Null Triona SWEENEY
Now, I see a startlingly changed future coming towards us at…

Description

Triona SWEENEY Now, I see a startlingly changed future coming towards us at a rate of knots, 2023 Huile sur lin encadrée 40 x 40 cm Extract from Neil Hegarty’s essay Klondike’ from Impermanence Les lieux représentés dans le travail de Triona Sweeney s’inspirent du concept de non-lieu, de « l’entre-deux ». Ils mettent en avant le sens dans lequel la composition finale est le résultat de l’accrétion et de la fusion : observer des paysages et des caractéristiques de plusieurs endroits différents, et les remodeler, les refondre et les réimaginer à travers le processus de dessin et de peinture. Les compositions gestuelles intimes dépeignent un voyage. Il s’agit plutôt de paysages interstitiels marqués par l’intervention humaine. Des espaces où l’humain rencontre le monde naturel. Ces lieux sont inhabités, mais sont anthropomorphisés par l’artefact de l’habitation. En ce sens, son travail s’intéresse à la subjectivité de la perception de l’espace lui-même. Et, en considérant le rôle et la signification des non-lieux, elle met en avant une compréhension émergente de ces espaces.

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Triona SWEENEY Now, I see a startlingly changed future coming towards us at a rate of knots, 2023 Huile sur lin encadrée 40 x 40 cm Extract from Neil Hegarty’s essay Klondike’ from Impermanence Les lieux représentés dans le travail de Triona Sweeney s’inspirent du concept de non-lieu, de « l’entre-deux ». Ils mettent en avant le sens dans lequel la composition finale est le résultat de l’accrétion et de la fusion : observer des paysages et des caractéristiques de plusieurs endroits différents, et les remodeler, les refondre et les réimaginer à travers le processus de dessin et de peinture. Les compositions gestuelles intimes dépeignent un voyage. Il s’agit plutôt de paysages interstitiels marqués par l’intervention humaine. Des espaces où l’humain rencontre le monde naturel. Ces lieux sont inhabités, mais sont anthropomorphisés par l’artefact de l’habitation. En ce sens, son travail s’intéresse à la subjectivité de la perception de l’espace lui-même. Et, en considérant le rôle et la signification des non-lieux, elle met en avant une compréhension émergente de ces espaces.

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Estim. 300 - 400 EUR

Anonyme. Procez et amples examinations sur la vie de Caresme-Prenant [...] Traduit d'Italien en François. Paris, sn, 1605 [XVIIIe siècle]. In-8, [9] ff. Réimpression, faite à une date difficile à déterminer du XVIIIe siècle, de l'édition originale d'une pièce burlesque ayant pour thème les festivités d'entrée en Carême, et que l'on trouve très rarement dans ses impressions du XVIIe siècle. A la suite, ont été également réimprimées 7 pièces galantes qui l'accompagnent normalement dans les recueils du XVIIe : 1. Traicté de mariage entre Julian Peoger dit Janicot, & Jacqueline Papinet sa future espouse. Lyon, 1611 (XVIIIe), (8) ff. 2. La Copie d'un bail et ferme faicte par une jeune dame de son con. Pour six ans. Paris, Viart, 1609 (XVIIIe siècle), (3) ff. 3. La Raison pourquoy les femmes ne portent barbe au menton, aussi bien qu'à la pénillière ; et ce qui a esmeu nosdictes femmes à porter les grandes queuës. Paris, 1601 (XVIIIe), (4) ff. 4. La Source du gros fessier des nourrices, et la raison pourquoy elles sont si fendues entre les jambes. Avec la complainte de Monsieur le Cul contre les inventeurs des vertugalles. Imprimé pour Yves Bomont, sd [XVIIIe]. (8) ff. 5. La Source et origine des cons sauvages, et la manière de les aprivoiser, et le moyen de prédire toutes choses à advenir par iceux. Lyon, Jean de la Montagne, 1610 [XVIIIe]. (11) ff. 6. La grande et véritable pronostication des cons sauvages, avec la manière de les aprivoiser, nouvellement imprimée par l'autorité de l'abbé des Conars. [XVIIIe]. (5) ff. 7. Sermon joyeux d'un depucelleur de nourrices. [XVIIIe]. (6) ff. Demi-maroquin rouge à coins, dos à nerfs finement orné, titre doré, date en queue, triple filet doré sur les plats (rel. 19e s.). Qqs petites rousseurs. Bel exemplaire. (Brunet I, 1576 et IV, 893 ; Gay, III, 870-71.) Ex-libris gravé de la bibliothèque de Mr Beaupré, conseiller à la cour de Nancy. Ex-libris JM.

Estim. 15 000 - 18 000 EUR

SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Gérone, 1904 - 1989). "Danse du temps II", 1979. Bronze à patine verte. Exemplaire 44/350. Edition limitée à 350+35 E.A. Base en marbre. Signé en bas à gauche du socle et numéroté au recto du socle. Avec le cachet de la fonderie sur le devant de la base. Une copie du certificat d'authenticité est jointe. Dimensions : 30,5 x 24 x 24 cm (figure) ; 2,5 x 24,5 x 25 cm (socle en marbre). Le motif de l'horloge fondue est probablement le plus apprécié des objets surréalistes de Dalí. Dans le tableau "La persistance de la mémoire" (1931), les horloges molles se détachent de leur support et glissent sur un terrain aride aux cadences métaphysiques. L'horloge sculpturale présentée ici a été conçue par Dalí quarante ans plus tard. Le bronze patiné vert et les détails en bronze doré semblent se fondre comme un joyau liquide, nous suggérant que le temps linéaire et objectif n'existe pas, mais qu'il est malléable et subjectif, ludique et élastique comme cette horloge dont le cadran et les chiffres arabes sont allongés et déformés par l'effet de la gravité. Dalí, grand lecteur de Freud, a soutenu le concept freudien de "l'élasticité du temps psychique" (celui de la mémoire et des rêves) et a réussi à lui donner une forme visuelle unique. Il convient également de noter que les œuvres de Dalí avec des horloges fondues contiennent une critique sous-jacente de la rigidité du temps dans la société moderne, où les gens sont souvent dominés par l'horloge et le concept de temps linéaire. Dans ses jeunes années, Dalí découvre la peinture contemporaine lors d'une visite familiale à Cadaqués, où il rencontre la famille de Ramon Pichot, un artiste qui se rend régulièrement à Paris. Sur les conseils de Pichot, Dalí commence à étudier la peinture avec Juan Núñez. En 1922, Dalí s'installe à la célèbre Residencia de Estudiantes de Madrid pour commencer à étudier les beaux-arts à l'Académie San Fernando. Cependant, avant ses examens finaux en 1926, il est renvoyé pour avoir prétendu qu'il n'y avait personne en mesure de l'examiner. La même année, Dalí se rend pour la première fois à Paris. Il y rencontre Picasso et établit certaines caractéristiques formelles qui deviendront distinctives de toute son œuvre à partir de ce moment-là. Son langage absorbe les influences de nombreux styles artistiques, de l'académisme classique à l'avant-garde la plus novatrice. À cette époque, le peintre se laisse pousser une moustache qui attire l'attention, imitant celle de Vélasquez, et qui deviendra sa marque personnelle pour le reste de sa vie. En 1929, Dalí collabore avec Luis Buñuel à la réalisation de "Un perro andaluz" (Un chien andalou), qui présente des scènes de l'imaginaire surréaliste. En août de la même année, il rencontre sa muse et future épouse Gala. Pendant cette période, Dalí expose régulièrement à Barcelone et à Paris, et rejoint le groupe surréaliste basé dans le quartier parisien de Montparnasse. Son travail influence grandement l'orientation du surréalisme pour les deux années suivantes, et il est salué comme le créateur de la méthode paranoïaque-critique, qui aiderait à accéder au subconscient en libérant des énergies artistiques créatives. Le peintre débarque en Amérique en 1934, grâce au marchand d'art Julian Levy. À la suite de sa première exposition individuelle à New York, sa projection internationale s'est définitivement consolidée et, depuis lors, il expose ses œuvres et donne des conférences dans le monde entier. La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). "Triton ailé", vers 1972. Sculpture en bronze sur base en marbre, exemple A 289/300. Signée et justifiée en bas. Certificat d'authenticité délivré par Exmundart joint. Dimensions : 22 x 11 x 11 cm. Dalí a représenté le dieu marin, fils de Poséidon, glissant sur les eaux, sans la compagnie avec laquelle nous avons l'habitude de le voir dans l'iconographie classique (accompagné de chevaux et de néréides, entouré de dauphins et jouant de la conque avec laquelle il annonçait les tempêtes). Triton possédait le don de prophétie, c'est pourquoi il a souvent été le guide des grands héros mythologiques. Dalí, quant à lui, a mis l'accent sur la vulnérabilité du personnage, en soulignant la sensation d'instabilité produite par les vagues sur la chair du héros. Dans ses jeunes années, Dalí découvre la peinture contemporaine lors d'une visite familiale à Cadaqués, où il rencontre la famille de Ramon Pichot, un artiste qui se rend régulièrement à Paris. Sur les conseils de Pichot, Dalí commence à étudier la peinture avec Juan Núñez. En 1922, Dalí s'installe à la célèbre Residencia de Estudiantes de Madrid pour commencer à étudier les beaux-arts à l'Académie San Fernando. Cependant, avant ses examens finaux en 1926, il est renvoyé pour avoir prétendu qu'il n'y avait personne en mesure de l'examiner. La même année, Dalí se rend pour la première fois à Paris. Il y rencontre Picasso et établit certaines caractéristiques formelles qui deviendront distinctives de toute son œuvre à partir de ce moment-là. Son langage absorbe les influences de nombreux styles artistiques, de l'académisme classique à l'avant-garde la plus novatrice. À cette époque, le peintre se laisse pousser une moustache qui attire l'attention, imitant celle de Vélasquez, et qui deviendra sa marque personnelle pour le reste de sa vie. En 1929, Dalí collabore avec Luis Buñuel à la réalisation d'"Un chien andalou", qui dépeint des scènes typiques de l'imaginaire surréaliste. En août de la même année, il rencontre sa muse et future épouse Gala. Pendant cette période, Dalí expose régulièrement à Barcelone et à Paris, et rejoint le groupe surréaliste basé dans le quartier du Montparnasse à Paris. Son travail a grandement influencé l'orientation du surréalisme au cours des deux années suivantes, et il a été reconnu comme le créateur de la méthode paranoïaque-critique, qui était censée aider à accéder au subconscient en libérant des énergies artistiques créatives. Le peintre débarque en Amérique en 1934, grâce au marchand d'art Julian Levy. Après sa première exposition personnelle à New York, sa réputation internationale est définitivement consolidée. Dès lors, il expose ses œuvres et donne des conférences dans le monde entier. La majeure partie de sa production est conservée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, ainsi que dans les collections du Salvador Dalí Museum de Saint-Pétersbourg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) et du Dalí Universe de Londres.

Estim. 12 000 - 13 000 EUR

ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). "Composition rouge et noire", vers 1962. Huile et gouache sur papier lithographié monté sur toile. Un certificat délivré par les Archives Antoni Clavé est joint. L'œuvre est enregistrée aux Archives Antoni Clavé, Paris. No : 62TMPMT18. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 57 x 77 cm ; 67 x 87 cm (cadre). Sur un fond sombre, l'intensité du rouge ressort, atteignant un contraste de couleurs qui apporte de la vivacité à la composition et éveille le regard du spectateur. Par le jeu du rouge et du noir, ressource souvent utilisée par Antoni Clave, l'artiste déploie tout un ensemble d'éléments, apparemment aléatoires, qui s'assemblent pour former une composition baroque. Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'école des beaux-arts San Jordi de Barcelone, Clavé se consacre d'abord au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile en rejoignant les rangs des républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. À partir de cette période, Clavé développe une œuvre marquée par un style différent, moins classique. Au cours de cette période, ses figures perdent peu à peu leur précision et leur forme pour laisser place aux lignes et à une gamme personnelle de couleurs et de textures qui deviendront les principales caractéristiques de ses œuvres à partir de cette époque. Il jouit déjà d'un grand prestige international au moment où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la Sala Gaspar de Barcelone en 1956. Dans les années 1960, il rend hommage au Greco et sa peinture de cette époque révèle les influences de ce maître, ainsi que celles des peintres baroques. Le thème du chevalier avec la main sur la poitrine prend une importance particulière, une référence qui sera répétée dans les œuvres futures de Clavé. Cette période se caractérise par le passage définitif à l'abstraction. Dans les années 1970, l'œuvre de Clavé continue d'évoluer, utilisant diverses techniques comme le collage et en inventant de nouvelles comme le "papier froissé", résultat de l'utilisation fortuite d'un aérosol sur du papier froissé. En 1978, le Musée national d'art moderne de Paris, aujourd'hui Centre Georges Pompidou, lui consacre une rétrospective qui en fait l'un des artistes les plus prestigieux de sa génération. Ses dernières œuvres se caractérisent par la recréation de textures au sein de l'abstraction, avec un usage abondant du papier froissé. Il a été primé au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris et de Tokyo, au British Museum et au musée Reina Sofía de Madrid.

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