Null Giuseppe Gambarini 1680 Bologna-1725 Casalecchio di Reno
Scène d'intérieur …

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Giuseppe Gambarini 1680 Bologna-1725 Casalecchio di Reno Scène d'intérieur avec la fileuse et les nourrices L 54,5 - H 70 cm huile sur toile

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Giuseppe Gambarini 1680 Bologna-1725 Casalecchio di Reno Scène d'intérieur avec la fileuse et les nourrices L 54,5 - H 70 cm huile sur toile

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Estim. 2 000 - 3 000 EUR

Commode William & Mary. Angleterre, vers 1680. Chêne et noyer. Poignées en métal. Avec des marques d'utilisation. Dimensions : 100 x 110 x 55 cm. Commode anglaise en bois d'acajou, reposant sur des pieds à pans coupés et composée de cinq tiroirs, dont les deux derniers sont réunis en un seul registre. Le dessin, sobre et élégant dans le style de l'époque William & Mary, a pour seul élément décoratif un motif géométrique logé dans les tiroirs et imprime un joli motif moulé à base de losanges et d'arêtes sur la façade. Le style William & Mary est un style de mobilier répandu entre 1700 et 1725 aux Pays-Bas, en Angleterre, en Écosse et, plus tard, dans les colonies américaines de l'Angleterre. Il s'agit d'un style de transition entre le mobilier maniériste et le mobilier Queen Anne. Il s'agit d'un meuble robuste dont le design met l'accent à la fois sur les lignes droites et les courbes, avec des sculptures élaborées et du bois tourné. Ce style a été l'un des premiers à imiter des éléments du design asiatique, notamment japonais. En 1688, Jacques II d'Angleterre a été déposé par sa fille Marie et son mari Guillaume d'Orange, lors de ce que l'on a appelé la "Glorieuse Révolution". Guillaume et Marie ont apporté à leurs royaumes un goût pour les styles de meubles hollandais, tout comme plusieurs fabricants de meubles hollandais. Bien que le mouvement vers ce qui allait être connu sous le nom de style Guillaume et Marie ait commencé sous le règne de Charles II d'Angleterre, principalement sous l'influence de sa reine d'origine portugaise, Catherine de Bragance, le style s'est largement défini et accepté sous le règne de Guillaume et Marie.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

École espagnole ; vers 1600. "Sainte Famille avec Saint Juanito". Huile sur toile. Recolorée. Elle présente un repeint. Dimensions : 97 x 80 cm ; 117 x 99 cm (cadre). Scène de caractère dévotionnel dans laquelle on peut apprécier la présence de Saint Joseph endormi placé dans la zone gauche de la composition, la Vierge et l'Enfant au centre, Saint Juanito dans la partie droite, en plus d'un petit ange qui complète la scène. Il convient de noter que l'Enfant est représenté au premier plan, à côté de la Vierge Marie, tandis que les autres personnages sont à l'arrière-plan. Le tout se déroule dans un intérieur aux tons sombres, éclairé par les tons chair des personnages. La scène a un caractère intime, car malgré le hiératisme des personnages, la Vierge et l'Enfant partagent une attitude de jeu et de complicité entre eux. Au sens le plus courant de l'expression, la Sainte Famille comprend les parents les plus proches de l'Enfant Jésus, c'est-à-dire la mère et la grand-mère ou la mère et le père nourricier. Dans les deux cas, qu'il s'agisse de sainte Anne ou de saint Joseph, il s'agit d'un groupe de trois personnages. D'un point de vue artistique, la disposition de cette Trinité terrestre pose les mêmes problèmes et suggère les mêmes solutions que la Trinité céleste. Cependant, les difficultés sont moindres. Il ne s'agit plus d'un Dieu unique en trois personnes, dont l'unité essentielle doit s'exprimer en même temps que sa diversité. Les trois personnages sont unis par un lien de sang, certes, mais ils ne constituent pas un bloc indivisible. De plus, ils sont tous les trois représentés sous forme humaine, tandis que la colombe du Saint-Esprit introduit dans la Trinité divine un élément zoomorphique difficile à combiner avec deux figures anthropomorphes. D'autre part, cette iconographie était traditionnellement, jusqu'à la Contre-Réforme, une représentation de la Vierge à l'Enfant avec la figure de saint Joseph au premier plan. Ce n'est qu'à partir de la réforme de Trente que saint Joseph a commencé à occuper le devant de la scène en tant que protecteur et guide de l'Enfant Jésus. La peinture baroque espagnole est l'un des exemples les plus authentiques et personnels de notre art, car sa conception et sa forme d'expression sont nées du peuple et de ses sentiments les plus profonds. L'économie de l'État étant en ruine, la noblesse en déclin et le clergé lourdement taxé, ce sont les monastères, les paroisses et les confréries de clercs et de laïcs qui ont encouragé son développement, les œuvres étant parfois financées par une souscription populaire. La peinture se devait donc d'exprimer les idéaux dominants dans ces milieux, qui n'étaient autres que religieux, à une époque où la doctrine de la Contre-Réforme exigeait de l'art un langage réaliste pour que les fidèles puissent comprendre et s'identifier à ce qui était représenté, et une expression dotée d'un contenu émotionnel intense pour accroître la ferveur et la dévotion du peuple. Les thèmes religieux ont donc été le sujet principal de la peinture espagnole de cette période, qui, dans les premières décennies du siècle, s'est attachée à capturer le monde naturel et s'est progressivement intensifiée tout au long du siècle sur les valeurs expressives, qu'elle a obtenues par le mouvement et une variété de gestes, l'utilisation de la lumière et la représentation des états d'âme et des sentiments.

Estim. 600 - 700 EUR

École espagnole ; XVIe siècle. "Les noces de la Vierge". Huile sur toile. Relié. Dimensions : 94 x 77 cm. La présente œuvre représente le thème du mariage de Marie et Joseph selon une composition traditionnelle dans l'histoire de l'art depuis la Renaissance : une structure symétrique avec le prêtre au centre, mais à l'arrière-plan, et de part et d'autre Marie et Joseph. Marie et Joseph sont conduits par le prêtre pour se tenir la main. Parce que l'image s'inspire de la tradition, l'auteur a décidé de ne pas renoncer à plusieurs éléments iconographiques récurrents dans la représentation de cette scène, comme, par exemple, la colombe représentant le Saint-Esprit et la verge fleurie caractéristique de l'iconographie de saint Joseph. Bien que le mouvement de certaines étoffes, le chromatisme, les marques de lumière, etc. donnent un certain air baroque à la composition, il faut noter qu'il existe une certaine harmonie qui doit plutôt être attribuée à la Renaissance. L'abondance de personnages secondaires peut également être liée à cette influence, bien qu'il faille tenir compte du fait que l'école italienne était également connue pour cet intérêt pour l'anecdotique. Reliné.

Estim. 150 - 200 EUR

Giuseppe Maria Mitelli Chair salesman | Hemp and Linen Tanner from the series Le Arti di Bologna, by Annibale Carracci, etching, 278 x 195 mm (plate), 300 x 218 mm (sheet). Beautiful impression on laid paper. Condition: oxidized sheet, with a central crease and some creasing at the bottom. Otherwise in very good condition. Included: "Tanner of Hemp, and Linen" by Simon Guillain (after Annibale Carracci), etching, 310 x 185 mm (sheet). Printed on laid paper with watermark. Sheet in good condition except for a central crease.

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