47 - École napolitaine ; début du XVIIIe siècle.

École napolitaine ; début du XVIIIe siècle. « Saint Pape ». Argent. Présente des traces de restauration. Elle porte des poinçons sur le socle. Le socle est d’une époque postérieure. Dimensions : 50 x 21 x 14 cm ; 9 x 18 cm (diamètre de la base). D’une qualité technique remarquable et d’une grande richesse ornementale, cette sculpture en argent constitue un exemple intéressant de représentation religieuse à petite échelle, où la noblesse de la matière s’allie à une sensibilité naturaliste marquée et à un rendu soigné des traits du visage. La figure, probablement modelée sur un noyau en bois, représente un haut dignitaire ecclésiastique, identifiable comme un pape ou un évêque, revêtu d’habits liturgiques et coiffé d’une mitre. Dans une main, il tient une croix pontificale à trois barres, attribut de la plus haute dignité ecclésiastique et symbole d’autorité spirituelle, tandis que dans l’autre, il tient un livre, vraisemblablement la Bible, en référence à la doctrine et à la transmission de la foi. Il convient de souligner tout particulièrement le rendu du visage, avec son expression sereine et son extraordinaire naturalisme, encadré par des cheveux légèrement bouclés. La minutie avec laquelle les traits du visage et les détails du vêtement sont rendus, ainsi que le contraste entre les surfaces en argent et les volumes de la figure, mettent en évidence le savoir-faire de l’artisan et sa capacité à insuffler à la représentation présence et personnalité. De par sa conception et son traitement formel, cette pièce revêt un intérêt particulier au sein de la tradition de la sculpture religieuse et de l’orfèvrerie napolitaines du XVIIIe siècle. D’un point de vue stylistique, l’œuvre s’inscrit dans le milieu artistique napolitain du XVIIIe siècle, l’une des traditions les plus marquantes de la sculpture baroque italienne. Au cours de cette période, Naples a produit un corpus extraordinairement riche d’images religieuses réalisées en bois polychrome, en terre cuite, en argent et dans d’autres matériaux, caractérisées par la recherche d’un naturalisme convaincant et par une attention particulière portée aux détails des vêtements, aux expressions faciales et aux qualités tactiles. L’association de matériaux nobles et de structures internes en bois a permis aux sculpteurs et aux orfèvres d’obtenir des résultats d’une grande richesse visuelle, en particulier dans les images destinées au culte et à la dévotion privée. Dans ce contexte, cette pièce se distingue par l’intégration de la tradition sculpturale baroque au raffinement caractéristique de l’orfèvrerie religieuse. Son importance historique doit également être comprise dans le contexte du profond renouveau de l’imagerie religieuse impulsé par la Contre-Réforme. À la suite de la Réforme protestante, l’Église catholique réaffirma la valeur des images sacrées lors du Concile de Trente, en particulier lors de sa 25e session, tenue en 1563. Le décret correspondant confirma la légitimité de leur vénération, établissant que l’hommage rendu aux images s’adressait aux figures saintes qu’elles représentaient, et souligna la nécessité d’éviter les représentations indécentes ou contraires à la doctrine. Ces dispositions ont eu un impact profond sur le développement de l’art catholique aux XVIIe et XVIIIe siècles, favorisant la prolifération d’images de saints, de papes et d’autres figures religieuses destinées tant aux grands espaces ecclésiastiques qu’aux lieux de dévotion privée. La sculpture religieuse devint ainsi un moyen privilégié de transmettre la doctrine et d’exalter l’autorité spirituelle de l’Église — un contexte dans lequel cette œuvre doit être replacée. Elle a été restaurée.