissés, comme on peut le voir dans le design final. À la fin de l'arc Cell, Gohan devait remplacer son père en tant que personnage principal. Cependant, Toriyama a décidé de ne pas le faire plus tard, jugeant le personnage inadapté au rôle par rapport à son père. Créateur de "Dragon Ball" et de "Doctor Slump", Akira Toriyama est considéré comme l'un des artistes qui ont changé l'histoire du manga. C'est avec Docteur Slump, une saga publiée entre 1980 et 1984, qu'il accède à la célébrité. Grâce à elle, il reçoit en 1981 le Manga Award décerné par la maison d'édition Shgakukan. L'acceptation du manga a été massive. Au total, 18 volumes de manga ont été rassemblés (40 en Espagne, publiés par Planeta de Agostini) et la série télévisée a dépassé les 240 épisodes. Slump raconte les aventures ironiques et loufoques du professeur Senbei Norimaki et de sa création, un robot ayant la forme d'une fillette de 10 ans, ainsi que des autres habitants d'un lieu étrange appelé Penguin Village. Torishima suggère à Toriyama de créer un manga de kung-fu, puisqu'il aime les films de kung-fu. C'est ainsi qu'est né Dragon Boy, en deux parties, publié dans les numéros d'août et d'octobre 1983 de Fresh Jump. Dragon Boy a été bien accueilli et a évolué vers la série Dragon Ball en 1984. En ce qui concerne son style, Toriyama admire Astro Boy d'Osamu Tezuka et est impressionné par Cent un dalmatiens de Walt Disney, dont il se souvient de la grande qualité de l'animation. Il était fan des films d'arts martiaux de Hong Kong, en particulier ceux de Bruce Lee, comme Enter the Dragon (1973), et de Jackie Chan, comme Drunken Master (1978), qui ont grandement influencé son travail ultérieur. Il a également cité les films de science-fiction Alien (1979) et Galaxy Quest (1999) comme des influences. Toriyama a déclaré avoir été influencé par l'animateur Toyoo Ashida et par l'adaptation en série télévisée de son propre Dragon Ball, qui lui a appris à séparer les couleurs plutôt que de les mélanger, ce qui rend l'art plus propre et les illustrations plus faciles à colorier.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 68 - HENRI CARTIER-BRESSON ( Chanteloup-en-Brie, France, 1908- Céreste, France, 2004). "Lincoln Kirstein regardant un cours de danse à la School of American Ballet, New York, 1959. Gélatine argentique. Tirage ultérieur. Signé à l'encre. Provenance : Galerie Alona Kagan, New York. Dimensions : 36,5 x 25 cm ; 40,3 x 30,7 cm (cadre). Cette photographie, dont le MoMA possède une reproduction de 1968 dans sa collection, représente le célèbre Lincoln Kirstein, écrivain américain, entrepreneur, philanthrope et figure culturelle de la ville de New York. Il est notamment connu pour être le cofondateur du New York City Ballet. Kirstein a développé et maintenu la compagnie grâce à ses talents d'organisateur et de collecteur de fonds pendant plus de quarante ans, dont il a été le directeur général de 1946 à 1989. Henri Cartier-Bresson était un artiste et un photographe humaniste français considéré comme un maître de la photographie et un utilisateur précoce de la pellicule 35 mm. Pionnier de la photographie de rue, il considérait la photographie comme la capture d'un instant décisif. Son premier grand voyage de reportage l'a conduit en Côte d'Ivoire en 1931. Les photographies de ses nombreux voyages ont rapidement trouvé une tribune dans les magazines et les expositions. Il acquiert également de l'expérience à New York auprès de Paul Strand. À la fin de l'été 1937, avant la bataille de Belchite, il se rend en Espagne avec Herbert Kline, ancien rédacteur en chef du magazine New Theater, et le caméraman Jacques Lemare pour tourner un documentaire sur l'American Medical Bureau pendant la guerre civile espagnole. Ils ont filmé à Villa Paz, l'hôpital des Brigades internationales à Saelices, non loin de Madrid, et sur la côte de Valence pour documenter le rétablissement des volontaires blessés dans les villas de Benicàssim. Ils visitent également la Brigade Abraham Lincoln à Quinto, près de Saragosse, et tournent le film Avec la Brigade Abraham Lincoln en Espagne. De 1937 à 1939, Cartier-Bresson est assistant réalisateur sur trois films de Jean Renoir, dont La Règle du jeu. En 1940, il passe près de trois ans comme prisonnier de guerre en Allemagne. Après avoir été considéré à tort comme mort à la guerre, le Museum of Modern Art de New York lui consacre une grande rétrospective "posthume" en 1947. La même année, il fonde avec Robert Capa, David Seymour et George Rodger l'agence Magnum Photos à New York, dans le but de préserver les droits des photographes.Cartier-Bresson est le premier photographe autorisé à exposer au Louvre, à Paris, en 1955. Ses photographies ont été rassemblées et publiées dans Images à la sauvette (1952), D'une Chine à l'autre (1968) et Moscou (1955), entre autres. Cartier-Bresson arrête la photographie professionnelle en 1972 et se consacre intensément à l'art du dessin. En 1974, il est élu membre de l'Académie américaine des arts et des sciences.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 69 - JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN (Barcelone, 1931 - 2005). Sans titre, 1956. Huile sur papier collé sur carton. Signée, datée et dédicacée dans le coin supérieur gauche. Dimensions : 50 x 64 cm ; 81 x 97 cm (cadre). Cette huile sur papier appartient à une période précoce de l'artiste où il s'intéressait à la simplification formelle, influencé à la fois par l'expressionnisme d'avant-garde et l'art roman. Joan Hernández Pijuan a commencé sa formation à Barcelone, où il a fréquenté les écoles des beaux-arts de La Lonja et de Sant Jordi, avant de terminer ses études à l'École des beaux-arts de Paris. Nommé professeur à la faculté des beaux-arts de Barcelone en 1981, Hernández Pijuan occupe une place unique parmi les artistes espagnols des dernières décennies. La force de son individualité créatrice le place en marge des tendances et des modes dominantes successives, mais n'empêche pas de reconnaître dans son œuvre une profonde identification avec les préoccupations esthétiques de son temps. Hernández Pijuan a commencé sa carrière en pratiquant un expressionnisme tragique à forte charge sociale, et c'est à cette époque qu'il a formé, avec les autres membres du groupe Sílex, ce que l'on appelle l'école de Barcelone. Dans les années soixante-dix, il simplifie son expression jusqu'à adopter la figuration géométrique, style qu'il abandonne au cours de la décennie suivante pour se consacrer à l'informalisme. En fait, l'intérêt et la fascination pour la carrière de ce peintre sont toujours aussi forts, et il fait l'objet de nouvelles expositions et de présentations publiques de son œuvre. De son vivant, il a présenté des expositions personnelles dans plusieurs villes espagnoles, ainsi qu'à Zurich, Milan, Johannesburg, Cologne, Genève, New York, Paris et Osaka, entre autres villes du monde. En 2003, il a fait l'objet d'une grande rétrospective au MACBA de Barcelone, qui a ensuite été présentée au Musée d'art et d'histoire de Neuchâtel (France), à la Konsthalle de Malmö (Suède) et à la Galleria Comunale d'Arte Moderna de Bologne (Italie). Même après sa mort, son œuvre a continué à être présentée au niveau international, comme en témoignent les expositions qui lui ont été consacrées à la Flowers Gallery de Londres (2006), aux Instituts Cervantes de New York, Chicago et Lisbonne (2007), au Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca (2008), à la Andres Thalmann Gallery de Zurich (2009), au Baukunst de Cologne (2010), à l'Altana Kulturstiftung de Bad Homburg (Allemagne, 2011) et au Museum of Modern Art de Moscou (2012), parmi beaucoup d'autres. Hernández Pijuan a été doyen de la faculté des beaux-arts de l'université de Barcelone et, en 2000, il a été nommé membre de la Real Academia de San Fernando à Madrid. En 1981, il a reçu le Premio Nacional de Artes Plásticas, en 1985 la Cruz de Sant Jordi et, en 2004, le prix de la ville de Barcelone. Il a également reçu le prix de la direction générale des beaux-arts à l'exposition nationale d'Alicante en 1957, le premier prix de peinture "Peintres résidents" à Paris (1958), le prix "Malibor" à la biennale de gravure de Ljubljana (1965), la biennale internationale de gravure de Cracovie (1966) et le prix éditorial "Vijesnik u Srijedu" à Zagreb (1970). Hernández Pijuán est représenté au MACBA, au musée d'art abstrait espagnol de Cuenca, au Reina Sofía de Madrid, au musée Patio Herreriano de Valladolid et au musée basque d'art contemporain, ainsi que dans des centres étrangers tels que le musée Guggenheim de New York, le Liaunig (Autriche), le musée d'art contemporain d'Helsinki, le musée des beaux-arts d'Helsinki (Finlande), le musée d'art contemporain d'Helsinki, le musée d'art contemporain d'Helsinki, le musée d'art contemporain d'Helsinki en Finlande, le musée des beaux-arts d'Helsinki en Finlande et le musée d'art contemporain d'Helsinki en Finlande, les musées d'art contemporain d'Helsinki et de Luxembourg, la Kulturstiftung de Bad Homburg (Autriche), la Yamaguchi Gallery d'Osaka (Japon), le Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, la Galerie nationale de Montréal, le musée d'art moderne de Buenos Aires et le musée Sztuki de Lodz (Pologne).

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 70 - YAYOI KUSAMA (Matsumoto, Japon, 1929) pour le MOMA, New York. "Arbres jaunes, 2018. Triptyque. Ensemble de 3 planches à roulettes. Édition limitée. Sérigraphie sur bois canadien. Avec cachets et copyright : MOMA © Yayoi Kusama, au verso. Dimensions : 80 x 60 cm. au total. Les pointillés rythmiques du "motif de l'arbre jaune" de Yayoi Kusama décorent ce triptyque de planches à roulettes réalisé par l'artiste en collaboration avec le MOMA. Le célèbre motif optique de l'arbre provient à l'origine de sa peinture "Yellow trees" (1994). Yayoi Kusama est une artiste et une écrivaine qui, tout au long de sa carrière artistique, a expérimenté et développé une grande variété de techniques artistiques, notamment la peinture, le collage, la sculpture, la performance et les installations, dont la plupart témoignent de son intérêt thématique pour le psychédélisme. Kusama est un précurseur du pop art, du minimalisme et des mouvements artistiques féministes et a influencé des artistes contemporains tels qu'Andy Warhol et Claes Oldenburg. Née à Matsumoto (Nagano) dans une famille de marchands de graines de la classe moyenne supérieure, Kusama a commencé à s'intéresser à l'art dès son plus jeune âge, ce qui l'a amenée à étudier le Nihonga (peintures de style japonais) à Kyoto en 1948. Frustrée par ce style japonais, elle s'intéresse à l'avant-garde américaine et européenne et organise plusieurs expositions personnelles de ses peintures à Matsumoto et à Tokyo au cours des années 1950. En 1957, elle s'installe aux États-Unis, à New York, où elle réalise une série de peintures influencées par l'expressionnisme abstrait. Kusama passe à la sculpture et à l'installation comme principaux moyens d'expression et devient une figure de l'avant-garde new-yorkaise avec ses œuvres exposées aux côtés d'Andy Warhol, de Claes Oldenburg et de George Segal au début des années 1960, lorsque l'artiste est associée au mouvement Pop Art. S'inscrivant dans l'essor de la contre-culture hippie de la fin des années 1960, Kusama s'est fait connaître du grand public en organisant une série de happenings au cours desquels des participants nus étaient peints avec des pois de couleurs vives. Elle est rentrée définitivement au Japon en 1973, où elle vit depuis lors dans un hôpital psychiatrique, où elle s'est engagée de son plein gré. Tout au long de sa carrière, Kusama a reçu d'importantes récompenses au Japon et à l'étranger, notamment l'Ordre français des Arts et des Lettres en 2003 et le Praemium Imperiale japonais en 2006, dans la catégorie peinture. Cette artiste a acquis une notoriété particulière pour ses installations avec des miroirs, des ballons rouges, des jouets et d'autres objets, au milieu desquels elle se mettait en scène. Ses œuvres de ces dernières années sont des peintures sur carton dans un style ingénu. Parmi les expositions les plus récentes consacrées à sa production figure la rétrospective complète que lui a consacrée le M.N.C.A. Reina Sofía, en collaboration avec la Tate Modern de Londres, en 2011, qui a ensuite voyagé à la même Tate, au Centre Georges Pompidou de Paris et au Whitney Museum de New York. Kusama est actuellement représentée au MoMA de New York, au Fukuoka Art Museum, à la National Gallery of Modern Art de Tokyo, à la Haus der Kunst de Munich, à l'Art Institute of Chicago et dans de nombreux autres musées et centres d'art à travers le monde.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 71 - JORGE OTEIZA ENBIL (Orio, Guipúzcoa, 1908 - San Sebastián, 2003). "Visitation de la Vierge à Sainte Élisabeth", 1973. Bronze. Signé sur la base et numéroté. Œuvre cataloguée dans Oteiza Propósit experimental ; Fundació Caixa de Pensions , 1988. Barcelone, p 84. (Fig. 3) Dimensions : 36 x 12 x 13 cm. Dans ce bronze, comme dans d'autres sculptures à thème religieux d'Oteiza, l'artiste parvient à transcender l'anecdote du passage biblique pour sauver une spiritualité ancrée dans la profondeur du temps. Il ouvre ici un lien entre le sacré chrétien et le sacré primitif. Dans cette œuvre, dotée d'une force visuelle et expressive saisissante, le contemporain se manifeste à travers une passion profonde pour la mystique ancestrale. Oteiza évoque la préhistoire basque pour doter ses sculptures de qualités mythiques. Les peurs et les désirs de l'homme primitif, ses croyances et ses espoirs, ne sont pas très différents des nôtres. Les deux figures semblent fusionner dans leur condition de femmes enceintes, portant en leur sein des promesses d'avenir. Les textures prennent du relief, les vides et les pleins dialoguent entre eux. Les deux femmes creusent leurs bras filiformes et étreignent leurs ventres en forme de ruban. Jorge Oteiza est l'un des artistes basques fondamentaux du XXe siècle et l'un des plus influents. Les échos de son œuvre sont perceptibles, des années cinquante à nos jours, dans le travail de nombreux sculpteurs, peintres et architectes. Autodidacte, Oteiza a commencé sa carrière en réalisant des sculptures dans l'orbite de l'expressionnisme ou du primitivisme initié par Gauguin, Picasso et Derain. Après un long séjour en Amérique du Sud, le sculpteur développe, tant sur le plan théorique que pratique, les fondements de son esthétique et fait émerger le sculpteur "naturel" qui est en lui, en prenant les mesures nécessaires pour devenir un artiste maître de ses mécanismes et de ses outils. Cette aventure intellectuelle se traduira par des textes tels que "Lettre aux artistes d'Amérique" (1944) ou "L'interprétation esthétique de la statuaire mégalithique américaine" (1952). Pendant ces années, il enseigne à l'École de céramique de Buenos Aires. À la fin des années quarante, il retourne en Espagne, et dans son œuvre, l'influence de la sculpture massive et monolithique subit un processus de dématérialisation. Au début des années cinquante, Oteiza se plonge dans une recherche abstraite et commence ce qu'il appelle son "But expérimental" (1955), expérimentant dans la lignée du constructivisme. En 1957, il présente son œuvre à la Biennale de São Paulo et reçoit le prix extraordinaire de sculpture. Deux ans plus tard, comprenant qu'il a atteint sa phase finale, Oteiza abandonne l'activité sculpturale. Dans les années soixante et soixante-dix, il se consacre à la recherche sur la langue basque et les manifestations populaires de son peuple. En 1988, il reçoit le prix Prince des Asturies pour les arts. Son œuvre est actuellement représentée dans la fondation du musée Jorge Oteiza à Alzuza, le centre national d'art Reina Sofía, le MACBA, le Guggenheim de Bilbao et de New York, les fondations Telefónica et Caixa Galicia et le musée Patio Herreriano de Valladolid, parmi d'autres collections publiques et privées.

Estim. 7 000 - 9 000 EUR

Lot 72 - JOSÉ-MARÍA CUNDÍN (Getxo, 1938). Sans titre. 1977. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur et au dos. Elle présente des défauts dans la couche picturale et des restaurations. Dimensions : 140 x 140 cm ; 154 x 154 x 3 cm (cadre). Différentes familles se réunissent pour célébrer un pique-nique. Le thème idyllique devient inquiétant et dérangeant, secoué par des couleurs raréfiées et des figures grotesques qui sont le résultat d'une utilisation audacieuse du dessin pour susciter des sentiments ambigus chez le spectateur. Le ton est satirique et irrévérencieux. La déformation des traits et la force subjuguante de ces êtres de chiffon semblent annoncer l'abstraction vers laquelle l'œuvre de l'artiste dérivera quelques années plus tard. Le parcours artistique de Cundín est marqué par une exploration continue de différents styles. À ses débuts, il s'oriente vers l'art figuratif, en se concentrant sur les portraits. Vers 1989, il change de cap et s'aventure dans l'abstraction. Dans sa phase abstraite, il revisite le concept du portrait en utilisant des blocs de couleur pour créer ce qu'il appelle des "portraits, autoportraits, antiportraits et pseudoportraits". Le peintre basque José-María Cundín a développé une carrière artistique qui s'étend sur plus de cinq décennies. Il est reconnu pour son style avant-gardiste particulier. Cundín a été formé à l'Institut des arts et métiers, à l'Académie syndicale des beaux-arts et au Musée des reproductions artistiques, tous situés à Bilbao. Peu après ses 18 ans, en 1956, Cundín entreprend un voyage à Bogota, en Colombie. C'est le début d'une période au cours de laquelle il organise ses premières expositions personnelles à Bogota, Medellín et Barranquilla. En 1958, il s'installe à New York et en 1964 à la Nouvelle-Orléans. Il a ensuite résidé à Folsom, en Louisiane. Tout au long de sa vie, Cundín a vécu et exposé ses œuvres dans différents endroits. Il a notamment vécu à Bilbao, Miami, Paris, Bruges (Belgique), Annapolis (Maryland), San Miguel de Allende et Mexico (Mexique). Dans les années 1970, il a passé beaucoup de temps à exposer et à enseigner dans ces deux dernières villes mexicaines. Il a participé à plus de 40 expositions personnelles et à de nombreuses expositions collectives. Ses œuvres ont été publiées dans de nombreux livres, magazines et revues littéraires, la plus récente ayant fait la couverture de The Southern Review. Les œuvres de Cundín font partie de collections permanentes prestigieuses, notamment le musée des beaux-arts de Bilbao, l'ARTIUM de Vitoria (Pays basque, Espagne), le musée d'art de la Nouvelle-Orléans, le musée d'Antioquia (Colombie) et l'université Johnson & Wales. Ses œuvres sont également recherchées par des collectionneurs privés et des entreprises du monde entier, et des pièces ont trouvé refuge au Pays basque (Espagne), en France, en Angleterre, en Allemagne, en Australie, au Canada, au Mexique, en Argentine, au Brésil et en Colombie.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 73 - MATTEO MAURO (Catane, Sicile, 1992). "Amours qui ne savent pas comment s'en sortir dans ce monde", 2020. Sculpture en bronze. Finition avec patine noire. Édition limitée à 25 exemplaires. Avec numéro de série. Certificat scellé joint. Dimensions : 25 x 10 x 10 cm. Matteo Mauro est un artiste multidisciplinaire. Il crée un large éventail d'œuvres d'art, telles que des sculptures, des peintures, de l'art vidéo, des installations et des pièces de réalité augmentée. Son processus artistique mélange des outils analogiques et numériques pour générer des œuvres d'art avec une sensibilité contemporaine distincte. L'artiste est né en Sicile, mais a vécu et voyagé dans de nombreux pays. Il a passé plus d'une décennie à Londres, où il a établi sa pratique artistique et où il vit encore aujourd'hui. Mauro a travaillé et étudié avec plusieurs designers influents, tels que Ron Arad et Isaie Bloch, et a enseigné la communication numérique aux universités LSBU et UCL de Londres. Mauro a reçu de nombreux prix pour son travail, notamment le Master of Art 2018 et le European Excellence of Arts and International Van Gogh Prize, décerné par Roy Dalí, fils de Salvador Dalí. Ses pièces ont été exposées dans plusieurs musées et galeries, tels que la Royal Academy of Arts, le Museo Marte, le Museo della Fabbrica, Le Salon des Indépendants au Grand Palais à Paris, Ing-Creatives à Dubaï, le Songyang Museum Contemporary Art, la Fondazione Museo Crocetti, tandis que certaines expositions sont prévues au Datong Art Museum et au MACAM Modern and Contemporary Art Museum dans un avenir proche. Matteo Mauro ne se contente pas de peindre ou de créer des œuvres d'art, il est également l'auteur du livre Inscripciones Micromegálicas (Inscriptions micromégaliques), distribué dans le monde entier. L'atelier de Matteo Mauro se trouve actuellement à Catane, en Italie.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 74 - GOTTFRIED HONEGGER (Zurich, 1917-2016). Sans titre. Résine époxy. Signé sur la base. Dimensions : 47 x 8 x 8 cm. Dans ses sculptures et ses peintures, Gottfried Honegger est resté fidèle aux postulats de l'"art concret", inventé par Theo van Doesburg en 1930. Dans l'œuvre que nous présentons ici, cette filiation est évidente : des formes géométriques issues de l'intuition, des aplats de couleurs qui répondent à des pigments purs. Cela répond à l'idée que les lignes, les volumes et les couleurs sont concrets en eux-mêmes et que l'abstraction doit se libérer de toute association symbolique avec la réalité. Gottfried Honegger était un artiste et collectionneur suisse. Il a étudié la vitrerie à l'école des beaux-arts de Zurich, où il a enseigné à partir de 1948. Il a d'abord travaillé dans le domaine du graphisme commercial. Entre 1955 et 1958, il a été directeur artistique chez Geigy. Il a vécu à New York de 1958 à 1960, où il a organisé sa première exposition. En 1961, il s'installe à Paris et se consacre à la peinture, en se concentrant sur l'exploration du cercle et du carré ; à partir de 1968, il se consacre à la sculpture. Honegger a également passé un certain temps au Texas, en tant qu'artiste en résidence à l'université de Dallas. Gottfried Honegger a été l'un des créateurs les plus originaux de l'art concret, reconnu tant aux États-Unis qu'en Europe. Il est l'auteur de nombreuses œuvres monumentales. Il a travaillé avec des variations sur le même thème : volume, structure, stèle.... Tout en conservant l'influence de l'art concret de Max Bill et de Lhose Richard, Honegger se tourne vers une certaine programmation mathématique verticale dans les années 1960 et 1970. L'utilisation de l'ordinateur lui permet de développer ses recherches plastiques. Il est décoré de l'Ordre des Arts et des Lettres sous la direction de Jack Lang au ministère français de la Culture ; en 1999, il devient membre de la Légion d'honneur. En 1990, il crée avec Sybil Albers l'Espace de l'Art Concret (Mouans-Sartoux) à partir de leurs collections. En 2015, le Centre Pompidou à Paris a consacré une rétrospective à cet artiste unique, dont les œuvres figurent dans les collections de plusieurs grands musées, dont le MoMA de New York.

Estim. 8 000 - 9 000 EUR

Lot 75 - DAMIEN HIRST (Bristol, Royaume-Uni, 1965). "Butterfly", 2009. Acrylique sur papier. Présente un tampon humide au dos et un tampon sec de l'auteur. Signé à la main par l'artiste au dos. Dimensions : 54 x 68,5 cm. Cette œuvre a été conçue pour l'exposition "Requiem", qui s'est tenue au PinchukArtCentre, à Kiev, en Ukraine, en 2009. L'exposition comprenait plus de 100 œuvres de l'artiste, telles que "A Thousand Years" (1990), "With Dead Head" (1991) et "Loving in a World of Desire" (1996). "Requiem" présentait la première exposition d'œuvres de la série de peintures à l'huile sur toile de Hirst, commencée en 2006. Deux éléments récurrents dans le travail de Hirst sont visibles dans cette œuvre, la technique de la peinture à l'essorage et la présence du papillon qui est un motif récurrent dans son œuvre. Damien Hirst est né à Bristol le 7 juin 1965, dans un environnement suburbain en proie à des problèmes économiques. Il n'a jamais connu son père biologique et sa mère a épousé un vendeur de voitures, qui les a quittés lorsque Hirst avait 13 ans. Sa mère, artiste amateur et chrétienne fervente, s'est occupée de lui, mais à cause de l'abandon de son père, il a dû être éduqué à la base, ce qui est peut-être la principale raison pour laquelle Damien Hirst affirme que l'art n'a pas de classe. Il a suivi une formation à l'université de Leed tout en combinant ses études avec un emploi à la morgue locale, qu'il a ensuite abandonné pour s'installer à Londres. Pendant ce temps, il travaille dans le bâtiment et postule à diverses écoles d'art telles que St Martins ou la faculté du Pays de Galles. Il est finalement accepté au Golsdmiths College qui, à l'époque, en raison de la récession économique en Angleterre, est une école qui attire des étudiants brillants et des professeurs créatifs. Pendant ses études, Hirst finance ses dépenses en travaillant sur des enquêtes téléphoniques, une cause directe de sa capacité à simuler n'importe quelle émotion au téléphone. Pendant ses études, il travaille également chez McDonald's et à temps partiel à la galerie Anthony D'Ofray, où il apprend les mécanismes du marché de l'art. Dès sa deuxième année d'études, Hirst acquiert le rôle d'artiste et de conservateur, et parvient à réaliser une exposition qui changera le cours de l'art britannique, c'est sa première exposition solo à seulement 26 ans. Quatre ans plus tard, en 1995, il remporte sa deuxième nomination au Turner Prize pour Mother and Child. À 32 ans, la galerie Larry Gagosian lui offre une grande rétrospective, à l'issue de laquelle il déclare qu'il n'a plus d'endroit où exposer, qu'il a tout fait et trop vite. Très vite, les médias le baptisent du nom de Hooligan Genius. Bien qu'il soit devenu millionnaire à l'âge de 40 ans, l'hypersensibilité de Hirst est devenue suspecte ; enveloppé d'une aura de romantisme, il a donné l'impression qu'il était simple de révolutionner le monde de l'art. À plusieurs reprises, il a reconnu son désir de célébrité et, face aux critiques, il s'est défendu avec des phrases telles que "ils ne pouvaient pas s'avouer qu'ils voulaient être célèbres et qu'ils en voulaient à ceux qui ne l'étaient pas" ou "je pense que mon désir était d'être plus célèbre que riche, je pense que le désir de créer de l'art et d'être célèbre est comme le désir de vivre éternellement deux obsessions : la mort et la célébrité". Les œuvres de Damien Hirst se trouvent au MoMA de New York, à la Tate Gallery et au Victoria & Albert Museum de Londres, au Palazzo Gras de Venise, au Kunstmuseum Wolfsburg (Allemagne), au Hirshhorn de Washington D.C. et à la Neu Galerie de Graz (Autriche), parmi d'autres importantes collections publiques et privées. Présente un cachet humide au dos et un cachet sec de l'auteur.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 76 - PETER PHILLIPS (Royaume-Uni, 1939). "Sans titre", 1979-80. Collage et techniques mixtes sur papier. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 75 x 55 cm ; 85 x 65 cm (cadre). Peter Phillips était l'un des représentants les plus remarquables du Pop Art européen. Cette peinture sur papier est représentative d'une certaine dérive vers l'abstraction et la fragmentation iconique qui s'est opérée dans son œuvre dans les années 1970 et 1980, avec l'utilisation du collage. Il a étudié au Birmingham College of Art et au Royal College of Art (RCA). Il s'est imposé comme l'une des figures de proue du Pop Art britannique dans les années 1960, avec plusieurs de ses condisciples du RCA, dont Derek Boshier, David Hockney, Allen Jones et R. B. Kitaj. Lorsqu'il obtient une bourse Harkness en 1964, il s'installe à New York, où il expose aux côtés de ses contemporains américains Andy Warhol, Roy Lichtenstein et James Rosenquist. Il y absorbe rapidement les traits de la culture de la jeunesse américaine : glamour, énergie et sexualité. La série de sérigraphies PNEUmatics en est le reflet. Il y exploite les connaissances acquises à l'école et donne aux impressions un aspect délibérément machinal, semblable à celui de la production artistique commerciale. Philips est ensuite retourné en Europe. Son œuvre, qui va de la peinture à l'huile conventionnelle sur toile aux compositions multimédias, aux collages, à la sculpture et à l'architecture, s'est toujours distinguée par l'emploi de couleurs vives et l'utilisation sans discernement de toutes sortes d'icônes. Il organise ses peintures sur la base de structures régulières et de treillis. Dévoreur d'icônes, ses toiles vont des images typiques des médias de masse aux représentations pseudo-scientifiques les plus colorées. Phillips décrit ses peintures comme des "assemblages multiples de facteurs spatiaux, iconographiques et techniques". Il a déclaré qu'ayant grandi avec la publicité et la communication de masse, il utilisait ces images "sans arrière-pensée". Les citations de l'histoire de l'art et de la botanique, de la bande dessinée et du cinéma, encadrent le tableau dans le tableau de manière très détaillée. Parfait fabricant du "ready-made" en peinture, cet artiste le recrée en réutilisant ses représentations les plus célèbres et en les plaçant dans un nouveau contexte. Son travail est représenté dans d'importantes collections à travers le monde. Il vit actuellement en Australie, où il continue de peindre et d'exposer.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 77 - PETER PHILLIPS (Royaume-Uni, 1939). "Aborigène", 1980. Collage et techniques mixtes sur papier. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 75 x 55 cm ; 85 x 65 cm (cadre). Peter Phillips était l'un des représentants les plus remarquables du pop européen. "Aboriginal" (tableau dont il a fait plusieurs versions) est représentatif d'une certaine dérive vers l'abstraction et la fragmentation iconique qui s'est produite dans son œuvre dans les années 1970 et 1980, avec l'utilisation du collage. Il a étudié au Birmingham College of Art et au Royal College of Art (RCA). Il s'est imposé comme l'une des figures de proue du pop art britannique dans les années 1960 avec plusieurs de ses condisciples du RCA, dont Derek Boshier, David Hockney, Allen Jones et R. B. Kitaj. Lorsqu'il obtient une bourse Harkness en 1964, il s'installe à New York, où il expose aux côtés de ses contemporains américains Andy Warhol, Roy Lichtenstein et James Rosenquist. Il y absorbe rapidement les traits de la culture de la jeunesse américaine : glamour, énergie et sexualité. La série de sérigraphies PNEUmatics en est le reflet. Il y exploite les connaissances acquises à l'école et donne aux impressions un aspect délibérément machinal, proche de la production artistique commerciale. Philips est ensuite retourné en Europe. Son œuvre, qui va de la peinture à l'huile conventionnelle sur toile aux compositions multimédias, aux collages, à la sculpture et à l'architecture, s'est toujours distinguée par l'emploi de couleurs vives et l'utilisation sans discernement de toutes sortes d'icônes. Il organise ses peintures sur la base de structures régulières et de treillis. Dévoreur d'icônes, ses toiles vont des images typiques des médias de masse aux représentations pseudo-scientifiques les plus variées. Phillips décrit ses peintures comme "de multiples ensembles de facteurs spatiaux, iconographiques et techniques". Il a déclaré qu'ayant grandi avec la publicité et la communication de masse, il utilisait ces images "sans arrière-pensée". Des citations tirées de l'histoire de l'art et de la botanique, de la bande dessinée et du cinéma, encadrent, dans les moindres détails, la peinture dans la peinture. Parfait fabricant du "ready-made" en peinture, cet artiste le recrée, en réutilisant ses représentations les plus célèbres et en les plaçant dans un nouveau contexte. Son œuvre est représentée dans d'importantes collections à travers le monde. Il réside actuellement en Australie, où il continue de peindre et d'exposer. Taches de rouille dans les marges.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 78 - EVA MONTORO PERICAS (Madrid, 1968). "Eunice", 2021-2022. Bronze patiné. Exemplaire P. A. Signé et daté au dos. Dimensions : 54 x 44 x 37 cm. Pour reprendre les mots de l'artiste à propos de cette œuvre, "La figure de Nina Simone, née Eunice Kathleen Waymon, est profondément marquée par la dualité entre ses aspirations musicales et les attentes imposées par son environnement. La représenter avec un microphone sur la tête, le câble enroulé autour d'elle, symbolise cette fusion entre son identité de pianiste et son parcours inévitable vers le monde du chant, un parcours qui l'a en quelque sorte piégée et enveloppée. Le microphone devient ainsi le symbole de son destin, de la façon dont son talent a été façonné et orienté par des forces extérieures, et de la façon dont cette pression l'a amenée à assumer un rôle qu'elle n'avait peut-être pas cherché à jouer au départ. Cette image reflète la complexité de sa trajectoire, sa lutte interne entre la poursuite de ses passions musicales et la satisfaction des attentes de son mari et de l'industrie musicale. Grâce à ce symbolisme visuel, elle capture l'essence de son expérience en tant qu'artiste, marquée par la tension entre les désirs personnels et les exigences extérieures". Eva Montoro a commencé sa formation artistique en 1984, en étudiant à l'École des arts appliqués et des métiers artistiques de Madrid. En 1988, elle entre à la faculté des beaux-arts de l'université Complutense de Madrid, où elle se spécialise en design graphique. Entre 1991 et 1993, il poursuit sa formation à l'École des arts appliqués et des métiers artistiques de Madrid, où il suit des cours de story-board et d'écriture de scénario, ainsi que de conception graphique assistée par ordinateur. En 1995, il se spécialise dans la sculpture, où il découvre sa véritable vocation. vocation. En 1992, il réalise sa première exposition universitaire dans le hall de la faculté, en 1993 la deuxième, dans la même salle et à la mairie de Ciudad Real. La même année, il commence à travailler dans le studio d'illustration Tango et Gandolfi, qui se consacre à l'illustration de livres sous licence de Walt Disney. En 1994, il expose à nouveau ses œuvres à la galerie Lisboa de Madrid. En 1999, elle participe à un concours décisif pour le début de sa carrière de sculpteur, organisé par la municipalité de Leganés, à Madrid. Ce concours lui a permis d'obtenir plusieurs contrats pour des travaux publics.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 79 - KEITH HARING (Pennsylvanie, 1958- New York, 1990). "Journée internationale des volontaires", 1988. Lithographie sur papier Arches. Exemplaire 198/1000. Certificat joint, délivré par la Fédération mondiale des Nations unies. Encadré dans un verre de musée. Présente des timbres secs d'Emiliano Sorini Studio de New York et de la Fédération mondiale des Nations unies. Signée et numérotée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 28,5 x 21,7 cm ; 42 x 48,5 cm (cadre). International Volunteer Day 1988 est une lithographie de Keith Haring en édition limitée à 1000 exemplaires. Cette lithographie a été créée pour célébrer l'instauration de la Journée internationale des volontaires, proclamée par les Nations unies pour être célébrée chaque année le 5 décembre. Adoptée par les Nations unies pour célébrer la contribution des volontaires et leur rôle dans la concrétisation de la paix et du développement durable, la philosophie de cette journée correspond tout à fait à l'approche de la vie de Keith Haring. Dès le début de sa carrière, il a été un fervent activiste social, parfaitement conscient des questions politiques qui entourent son travail. L'estampe, publiée à l'origine par la Fédération mondiale des associations pour les Nations unies à New York, montre une image abstraite de deux têtes avec deux grands bras dans une composition symétrique aux couleurs vives, témoignant de l'esprit de collaboration et d'ouverture qui caractérise l'œuvre de Haring. Considéré comme la figure de proue de l'art urbain des années 1980, Haring a connu une carrière professionnelle fulgurante, qui l'a conduit à devenir un collègue de Warhol et une superstar des médias, en commençant par son travail dans le métro de New York. L'énorme popularité de l'œuvre urbaine de Haring auprès de la population new-yorkaise a immédiatement attiré l'attention de l'establishment artistique. Andy Warhol l'adopte dans son cercle et le galeriste Tony Shafrazi, alors débutant, organise pour lui une exposition solo retentissante en 1982, qui sera la rampe de lancement de son succès irrésistible. Il expose bientôt ses œuvres à la galerie de l'influent Leo Castelli et s'impose comme une star de l'art professionnel. Keith Haring est un artiste américain dont le pop art et les graffitis sont nés de la culture de la rue à New York dans les années 1980. L'œuvre de Haring a gagné en popularité grâce à ses dessins spontanés réalisés à la craie dans le métro de New York sur des fonds d'espaces publicitaires en noir et blanc. Par la suite, il a souvent abordé des questions politiques et sociales, en particulier l'homosexualité et le sida, à travers sa propre iconographie. Aujourd'hui, les œuvres de Haring sont réparties entre de grandes collections privées et publiques, notamment le Museum of Modern Art et le Whitney Museum of American Art à New York, le Los Angeles County Museum of Art, l'Art Institute of Chicago, le Bass Museum à Miami, le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, le Ludwig Museum à Cologne et le Stedelijk Museum à Amsterdam. Il a également créé une grande variété d'œuvres publiques, notamment l'infirmerie du Children's Village à Dobbs Ferry (New York) et la salle des hommes du deuxième étage du Lesbian, Gay, Bisexual & Transgender Community Center à Manhattan, qui a ensuite été transformée en bureau et est connue sous le nom de Keith Haring Room. En janvier 2019, une exposition intitulée "Keith Haring New York" a été inaugurée à la New York Law School dans le bâtiment principal de son campus de Tribeca. Certificat ci-joint délivré par la Fédération mondiale des Nations unies. Encadré dans un verre de musée.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 80 - LUIS GORDILLO (Séville, 1934). "Composition", 1980. Technique mixte sur carton collé. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 72 x 101 cm ; 75 x 103 cm (cadre). Dans cet ensemble prédomine l'idée d'une figuration décomposée, fragmentée et réinterprétée, qui incite l'œil du spectateur à parcourir les vignettes sans ordre, en regardant indistinctement vers un endroit ou un autre. Dans ce travail, l'artiste utilise la ressource de la répétition, composant un sens rythmique de la scène. "Gordillo considère que l'image est soumise à un processus continu de reproduction et qu'elle n'atteint jamais un état définitif. D'autre part, après la découverte et la pratique de la psychanalyse, il a introduit dans son œuvre l'intérêt pour les significations et le lien entre le monde de la pensée." Luis Gordillo est l'une des principales figures de l'art abstrait en Espagne. Après des études de droit et de musique, il entre à l'École des beaux-arts de Séville. Entre 1958 et 1960, il vit à Paris, où il fait connaissance avec un milieu artistique et culturel plein de liberté qui l'influence profondément. Ses premiers travaux s'inscrivent dans les registres de l'informalisme, suivant les lignes directrices de Michaux, Tapies, Millares, Wols, etc. Plus tard, il évoluera vers l'esthétique pop, dont il est l'un des pionniers en Espagne. Plus tard, Gordillo ajoutera à son style particulier la recherche technologique, la transformation des images dans les médias et la création photographique. Tout au long de sa carrière, Gordillo a été confronté à un dilemme très accentué entre un travail très direct et expressif et, d'autre part, la réalisation d'un travail très contrôlé, très propre et perfectionniste dans lequel les techniques mécaniques telles que l'offset, la photographie et, plus récemment, l'ordinateur ont exercé une influence depuis les années 70. L'élément linéaire, le mélange de techniques mécaniques telles que l'offset, la photographie et plus récemment l'ordinateur. L'élément linéaire, le mélange des techniques et l'inclusion d'éléments graphiques symboliques, tels que les lettres, sont d'une importance considérable, se rapprochant de l'informalisme. Jouissant d'un grand prestige international, il a reçu le prix national des arts plastiques (1981), la médaille d'or du mérite des beaux-arts (1996), la médaille d'or du cercle des beaux-arts de Madrid (2004) et le prix Vélasquez des arts plastiques (2007). Il a également été distingué en 2008 de l'Ordre de Chevalier des Arts et des Lettres de France par le Ministère français de la Culture et de la Communication. Il a exposé individuellement dans le monde entier et est représenté au musée Reina Sofía de Madrid, au MACBA de Barcelone, à la fondation Juan March, à l'ARTIUM de Vitoria, au musée Patio Herreriano de Valladolid, à la fondation Gulbenkian de Lisbonne, au musée Folkwag d'Allemagne, etc.

Estim. 12 000 - 14 000 EUR

Lot 81 - JEAN TINGUELY (Suisse, 1925 -1991). Sans titre, 1972. Technique mixte sur papier. Signé, daté et inscrit. Taches sur le passepartout et dans les marges de l'œuvre. Dimensions : 35 x 25 cm ; 48 x 37,5 cm (cadre). Si quelque chose caractérise l'œuvre sur papier de Jean Tinguely, c'est bien le mouvement, le hasard et l'utilisation de matériaux quotidiens dispersés intuitivement sur sa surface. Tout au long de sa carrière d'artiste, Jean Tinguely a envoyé des centaines de messages illustrés à ses amis et collègues du monde de l'art. Toutes ces missives ont un point commun : elles ont été écrites là où l'artiste se trouvait - dans son atelier, dans un musée ou une galerie, dans sa cuisine, dans un restaurant ou même sur le sol de sa maison. Elles ont toutes été créées de manière totalement intuitive, guidées par le subconscient et indépendamment du lieu ou du moment de leur création. Tinguley lui-même acquiesce : "Je dessine beaucoup de choses, tout comme je griffonne en parlant au téléphone. En même temps, je transforme systématiquement ce genre de dessins en messages à mes amis, en lettres, etc. Le peintre et sculpteur suisse a été, pendant plus de 30 ans, une figure clé du mouvement d'avant-garde européen. Il était connu pour ses "machines-sculptures" ou son art cinétique, enraciné dans la tradition Dada. Il a appliqué le terme de méta-mécanique à ses créations. Comme dans le reste de ses œuvres cinétiques, son but était de donner au spectateur un spectacle de déplacement, ou du moins l'illusion d'un déplacement. Les œuvres mobiles de Jean Tinguely ont été créées pour se détruire ou s'autodétruire, dans le but de satiriser la surproduction de biens insignifiants fabriqués par la société industrielle avancée. Après s'être tourné vers la peinture abstraite, l'artiste suisse a expérimenté le mouvement comme forme d'expression. Ses premières œuvres, exposées à Paris, étaient mues par des moteurs électriques. Ces pièces monumentales dépeignent un univers ironique de machines inutiles qui, semble-t-il, produisent. "Le concept est de montrer qu'une œuvre d'art n'est jamais un objet définitif, mais que ses capacités créatrices sont, en vérité, le potentiel que lui donnent l'artiste et les spectateurs. Il travaille également sur des œuvres ready-made, se rapprochant des Nouveaux Réalistes de New York et des artistes de l'assemblage. Sa production, qui aborde tous les thèmes qui intéressent les artistes de sa génération, lui vaut une place importante dans le Paris de l'après-guerre, une figure de proue de l'envergure d'Yves Klein. Jean Tinguely est actuellement représenté dans les plus grands musées du monde, dont le Musée Tinguely de Bâle, en Suisse, consacré à la vie et à l'œuvre du peintre, la Tate Modern de Londres, le Metropolitan Museum of Art de New York et le Museo Reina Sofía.

Estim. 8 000 - 9 000 EUR

Lot 82 - JEAN TINGUELY (Suisse, 1925 -1991) Sans titre, 1987. Technique mixte et collage sur papier. Signé et daté dans la marge inférieure. Dédié à Madame Theler. Dimensions : 41,5 x 29,5 cm ; 53,5 x 40,5 cm (cadre). À partir de 1973, Jean Tinguely réalise une série de lettres/collages adressés à de grandes personnalités de la vie artistique de notre siècle. Parmi les destinataires de ses lettres figurent le chef d'orchestre Paul Sacher et son épouse Maja Sacher, mécène de l'art contemporain. La lettre/collage présentée ici est adressée à Madame Theler, membre d'une des familles suisses les plus puissantes de l'histoire récente du pays, et révèle le caractère avant-gardiste qui a déterminé la production de Tinguely, étroitement liée à l'art cinétique et au ready-made. À l'instar de ses célèbres sculptures-machines, l'œuvre de Tinguely fait la satire de la surproduction insensée de biens matériels par la société industrielle avancée. Le peintre et sculpteur suisse a été, pendant plus de 30 ans, une figure clé du mouvement d'avant-garde européen. Il était connu pour ses "machines-sculptures" ou son art cinétique, enraciné dans la tradition Dada. Il a appliqué le terme de méta-mécanique à ses créations. Comme dans le reste de ses œuvres cinétiques, son but était de donner au spectateur un spectacle de déplacement, ou du moins l'illusion d'un déplacement. Les œuvres mobiles de Jean Tinguely ont été créées pour se détruire ou s'autodétruire, dans le but de satiriser la surproduction de biens insignifiants fabriqués par la société industrielle avancée. Après s'être tourné vers la peinture abstraite, l'artiste suisse a expérimenté le mouvement comme forme d'expression. Ses premières œuvres, exposées à Paris, étaient mues par des moteurs électriques. Ces pièces monumentales dépeignent un univers ironique de machines inutiles qui, semble-t-il, produisent. "Le concept est de montrer qu'une œuvre d'art n'est jamais un objet définitif, mais que ses capacités créatrices sont, en vérité, le potentiel que lui donnent l'artiste et les spectateurs. Il travaille également sur des œuvres ready-made, se rapprochant des Nouveaux Réalistes de New York et des artistes de l'assemblage. Sa production, qui aborde tous les thèmes qui intéressent les artistes de sa génération, lui vaut une place importante dans le Paris de l'après-guerre, une figure de proue de l'envergure d'Yves Klein. Jean Tinguely est actuellement représenté dans les plus grands musées du monde, dont le Musée Tinguely de Bâle, en Suisse, consacré à la vie et à l'œuvre du peintre, la Tate Modern de Londres, le Metropolitan Museum of Art de New York et le Museo Reina Sofía.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 83 - JOSEP GUINOVART (Barcelone, 1927 - 2007). Sans titre, années 70. Technique mixte (huile, tissus, argile et divers éléments matériels) sur panneau. Encadré dans une boîte en méthacrylate fabriquée par l'auteur. Signé au dos. Dimensions : 103 x 207 x 15 cm. Au milieu des années 70, Guinovart a commencé à s'intéresser à la recherche sur la projection tridimensionnelle de ses œuvres. À la suite de cette étude, il a réalisé différentes séries, conçues comme des boîtes, situées au seuil entre la sculpture et la peinture. Dans la peinture de Guinovart, les aspects de sa biographie liés aux difficultés de la guerre civile ont toujours eu une empreinte indélébile. Les matériaux organiques qu'il incorpore dans ses œuvres, non seulement dans sa période informelle, mais aussi dans des tableaux plus tardifs comme celui qui nous occupe, répondent à la persistance dans sa mémoire de ce qu'a signifié l'émigration avec sa famille dans une petite ville de Lleida pour se mettre à l'abri de la guerre. Les produits et les ustensiles de la terre seront traités comme des symboles de résilience et d'espoir dans des contextes défavorables. En même temps, l'expérimentation de ces éléments extra-artistiques lui donnera une place de choix au sein de l'informalisme de la matière. Josep Guinovart a été formé à l'Escuela de Maestros Pintores, à l'Escuela de Artes y Oficios et dans les classes de la FAD. Il a exposé individuellement pour la première fois dans les galeries Syra de Barcelone en 1948. Il acquiert immédiatement un solide prestige, collabore avec Dau al Set et participe aux salons October, Jazz et Eleven. Dans les années cinquante, grâce à une bourse, il vit à Paris, où il se familiarise avec l'œuvre de Cézanne et de Matisse, qui, avec Miró et Gaudí, seront ses influences les plus importantes. En 1955, il forme avec Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies et Tharrats le groupe Taüll, qui réunit les artistes d'avant-garde de l'époque. Vers 1957, il entame une tendance informelle et abstraite, avec une forte présence matérielle, tant par l'incorporation d'éléments et d'objets divers (bois brûlé, boîtes, déchets) que par l'application de techniques telles que le collage et l'assemblage. À partir des années 1960, il s'éloigne de la poétique informelle et commence à créer des œuvres pleines de signes et de gestes, qui contiennent une forte charge expressive dans les lignes et les couleurs. Dans les années soixante-dix, il utilise systématiquement des matériaux tels que le sable, la terre, la boue, la paille ou le fibrociment et, au cours de la décennie suivante, il se concentre sur l'expérimentation de la projection tridimensionnelle de ses œuvres, qui prend la forme de la création d'environnements ou de milieux spatiaux, comme celui intitulé Contorn-extorn (1978). La production artistique de Guinovart est très variée : peintures murales, décors de théâtre, comme celui réalisé pour les Noces de sang de Federico García Lorca, illustrations de livres, conception d'affiches, tapisseries et sculptures. Il a participé aux biennales de São Paulo (1952 et 1957), d'Alexandrie (1955) et de Venise (1958, 1962 et 1982), et a reçu plusieurs prix, dont celui de la ville de Barcelone en 1981, le prix national des arts plastiques en 1990 et le prix des arts plastiques de la Generalitat en 1990. En 1994, l'Espace Guinovart a été inauguré à Agramunt, Lérida, une fondation privée qui présente une exposition permanente de l'artiste. Il est représenté dans les musées d'art contemporain de Barcelone, Madrid et Mexico, au musée de la sculpture en plein air de Santa Cruz de Tenerife, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, au Museo de Bellas Artes de Bilbao, au Museo San Telmo de San Sebastián, le Museo Eusebio Sempere à Alicante, le Museo de Navarra à Tafalla, la Casa de las Américas à La Havane, le Bocchum Museum en Allemagne, le Museo de Bellas Artes à Long Island, New York, et le Museo Patio Herreriano à Valladolid.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 84 - JOAN BROSSA CUERVO (Barcelone, 1919 - 1998). "La lecture". 1989 Poème-objet. Signé. Édition limitée. Dans une urne en méthacrylate. Elle fait partie d'importantes collections de musées, comme la collection MACBA, à Barcelone. Dimensions : 9 x 63 x 32 cm. Joan Brossa, grand créateur de poèmes visuels, déploie devant le spectateur des questions ou des messages dont le déchiffrage nécessite plusieurs clés. Face à un livre ouvert et à un masque noir perché sur ses pages blanches, notre imagination s'active à la recherche de métaphores qui associent la lecture à la liberté d'interprétation, à la fantaisie et à l'irrévérence des carnavals, nous ouvrant ainsi à de nouvelles façons de penser et de percevoir la réalité. Il nous encourage à être des lecteurs actifs, de sorte que l'œuvre peut également être un avertissement pour ceux qui consomment l'information avec un esprit fermé, se limitant à voyager le long des chemins connus. Chaque livre est une fenêtre sur le monde. Brossa était un poète pour qui il n'y avait pas de distinction de genre (littéraire, scénique, visuel, objectuel...), qui a commencé à écrire pendant la guerre civile. Cofondateur de "Dau al Set" avec Ponç, Tàpies, Ciuxart et Tharrats, il a reçu tout au long de sa carrière la Lletra d'Or de la ville de Barcelone, la médaille Picasso de l'UNESCO, le prix national des arts plastiques, la médaille d'or du mérite des beaux-arts et le prix national du théâtre de la Generalitat. Dans toute son œuvre, on retrouve le concept de l'art en tant que visualité, en tant que spectacle. Sa poésie visuelle et ses affiches constituent la partie la plus connue de son œuvre, au point que Brossa est devenu une référence mondiale dans ce domaine. À partir des années soixante-dix, il manipule des objets pour en approfondir le sens ou pour en représenter le concept nu, à travers des objets quotidiens et des poèmes. Toute la poésie de Brossa est pleine de références à la visualité, et c'est peut-être pour cette raison qu'il est également entré dans le monde de l'art plastique. Dès ses débuts, en 1941, Brossa crée des poèmes visuels de type calligramme. Son premier objet, "Escorça", véritable objet trouvé, date de 1943. Et 1951 est le premier objet réalisé expressément, à partir de l'association de deux réalités éloignées (en l'occurrence un marteau et une lettre composée de deux autres). Mais c'est à partir de 1959 que le poète intensifie ses recherches visuelles avec les "Suites de poésie visuelle". Dans ces fragiles compositions se trouvent déjà en germe nombre des futurs poèmes visuels. C'est au cours des années soixante et, plus particulièrement, au cours des années soixante-dix, que les poèmes et objets visuels les plus connus de Brossian ont été conçus puis publiés. Leur sujet sera le même que celui des poèmes : dénonciation sociopolitique, réflexion sur le sens des mots et des choses, jeux surprenants, etc. Mais le matériau ne sera plus seulement des mots, mais des lettres et d'autres éléments chers à Brossa comme Fregoli, le carnaval, les tours de passe-passe, etc. C'est à partir de l'exposition à la Fondation Miró de Barcelone en 1986, "Joan Brossa o les paraules són les cosas", et de l'anthologie au MNCA Reina Sofia en 1991, que le poète commence à être reconnu dans le pays et dans le monde entier. Cela lui permet de réaliser une série de projets plus complexes, qui se traduisent par des installations et ce qu'il appelle des poèmes corporels, ou des interventions sur des espaces urbains.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 85 - RAFAEL CANOGAR GÓMEZ (Tolède, 1935). Composition'.1971 Peinture sur bois et assemblage métallique. Signée et datée au dos. Œuvre référencée dans le catalogue en ligne de l'artiste nº 1971038. Dimensions : 35 x 54 x 14 cm. À l'aube des années soixante-dix, dans les derniers moments du franquisme, Rafael Canogar surprend le monde de l'art international avec des compositions singulières réalisées dans des techniques mixtes et des langages hybrides où la force des foules est revendiquée avec une ferveur plastique. Bastonnades, arrestations, punitions, manifestations... s'expriment dans une dramaturgie universelle de la résistance face à l'injustice. Tout cela résonne dans cet assemblage sur peinture, où des groupes humains humbles et anonymes s'agglutinent et s'unissent. Ils expriment à la fois la fragilité et la force. Les poings levés et les deux doigts de la victoire traduisent une symbolique gestuelle combative. Rafael Canogar a suivi une formation auprès du peintre Daniel Vázquez Díaz entre 1949 et 1954. Au cours de ces années, il travaille dans la lignée de l'avant-garde, s'orientant bientôt vers l'abstraction. Cofondateur du groupe "El Paso" en 1957, il développe dans les années cinquante une œuvre totalement informelle qui, dans les années soixante, évolue vers une figuration narrative de plus en plus complexe. À partir des années 1960, il acquiert une reconnaissance internationale en tant que professeur invité au Milles College en Californie pour enseigner le cours d'art en 1965-1966, et en tant qu'artiste invité au Tamarind Lithography Workshop à Los Angeles en 1969. Entre 1972 et 1974, il a également été invité par le D.A.A.D. de Berlin en tant qu'artiste en résidence. Pendant sa période de maturité, à partir de 1975, Canogar invente une nouvelle iconographie, propre et personnelle, qu'il exprime à travers le masque, la tête, le visage, comme une représentation de l'homme qui perd son individualité et devient un signe plastique. Son œuvre est également reconnue en Espagne et, dans les années 1980, il est membre du conseil consultatif de la direction générale des beaux-arts du ministère de la culture, du conseil d'administration du musée national d'art contemporain de Madrid et du conseil d'administration du patrimoine national. Tout au long de sa carrière, Canogar a organisé d'innombrables expositions individuelles et collectives. Parmi ses expositions personnelles, plusieurs ont été des rétrospectives : Museo Nacional de Arte Contemporáneo et Biblioteca Nacional de Madrid, Musée d'Art Moderne de la Villa de Paris, Sonia Heine Foundation à Oslo, Konsthalle de Lund en Suède, Paris Art Center, Bochum Art Museum en Allemagne, Istituto di Storia dell'Arte de Parma, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Fundación Casa del Cordón de Burgos, Museo de Santa Cruz de Toledo, Museo Reina Sofía à Madrid, etc. Canogar a donné des ateliers et des conférences dans plusieurs pays d'Europe et d'Amérique, et a participé à des jurys de prix internationaux et de biennales. Il a également reçu divers prix et distinctions, dont le Grand Prix de la Biennale de São Paulo (1971), le Grand Prix de la Triennale internationale de peinture de Sofia (1982), le Prix national des arts plastiques de Madrid (1982), etc. Il a également été nommé Chevalier de l'Ordre des Arts et Lettres de France, a reçu l'Encomienda de l'Orden de Isabel la Católica, est membre numérique de l'Academia de San Fernando et Docteur Honoris Causa de l'U.N.E.D. Canogar est actuellement représenté dans les plus importantes collections d'art moderne du monde, telles que le Museo Reina Sofía, le MoMA de New York, la Neue Nationalgalerie de Berlin, le Carnegie Museum de Pittsburgh, le Museo Rufino Tamayo de Mexico et l'Art Institute de Chicago, parmi beaucoup d'autres.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 86 - JAUME PLENSA (Barcelone, 1955). Sans titre, 1987. Technique mixte sur papier. Signé. Présente des dommages dans le cadre. Dimensions : 45 x 45 cm ; 87 x 87 cm (cadre). Dès le début de sa carrière, Jaume Plensa a manifesté un intérêt inconditionnel pour l'exploration de la condition humaine à travers son art plastique. Tout au long des années quatre-vingt, les représentations schématiques de personnages comme celui qui nous occupe sont fréquentes, décrites avec très peu de traits mais capables de transmettre des émotions et une certaine idée de la vulnérabilité. Dans ces premières œuvres, Plensa s'abreuve de manière distante aux sources expressionnistes et cubistes. Cependant, Plensa se distingue déjà par une personnalité très marquée dans des portraits comme celui-ci, où outre le trait, le support et ses textures contribuent également à éveiller en nous l'empathie et l'émotion. Jaume Plensa a étudié à la Escuela de La Llotja et au Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, tous deux à Barcelone. Il a excellé dans la sculpture, le dessin et la gravure. Son travail se concentre sur la relation entre l'homme et son environnement, questionnant souvent le rôle de l'art dans la société et la position de l'artiste. Il vit actuellement à Paris et a récemment reçu un doctorat honorifique de l'École de l'Institut d'art de Chicago. Plensa a commencé sa carrière en travaillant avec du fer forgé mélangé à du polyester. Entre 1983 et 1984, il commence à mouler le fer avec la technique de la fonte et développe un concept sculptural basé sur des éléments zoomorphes. Son travail évolue progressivement et il est aujourd'hui considéré comme un précurseur du néo-expressionnisme espagnol. Dans les années 90, il modifie son travail, tant sur le plan matériel que formel, et commence à utiliser des matériaux différents tels que la ferraille, le polyester et les résines. Au cours de ces années, il élabore des séries de murs, de portes et de constructions architecturales, cherchant à donner à l'espace un protagonisme absolu. Entre 1999 et 2003, Plensa est devenu l'un des piliers de la scénographie mondiale, réinterprétant avec "La Fura dels Baus" quatre opéras classiques de Falla, Debussy, Berlioz et Mozart, et réalisant seul une production théâtrale contemporaine, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Il a présenté des expositions individuelles et collectives dans le monde entier, dont une rétrospective au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En juin 2008, il a inauguré à Londres, au siège de la BBC, son œuvre "Breathing", un monument dédié aux journalistes tués dans l'exercice de leur profession. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses distinctions, telles que la Médaille des Chevaliers des Arts et des Lettres en 1993, décernée par le ministère français de la Culture, ou le Prix national des arts plastiques en 1997, décerné par la Generalitat de Catalogne. Considéré comme l'un des principaux représentants du nouvel art espagnol de tendance expressionniste, son œuvre est présente dans les meilleures galeries et foires d'art nationales et internationales, ainsi que dans les principaux musées d'Europe et des États-Unis, tels que le MOMA à New York, le Kemper au Kansas, le Museo Patio Herreriano à Valladolid, le Palazzo Forti à Vérone, le MACBA ou le Museo Reina Sofía à Madrid.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 87 - JAUME PLENSA (Barcelone, 1955). "Mon sexe privé", 1995. Technique mixte sur papier. Signé et daté. Il y a une déchirure dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 59 x 51 cm. Dans les années quatre-vingt-dix, la création de Jaume Plensa prend de l'ampleur dans l'utilisation des mots, indépendamment (et même flottant dans le vide) ou liés à un objet sculptural. Outre les poèmes visuels sculpturaux, il crée des séries sur serviettes dédiées à la gastronomie ou à l'érotisme. Dans cette œuvre, "My private sex" est écrit à côté du dessin schématique d'un vagin, résolu de manière presque pictographique. Plensa explore la relation entre la calligraphie, l'identité, la mémoire et le potentiel plastique des lettres. Jaume Plensa a étudié à la Escuela de La Llotja et au Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, tous deux à Barcelone. Il a excellé dans la sculpture, le dessin et la gravure. Son travail se concentre sur la relation entre l'homme et son environnement, questionnant souvent le rôle de l'art dans la société et la position de l'artiste. Il vit actuellement à Paris et a récemment reçu un doctorat honorifique de l'École de l'Institut d'art de Chicago. Plensa a commencé sa carrière en travaillant avec du fer forgé mélangé à du polyester. Entre 1983 et 1984, il commence à mouler le fer avec la technique de la fonte et développe un concept sculptural basé sur des éléments zoomorphes. Son travail évolue progressivement et il est aujourd'hui considéré comme un précurseur du néo-expressionnisme espagnol. Dans les années 90, il modifie son travail, tant sur le plan matériel que formel, et commence à utiliser des matériaux différents tels que la ferraille, le polyester et les résines. Au cours de ces années, il élabore des séries de murs, de portes et de constructions architecturales, cherchant à donner à l'espace un protagonisme absolu. Entre 1999 et 2003, Plensa est devenu l'un des piliers de la scénographie mondiale, réinterprétant avec "La Fura dels Baus" quatre opéras classiques de Falla, Debussy, Berlioz et Mozart, et réalisant seul une production théâtrale contemporaine, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Il a présenté des expositions individuelles et collectives dans le monde entier, dont une rétrospective au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En juin 2008, il a inauguré à Londres, au siège de la BBC, son œuvre "Breathing", un monument dédié aux journalistes tués dans l'exercice de leur profession. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses distinctions, comme la Médaille des Chevaliers des Arts et des Lettres en 1993, décernée par le ministère français de la Culture, ou le Prix national des arts plastiques en 1997, décerné par la Generalitat de Catalogne. Considéré comme l'un des principaux représentants du nouvel art espagnol de tendance expressionniste, son œuvre est présente dans les meilleures galeries et foires d'art nationales et internationales, ainsi que dans les principaux musées d'Europe et des États-Unis, tels que le MOMA à New York, le Kemper au Kansas, le Museo Patio Herreriano à Valladolid, le Palazzo Forti à Vérone, le MACBA ou le Museo Reina Sofía à Madrid.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 88 - JAN VALDÉS TÉLLEZ (Cuba, 1979). "Le club de la Divine Comédie", 2020. Huile sur toile. Certificat d'authenticité joint. Signé et daté dans la partie inférieure gauche. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 100 x 163 cm. Le club de la divine Comédie, établit un jeu allégorique au titre du livre "La Divine Comédie" de Dante, et représente un tableau hommage aux artistes et personnages qui ont marqué l'évolution de l'art universel. Il s'agit d'une tentative d'appréhender dans un acte symbiotique ce qu'ils ont vu de particulier dans le monde, tant du point de vue de leur technique que de leur vision du monde. Ils sont une ruche survivant dans la même tête ou peut-être, comme l'étaient pour Dante les personnages de son poème, entremêlant le paradis, l'enfer et le purgatoire. Ils sont là, résistant au temps et affrontant de nouveaux conflits, non seulement les artistes, mais les personnages qui ont inspiré les artistes de génération en génération, une figuration baroque, exubérante, théâtrale, hilarante, qui ne cherche ni l'offense, ni le déplaisir mais l'acceptation de l'humain dans sa plus grande diversité et dans la plénitude de son existence. Dans cette pièce, nous jouons avec le voyage onirique comme seuil de la vulnérabilité de l'être. À partir d'un abandon inconscient et quotidien, le chaos est généré et nous sommes exposés aux contradictions entre nos désirs et notre réalité immédiate. Jan Valdés Téllez est un artiste d'origine cubaine qui réside actuellement à Madrid. Il a commencé sa formation académique à l'Academia Nacional de Bellas Artes de San Alejandro à La Havane, où il a obtenu son diplôme en 2004. Ses œuvres ont été exposées internationalement, notamment à la Toronto Art Fair, au Canada, à la Ludwin Foundation et aux Fivars Galleries, en Espagne, entre autres.

Estim. 13 000 - 15 000 EUR

Lot 89 - JUAN GENOVÉS, (Valence, 1930 - Madrid, 2020). "Chaîne humaine", 1984. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 46 x 50 cm ; 60 x 64 cm (cadre). Juan Genovés, l'un des principaux représentants du réalisme critique et social des années cinquante, a été formé à l'École des beaux-arts de Valence et, en 1955, il a effectué son premier voyage à Paris. Au fil du temps, son art évoluera dans le sens de l'existentialisme. Membre fondateur de plusieurs groupes, tels que Los Siete, Parpalló et Hondo, après son exposition de 1965 à la Bibliothèque nationale, son soi-disant "réalisme politique" fait de lui un défenseur engagé de la liberté. Sa vision le rend vraiment particulier ; la figure humaine est toujours le protagoniste, aussi bien dans sa présence que dans son absence et même dans ses ombres, dans lesquelles réside toute la charge onirique de l'angoisse existentielle. Genovés part d'une approche photographique, cherchant la transformation constante de la perspective du motif, du point de vue. Par ce changement de perspective, l'auteur nous rapproche ou nous éloigne de la scène, à la recherche du mouvement des masses guidé par l'intelligence collective de la classe ouvrière, qui transcende l'insignifiance de l'expérience individuelle et met en évidence la solitude, la manipulation et l'injustice auxquelles l'être humain est exposé. L'artiste critique la culture de masse qui promeut la compétitivité, le consumérisme, l'individualité et la perte des valeurs sociales. Expressif dans l'utilisation des formats et des matériaux picturaux en contraste avec la force du sujet, Genovés est symboliste dans la composition et les rythmes. Dans son œuvre, il s'interroge constamment sur la liberté de l'homme dans la société d'aujourd'hui, ainsi que sur la sienne propre dans sa production. Plus reconnu à l'étranger que dans notre pays, il a participé à de nombreuses biennales, telles que les biennales hispano-américaines de La Havane et de Barcelone, la biennale de Paris et l'exposition universelle de New York. En 1994, l'IVAM lui a consacré une importante exposition rétrospective. Il a présenté des expositions individuelles dans toute l'Espagne, ainsi qu'à Porto Rico, Rio de Janeiro, Lisbonne, Rome, New York, Tokyo, Turin, Berlin, Montréal, Zurich, Bogota et Paris. Juan Genovés est présent à l'IVAM de Valence, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, à la Fondation Juan March, au Centro Nacional de Arte Contemporáneo de Paris, au MOMA de New York et dans les collections de La Caixa, Argentaria et Thyssen-Bornemisza.

Estim. 12 000 - 15 000 EUR

Lot 90 - ALFRED EISENSTAEDT ( Dirschau, Prusse occidentale, 1898- États-Unis, 1995). "Le jour de la Victoire sur le Japon à Times Square, New York, 1945. Épreuve à la gélatine argentique. Imprimé à l'époque de la photo de vie en 1991. Signé, daté, titré au crayon au verso et limitation des droits d'auteur de Time Warner au crayon (au verso). Provenance : Galerie Alona Kagan, New York. Dimensions : 48 x 33 cm ; 62 x 51 cm (cadre). Une semaine après qu'Alfred Eisenstaedt a capturé ce moment, le magazine Life, dans une section intitulée Victory et consacrée à la célébration de la fin de la Seconde Guerre mondiale, a publié ce cliché parmi de nombreux autres reflétant le bonheur de la fin de la guerre. Cependant, cette photographie s'est élevée au-dessus des autres et est devenue une icône. Une infirmière et un marine, un défenseur de la nation et une personne soucieuse de préserver son baiser de vie, symbolisant l'espoir pour l'avenir. Eisenstaedt a commencé sa carrière en Allemagne avant la Seconde Guerre mondiale, mais il est devenu célèbre en tant que photographe pour le magazine Life après s'être installé aux États-Unis. Eisenstaedt a été fasciné par la photographie dès sa jeunesse et a commencé à prendre des photos à l'âge de 11 ans, lorsqu'il a reçu son premier appareil photo, un appareil Eastman Kodak Folding Camera avec une pellicule en rouleau. Il a ensuite servi dans l'artillerie de l'armée allemande pendant la Première Guerre mondiale et a été blessé en 1918. Alors qu'il travaille comme vendeur de ceintures et de boutons dans l'Allemagne de Weimar des années 1920, Eisenstaedt commence à prendre des photos en free-lance pour le bureau berlinois de Pacific and Atlantic Photos en 1928. Eisenstaedt est devenu photographe à plein temps en 1929, lorsqu'il a été engagé par le bureau de l'Associated Press en Allemagne, et en l'espace d'un an, il a été décrit comme un "photographe extraordinaire". Il travaille également pour l'Illustrierte Zeitung, publié par Ullstein Verlag, alors la plus grande maison d'édition au monde. Quatre ans plus tard, il photographie la célèbre première rencontre entre Adolf Hitler et Benito Mussolini en Italie. Il photographie Adolf Hitler à Saint-Moritz en 1932 et Joseph Goebbels à la Société des Nations à Genève en 1933. Bien qu'initialement amical, Goebbels a froncé les sourcils lorsqu'il a pris la photo, après avoir appris qu'Eisenstaedt était juif. En 1935, en raison de la situation politique, il s'installe à New York, où Eisenstaedt est naturalisé et rejoint ses compatriotes émigrés de l'Associated Press, Leon Daniel et Celia Kutschuk, dans leur agence photographique PIX Publishing, fondée la même année. L'année suivante, en 1936, Henry Luce, fondateur de Time, rachète le magazine Life et Eisenstaedt, déjà connu pour ses photographies en Europe, est invité à rejoindre le nouveau magazine en tant que l'un des quatre photographes originaux, avec Margaret Bourke-White et Robert Capa[8]. Il fait partie de l'équipe de 1936 à 1972 et se distingue par ses photos d'actualité et de célébrités.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 91 - MANUEL HERNÁNDEZ MOMPÓ (Valence, 1927 - Madrid, 1992). Sans titre, 1980. Gouache sur papier. Signé et daté dans la marge inférieure. Un certificat peut être joint à la demande et aux frais de l'acheteur. Dimensions : 100 x 70 cm, 113 x 83 cm (cadre). C'est dans les années cinquante que Hernández Mompó commence à expérimenter la technique de la gouache sur papier, développant un thème de fêtes populaires qui, au fil des décennies, subira un processus de dissolution de la forme le conduisant à des compositions abstraites comme celle présentée ici, où les mouchetures et les rubans colorés suggèrent cette origine festive lointaine. Hernández Mompó alterne ses études primaires et secondaires avec des cours à l'Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Valence, où il entre en 1943. En 1948, il obtient une bourse pour peindre à Grenade, à la Résidence des peintres, et trois ans plus tard, une nouvelle bourse lui permet de se rendre à Paris. Dans la capitale française, il entre en contact avec les cercles de peintres informels, dont l'influence marquera son œuvre ultérieure, laissant de côté les paysages et les portraits qui avaient dominé son œuvre jusqu'alors. Entre 1954 et 1955, il effectue un long séjour à Rome, grâce à une bourse du département de la culture du ministère de l'éducation nationale, pour étudier à l'Académie espagnole des beaux-arts dans la capitale italienne. En 1954, il participe à l'exposition internationale de Viareggio, où il reçoit le prix italien de la navigation. Il quitte l'Italie et s'installe à Amsterdam, où il fréquente à nouveau les cénacles informels. En 1957, il retourne en Espagne et s'installe à Aravaca (Madrid). L'année suivante, il obtient une bourse de la Fondation Juan March à Madrid, ainsi que le Grand prix national de peinture et une première médaille à l'Exposition nationale des beaux-arts. Au cours des années soixante et soixante-dix, il réside alternativement à Madrid et à Ibiza et, en 1973, il passe un an en Californie. À son retour en Espagne, il s'installe à Majorque. Hernández Mompó expose dans les principales capitales d'Europe et des États-Unis et participe à des expositions collectives nationales et étrangères. Parmi ses récompenses les plus marquantes, on peut citer le prix de l'Unesco reçu lors de la XXXIVe Biennale de Venise en 1968. En 1984, le ministère de la culture lui a décerné le prix national des beaux-arts. Son style juvénile a rapidement été influencé de manière définitive par l'expressionnisme abstrait et l'informalisme, bien que ses œuvres n'aient jamais perdu la réalité comme point de référence. Dans sa production, Hernández Mompó capture une imagerie figurative et poétique, harmonieusement mélangée à des éléments abstraits et à de riches effets de superposition. Hernández Mompó est représenté à l'IVAM de Valence, au Museo Nacional Reina Sofía, au Museo de Arte Abstracto de Cuenca, au British Museum de Londres, au Centre Georges Pompidou de Paris, à la Chase Manhattan Bank Collection de New York et au Winterthur Museum de Suisse, entre autres.

Estim. 12 000 - 14 000 EUR

Lot 92 - JAVIER PÉREZ (Bilbao, 1958). "Humain", 1958. Figure grandeur nature en résine de polyester. Moteur à fumée et tissu. Dimensions : 65 x 75 cm. Dans "Human", Javier Perez imite un être de chair et de sang, apparemment renfermé et angoissé, assis par terre contre un mur. Sa particularité réside dans l'absence de corps physique, bien qu'il soit élégamment vêtu d'un pantalon de costume, d'une chemise blanche et de chaussures à lacets. La tête du personnage est absente ; à la place, une traînée de fumée s'élève de son cou et annonce sa présence. Avec cette œuvre, Pérez représente l'abîme auquel l'individu est soumis, la dépossession et l'impossibilité de retrouver l'unité de la condition humaine. Javier Pérez est l'un des artistes espagnols les plus connus au niveau international. Il a étudié les beaux-arts à l'université du Pays basque et a complété sa formation à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris, où il a vécu de 1992 à 1997. Il est apparu sur la scène internationale lors de sa première exposition en 1996 à Paris et, un an plus tard, lors d'une autre exposition au Musée d'Art Moderne et Contemporain de Strasbourg. Son œuvre a été exposée à Lagrasse (France), Vienne (Autriche), Bilbao, Barcelone, Paris, Suisse, Milan, Burgos, Madrid, Prague, etc. En outre, elle est conservée dans des collections privées du monde entier et dans de grandes institutions (Centre Pompidou à Paris, Centro Museo-Vasco de Arte Contemporáneo à Vitoria, Collection CAM Caja del Mediterráneo à Alicante, Corning Museum of Glass à New York, MACBA à Barcelone, Musée des Beaux-Arts de Rouen en France, Musée Guggenheim à Bilbao, etc.)

Estim. 14 000 - 16 000 EUR

Lot 93 - MARK RYDEN (Medford, Oregon, 1963). "Piccolina yakalina Buff", 2023. Bronze polychrome. Exemplaire 2/20, Certificat d'authenticité joint, numéroté et signé par l'artiste. Éditeur : DDT Store. Boîte de conservation conçue par l'artiste. Signé avec le sceau de l'artiste et numéroté. Dimensions : 16,5 x 6,5 x 5 cm ; 22 x 14,5 x 13 cm (boîte). Le visage de Piccolina Yakalina rappelle, par sa forme et son style, d'autres créations de Ryden, comme Baby Bos. Cette entité d'esthétique surréaliste est basée sur une conception de lignes simples qui n'entravent pas l'expressivité de l'œuvre. Dans la vidéo promotionnelle que l'artiste a réalisée pour le lancement de Piccolina Yakalina, il dit d'elle que "les Yakalina sont des entités spirituelles qui comptent comme sœurs des sirènes, des fées et des fantômes. Collectivement, les 9 Yakalina forment une entité mystique. "Mark Ryden a obtenu une licence en beaux-arts en 1987 à l'Art Center College of Design de Pasadena. Le travail de Ryden est devenu plus important dans le domaine public grâce à des publications d'art dites "lowbrow", telles que Juxtapoz, dans lesquelles son travail apparaît régulièrement. En fait, Ryden a collaboré avec d'autres artistes lowbrow tels que Gary Baseman et Tim Biskup, ainsi qu'avec les compositeurs Stan Ridgway (Wall of Voodoo) et Pietra Wexstun (la bande sonore du CD "Blood - Miniature Paintings of Sorrow and Fear"). En novembre 2001, Ryden a présenté sa première exposition à New York à la galerie Earl McGrath, qui a ensuite déménagé au Grand Central Art Center à Santa Ana, en Californie. Ses peintures ont été exposées dans des musées et des galeries du monde entier, notamment lors de la rétrospective "Chamber of Wonders" au Centro de Arte Contemporaneo de Malaga, ainsi que lors de la rétrospective "Wondertoonel" au Frye Art Museum de Seattle et au Pasadena California Museum of Art. Ryden a été chargé de créer le décor et les costumes d'une production de Whipped Cream, présentée par l'American Ballet Theatre sur une chorégraphie d'Alexei Ratmansky. Whipped Cream est basé sur Schlagobers, un ballet en deux actes dont le livret et la partition sont de Richard Strauss et qui a été présenté pour la première fois à l'Opéra d'État de Vienne en 1924. Les œuvres créées par Ryden pour ce ballet ont été exposées dans la Gallery Met, située dans le Metropolitan Opera House. Ryden a conçu des pochettes d'albums pour des musiciens tels que Michael Jackson, Ringo Starr, Jack Off Jill, Scarling et les Red Hot Chili Peppers, et Mark Ryden a peint l'une de ses guitares. Hammett apparaît avec la guitare sur la couverture du numéro d'avril 2009 de Guitar World. Un certificat d'authenticité numéroté et signé par l'artiste est joint. Boîte de conservation conçue par l'artiste.

Estim. 12 000 - 14 000 EUR

Lot 94 - MARK RYDEN (Medford, Oregon, 1963). "Piccolina yakalina Bistre, 2023. Bronze polychrome. Exemplaire 2/20, Certificat d'authenticité joint, numéroté et signé par l'artiste. Éditeur : DDT Store. Boîte de conservation conçue par l'artiste. Signé avec le sceau de l'artiste et numéroté. Dimensions : 16,5 x 6,5 x 5 cm ; 22 x 14,5 x 13 cm (boîte). Le visage de Piccolina Yakalina rappelle, par sa forme et son style, d'autres créations de Ryden, comme Baby Bos. Cette entité d'esthétique surréaliste est basée sur une conception de lignes simples qui n'entravent pas l'expressivité de l'œuvre. Dans la vidéo promotionnelle que l'artiste a réalisée pour le lancement de Piccolina Yakalina, il commente : "Les Yakalina sont des entités spirituelles qui comptent parmi leurs sœurs des sirènes, des fées et des fantômes. Collectivement, les 9 Yakalina forment une entité mystique". Mark Ryden a obtenu une licence en beaux-arts en 1987 à l'Art Center College of Design de Pasadena. Le travail de Ryden est devenu plus important dans le domaine public grâce à des publications d'art dites "lowbrow", telles que Juxtapoz, dans lesquelles son travail apparaît régulièrement. En fait, Ryden a collaboré avec d'autres artistes lowbrow tels que Gary Baseman et Tim Biskup, ainsi qu'avec les compositeurs Stan Ridgway (Wall of Voodoo) et Pietra Wexstun (la bande sonore du CD "Blood - Miniature Paintings of Sorrow and Fear"). En novembre 2001, Ryden a présenté sa première exposition à New York à la galerie Earl McGrath, qui a ensuite déménagé au Grand Central Art Center à Santa Ana, en Californie. Ses peintures ont été exposées dans des musées et des galeries du monde entier, notamment lors de la rétrospective "Chamber of Wonders" au Centro de Arte Contemporaneo de Malaga, ainsi que lors de la rétrospective "Wondertoonel" au Frye Art Museum de Seattle et au Pasadena California Museum of Art. Ryden a été chargé de créer le décor et les costumes d'une production de Whipped Cream, présentée par l'American Ballet Theatre sur une chorégraphie d'Alexei Ratmansky. Whipped Cream est basé sur Schlagobers, un ballet en deux actes dont le livret et la partition sont de Richard Strauss et qui a été présenté pour la première fois à l'Opéra d'État de Vienne en 1924. Les œuvres créées par Ryden pour ce ballet ont été exposées dans la Gallery Met, située au Metropolitan Opera House. Ryden a conçu des pochettes d'albums pour des musiciens tels que Michael Jackson, Ringo Starr, Jack Off Jill, Scarling et les Red Hot Chili Peppers, et Mark Ryden a peint l'une de ses guitares. Hammett apparaît avec la guitare sur la couverture du numéro d'avril 2009 de Guitar World. Un certificat d'authenticité numéroté et signé par l'artiste est joint. Boîte de conservation conçue par l'artiste.

Estim. 12 000 - 14 000 EUR

Lot 95 - EUGENIO MERINO (Madrid, 1975). "Les conservateurs", 2008. Dimensions : 102 x 66 cm. Emulant l'esthétique d'une affiche de cinéma, dans "The curators", Eugenio Merino aligne un groupe de commissaires d'exposition comme s'ils étaient des gangsters avec son sarcasme caractéristique. Eugenio Merino est surtout connu pour la controverse qu'il crée avec ses œuvres : du "Suicide Jaffar" de l'exposition "Mondolirondo" en 2006, à l'installation "Starway to heaven", en passant par "Always Franco" (présenté à ARCO) ou "For the Love of Go(l)d". Il a commencé à travailler dans le domaine de la peinture, avec des œuvres de moindre contenu que celles d'aujourd'hui (selon ses propres dires, le tournant dans sa carrière est dû à l'ennui des mêmes processus et au fait de ne rien ressentir en tant que spectateur de ses propres œuvres). Il présente son travail politique, typique d'un créateur qui, conditionné par son époque, transfère son idéologie sociale à ses mains et, de là, à l'œuvre sculpturale qui éclabousse le spectateur (comme il se doit). Diplômé en beaux-arts de l'université Complutense de Madrid, il a présenté des expositions individuelles à la galerie Unix (Houston, États-Unis), à Unix Fine Arts (New York, États-Unis), à ADN Galería (Barcelone, Espagne), à la galerie Jerome Zodo (Milan, Italie) et à Louis 21 (Madrid, Espagne), entre autres. Il a organisé de nombreuses expositions individuelles et collectives et a participé à diverses foires d'art, telles que Volta NY, Volta Basel, ARCO (Madrid), Art Brussels, FIAC (Paris), etc. Art Brussels, FIAC (Paris), Armory Show, Arte Fiera (Bologne), Art BO (Bogota), MACO (Mexique), Art Wynwood (Miami) et a exposé au musée MOCA à Taipei et au BPS22 à Charleroi (Belgique).

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 96 - EUGENIO MERINO (Madrid, 1975). "L'appel de Dieu". 2010. Installation lumineuse avec du métal, du verre et des éléments électroniques. Pièce unique. Dimensions : 75 x 57 x 15 cm. Une croix intégrée par des néons qui rappelle la manière de signaler les pharmacies a été allongée dans sa partie inférieure pour ressembler à une croix chrétienne. L'artiste provocateur Eugenio Merino relie ainsi pharmacologie et religion, foi en la science et foi en Dieu, pour nous faire réfléchir sur la recherche aveugle de panacées pour atténuer tous nos maux. Il convient d'associer cette œuvre à des installations sculpturales telles que "Stairway to heaven", dans laquelle il critique les fondamentalismes religieux et leurs conséquences catastrophiques. Eugenio Merino est surtout connu pour la controverse qu'il crée avec ses œuvres : du "Suicide Jaffar" de l'exposition "Mondolirondo" en 2006, à l'installation "Starway to heaven", en passant par "Always Franco" (présenté à ARCO) ou "For the Love of Go(l)d". Il a commencé à travailler dans le domaine de la peinture, avec des œuvres de moindre contenu que celles d'aujourd'hui (selon ses propres dires, le tournant dans sa carrière était dû à l'ennui des mêmes processus et au fait de ne rien ressentir en tant que spectateur de ses propres œuvres). Il présente son travail politique, typique d'un créateur qui, conditionné par son époque, transfère son idéologie sociale à ses mains et, de là, à l'œuvre sculpturale qui éclabousse le spectateur (comme il se doit). Diplômé en beaux-arts de l'université Complutense de Madrid, il a présenté des expositions individuelles à la galerie Unix (Houston, États-Unis), à Unix Fine Arts (New York, États-Unis), à ADN Galería (Barcelone, Espagne), à la galerie Jerome Zodo (Milan, Italie) et à Louis 21 (Madrid, Espagne), entre autres. Il a organisé de nombreuses expositions individuelles et collectives et a participé à diverses foires d'art, telles que Volta NY, Volta Basel, ARCO (Madrid), Art Brussels, FIAC (Paris), etc. Art Brussels, FIAC (Paris), Armory Show, Arte Fiera (Bologne), Art BO (Bogota), MACO (Mexique), Art Wynwood (Miami) et a exposé au musée MOCA à Taipei et au BPS22 à Charleroi (Belgique).

Estim. 12 000 - 14 000 EUR

Lot 97 - ANN VERONICA JANSSENS (Folkestone, Royaume-Uni, 1956). "Lumière, jaune, vert", 2005. Lampe halogène de 750 watts et filtre de couleur dichroïque. Dimensions : 33 x 22 x 25 cm (lampe) ; 66 x 13 x 13 x 13 cm (pied) ; projection 6m. Ann Veronica Janssens travaille sur la relation entre la lumière et la couleur, peignant sans utiliser de matière picturale. La "sculpture" de tender consiste en une lampe halogène qui couvre une surface de six mètres lorsqu'elle est projetée. Janssen profite ainsi de l'immatérialité pour la colorer et plonge le spectateur dans une expérience de fragilité physique et temporelle. Son travail a fait l'objet de nombreuses expositions personnelles : en 2020 à la South London Gallery à Londres (UK) et au Louisiana Museum à Humlebæk (DK), en 2018 à la De Pont Foundation à Tilburg (NL), au Kiasma Museum à Helsinki (FL), au Baltimore Museum of Art (USA), en 2017 au Kiasma Museum à Helsinki (FL), et au Baltimore Museum of Art (USA).Il a présenté ses œuvres à l'Institut d'art contemporain de Villeurbanne (France) en 2017, au Nasher Sculpture Center de Dallas (États-Unis) en 2016 et au SMAK de Gand (Belgique) en 2015. En 2003, il a participé à l'exposition "Aux origines de l'abstraction. 1800-1914" avec la proposition Red 106 - Blue 132. En 1999, il a représenté la Belgique à la 45e Biennale de Venise avec Michel François et son travail a fait partie de nombreuses autres biennales internationales telles que Manifesta 10, St. Petersburg, UK (2014) ; 18e Biennale de Sydney, Australie (2012) ; Manifesta 8, Murcia (2011) ; 5e Biennale internationale d'art médiatique de Séoul, KR (2006) ; 11e Biennale de Sydney, Australie (1998) ; 5e Biennale internationale d'Istanbul, TR (1997) et 22e Biennale internationale de São Paulo, BR (1994). Depuis 1985, il a participé à d'importantes expositions collectives, notamment à la Hayward Gallery de Londres, au Wiels de Bruxelles, au Louisiana Museum of Modern Art, à la Fruitmarket Gallery d'Édimbourg (2015), au Sprengel Museum de Hanovre, au Centre Pompidou de Metz et au Mori Art Museum de Tokyo (2014).

Estim. 18 000 - 20 000 EUR

Lot 98 - JAUME PLENSA (Barcelone, 1955) "Riz", 1995. Bronze et toile, exemplaire 1/6. Signé et numéroté. Dimensions : 20 cm. de diamètre (boule de bronze) ; 26 x 27 x 18 cm. (total). "Rice" fait partie d'une série d'œuvres réalisées par Plensa en 1995, dans lesquelles il oppose la rigidité du bronze à la ductilité de matériaux tels que le tissu ou la corde. Les titres de toutes ces œuvres contiennent des références gastronomiques : Lait, Haricots, Nouilles, Chop-suey, Hot-Dog, Riz, Rôti de bœuf, Œufs, Pain, Sel.... Porteuses de significations énigmatiques, elles peuvent être liées dans une certaine mesure au désir et à l'inconscient, tandis que la combinaison de la boule de bronze et du tissu qui l'enveloppe suggère l'idée d'une explosion ou d'une violence étouffée. Jaume Plensa a étudié à la Escuela de La Llotja et au Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, tous deux à Barcelone. Il a excellé dans la sculpture, le dessin et la gravure. Son travail se concentre sur la relation entre l'homme et son environnement, questionnant souvent le rôle de l'art dans la société et la position de l'artiste. Il vit actuellement à Paris et a récemment reçu un doctorat honorifique de l'École de l'Institut d'art de Chicago. Plensa a commencé sa carrière en travaillant avec du fer forgé mélangé à du polyester. Entre 1983 et 1984, il commence à mouler le fer en utilisant la technique de la fonte et développe un concept sculptural basé sur des éléments zoomorphes. Son œuvre évolue progressivement et il est aujourd'hui considéré comme un précurseur du néo-expressionnisme espagnol. Dans les années quatre-vingt-dix, il modifie son travail, tant sur le plan matériel que formel, et commence à utiliser des matériaux différents tels que les déchets métalliques, le polyester et les résines. Au cours de ces années, il réalise des séries de murs, de portes et de constructions architecturales, cherchant à donner à l'espace un rôle de protagoniste absolu. Entre 1999 et 2003, Plensa est devenu l'un des piliers de la scénographie mondiale, en réinterprétant quatre opéras classiques de Falla, Debussy, Berlioz et Mozart avec "La Fura dels Baus", et seul dans une production théâtrale contemporaine, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Il a organisé des expositions individuelles et collectives dans le monde entier, dont une rétrospective au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En juin 2008, il a dévoilé son œuvre "Breathing", un mémorial aux journalistes tués dans l'exercice de leurs fonctions, au siège de la BBC à Londres. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses distinctions, telles que la Médaille des Chevaliers des Arts et des Lettres en 1993, décernée par le ministère français de la Culture, et le Prix national des arts plastiques en 1997, décerné par la Generalitat de Catalogne. Considéré comme l'un des principaux représentants du nouvel art espagnol de tendance expressionniste, son œuvre est présente dans les meilleures galeries et foires d'art nationales et internationales, ainsi que dans les principaux musées d'Europe et des États-Unis, tels que le MOMA à New York, le Kemper au Kansas, le Museo Patio Herreriano à Valladolid, le Palazzo Forti à Vérone, le MACBA et le Museo Reina Sofía à Madrid.

Estim. 16 000 - 18 000 EUR

Lot 99 - CARMEN CALVO (Valence, 1950). "Murs", juillet 1991. Technique mixte (huile, terre cuite et toile) sur bois. Signée, datée et titrée au dos. Elle présente une cassure dans le bois de la partie arrière qui n'affecte pas la toile. Dimensions : 150 x 190 cm. Le caractère à la fois transgressif et poétique de Carmen Calvo est pleinement apprécié dans "Murs", une œuvre qui renvoie à l'image de l'ordre d'accumulation associé à l'artiste. De petits morceaux de terre cuite se superposent à la toile et nous introduisent dans un rythme de séquences qui rappelle la vitrine d'un collectionneur, une influence dérivée de la découverte par Calvo des collections d'art égyptien et mésopotamien du Musée du Louvre à Paris. En ce qui concerne l'utilisation de l'argile, il convient de mentionner que l'artiste a utilisé ce matériau à de nombreuses reprises, non pas comme un élément ornemental (dans sa forme céramique, émaillée ou polychrome), mais comme un fragment banal, en le dépouillant d'éléments superflus, c'est-à-dire en l'ennoblissant. Carmen Calvo a étudié dans les écoles des arts et métiers et des beaux-arts de Valence, et a obtenu un diplôme en publicité en 1970. Elle élargira ensuite sa formation grâce à des bourses du ministère de la culture (1980), de la Casa de Velázquez à Madrid (1983-85) et du ministère des affaires étrangères pour sa résidence à Paris (1985-92). C'est à cette époque que Calvo commence à être reconnue, recevant des distinctions telles que le 1er prix de peinture LaSalle Seiko de Barcelone (1985), le prix Alfons Roig de la Diputación Valenciana (1989), une bourse à la 1ère biennale Martínez Guerricabeitia de l'université de Valence (1989), et une sélection pour la 47ème biennale de Venise (1997). L'artiste a commencé à exposer en 1969, en participant à une exposition collective organisée au Círculo Universitario de Valence. Elle a fait ses débuts en solo en 1976 à la galerie Temps de sa ville natale et, depuis lors, elle a exposé ses œuvres individuellement dans diverses villes d'Espagne et des États-Unis, ainsi que dans d'autres pays d'Europe, d'Amérique et d'Afrique. Les œuvres de Carmen Calvo se trouvent actuellement dans des institutions artistiques, des musées et des collections privées du monde entier, notamment au musée Guggenheim de New York, au Reina Sofía de Madrid, au Marugame Hirai de Kobe, au MACBA de Barcelone, au Fonds national d'art contemporain de Paris, à l'IVAM de Valence, à la collection de la Chase Manhattan Bank de New York, etc.

Estim. 18 000 - 20 000 EUR

Lot 100 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). "Guerrier au fond marron", 1968. Technique mixte (huile et collage) sur carton. Signé dans le coin inférieur droit. Certifié par les Archives Clavé. Le cadre présente un très léger manque de polychromie. Dimensions : 93 x 65 cm ; 117 x 90 cm (cadre). Parallèlement à son activité dans le domaine de la scénographie théâtrale, Antoni Clavé entreprend, entre le milieu des années quarante et le milieu des années cinquante environ, un projet d'illustration pour "Gargatú" qui l'amène à se familiariser avec l'iconographie médiévale qu'il développera progressivement dans sa célèbre série de guerriers, de rois, de reines et de chevaliers. Parallèlement à l'évolution de son langage plastique, ces images de personnages médiévaux partent d'un certain réalisme pour se rapprocher de plus en plus de l'abstraction. Ainsi, les figures perdent en précision et en forme, laissant place aux lignes et à la couleur dans la peinture, et à l'appréciation des textures et des volumes irréguliers dans la sculpture. Cependant, comme dans le reste de son œuvre, ces figures de guerriers et de rois conserveront toujours un élément figuratif. Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art espagnol contemporain. Formé à l'école des beaux-arts San Jordi de Barcelone, Clavé se consacre d'abord au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile, dans les rangs républicains, ce qui le conduit à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. À partir de cette époque, Clavé développe une œuvre marquée par un style plastique différent, moins classique. Au cours de cette période, ses figures perdent de leur précision et de leur forme pour laisser place à des lignes et à une gamme personnelle de couleurs et de textures qui seront les protagonistes de ses œuvres jusqu'à aujourd'hui. Il jouit déjà d'un grand prestige international à l'époque où sa reconnaissance commence en Espagne, à partir de son exposition dans la salle Gaspar de Barcelone en 1956. Dans les années soixante, il rend hommage au Greco, et son tableau de Ce moment révèle les influences reçues de ce maître, ainsi que des peintres baroques. Le thème du gentilhomme avec la main sur la poitrine prend une importance particulière, une référence qui sera répétée dans les œuvres futures de Clavé. Cette période se caractérise par le passage définitif à l'abstraction. Dans les années soixante-dix, l'évolution de l'œuvre de Clavé se poursuit, utilisant diverses techniques comme le collage, et en inventant de nouvelles comme le "papier froissé", résultat d'une coïncidence dans l'utilisation de l'aérosol sur des papiers froissés. En 1978, le Musée national d'art moderne de Paris, aujourd'hui Centre Georges Pompidou, lui consacre une rétrospective qui fait de lui l'un des artistes les plus prestigieux de sa génération. Ses dernières œuvres se caractérisent par la recréation de textures au sein de l'abstraction, avec l'utilisation à profusion du papier froissé. Il a été récompensé au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il a reçu la médaille d'or de la Generalitat de Catalogne. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, aux musées des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, aux musées d'art moderne de Paris et de Tokyo, au British Museum et au Reina Sofía de Madrid.

Estim. 25 000 - 30 000 EUR