JOAQUIN VAQUERO TURCIOS Madrid (1933) / Santander (2010) "Ruines classiques".
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JOAQUIN VAQUERO TURCIOS Madrid (1933) / Santander (2010) "Ruines classiques". Technique mixte sur toile Signé dans le coin inférieur gauche Dimensions : 65 x 81 cm

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JOAQUIN VAQUERO TURCIOS Madrid (1933) / Santander (2010) "Ruines classiques". Technique mixte sur toile Signé dans le coin inférieur gauche Dimensions : 65 x 81 cm

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Estim. 1 000 - 1 200 EUR

BERTA JAYO (Santander, 1971). "Toile violette trouée", 2003. Technique mixte sur toile. Présente l'étiquette de la galerie Siboney (Santander). Dimensions : 195 x 195 cm. Dans cette œuvre de grand format, l'artiste perfore le support, introduisant dans l'œuvre un vide qui permet au spectateur de voir derrière ces trous. Il repense ainsi un objet bidimensionnel à travers l'espace, en lui donnant des éléments de sculpture, tels que l'interaction de l'objet avec l'espace contextuel de manière active. Ces grands grains de beauté sont une ressource largement utilisée dans le travail de Berta Jayo qui, à travers ses performances ou des séries telles que "Portraits et vêtements", présente au spectateur ce motif si associé à l'Espagne, mais d'un point de vue contemporain qui réfléchit à l'identité et à la tradition. Berta Jayo est une artiste pluridisciplinaire qui a commencé ses études en beaux-arts à l'université de Bilbao, où elle a obtenu son diplôme avec mention. Elle a ensuite poursuivi des études de troisième cycle et de maîtrise en beaux-arts au Chelsea College of Art and Design de Londres. Elle a participé à de nombreux programmes tels que l'ISCP (International studio and Curational Program) à New York. Comme le décrit son site web, elle est une créatrice anticonformiste, critique et talentueuse en constante évolution, dont le langage le plus clair est l'art conceptuel développé dans une grande variété de médias. Ses idées claires et concises incitent à la réflexion, ce qui perturbe et provoque notre intellect. Ses projets originaux, chargés de puissance, réveillent notre existence anesthésiée et banale pour nous offrir ses visions de la vie loin des stéréotypes. Son travail a été exposé dans de nombreux pays et a été présenté lors de foires d'art internationales telles que ARCO Madrid, SWAB Barcelone, FRIEZE Londres, PULSE New York, Art BASEL Suisse, 57e Biennale de Venise, Documenta 14 Kassel Allemagne, dans des festivals internationaux comme le Video Screen Festival à Berlin ou le New Media Festival HACS Miami, dans des espaces publics ou des musées comme le MAM RD, MAS, The Chill Concept Museum Miami, CAC Malaga, CAM Naples, Bronx Museum NYC, Reina Sofia, Tate Modern, Guggenheim Bilbao, MoMA, Louvre Paris. D'autres expositions importantes ont été organisées : Exquisite Doll Kit, Mexique, itinérante, Artistas del siglo XX y XXI, itinérante, Sala Robayera, Ellas, Madrid, itinérante, Void + Tokyo, Japon. Présente l'étiquette de la Siboney Gallery (Santander).

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

EMILIO POY DALMAU (Madrid, 1876 - 1933). "Garrochistas". Huile sur toile. Elle présente des défauts et des restaurations. Cadre du 19ème siècle avec défauts. Dimensions : 31 x 44 cm ; 45 x 58 cm (cadre). La touche de cette œuvre est marquée dans certaines zones, tandis que d'autres (dans l'espace le visage de la jeune femme) présentent un dessin plus détaillé et lié à l'académisme du XIXe siècle. Emilio Poy Dalmau a cultivé le portrait et les thèmes de genre. Il commence sa formation à l'école de peinture, de sculpture et de gravure San Fernando de Madrid, où ses principaux professeurs sont Joaquín Araujo et Francisco Padilla. À l'âge de vingt-six ans, il obtient une pension à Rome, après avoir remporté le concours public avec son œuvre "El capuchón negro", une toile saluée par le public et la critique. Il participe assidûment aux expositions nationales des beaux-arts, où il obtient une mention honorable en 1895 et 1897, une troisième médaille en 1901, 1906 et 1908, et une deuxième médaille en 1910. Il enseigne le dessin à l'École des arts et métiers de Madrid. Les œuvres de Poy Dalmau sont conservées au musée du Prado.

Estim. 3 000 - 3 200 EUR

RAMÓN PARADA JUSTEL (Esgos, Orense, 1871-1902). "Scène de la comédie avec Virgile et Dante", 1996. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin supérieur droit. Dimensions : 32 x 40 cm ; 50 x 59 cm (cadre). Ramón Parada Justel se forme à l'école San Fernando de Madrid, où l'empreinte de Carlos de Haes sera déterminante pour son évolution. Il élargit ses références esthétiques à Rome, où il voyage grâce à une bourse de la Diputación de Orense. Sa courte vie se déroule entre sa terre natale et Madrid. Il participe à plusieurs expositions nationales et obtient des médailles de troisième classe à deux reprises, en 1899 et 1901. Il s'inscrit dans l'éclectisme, adoptant les techniques et les thèmes les plus divers, un style partagé avec des peintres galiciens de sa génération comme Jenaro Carrero ou Joaquín Vaamonde. Justel sera, avec ces auteurs, l'un des membres de la mythique Xeracion Doente (Génération Douloureuse), dénomination promue par Bello Piñeiro pour définir le groupe de peintres ayant vécu durant les trois dernières décennies du XIXe siècle et qui sont devenus un lien entre la tradition picturale du XIXe siècle et la rénovation artistique qui allait arriver avec le nouveau siècle. Son intérêt pour le paysage sera une constante, évoluant de l'académisme à un style libre et spontané, produit de la capture directe de la nature. Ses taches de couleur dénotent un léger empâtement et un coup de pinceau instinctif. Il capture les effets de lumière qui construisent les différents plans de profondeur. Il avait l'habitude de peindre les environs de Madrid. Il a également pratiqué le genre orientaliste, le nu et le portrait. Il a été chargé de décorer l'autel de San Antonio de Padua dans la cathédrale d'Orense. Justel mourut de la tuberculose, la même maladie qui emporta d'autres peintres importants comme Jenaro Carrero Fernández, Ovidio Murguía de Castro et Joaquín Vaamonde Cornide. Il est représenté au musée archéologique d'Orense.

Estim. 900 - 1 000 EUR

JOAQUÍN SOROLLA Y BASTIDA (Valencia, 1863 - Cercedilla, Madrid, 1923). Livre d'artiste "Los paisajes de Sorolla" avec deux planches. Fac-similé sur papier Old Mill Bianco, 100g. Copie 1804/2998. Livre d'étude joint. Editeur ARTIKA. Dimensions : 35,3 x 45,5 cm cm (livre), 35,3 x 45,7 cm (planches, x2) ; 41 x 53 x 12,5 cm (étui). Éditions uniques avec des reproductions en fac-similé de 73 dessins de Joaquín Sorolla, appartenant au Musée Sorolla et à la Fondation du Musée Sorolla de Madrid. Joaquín Sorolla (Valence, 1863 - Cercedilla, Madrid, 1923) a manifesté son goût pour le dessin et la peinture en suivant les cours de dessin donnés l'après-midi par le sculpteur Cayetano Capuz à l'École des artisans. Après avoir terminé ses études préliminaires à l'École normale supérieure, il entre à la prestigieuse École des beaux-arts de San Carlos, à Valence, en 1879. Lors de ses visites à Madrid en 1881 et 1882, il copie des peintures de Velázquez, Ribera et El Greco au musée du Prado. Deux ans plus tard, il obtient un grand succès à l'Exposition nationale des beaux-arts avec une peinture d'histoire, ce qui l'incite à demander une bourse pour étudier à l'Académie espagnole des beaux-arts de Rome. Ayant atteint son objectif, Sorolla part pour Rome en 1885, après avoir séjourné plusieurs mois à Paris. Dans la capitale française, il est impressionné par les peintures réalistes et les peintres qui travaillent en plein air. À la fin de ses années à Rome, il retourne à Valence en 1889 et s'installe à Madrid l'année suivante. En 1892, Sorolla montre une nouvelle préoccupation dans son art, s'intéressant aux problèmes sociaux en représentant la triste scène de "¡Otra Margarita !", récompensée par une médaille de première classe au National et, l'année suivante, à l'International de Chicago. Cette sensibilité restera présente dans son œuvre jusqu'à la fin de la décennie, dans ses représentations sur la côte valencienne. Peu à peu, cependant, le maître valencien abandonnera les thèmes des enfants malheureux que l'on retrouve dans "Triste herencia", qui avait été primé à l'Exposition universelle de Paris en 1900 et à la Nationale de Madrid un an plus tard. Encouragé par le succès de ses images resplendissantes de la Méditerranée, et stimulé par son amour de la lumière et de la vie de ses plages ensoleillées, il se concentre sur ces scènes dans ses œuvres, plus gaies et agréables, avec lesquelles il atteindra une renommée internationale. En 1906, il réalise sa première exposition personnelle à la galerie George Petit à Paris, où il démontre également ses talents de portraitiste. En 1908, l'Américain Archer Milton Huntington, impressionné par l'exposition de l'artiste à la Grafton Gallery de Londres, cherche à acquérir deux de ses œuvres pour sa Société hispanique. Un an plus tard, il invite lui-même Sorolla à exposer dans son institution, ce qui donne lieu à une exposition en 1909 qui connaît un énorme succès. La relation entre Huntington et Sorolla débouche sur la commande la plus importante de la vie du peintre : la réalisation des immenses toiles destinées à illustrer, sur les murs de la Société hispanique, les régions d'Espagne. Cherchant à capter l'essence des terres et des gens de son pays, Sorolla parcourt l'Espagne entre 1911 et 1919, tout en continuant à organiser des expositions. Handicapé par une crise d'hémiplégie en 1921, Sorolla meurt deux ans plus tard, sans avoir vu sa grande "Vision de l'Espagne", qui ne sera installée qu'en 1926. Il est actuellement représenté au musée du Prado et à celui qui porte son nom à Madrid, au Metropolitan Museum de New York, au musée d'Orsay à Paris, au J. Paul Getty Museum de Los Angeles, aux musées des beaux-arts de Bilbao et de Valence, à la National Portrait Gallery de Londres et à bien d'autres encore.

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