50 - École florentine, vers 1500. D’après un modèle de Desiderio da Settignano (Settignano, vers 1429 – Florence, 1464).

École florentine, vers 1500. D’après un modèle de Desiderio da Settignano (Settignano, vers 1429 – Florence, 1464). « Vierge à l’Enfant » (Madone de Turin). Relief en terre cuite polychrome. Il présente des traces d’usure au niveau de la polychromie, des craquelures et des pertes dans la couche de peinture. Dimensions : 56,5 x 39 x 2 cm. Ce relief est directement lié à l’un des modèles mariaux les plus réputés de la sculpture florentine du XVe siècle : la « Vierge de Turin », une composition traditionnellement attribuée à Desiderio da Settignano, dont la version en marbre est conservée à la Galleria Sabauda de Turin. L’œuvre offre un aperçu intéressant de la diffusion des modèles sculpturaux de la Renaissance à travers des versions réalisées en terre cuite polychrome et en stuc — des matériaux qui ont permis de transposer les créations des grands maîtres en images destinées à la dévotion privée. Son intérêt réside notamment dans sa reproduction fidèle d’une composition d’une grande sensibilité émotionnelle, dans laquelle la relation entre la Vierge et l’Enfant revêt une intimité rarement observée dans les représentations religieuses de la tradition médiévale. Desiderio da Settignano fut l’un des sculpteurs les plus éminents de la Florence du XVe siècle et se distingua notamment par sa capacité à faire du relief un moyen d’expression d’une délicatesse extraordinaire. S’appuyant sur les innovations de Donatello, il développa un style personnel caractérisé par la douceur de son modelé, l’élégance de ses figures humaines et la représentation des émotions à travers des gestes d’un naturel sobre. Ses compositions mariales ont joué un rôle décisif dans le renouveau de l’iconographie de la Vierge à l’Enfant, remplaçant progressivement la solennité des modèles antérieurs par une vision plus humaine de la maternité. Sa maîtrise est évidente dans des œuvres telles que la « Madone de Foulc », conservée au Philadelphia Museum of Art, considérée comme l’une des grandes réussites du relief sculptural de la Renaissance. Ces compositions ont connu une popularité extraordinaire. Les ateliers florentins reproduisaient les modèles des sculpteurs les plus prestigieux à l’aide de moules permettant de réaliser des versions dans des matériaux plus accessibles que le marbre, souvent enrichies de polychromie et de dorures. Loin d’être de simples reproductions décoratives, ces images s’inscrivaient dans une importante tradition de sculpture dévotionnelle, destinée aux oratoires domestiques, aux chapelles privées et aux espaces de contemplation religieuse. L’existence de nombreuses versions conservées témoigne de la popularité dont ces modèles jouissaient auprès des mécènes florentins à la fin du XVe siècle. La comparaison avec une Vierge à l’Enfant en stuc polychrome conservée à l’Art Institute of Chicago, n° d’inventaire 1985.111, qui reproduit la même composition que la Vierge de Turin, revêt une importance particulière. Certains chercheurs ont établi un lien entre sa polychromie et le cercle de Neri di Bicci, un peintre florentin dont l’œuvre est attestée dans la décoration de reliefs destinés à la dévotion privée. Le lien entre ces deux œuvres permet de replacer la pièce présentée ici dans une tradition artistique où sculpteurs et peintres collaboraient pour créer des images d’une grande richesse expressive et chromatique. Le lien entre Desiderio et les ateliers florentins de polychromie est étayé par des sources documentaires datant du XVe siècle lui-même. Les *Ricordanze* de Neri di Bicci font état de commandes pour la décoration et la dorure de reliefs mariaux associés à Desiderio, dont certains étaient destinés à des particuliers. Ces témoignages sont particulièrement importants car ils démontrent que la production de versions polychromes de compositions sculpturales prestigieuses n’était pas un phénomène limité aux périodes ultérieures, mais bien une pratique pleinement intégrée au marché de l’art florentin de la Renaissance. Cette composition trouve également des parallèles dans d’autres musées internationaux, tels que le musée d’art de l’université de Princeton, qui abrite un relief en stuc polychrome représentant la Vierge à l’Enfant attribué à Desiderio da Settignano, et la National Gallery of Victoria, où est conservée une autre version italienne issue de la même tradition, datant du XVe siècle. La présence de ces exemples dans les collections institutionnelles souligne l’importance que ce type d’œuvre a acquise pour l’étude de la sculpture domestique de la Renaissance. Le relief exposé a conservé sa polychromie qui, malgré les pertes et l’usure, permet d’apprécier la conception chromatique de l’image, avec des contrastes marqués entre les teintes de chair, le manteau de la Vierge et le fond bleuté. La surface peinte est un élément essentiel pour comprendre la fonction originelle de ce type d’œuvre, dans laquelle la couleur contribuait à intensifier la proximité émotionnelle et le caractère dévotionnel de la représentation. Cette Vierge à l’Enfant témoigne ainsi de l’extraordinaire diffusion des modèles de Desiderio da Settignano et de l’importance de la terre cuite polychrome dans la sculpture de la Renaissance florentine.