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sam. 07 sept.

Ecole provençale de la fin XVIIIe siècle représentant un décor de ruines à l’antique s’inscrivant dans un paysage néoclassique en lavis de brun dans lequel se présente le château d’Escouloubre (sous un soleil levant. Le sujet est ceint d’une bordure de faisceaux liés et se surplombe d’armoiries sous couronne de marquis tenues par deux lions et cerclées d’étendards et d’un phylactère Portant la devise : « Fortitudo mea et spes mea deus » Huile sur toile (Restaurations, chassis moderne) 159, 5 x 200 cm. Les armes sont celles de Louis de Monstron de Sauton (1755-1834), maire de Toulouse en 1814, et député aux Etats généraux de 1789 pour la noblesse du Languedoc. Il fut colonel d'infanterie ce qui explique la présence des étendards et de la décoration de l'Ordre de Saint-Louis (rajoutées à l’époque de la Restauration), accordée par défaut aux officiers de plus de 20 ans de services (24 après 1792). Partisan monarchiste au retour de Louis XVIII, il développe la province de Toulouse et notamment les terres d’Escouloubre, y modernisant le château, installant une tuilerie ainsi que des plantations censées résoudre les famines gérées par sept métairies. Il fut également le mainteneur de l’Académie des jeux floraux et grand mécène à Toulouse. Cette scène fut probablement composée pour le château d’Escouloubre puis enchâssée et déplacée dans le salon de l'hôtel du marquis d'Escouloubre à Agen, par le marquis Emmanuel de Monstron de Sauton, mort en 1930 sans postérité.

Estim. 800 - 1 000 EUR

mar. 10 sept.

JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN (Barcelone, 1931 - 2005). Sans titre, 1956. Huile sur papier collé sur carton. Signée, datée et dédicacée dans le coin supérieur gauche. Dimensions : 50 x 64 cm ; 81 x 97 cm (cadre). Cette huile sur papier appartient à une période précoce de l'artiste où il s'intéressait à la simplification formelle, influencé à la fois par l'expressionnisme d'avant-garde et l'art roman. Joan Hernández Pijuan a commencé sa formation à Barcelone, où il a fréquenté les écoles des beaux-arts de La Lonja et de Sant Jordi, avant de terminer ses études à l'École des beaux-arts de Paris. Nommé professeur à la faculté des beaux-arts de Barcelone en 1981, Hernández Pijuan occupe une place unique parmi les artistes espagnols des dernières décennies. La force de son individualité créatrice le place en marge des tendances et des modes dominantes successives, mais n'empêche pas de reconnaître dans son œuvre une profonde identification avec les préoccupations esthétiques de son temps. Hernández Pijuan a commencé sa carrière en pratiquant un expressionnisme tragique à forte charge sociale, et c'est à cette époque qu'il a formé, avec les autres membres du groupe Sílex, ce que l'on appelle l'école de Barcelone. Dans les années soixante-dix, il simplifie son expression jusqu'à adopter la figuration géométrique, style qu'il abandonne au cours de la décennie suivante pour se consacrer à l'informalisme. En fait, l'intérêt et la fascination pour la carrière de ce peintre sont toujours aussi forts, et il fait l'objet de nouvelles expositions et de présentations publiques de son œuvre. De son vivant, il a présenté des expositions personnelles dans plusieurs villes espagnoles, ainsi qu'à Zurich, Milan, Johannesburg, Cologne, Genève, New York, Paris et Osaka, entre autres villes du monde. En 2003, il a fait l'objet d'une grande rétrospective au MACBA de Barcelone, qui a ensuite été présentée au Musée d'art et d'histoire de Neuchâtel (France), à la Konsthalle de Malmö (Suède) et à la Galleria Comunale d'Arte Moderna de Bologne (Italie). Même après sa mort, son œuvre a continué à être présentée au niveau international, comme en témoignent les expositions qui lui ont été consacrées à la Flowers Gallery de Londres (2006), aux Instituts Cervantes de New York, Chicago et Lisbonne (2007), au Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca (2008), à la Andres Thalmann Gallery de Zurich (2009), au Baukunst de Cologne (2010), à l'Altana Kulturstiftung de Bad Homburg (Allemagne, 2011) et au Museum of Modern Art de Moscou (2012), parmi beaucoup d'autres. Hernández Pijuan a été doyen de la faculté des beaux-arts de l'université de Barcelone et, en 2000, il a été nommé membre de la Real Academia de San Fernando à Madrid. En 1981, il a reçu le Premio Nacional de Artes Plásticas, en 1985 la Cruz de Sant Jordi et, en 2004, le prix de la ville de Barcelone. Il a également reçu le prix de la direction générale des beaux-arts à l'exposition nationale d'Alicante en 1957, le premier prix de peinture "Peintres résidents" à Paris (1958), le prix "Malibor" à la biennale de gravure de Ljubljana (1965), la biennale internationale de gravure de Cracovie (1966) et le prix éditorial "Vijesnik u Srijedu" à Zagreb (1970). Hernández Pijuán est représenté au MACBA, au musée d'art abstrait espagnol de Cuenca, au Reina Sofía de Madrid, au musée Patio Herreriano de Valladolid et au musée basque d'art contemporain, ainsi que dans des centres étrangers tels que le musée Guggenheim de New York, le Liaunig (Autriche), le musée d'art contemporain d'Helsinki, le musée des beaux-arts d'Helsinki (Finlande), le musée d'art contemporain d'Helsinki, le musée d'art contemporain d'Helsinki, le musée d'art contemporain d'Helsinki en Finlande, le musée des beaux-arts d'Helsinki en Finlande et le musée d'art contemporain d'Helsinki en Finlande, les musées d'art contemporain d'Helsinki et de Luxembourg, la Kulturstiftung de Bad Homburg (Autriche), la Yamaguchi Gallery d'Osaka (Japon), le Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, la Galerie nationale de Montréal, le musée d'art moderne de Buenos Aires et le musée Sztuki de Lodz (Pologne).

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

mar. 10 sept.

JAVIER MARISCAL (Almazora, Castellón, 1950). Palo Alto, Barcelone. Mai 2006. Huile sur toile. Signée et datée dans la marge droite ; signée, localisée et datée au dos. Provenance ; Collection privée Dimensions : 180 x 160 cm. La maîtrise de Javier Mariscal pour composer des scènes animées, des foules éclairées par la magie de la nuit, n'a pas de concurrent. Avec un style insouciant, il dispose les personnages de cette toile de manière apparemment aléatoire, mais sous le chaos apparent des projecteurs, des toasts, des sourires, des corps et des tables, il y a une rigueur de composition qui est le résultat de dons authentiques. Mariscal s'abreuve à la bande dessinée, mais transforme le dessin animé en une incursion sociologique et plastique. On reconnaît sa signature dans chacun de ses personnages, ces visages synthétiques et certains d'entre eux légèrement canins, qui rappellent l'une des mascottes les plus célèbres des dernières décennies. Dessinateur industriel, caricaturiste et auteur de bandes dessinées de renom, Javier Mariscal vit et travaille à Barcelone depuis 1970. Il a étudié le design à l'école Elisava de Barcelone, mais a rapidement abandonné ses études pour apprendre directement de son environnement et suivre ses propres impulsions créatives. Il a commencé sa carrière dans le monde de la bande dessinée underground dans des publications telles que "El Rrollo Enmascarado" ou "Star", aux côtés de Farry, Nazario et Pepichek. Après avoir réalisé ses premières bandes dessinées au milieu des années 1970, il dessine en 1979 le logo du Bar Cel Ona, œuvre pour laquelle il commence à être connu du grand public. L'année suivante, le Dúplex ouvre ses portes à Valence, le premier bar signé par Mariscal, avec Fernando Salas, pour lequel il conçoit l'une de ses pièces les plus célèbres, le tabouret Dúplex, véritable icône du design des années 80, tant à l'intérieur qu'à l'extérieur de nos frontières. En 1981, son travail de designer de meubles l'amène à participer à l'exposition du groupe Memphis à Milan. En 1987, il expose au Centre Georges Pompidou à Paris et participe à la Documenta de Kassel. Deux ans plus tard, son dessin Cobi est choisi comme mascotte des Jeux olympiques de Barcelone de 1992, d'abord controversé, mais aujourd'hui reconnu comme la mascotte la plus rentable de l'histoire des Jeux modernes. En 1989, il crée l'Estudio Mariscal et collabore à divers projets avec des designers et des architectes tels qu'Arata Isozaki, Alfredo Arribas, Fernando Salas, Fernando Amat et Pepe Cortés. Parmi ses travaux les plus remarquables figurent les identités visuelles du parti socialiste suédois, de la station de radio Onda Cero, du zoo de Barcelone, de l'université de Valence, du centre de design et d'architecture Lighthouse à Glasgow, du centre culturel GranShip au Japon et de la société de postproduction londonienne Framestore. En 1999, il a reçu le prix national du design, décerné par le ministère espagnol de l'industrie et la fondation BCD en reconnaissance de l'ensemble de sa carrière professionnelle.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

mar. 10 sept.

ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). "Composition rouge et noire", vers 1962. Huile et gouache sur papier lithographié monté sur toile. Un certificat délivré par les Archives Antoni Clavé est joint. L'œuvre est enregistrée aux Archives Antoni Clavé, Paris. No : 62TMPMT18. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 57 x 77 cm ; 67 x 87 cm (cadre). Sur un fond sombre, l'intensité du rouge ressort, atteignant un contraste de couleurs qui apporte de la vivacité à la composition et éveille le regard du spectateur. Par le jeu du rouge et du noir, ressource souvent utilisée par Antoni Clave, l'artiste déploie tout un ensemble d'éléments, apparemment aléatoires, qui s'assemblent pour former une composition baroque. Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'école des beaux-arts San Jordi de Barcelone, Clavé se consacre d'abord au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile en rejoignant les rangs des républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. À partir de cette période, Clavé développe une œuvre marquée par un style différent, moins classique. Au cours de cette période, ses figures perdent peu à peu leur précision et leur forme pour laisser place aux lignes et à une gamme personnelle de couleurs et de textures qui deviendront les principales caractéristiques de ses œuvres à partir de cette époque. Il jouit déjà d'un grand prestige international au moment où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la Sala Gaspar de Barcelone en 1956. Dans les années 1960, il rend hommage au Greco et sa peinture de cette époque révèle les influences de ce maître, ainsi que celles des peintres baroques. Le thème du chevalier avec la main sur la poitrine prend une importance particulière, une référence qui sera répétée dans les œuvres futures de Clavé. Cette période se caractérise par le passage définitif à l'abstraction. Dans les années 1970, l'œuvre de Clavé continue d'évoluer, utilisant diverses techniques comme le collage et en inventant de nouvelles comme le "papier froissé", résultat de l'utilisation fortuite d'un aérosol sur du papier froissé. En 1978, le Musée national d'art moderne de Paris, aujourd'hui Centre Georges Pompidou, lui consacre une rétrospective qui en fait l'un des artistes les plus prestigieux de sa génération. Ses dernières œuvres se caractérisent par la recréation de textures au sein de l'abstraction, avec un usage abondant du papier froissé. Il a été primé au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris et de Tokyo, au British Museum et au musée Reina Sofía de Madrid.

Estim. 12 000 - 13 000 EUR

mar. 10 sept.

FERNANDO GARCIA PONCE (Mérida, Yucatán, 1933 - Mexico, 1987) Sans titre. Huile et collage sur toile. Dimensions : 76 x 115 cm. Provenance : Collection Maria Lluisa Borrás, Barcelone. Fernando García Ponce appartient à la génération de la fin des années cinquante appelée "Génération de la rupture", car sa proposition marque une distance totale avec ce que l'on appelle l'école mexicaine. Ainsi, des expressions telles que le géométrisme, l'abstraction, l'informalisme, le néo-figuratif, qui étaient des expressions artistiques presque interdites dans les années 60, ont commencé à dominer la scène artistique. Il est né le 25 août 1933 à Mérida, dans le Yucatan. À l'âge de 11 ans, sa famille déménage dans la capitale du pays. En 1952, il entre à l'université nationale autonome du Mexique pour étudier l'architecture ; il fréquente également l'atelier du peintre valencien Enrique Climent, qui reconnaît son talent et, bien qu'il ne se consacre pas à l'enseignement, décide de devenir son professeur. Ses premières peintures datent de 1954, ce sont des portraits de famille, mais deux ans plus tard, la géométrie prend une place importante dans ses œuvres. En 1957, il effectue plusieurs voyages en Europe et décide d'abandonner l'architecture pour se consacrer entièrement à la peinture. Sa première exposition individuelle a lieu à la Galería de Arte Mexicano (1959), avec 26 peintures à l'huile de natures mortes ; en 1960, il réalise une composition abstraite intitulée No. 1, un tournant qui marque définitivement son œuvre. Avec une série de collages, il reçoit une mention honorable au Salón de la Plástica Mexicana. Dans les années soixante apparaît le terme Ruptura, qui définit un groupe générationnel d'artistes auquel appartient Fernando García Ponce et qui marque la nouvelle peinture mexicaine. García Ponce participe à nouveau à la Galería de Arte Mexicano et à la Colectiva de Pintura Contemporánea de México y América del Sur (1961). Deux ans plus tard, sa peinture est déjà totalement abstraite et il expose 14 œuvres à la galerie Juan Martin. Il participe également à la Colectiva de Arte Actual de América y España, qui se tient à Madrid. En 1974, sa peinture révèle la volonté de synthétiser l'ordre géométrique froid. Pendant l'été 1976, García Ponce se rend à Paris avec sa femme Denise et son fils Esteban, puis passe une saison à Barcelone, où il réalise deux dossiers graphiques contenant 10 sérigraphies et 12 lithographies. À son retour au Mexique, le Musée d'art moderne (1978) organise une grande exposition de 40 œuvres réalisées entre 1977 et 1978. Un an après cet événement, sa femme Denise meurt tragiquement, mais Garcia Ponce reste concentré et sa créativité demeure intacte ; la peinture de ces années est puissante et extrêmement inspirée. Il présente régulièrement son exposition annuelle à la galerie Ponce et participe à des expositions collectives à la Casa de las Americas (Cuba), au musée Picasso (Antibes, France), aux Jornadas Culturales de Colombia, au Carnegie Institute de Pittsburg (USA) et au National Art Center d'Ottawa (Canada), entre autres. Âgé de 54 ans et considéré comme l'un des artistes les plus importants des arts plastiques nationaux, García Ponce est décédé dans son atelier (11 juillet 1987) d'un infarctus du myocarde.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR
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