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POST-WAR & ART CONTEMPORAIN

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Lot 5 - OLIVIER DEBRÉ (1920-1999) - Blanche de Loire au trait bleu sombre, Touraine, 1984 Huile sur toile, signée, datée et titrée au dos 100 x 100 cm - 39 23/64 x 39 23/64 in. Oil on canvas, signed, dated and titled on reverse Un certificat d'authenticité du Comité Olivier Debré sera remis à l'acquéreur. PROVENANCE Galerie Convergence, Nantes, 1999 Collection privée, Nantes Parmi les représentants de l’abstraction lyrique, Olivier Debré est un peintre français majeur. Petit-fils du peintre Edouard Debat-Ponsan, il reçoit en 1937, un véritable choc artistique face au Guernica de Picasso. Cette influence sera décisive pour l’artiste, qui abandonnera la figuration, pour se consacrer à l’expression abstraite du signe, vecteur d’émotions et de pensée. Diplômé de l’École des Beaux-Arts de Paris en 1938, il semblait promis à une carrière d’architecte. Pourtant, c’est dans la peinture qu’il exprimera son génie plastique. Sa culture artistique lui fait explorer le champ de l’impressionnisme tandis que son style évolue dans l’élaboration de plus larges surfaces colorées, faisant de lui, le premier représentant de l’abstraction gestuelle. La poésie de son oeuvre réside en une immersion bercée par les couleurs de ses pérégrinations. Savant mélange d’espace et de lumière, le style d’Olivier Debré est l’expression d’un sentiment, d’une émotion, qu’il associe à un moment particulier. Ainsi, l’horizon de ses oeuvres se développe au-delà de la gamme chromatique qu’il incarne dans chacune de ses peintures. Ici, les deux oeuvres présentées révèlent les nuances pratiquement monochromatiques choisies par l’artiste pour explorer l’espace de la toile. À travers les nuances froides de la palette d’Olivier Debré, le spectateur est plongé dans la contemplation du détail immense devant lequel il se trouve. Le style du peintre est une synthèse de sa maîtrise des couleurs, appuyée par l’oscillation des épaisseurs couchées sur la toile, que décuple le format de ses oeuvres. En « Rothko européen », Olivier Debré ne saurait laisser insensible un oeil averti, suscitant l’émotion par le geste. Representative of lyrical abstraction, Olivier Debré is a major French painter. Grandson of the painter Edouard Debat-Ponsan, he receives in 1937, a real artistic shock in front of the Guernica of Picasso's Guernica. This influence will be decisive for the artist, who will abandon the figuration, to devote himself to the abstract expression of the sign, vector of emotions and thought. Graduated from the École des Beaux-Arts de Paris in 1938, he seemed to be promised to a career of architect. However, it is in painting that he will express his plastic genius. His artistic culture makes him explore the field of impressionism while his style evolves in the elaboration of the elaboration of larger colored surfaces, making him the first representative of the gestural abstraction gestural. The poetry of his work resides in an immersion rocked by the colors of his peregrinations. A clever mixture of space and light, Olivier Debré's style is the expression of a feeling, an emotion an emotion, which he associates with a particular moment. Thus, the horizon of his works beyond the chromatic range that he embodies in each of his paintings. Here, the two works presented reveal the practically monochromatic shades chosen by the artist to explore the the artist to explore the space of the canvas. Through the cold shades of Olivier Debré's palette, the viewer is the viewer is immersed in the contemplation of the immense detail before him. The style of the style is a synthesis of his mastery of colors, supported by the oscillation of the thicknesses on the canvas, which increases tenfold the format of his works. As a “European Rothko” Olivier Debré would not leave an informed eye unmoved, arousing emotion through gesture.

Estim. 25 000 - 35 000 EUR

Lot 6 - BEN VAUTIER (1935 - 2024) - Pour le groupe Zero, 1990 Acrylique sur toile signée en bas à droite, contresignée et datée au dos, et accrochage d'un hochet en plastique 42 x 16 cm - 16 17/32 x 6 19/64 in. 22 x 16 cm (toile) - 8 21/32 x 6 19/64 in. Acrylic on canvas, signed lower right, countersigned and dated on reverse, hanging of a plastic rattle Cette oeuvre est répertoriée dans le catalogue raisonné de Ben Vautier sous le numéro d'archive 3952. PROVENANCE Galerie Catherine Issert, Saint-Paul-de-Vence Collection privée, France Ben, pseudonyme de Benjamin Vautier, est un artiste français d’origine suisse, né en 1935 à Naples. Il vit et travaille à Nice, où il arrive à l’âge de quatorze ans. Pendant les années 1959 - 1960, les principaux membres de ce qui sera appelé l’école de Nice se retrouvent dans sa boutique, ou sur le trottoir. Proche d’Yves Klein et des Nouveaux Réalistes, il appartient à l’avant-garde artistique, plus précisément post-moderne et au groupe Fluxus. Il acquiert une notoriété solide auprès du public dès la fin des années 1960, à travers notamment ses « écritures », déclinées sous diverses formes comme dans ici dans Pour le groupe Zero (1990). Ben, pseudonym of Benjamin Vautier, is a French artist of born in Naples in 1935. He lives and works in Nice, where he at the age of fourteen. During the years 1959 - 1960, the principal members of what came to be known as the Nice School meet in his store, or on the sidewalk. Close to Yves Klein and the Nouveaux Réalistes, he belongs to the artistic avant-garde, more specifically post-modernism and the Fluxus group. He acquires a solid reputation with the public in the late 1960s, in particular through his “writings”, which took a variety of forms such as Pour le groupe zero (1990).

Estim. 4 000 - 6 000 EUR

Lot 7 - [FERNANDO BOTERO] - Médaille commémorative de l'exposition « Fernando Botero aux Champs-Élysées » en 1992, frappée par la Monnaie de Paris Médaille en Or 18k (750), portant sur une face le poinçon Corne d'abondance de la Monnaie de Paris et le poinçon fleurette de l'Atelier de Gravure des Monnaies et Médailles, numérotée I/III et portant le poinçon Corne d'abondance sur la tranche Poids - Weight : 1,7 kg9.5 x 3 cm - 3 47/64 x 11 1/64 in. Medal of Gold 18k (750), bearing on a face the stamp Corne d'abondance by the Monnaie de Paris and the stamp of the Atelier de Gravure des Monnaies et Médailles, numbered I/III and bearing the stamp Corne d'abondance on the edge Avec un certificat d'authenticité de la Monnaie de Paris numéroté I/III, une notice explicative et son écrin d'origine. Il est impossible de dissocier l’art contemporain de la figure de Fernando Botero, tant son influence sur notre culture fut remarquable. Dépassant amplement les frontières des musées, ses oeuvres sont aujourd’hui omniprésentes, tant dans les rues et dans les grands intérieurs que dans la culture populaire et sur les réseaux sociaux. La disparition de l’artiste en 2023 a mis un point final a une carrière exceptionnellement prolifique, variée, et dont l’avant-gardisme parfois incompris est encore loin de faire consensus auprès du public. Tantôt parodié, tantôt adulé, son travail ne laisse personne indifférent et sait encore faire parler de lui. C’est en 1932 à Medellin en Colombie qu’est né Fernando Botero. Élevé par sa mère et son oncle dans la tradition de la culture colombienne, il suit une formation à l’école taurine avant d’abandonner rapidement la cape rouge et le tercio de piques pour le maniement du crayon. Inspiré par l’art précolombien et l’art espagnol, Botero décide de se lancer dans une carrière d’artiste. Désireux d’aventures, l’artiste part pour la capitale Bogota. Il y présente sa première exposition et vend ses premières toiles avec l’argent desquelles il s’envole pour l’Europe en 1952. S’en suit un périple initiatique : Botero étudie les maîtres espagnols au Prado et découvre les maîtres anciens au musée du Louvre avant d’apprendre l’art de la fresque à Florence. Il expose à New York, collabore avec Vogue Paris pour illustrer les collections de haute couture, s’installe ensuite à Pietrasanta en Italie avant de définitivement déposer ses bagages à Paris en 1973. Il commence alors à travailler la sculpture en plus de ses oeuvres picturales. En 1992 est organisée une grande exposition sur les ChampsÉlysées dédiée à son oeuvre sculptée. Plus de 30 sculptures étaient visibles du 22 octobre 1992 au 30 janvier 1993 sur l’avenue, et une centaine de toiles au Grand Palais. Parmi ces oeuvres se trouvaient quelques célébrités, dont un torse géant de plus de 4 mètres de haut, cyclopéen à l’image de sa production hors normes. Inspiré par les arts précolombiens, par les vénus préhistoriques ou encore par la renaissance italienne, ces figures callipyges sont porteuses d’un immense bagage culturel, héritières d’une tradition iconographe aussi ancienne que l’humanité. Cette exceptionnel ensemble avait pour but de marquer d’une pierre blanche le retour de l’artiste sur le devant de la scène après plusieurs années d’absence. C’est donc à cette occasion que celui-ci, en collaboration avec la Monnaie de Paris, fait frapper 703 exemplaires de cette médaille : 500 en bronze, 200 en argent massif, et finalement 3 exemplaires en or. Cette médaille en or massif 18 carats est ainsi numérotée I/III sur la tranche, où elle arbore également la corne d’abondance, poinçon de la Monnaie de Paris garantissant sa provenance et son authenticité. L’objet, rarissime, est signé sur la face arborant l’autoportrait de l’artiste, tandis que sur l’autre face est représentée une des oeuvres les plus célèbres de Botero, exposée fièrement devant l’Arc de Triomphe. D’un exceptionnel relief pour ce type de production, il fallut cinq frappes consécutives sous une presse de 2 500 tonnes à la Monnaie de Paris afin d’obtenir un résultat aussi contrasté. Témoignage de la consécration artistique de Botero, cette médaille est la marque d’un évènement sans précédent dans la carrière d’une des personnalités les plus célèbres du siècle. S’inspirant de représentations mythiques, il devient finalement lui-même un symbole, et son esthétique visionnaire continue de renverser les idées préconçues. It is impossible to dissociate contemporary art from the figure of Fernando Botero, such has been his influence on our culture. His influence on our culture has been so remarkable, today, his works are ubiquitous, as much in the streets and large as they are in popular culture and on social networks. The artist's death in 2023 brought to a close an exceptionally prolific and varied career, whose

Estim. 60 000 - 80 000 EUR

Lot 9 - JACQUES VILLEGLÉ (1926 - 2022) - Rue Bobillot / Place d'Italie, 19 mai 1987 Affiches lacérées marouflées sur toile, signé en bas à droite, titrée et datée au dos 170 x 250 cm - 65 47/64 x 98 1/64 in. Slashed posters mounted on canvas, signed lower right, titled and dated on reverse Un certificat d'authenticité signé par l'artiste en date du 25 mai 2019 sera remis à l'acquéreur. PROVENANCE Sabine Wachters Gallery, Knokke, Belgique Jacques Villeglé est vu aujourd’hui comme l’artiste emblématique des affichistes lacérateurs français, son nom étant indissociable de cette technique. En effet il pratiquera toute sa vie les lacérations, dès le premier arrachage d’affiches en 1949. Parmi ses oeuvres les plus connues, on peut citer Rues Desprez et Vercingétorix, de 1966. L’oeuvre que nous présentons, Rue Bobillot / Place d'Italie, s’inscrit dans la continuation de sa démarche. Cette lacération de petite dimension est particulièrement représentative de la philosophie des affichistes français. En effet, ils prennent les affiches comme elles viennent, en ne modifiant pas le résultat et pour preuve les oeuvres ont pour titre leur lieu de réalisation. Villeglé has come to be known as the emblematic poster-shredding French artist. His name is inseparable from this technique, which he began using in 1949. One of his best-known works is Rues Desprez et Vercingétorix from 1966. The small work we are presenting, Rue Bobillot/Place d'Italie, exemplifies his approach. It is particularly representative of the French poster artists’ methods. They take the posters as they are without modifying the result and as proof the works are named after their place of production.

Estim. 60 000 - 80 000 EUR

Lot 13 - ABOUDIA (né en 1983) - Môgô, 2017 Acrylique, crayon, pastel gras et collage sur toile 118 x 150 cm - 46 29/64 x 59 1/16 in. Acrylic, pencil, oil pastel and collage on canvas Un certificat d'authenticité signé par l'artiste sera remis à l'acquéreur. PROVENANCE Collection privée, France Aboudia, de son nom complet Abdoulaye Diarrassouba, est un artiste peintre contemporain originaire de la Côte d'Ivoire. Né en 1983 à Abidjan, il est principalement reconnu pour ses oeuvres vibrantes et énergiques qui mélangent graffiti et peinture traditionnelle, reflétant les complexités sociales et politiques de son pays natal ainsi que les réalités urbaines des enfants des rues. Ses oeuvres sont souvent peuplées de figures enfantines, d'animaux, de symboles et de textes, créant des scènes vibrantes et chaotiques qui captent l'effervescence des rues d'Abidjan. L'artiste s'inspire de son environnement immédiat, en particulier des enfants des rues, et ses oeuvres témoignent des tumultes politiques et des difficultés sociales de la Côte d'Ivoire. Son style distinctif et faux-naïf est inspiré de l'iconographie des graffitis 'Nouchi' d'Abidjan (le terme fait référence à un dialecte familier qui est la langue préférée des Ivoiriens à Abidjan), des masques en bois traditionnels et du Vodou. Il emploie la figure du Môgô, qui signifie en ivoirien « le type » ou « le gars », c’est-à-dire l’homme du quotidien. Aboudia a été découvert en 2011 par un artiste allemand, Stefan Meisel, qui a vu son travail sur les réseaux sociaux, a acheté deux peintures et lui a proposé de le représenter. Suite à deux expositions à Londres, dans de grandes galeries internationales, son travail a intégré les plus grandes collections particulières et les foires majeures. Aboudia, whose full name is Abdoulaye Diarrassouba, is a contemporary painter from Côte d'Ivoire. Born in 1983 in Abidjan, he is best known for his vibrant, energetic works that blend graffiti and traditional painting, reflecting the social and political complexities of his native country as well as the urban realities of street children. His works are often populated with childlike figures, animals, symbols and text, creating vibrant, chaotic scenes that capture the effervescence of the streets of Abidjan. The artist draws inspiration from his immediate environment, particularly street children, and his works bear witness to the political tumult and social difficulties of Côte d'Ivoire. His distinctive, faux-naïve style is inspired by the iconography of Abidjan's 'Nouchi' graffiti (the term refers to a colloquial dialect that is the preferred language of Ivorians in Abidjan), traditional wooden masks and Vodou. He employs the figure of the Môgô, which in Ivorian means “the guy” or “the guy”, i.e. the everyday man. Aboudia was discovered in 2011 by a German artist, Stefan Meisel, who saw his work on social networks, bought two paintings and offered to represent him. Following two exhibitions in London at major international galleries, his work has found its way into major private collections and major art fairs.

Estim. 50 000 - 70 000 EUR

Lot 15 - JEAN-MICHEL FOLON (1934 - 2005) - Sans bagage, 2005 Bronze à patine brune, signé, numéroté 36/50 et portant le cachet du fondeur Bronze Romain et Fils sur la base 65 x 27 x 40 cm - 25 5/8 x 10 5/8 x 15 3/4 in. Bronze with brown patina, signed, numbered 36/50 and stamped Bronze Romain et Fils on the base PROVENANCE Galerie Guy Pieters, Saint-Paul-de-Vence, 2006 Collection privée, France Jean-Michel Folon est un artiste belge, né en 1934 et mort en 2005, connu pour sa vaste production éclectique. S'il est particulièrement acclamé pour ses aquarelles colorées, aux dégradées doux, à mi-chemin entre le rêve et la dystopie, Folon a eu une carrière très variée, s'intéressant tant aux techniques traditionnelles de création artistique qu'aux arts vivants. Son intérêt pour la sculpture se déclenche au contact de César dans le courant des années 1990, et en quelques années seulement Folon produit plus de 400 modèles différents. Ce travail est fortement nourri par l’esthétique des arts dits « premiers » et s’intéresse principalement à la figure humaine. Celles-ci prolongent l’oeuvre peint de l’artiste, offrant un contexte à ses figures, en même temps qu’une troisième dimension. Arpentant les jardins, les parcs et les intérieurs avec un air rêveur, souvent le regard planté dans les étoiles, toujours énigmatiques, ces figures fantomatique et introspectives ont une présence poétique tout à fait extraordinaire. Jean-Michel Folon was a Belgian artist, born in 1934 and died in 2005, known for his vast and eclectic work. Although he is particularly acclaimed for his colourful, softly shaded watercolours, halfway between a dream and a dystopia, Folon's career was highly varied, with an interest in both traditional artistic techniques and the living arts. His interest in sculpture was sparked by his contact with César in the 1990s, and in just a few years Folon produced over 400 different models. His work is strongly influenced by the aesthetics of the socalled “primitive” arts, and focuses primarily on the human figure. These extend the artist's painted work, providing a context for his figures as well as a third dimension. Strolling through gardens, parks and interiors with a dreamy air, often gazing up at the stars, always enigmatic, these ghostly, introspective figures have an extraordinary poetic presence.

Estim. 60 000 - 80 000 EUR
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