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Manette: ordinateur portable TOSHIBA, imprimante domestique HP, appareil photo CANON, téléphones sans fil ALCATEL et objets divers

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Manette: ordinateur portable TOSHIBA, imprimante domestique HP, appareil photo CANON, téléphones sans fil ALCATEL et objets divers

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Estim. 4 000 - 5 000 EUR

LAURIE SIMMONS (Long Island, New York, 1949). "Salon à carreaux". The instant decorator Series, 2004. Impression flex. Édition 3/5. Œuvre reproduite sur le site de l'artiste. Présente un certificat d'authenticité, des étiquettes d'exposition et une signature au dos. Provenance : Galerie Distrito Cuatro (Madrid). Dimensions : 76,2 x 96,5 cm ; 84,1 x 104,1 cm (cadre). "Plaid living Room" (2004) appartient à la série Instant Decorator, initiée par Simmons en 2001, avec l'intention de matérialiser ses recherches autour d'un livre sur la décoration d'intérieur publié en 1976. Cette publication présentait différents modèles d'intérieurs domestiques, qui permettaient au lecteur de décorer des pièces à l'aide d'échantillons de tissus et de différentes peintures. En reprenant cette idée du "Faites-le vous-même", l'auteur a construit une image qui fait écho à l'esthétique du collage, où différents éléments indépendants coexistent, formant un ensemble d'une grande expressivité visuelle. À travers un intérieur domestique dans lequel une femme élégamment vêtue est allongée sur le tapis, l'auteur pose au spectateur la question de savoir qui est ce personnage et ce qu'il représente. La protagoniste est entourée de luxe et regarde le spectateur de manière suggestive, mais elle est seule, et sa pose et sa robe invitent à la représenter comme un simple meuble, comme un objet de consommation. Cette représentation de la femme, qui réfléchit à son rôle dans l'environnement social, a été l'un des premiers thèmes explorés par Laurie Simmons dans ses œuvres. Elle y associe l'espace de la maison au féminin, à l'instar d'autres artistes comme Martha Rosler ou Barbara Kruger, qui ont utilisé des thèmes et des techniques similaires à ceux présentés ici. Laurie Simmons a grandi à Long Island, à une époque d'expansion économique qui a marqué le début de la prospérité matérielle, mais qui a également donné lieu à un état de conformisme, caractéristiques qui sont très récurrentes dans les thèmes explorés par l'artiste. Sa carrière se distingue par sa polyvalence, puisqu'elle travaille en tant qu'artiste, photographe et cinéaste. Après avoir obtenu son diplôme de la Tyler School of Art à la fin des années 1960 et s'être installée à New York, Simmons a commencé à développer son côté artistique. En 1972, Simmons découvre une maison de poupée vintage dans le grenier d'un magasin de jouets à Liberty, New York, et commence alors à réaliser des compositions avec des poupées, qu'elle photographie par la suite et sur lesquelles elle intervient. La plupart de ses œuvres font une déclaration sur les rôles traditionnels des hommes et des femmes, les remettant en question et critiquant l'objectivation de la personne, en particulier des femmes. Simmons fait partie de l'important groupe artistique The Pictures Generation, un nom donné à un groupe d'artistes qui s'est fait connaître dans les années 1970 et qui comprend des artistes de renommée mondiale telles que Cindy Sherman, Barbara Kruger et Louise Lawler. Une grande partie du travail de Simmons, comme celui des artistes susmentionnés, est ancrée dans le rôle des femmes et leur intégration dans leur environnement et dans la société. Lors d'une interview en mars 2014, Simmons a déclaré : "Lorsque j'ai pris un appareil photo avec un groupe d'autres femmes, je ne dirai pas que c'était un acte radical, mais nous le faisions certainement dans une sorte de défi ou de réaction à un monde de la peinture dominé par les hommes." Aujourd'hui, ses œuvres figurent dans d'importantes collections privées et publiques, notamment au Queen Sofia Art Center, à l'Art Institute of Chicago, au MoMA de New York, à la National Gallery of Art de Washington, D.C., et au Los Angeles County Museum of Art. Œuvre reproduite sur le site web de l'artiste. Présente un certificat d'authenticité, des étiquettes d'exposition et une signature au dos. Provenance : Galerie Distrito Cuatro (Madrid). Galerie Distrito Cuatro (Madrid).

Estim. 7 000 - 7 500 EUR

FRANCESCA WOODMAN (Denver, Colorado, 1958-New York, 1981) "Autoportrait", N3017.1. New York, 1979-80. Épreuve à la gélatine argentique. Imprimé ultérieurement par Igor Bakht, cachet au verso. Signé par George et Betty Woodman, annoté "I B" "N3017.1" au crayon. Cachet de crédit PE/FW au verso. Provenance : Collection privée de Foster Glasgow. Dimensions : 13,7 x 13,7 cm (image) ; 26 x 21 cm (papier). Cette photographie, où l'on voit Francesca Woodman raccourcie et coupée en quatre, appartient à la dernière étape de la courte vie de l'artiste. À l'époque, elle vivait à New York. Woodman avait passé l'été 1979 à Stanwood, dans l'État de Washington, pour rendre visite à son compagnon, Benjamin Moore. C'est là qu'elle réalise une série photographique sur des sujets domestiques. De retour à New York, elle tente de faire connaître son travail et réussit à exposer à la Daniel Wolf Gallery. Dans le secteur de la publicité et de la mode, elle découvre le travail de Deborah Turbeville, qui se caractérise par la mise en scène de mannequins dans des décors gothiques et mélodramatiques, tels que des bâtiments ou des couloirs désolés ou sombres. Woodman s'imprègne de ce style, qu'elle retrouve dans ses futures photographies. Au cours de l'été 1980, il expérimente son propre corps afin d'aborder des thèmes plus élevés, selon la lettre qu'il écrit à son amie Suzanne Santoro, qui vit à Rome. À cette époque, sa création artistique devient plus méticuleuse et il élabore plus méthodiquement la composition, à partir d'esquisses déjà réalisées, pour élaborer la narration de ses images. Bien qu'elle se soit beaucoup investie dans son travail artistique, elle n'en a jamais été convaincue. Ce qui l'a vraiment poussée au suicide, c'est la médiocrité de l'accueil réservé par le public à ses photographies et une rupture sentimentale. Son père a suggéré que la raison du suicide était l'échec d'une demande de financement auprès de la National Endowment for the Arts (Fondation nationale pour les arts). Elle était trop en avance sur son temps. Tout cela a fait sombrer Francesca Woodman dans la dépression et finalement, quelques jours après le lancement de son livre, le 19 janvier 1981, elle a décidé de mettre fin à ses jours, à l'âge de 22 ans seulement, en se jetant par la fenêtre d'un loft dans le Lower East Side de Manhattan, à New York. Francesca Woodman était une photographe américaine connue pour ses autoportraits intimes en noir et blanc. Elle est diplômée de la Rhode Island School of Design, l'université des beaux-arts de Providence. Ses photographies se caractérisent principalement par l'utilisation d'un seul modèle, généralement nu. Il s'agit généralement d'elle, mais dans certaines photographies, elle a représenté plusieurs de ses amis. Le corps capturé par l'appareil photo était généralement en mouvement, en raison des longs temps d'exposition, ou l'image n'était pas nette. Il a également utilisé d'autres techniques, comme se masquer ou essayer de se fondre dans les objets ou l'environnement lui-même. Elle est née dans une famille d'artistes. Dès son plus jeune âge, avec son frère Charles Woodman, elle a été initiée au monde de l'art par ses parents, George Woodman et Betty Woodman, tous deux artistes plasticiens. Aujourd'hui, ils gèrent des archives de plus de 800 images de leur fille, dont 120 ont été exposées ou publiées. Elle appartient à la génération des femmes d'avant-garde des années 1970 qui ont revendiqué leur contribution et leur vision du monde, qui comprend également des artistes activistes comme Cindy Sherman, Martha Rosler ou Ana Mendieta.

Estim. 10 000 - 15 000 EUR

HELMUT NEWTON (Allemagne, 1920- Californie, 2004). "Domestic Nude 7, Los Angeles, 1992. Gélatine argentique, copie 9/15. Signé, titré, daté et numéroté au crayon. Provenance : Galerie Maurizio Siniscaldo, Naples, Italie. Dimensions : 45,2 x 36,2 cm (image). La série "Domestic Nude" qu'Helmut Newton réalise à Los Angeles en 1992 représente un nouveau tour de vis pour la photographie artistique et de mode. Il y place des femmes dans des poses provocantes et dans des espaces domestiques inhabituels : dans la niche, adossées au réfrigérateur.... Elles ne sont pas montrées langoureusement comme des odalisques, mais avec puissance et défi, sans pudeur et sans admettre un voyeurisme facile. Dans "Domestic Nude", elle explore les frontières entre le privé et le public, entre les femmes en tant que sujet et objet. Newton planifie aussi soigneusement ses compositions pour maximiser l'impact visuel. Newton est née à Berlin, a fréquenté le Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium et l'American School in Berlin. Intéressé par la photographie dès l'âge de 12 ans, lorsqu'il achète son premier appareil, il travaille pour la photographe allemande Yva (Elsie Neuländer Simon) à partir de 1936. Les restrictions de plus en plus oppressives imposées aux Juifs par les lois de Nuremberg font perdre à son père le contrôle de l'usine ; il est brièvement interné dans un camp de concentration lors de la Nuit de Cristal, ce qui contraint finalement la famille à quitter l'Allemagne. Les parents de Newton s'enfuient en Argentine. Enfin, arrivé à Singapour, il découvre qu'il peut y rester, d'abord brièvement en tant que photographe pour le Straits Times, puis en tant que photographe portraitiste. Newton a été interné par les autorités britanniques alors qu'il se trouvait à Singapour et a été envoyé en Australie à bord du Queen Mary, arrivant à Sydney le 27 septembre 1940. Il est libéré en 1942 et travaille brièvement comme cueilleur de fruits dans le nord de l'État de Victoria. En avril 1942, il s'est engagé dans l'armée australienne et a travaillé comme chauffeur de camion. Après la guerre, en 1945, il est devenu sujet britannique et a changé son nom en Newton en 1946. La même année, Newton installe un studio sur Flinders Lane à Melbourne et travaille dans la photographie de mode, de théâtre et industrielle pendant la période d'après-guerre. Il partage sa première exposition commune avec Wolfgang Sievers en mai 1953. L'exposition "New Visions in Photography" est présentée au Federal Hotel dans Collins Street et constitue probablement le premier aperçu de la photographie de la Nouvelle Objectivité en Australie. Newton s'associe à Henry Talbot, un juif allemand qui avait également été interné à Tatura, et son association avec le studio se poursuit même après 1957, lorsqu'il quitte l'Australie pour Londres. Le studio est alors rebaptisé "Helmut Newton and Henry Talbot". La réputation grandissante de Newton en tant que photographe de mode est récompensée lorsqu'il obtient une commande pour illustrer la mode dans un supplément australien spécial pour le magazine Vogue, publié en janvier 1956. Il décroche un contrat de 12 mois avec British Vogue et part pour Londres en février 1957, laissant Talbot gérer l'entreprise. Newton quitte le magazine avant la fin de son contrat et se rend à Paris, où il travaille pour des magazines français et allemands. Il revient à Melbourne en mars 1959 pour travailler avec Australian Vogue. Newton et sa femme s'installent finalement à Paris en 1961. Ses images apparaissent dans des magazines tels que l'édition française de Vogue et Harper's Bazaar. Il établit un style particulier marqué par des scènes érotiques et stylisées, souvent à connotation fétichiste. En 1980, il crée la série des "Big Nudes". Vient ensuite le portfolio "Nude and Clothed" et, en 1992, "Domestic Nudes", qui marque l'apogée de son style érotico-urbain, toutes ces séries témoignent de la dextérité de ses compétences techniques. Newton a également travaillé sur des portraits et des études plus fantastiques. Il a réalisé une série d'illustrations pour Playboy, notamment de Nastassja Kinski et de Kristine DeBell.

Estim. 10 - 15 EUR

Manette de projecteurs Eumig, trépied, plat en métal argenté, caméra Nizo 148, appareils photo Minolta et Nikon, et trois téléphones.

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