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BUSQUETS I ODENA, JOSEP

(Fontscaldes 1914 - Barcelone 1998). "Nu féminin". Figure en bronze signée. Défauts dans la base en marbre. 24 x 9 x 7,5 cm.

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BUSQUETS I ODENA, JOSEP

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PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, France, 1973). "Nu féminin". Phototype sur papier. Édition de 1200 exemplaires. Ed. Cahiers d'Art. Paris, 1948. Daté et situé sur la plaque. Dimensions : 40 x 28 cm ; 54,5 x 42,5 cm (cadre). Picasso s'installe en septembre 1939 dans la ville de Royan, ville française située dans le département de la Charente-Maritime et dans la région Nouvelle Aquitaine. Deux ans après avoir réalisé l'étonnant Guernica, et coïncidant avec le conflit de la Seconde Guerre mondiale, Picasso choisit la zone libre et profite de la présence de sa compagne, Marie-Thérèse, et de sa fille Maya, pour s'y réfugier. Il loue un atelier au troisième étage de la villa "Les Voiliers" et entreprend la réalisation d'un carnet de dessins entre le 30 mai et le 22 août 1940. Plus tard, Picasso y ajoutera des études de Paris réalisées en 1942. L'ensemble a été publié en fac-similé en 1948 par les éditions Cahiers d'Art, dans une reliure en toile. Picasso commence ses études artistiques à Barcelone, à l'École provinciale des beaux-arts (1895). Deux ans plus tard, en 1897, Picasso présente sa première exposition individuelle au café "Els Quatre Gats". Paris devient le grand objectif de Pablo et, en 1900, il s'installe dans la capitale française pour une brève période. À son retour à Barcelone, il commence à travailler sur une série d'œuvres dans lesquelles on peut voir les influences de tous les artistes qu'il a connus ou dont il a vu les œuvres. C'est une éponge qui absorbe tout mais ne retient rien, il est à la recherche d'un style personnel. Entre 1901 et 1907, il développe les étapes bleue et rose, caractérisées par l'utilisation de ces couleurs et par des sujets aux figures sordides et isolées, aux gestes de douleur et de souffrance. La peinture de ces premières années du XXe siècle est en pleine mutation et Picasso ne peut rester à l'écart. Il s'intéresse à Cézanne et, sur la base de son exemple, développe avec son ami Braque une nouvelle formule picturale : le cubisme : Le cubisme. Mais Picasso ne s'arrête pas là et en 1912, il pratique le collage en peinture ; dès lors, tout est permis, l'imagination devient le maître de l'art. Picasso est le grand révolutionnaire et quand tous les peintres s'intéressent au cubisme, lui se préoccupe du classicisme d'Ingres. Le mouvement surréaliste de 1925 ne le prend pas au dépourvu et, bien qu'il n'y participe pas ouvertement, il sert d'élément de rupture avec le précédent, introduisant dans son œuvre des figures déformées avec une grande force et non exemptes de rage et de fureur. Comme pour Goya, Picasso a également été fortement influencé par sa situation personnelle et sociale à l'époque de son travail. Ses relations avec les femmes, souvent tumultueuses, affecteront sérieusement son œuvre. Mais ce qui a le plus marqué Picasso, c'est le déclenchement de la guerre civile espagnole et le bombardement de Guernica, qui ont conduit à la création de l'œuvre la plus célèbre de l'art contemporain. Paris a longtemps été son refuge, mais il a passé les dernières années de sa vie dans le sud de la France, travaillant dans un style très personnel, avec des couleurs vives et des formes étranges. Picasso est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que le Metropolitan, le MOMA et le Guggenheim à New York, l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, la National Gallery à Londres ou le Reina Sofia à Madrid.

RAMÓN MARTÍ ALSINA (Barcelone, 1826 - 1894). "Le modèle". Huile sur toile. Relié. Sans signature. Au dos, une étiquette de la Sala Parés de Barcelone. Il y a des patchs au dos. Dimensions : 182 x 89 cm. Les pieds enveloppés dans un tissu qui glisse le long des jambes, le modèle est montré nu et entier mais tourne la tête comme s'il voulait cacher son identité, tout en adoptant un geste ambigu faussement pudique. Les femmes de Martí Alsina sont d'une grande force charnelle, qui est ici accentuée par le fond noir et par la taille naturelle de la figure. Le modelage des membres est magistral, ce qui donne à l'anatomie une cadence sculpturale mais libre de tout idéalisme, la rendant vivante, spontanée et sensuelle. Les qualités soyeuses de la chevelure de jais, le modelé lumineux des formes, l'arrondi parfait des genoux, etc. dénotent l'empreinte d'un maître. Considéré aujourd'hui comme la figure la plus importante du réalisme espagnol, Martí Alsina s'inscrit dans l'avant-garde européenne de l'époque. Il a révolutionné le panorama artistique espagnol du XIXe siècle, a été le pionnier de l'étude du dessin d'après nature et le créateur de l'école catalane moderne, ainsi que le maître de toute une génération, avec des disciples de l'importance de Vayreda, Urgell et Torrescassana. Il commence ses études de philosophie et de littérature, en les alternant avec des cours du soir à l'École des beaux-arts de Barcelone jusqu'en 1848. À l'issue de ce premier apprentissage, il décide de se lancer dans la peinture et fait ses premiers pas dans la région du Maresme, où il commence à gagner sa vie en peignant des portraits dans un style naturaliste et des paysages "à l'air libre". En 1852, il devient professeur de dessin au trait à la Escuela de la Lonja de Barcelone et, deux ans plus tard, il commence à enseigner le dessin de figures, poste qu'il occupera jusqu'à l'accession au trône d'Amadeo de Saboya. En 1853, il se rend à Paris, où il visite le Louvre et se familiarise avec les œuvres d'Horace Vernet, d'Eugène Delacroix et du romantisme français. Plus tard, il fera la connaissance de Gustave Courbet, le plus grand représentant du réalisme. En 1859, il est nommé académicien correspondant de l'Académie des beaux-arts de Sant Jordi à Barcelone. Sa première exposition importante est l'Exposition générale des beaux-arts de Barcelone en 1851. À partir de ce moment, il expose régulièrement à Barcelone, Madrid et Paris, et est invité à l'exposition universelle de la capitale française en 1889. Parmi ses prix, il faut souligner les médailles obtenues aux expositions nationales de Madrid, la troisième en 1858 avec l'œuvre "Dernier jour de Numancia" et la deuxième en 1860 avec son paysage. Dans les dernières années de sa vie, il vit en reclus, concentrant ses efforts sur la recherche de nouvelles formes d'expression, avec un coup de pinceau proche de l'impressionnisme. Parmi ses thèmes, on trouve de nombreux paysages et marines, des vues urbaines (en particulier de Barcelone), des portraits et des figures humaines, des scènes de genre, des nus féminins capricieux, de la peinture d'histoire et des scènes bibliques. Il s'est rarement consacré aux natures mortes, bien qu'il en ait peint quelques-unes. Les œuvres de Martí Alsina sont conservées au musée du Prado, au musée Thyssen-Bornemisza, au musée national d'art de Catalogne, au musée d'art contemporain de Barcelone, au musée de l'abbaye de Montserrat et au musée de l'Empordà, à Figueras.

JOSEP LLIMONA BRUGUERA (Barcelone, 1864 - 1934). "Modèstia", 1891. Stuc polychrome. Signé. Estampillé Esteva & Cia, Barcelone. Œuvre cataloguée dans "Una passejada per l'obra de Josep Llimona, 150 anys", MEAM, 2015, p. 104. Dimensions : 42 x 34 x 15 cm. La sculpture "Modèstia" témoigne des caractéristiques les plus personnelles de Josep Llimona : l'idéalisme naturaliste, le penchant pour le côté aimable de la réalité et, surtout, une grande délicatesse et beauté dans ses figures féminines, toujours sveltes et innocentes, enveloppées d'un voile de mystère. Josep Limona est considéré comme le sculpteur catalan le plus important du modernisme. Formé à l'école Llotja de Barcelone, il obtient une pension pour aller à Rome en 1880. Pendant son séjour en Italie, il a été influencé par la sculpture de la Renaissance florentine. Avec les œuvres qu'il envoie de là-bas, il obtient des prix (médaille d'or à l'exposition universelle de Barcelone en 1888), ainsi qu'une grande réputation. Avec son frère Joan, il fonde le Círculo Artístico de Sant Lluc, une association artistique catalane à caractère religieux (les deux frères étaient profondément croyants). Vers le milieu des années 90, son style dérive déjà vers le modernisme intégral. Il reçoit le prix d'honneur de l'Exposition internationale des beaux-arts qui se tient en 1907 à Barcelone. À partir de 1900, il se concentre sur ses célèbres nus féminins et, en 1914, il crée, en collaboration avec Gaudí, son impressionnant "Christ ressuscité". Son génie artistique se manifeste également dans de grands monuments publics, comme la statue équestre de Saint-Jordi dans le parc de Montjuic à Barcelone, ainsi que dans des œuvres d'imagerie funéraire, comme les panthéons qu'il a créés pour plusieurs cimetières. Outre ses expositions à Barcelone et dans d'autres villes catalanes, il a exposé ses œuvres à Madrid, Bruxelles, Paris, Buenos Aires et Rosario (Argentine). Il a été président du conseil des musées de Barcelone entre 1918 et 1924, puis de nouveau de 1931 à sa mort en 1934. Tout au long de sa vie, il a reçu de nombreuses décorations, notamment de la part des gouvernements français et italien. Il a également reçu la médaille d'or de la ville de Barcelone en 1932, en reconnaissance de son travail extraordinaire dans le développement de l'activité muséale. L'œuvre de Llimona est conservée au monastère de Montserrat, au musée national d'art de Catalogne et au musée Reina Sofia, entre autres.

PABLO GARGALLO CATALÁN (Maella, Zaragoza, 1881 - Reus, Tarragona, 1934). "Tête d'Arlequin", 1928. Pointe sèche sur papier vergé, exemplaire 9/12. Signé dans la planche : PG 28. Avec cadre d'époque peint à la main. Présente quelques manques de polychromie. Quelques taches sur le papier. Dimensions : 18 x 13 cm (assiette) ; 22 x 17 cm (papier) ; 43 x 37 cm (cadre). Rare estampe de l'artiste. Cette œuvre n'a été tirée qu'à 12 exemplaires numérotés. Le musée Pablo Gargallo possède les planches originales des quatre seules gravures à la pointe sèche de Gargallo (Autoportrait, Tête d'Arlequin, Nu féminin et Ballerine). Pablo Gargallo est considéré comme le précurseur de la sculpture sur fer. Il a appris la technique de la forge auprès de son père, qui possédait un atelier de forgeron. En 1888, sa famille émigre à Barcelone pour des raisons économiques et c'est là qu'il commence sa formation artistique, dans l'atelier du sculpteur Eusebio Arnau et à l'école de la Lonja, avec Venancio Vallmitjana comme principal professeur. À l'apogée du modernisme à Barcelone, Gargallo fréquente les réunions de "Els quatre Gats", établissant des relations avec des artistes tels que Nonell et Picasso. C'est pourquoi ses premières œuvres sont influencées par le modernisme, comme c'est le cas de la décoration des bâtiments barcelonais qu'il réalise en collaboration avec l'architecte Domènech i Montaner, tels que l'hôpital de la Santa Cruz y San Pablo ou le Palau de la Música. En 1903, Gargallo obtient une bourse qui lui permet de se rendre à Paris pour terminer ses études. Son séjour dans la capitale française est bref, mais à partir de cette date et jusqu'en 1923, lorsqu'il s'installe définitivement à Paris, ses voyages sont fréquents. C'est dans cette ville qu'il trouve les formulations esthétiques du cubisme, assimile ses systèmes expressifs et recherche le schématisme et l'essentialité des figures et des objets, en essayant de trouver l'expression tridimensionnelle authentique des postulats cubistes. Au cours de ces années, il commence à utiliser des matériaux métalliques tels que la tôle, le cuivre et le fer. Vers 1911-12, il réalise ses premiers masques, des pièces d'une grande simplification réalisées avec des tôles découpées, liées à l'esthétique cubiste. Avec la tôle, Gargallo commence à suggérer des volumes et à exalter les vides par la pénétration de la lumière dans les intérieurs. En 1920, il est nommé professeur de sculpture à la Escuela Técnica de Oficios Artísticos de la Mancomunidad de Cataluña, poste dont il est démis en 1923 pour des raisons politiques. C'est alors que Gargallo s'installe définitivement à Paris avec sa femme et sa fille. À partir de ce moment, son style acquiert une dimension très personnelle, dérivée de son interprétation du cubisme, basée sur la recherche d'une synthèse formelle de la figure dans des plans géométriques toujours fluides, en remplaçant les matériaux conventionnels par des feuilles de fer forgé, et en introduisant un nouveau langage sculptural par l'introduction du vide comme volume, ce qui confère à ses figures un grand dramatisme expressif. Pablo Gargallo est actuellement représenté au musée qui porte son nom à Saragosse, au MoMA de New York, au MACBA de Barcelone, au musée d'art moderne de Paris et au Reina Sofia de Madrid, entre autres.