Null Antonio Carneo 1637 Concordia Sagittaria-1692 Portogruaro, bottega di
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Antonio Carneo 1637 Concordia Sagittaria-1692 Portogruaro, bottega di Rebecca au puits L 108,6 - H 74,3 cm huile sur toile Collection particulière, Pordenone

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Antonio Carneo 1637 Concordia Sagittaria-1692 Portogruaro, bottega di Rebecca au puits L 108,6 - H 74,3 cm huile sur toile Collection particulière, Pordenone

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Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Attribué à l'atelier Rigalt-Graell i Cia. "Armoiries du roi d'Aragon, vers 1940. Verre au plomb, peint en grisaille de feu. Avec la légende attribuée à Horace : "Multa renascentur qua iam cecidere". Le cadre en bois comporte des xylophages. Il a besoin d'être restauré. Dimensions : 151 x 67 cm ; 162 x 78 cm (cadre). Vitrail peint en grisaille sur feu. Il date des années quarante et les experts supposent qu'il pourrait provenir du prestigieux atelier barcelonais Rigalt, Graell i Cia. Il représente les armoiries du roi d'Aragon encadrées par des arcs architecturaux au profil lobé. Il est accompagné d'une légende écrite en latin sur un phylactère qui comprend un aphorisme attribué à Horace : " beaucoup de choses renaîtront qui étaient déjà tombées ". Cet aphorisme peut être interprété comme signifiant que les coutumes, les croyances et les modes périssent mais renaissent toujours, bien que camouflées sous d'autres noms ou d'autres formes. Dans ce contexte, elle fait référence aux valeurs impérissables de la famille royale. L'atelier de vitrail constitué par des membres des familles Rigalt et Granell de Barcelone a fonctionné de 1890 à 1984. Ses précédents se trouvent chez le dessinateur et vitrier Antoni Rigalt i Blanch (1850-1914), élevé dans un milieu artistique, puisqu'il était le neveu du peintre et dessinateur Lluís Rigalt i Farriols (1814-1894). Il a suivi une formation de dessinateur à l'école Llotja de Barcelone, où il a enseigné le dessin jusqu'en 1901. Son passage au métier de verrier ne s'est pas fait selon le schéma traditionnel en commençant comme apprenti dans un atelier, mais il l'a fait après sa formation artistique et théorique. Lié aux artistes et architectes les plus importants de l'époque, il collabore régulièrement aux travaux de l'architecte Lluís Domènech i Montaner. L'atelier de Rigalt et Granell a produit certaines des œuvres de vitrail les plus importantes du modernisme catalan, comme celles réalisées pour le Palau de la Música Catalana, la Casa Lleó Morera à Barcelone ou la Casa Navàs à Reus. Ils ont travaillé sur les œuvres des architectes Lluís Domènech i Montaner, Enric Sagnier, August Font i Carreras, entre autres. Ils ont également réalisé un grand nombre de restaurations de vitraux médiévaux, comme ceux de la cathédrale de León ou du monastère de Santes Creus. L'atelier a participé à de nombreuses expositions, en particulier sous la direction d'Antoni Rigalt, et a reçu de nombreux prix : l'exposition universelle de Barcelone en 1888 ; l'exposition des beaux-arts et des industries artistiques de Barcelone, en 1892, 1896 et 1898 ; l'exposition des beaux-arts de Madrid en 1899 ; l'exposition nationale d'art en 1900 ; l'exposition internationale d'art de Barcelone en 1907 et 1911 ; l'exposition universelle de Barcelone en 1929 ; l'exposition nationale des arts décoratifs en 1947.

Estim. 30 000 - 35 000 EUR

Boîte à bénédiction ; Augsbourg, dernier quart S. XVI. Bois d'ébène sculpté et poli ; argent ciselé et repoussé. Étude jointe du Dr Rosario Coppel. Dimensions : 52 x 32 x 12 cm. Le coffret de bénédiction est composé d'un cadre en bois d'ébène en forme de temple grec avec des colonnes solomoniques flanquant un relief central en argent où se déroule l'"Adoration des bergers". Il comporte à son tour différents ornements dans ce matériau : un relief avec le buste de Dieu le Père dans la partie supérieure du fronton fendu et, des deux côtés, deux figures féminines allégoriques couchées. Le bassin se trouve dans la partie inférieure, entre les colonnes susmentionnées - dont les chapiteaux corinthiens et les bases sont travaillés en argent -, avec une tête de chérubin sur des guirlandes entourées de grenades et de feuilles d'acanthe dans son dépôt. Il présente également une série d'applications ajourées dans le stylobate et la frise. L'iconographie, les caractéristiques formelles et la richesse des matériaux suggèrent qu'il a dû être créé à l'origine pour l'oratoire privé d'un client important. Les figures principales du relief central ont été représentées avec beaucoup de soin et présentent des caractéristiques très particulières, comme les joues creusées des personnages masculins, les mains aux longs doigts, le mouvement des vêtements et l'expressivité des visages. Les figures de l'arrière-plan et le buste de Dieu le Père, en revanche, sont plus esquissés. La scène en relief pourrait être inspirée d'une estampe, tandis que la structure et les modèles, certains naturalistes et d'autres idéalisés, rappellent l'œuvre de Guglielmo della Porta (1515 - 1577). Les figures féminines se retrouvent dans les dessins du sculpteur, ainsi que dans certaines de ses œuvres, tout comme les anges ou la tête de chérubin. La composition générale apparaît également dans les pyxides, reliquaires et autres éléments de dévotion créés par le sculpteur et par les orfèvres qui l'assistaient dans son atelier. Le coffret de bénédiction, bien qu'il soit lié à l'œuvre de Guglielmo della Porta, présente certains éléments formels qui nous invitent à le classer parmi les productions allemandes de la ville d'Augsbourg, un centre exceptionnel pour la production d'objets en métal. L'élégante combinaison de l'argent et de l'ébène est caractéristique de la région, et il existe de nombreux exemples connus, tels que ceux produits par Matthäus Walbaum (1554 - 1632). Les motifs décoratifs en argent, tels que des fleurs, des feuilles ou des moulures en forme de corniche sur une structure en ébène, rappellent ceux de pièces telles que l'autel de la "Reiche Kapelle" à Munich, par Hans Scheibel et Jakob Anthoni. 1600), dans le "Cabinet poméranien" (vers 1610), création, précisément, de Matthäus Walbaum ou l'autel portatif de Jeremias Flicker (vers 1647), dont le relief est une copie de celui représenté dans le "Calvaire" de l'Escurial, œuvre d'Antonio Gentile d'après un modèle de Guglielmo della Porta. En outre, le style utilisé pour le relief de la boîte de bénédiction est très proche de ce que l'on appelle le "Maître GP", un orfèvre qui travaillait à Augsbourg dans le dernier quart du XVIe siècle. L'"Adoration des bergers", un relief en argent qui se trouve au Musée "für Kunst und Gewerbe" de Hambourg, est similaire à celui étudié, non seulement en ce qui concerne les modèles des figures, mais aussi en ce qui concerne la construction du fond et, surtout, en ce qui concerne le groupe d'anges dans le tiers supérieur qui, sur un demi-cercle de nuages, tiennent un phylactère où l'on peut lire : "Gloria in excelsis dell'arte" : GLORIA IN EXCELSIS DEO. PAX HOMINIBVS". Les deux œuvres ont en commun un dessin audacieux, aux traits sûrs mais schématiques, les figures étant représentées avec beaucoup de détails, révélant la texture des matériaux. Vous trouverez ci-joint une étude réalisée par le Dr Rosario Coppel.

Estim. 400 - 500 EUR

Deux petits pots de confiture ou de compote. Catalogne et Angleterre, XIXe siècle. En argent. Avec des poinçons sur les deux pièces (en catalan par Alfons Serrahima). L'une d'entre elles conserve la cuillère. Présente des marques d'usage et d'usure. Dimensions : 6 x 4,5 x 4,5 cm : 6 x 4,5 x 4,5 cm. Paire de pots avec couvercle pour confiture ou compote entièrement en argent. L'un d'eux a une forme cylindrique tandis que l'autre a une panse convexe. De fines incisions ou de simples moulures embellissent les récipients, offrant une ligne de modernité dans laquelle prédomine le goût délicat, loin des excentricités. Alfons Serrahima était un bijoutier et orfèvre catalan actif des années 1930 à la fin du XXe siècle. Sa formation s'est principalement déroulée dans l'atelier d'Antoni Urpí à Sarrià (le quartier où il a grandi), figure de proue des expositions de 1898 et 1907. Plus tard, il poursuit son apprentissage au Círculo Artístico de Sant Lluc, où il perfectionne sa technique de dessin.

Estim. 80 000 - 90 000 EUR

AMBROSIUS BENSON et son atelier ; vers 1600 (Lombardie, actif à Bruges à partir de 1518 - Bruges, 1550). "Vierge à l'enfant. Huile sur panneau de chêne. Engatillada. Le tableau présente quelques éclaboussures, repeints et restaurations. Le cadre est en ébène et suit les modèles du XVIIe siècle. Dimensions : 94 x 73 cm ; 135 x 115 cm (cadre). Cette œuvre suit les modèles du tableau attribué à Ambrosius Benson qui appartient à la collection du Musée des Beaux-Arts de Séville. La Vierge est assise, de trois quarts, et l'Enfant, qui l'embrasse, se tient sur ses genoux. Les cheveux soyeux de Marie tombent en vagues de tons dorés sur le manteau rouge, qui se détache sur le fond sombre. L'œuvre montre une forte influence stylistique de Roger van der Weyden et est répétée avec de légères variations à de nombreuses reprises dans l'école brugeoise du XVIe siècle. Elle présente également des similitudes avec une peinture du monastère de Veruela, conservée au musée de Saragosse. Ambroisus Benson était l'un des soi-disant maîtres de la tradition, un successeur de Van der Goes, et a été influencé par Van Eyck, Van der Weyden et les Primitifs flamands en général. Cependant, son œuvre présente des caractéristiques italiennes du XVIe siècle, comme la composition triangulaire que l'on peut voir dans la présente œuvre. En fait, il était originaire de Lombardie, ce qui explique que sa peinture présente parfois des caractéristiques plus italiennes. L'utilisation personnelle de la couleur est particulièrement importante, avec une prédominance des tons bordeaux en contraste avec les blancs et les tons clairs des carnations, qui sont ainsi très mis en valeur dans la composition. La qualité veloutée des manteaux est également typique de son travail. Peintre de sujets religieux et de portraits, Benson s'est formé auprès de Gérard David à Bruges à partir de 1518, l'année où il est devenu citoyen. Il eut cependant des problèmes avec son maître, ce qui entraîna des poursuites judiciaires. En 1519, il fut inscrit à la Guilde des peintres en tant que maître indépendant. À partir de l'année suivante, son activité s'accroît nettement et, entre 1522 et 1530, il loue entre un et trois stands au marché annuel pour vendre ses peintures. Benson occupe des positions élevées au sein de la guilde des peintres, ses œuvres atteignent des prix très élevés et il a plusieurs apprentis, dont deux de ses fils, Willem et Jan. Bien que l'on ne connaisse que deux œuvres signées de Benson ("Triptyque de Saint Antoine de Padoue" aux Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique et "La Sainte Famille" dans une collection privée) et sept œuvres datées, plus de 150 tableaux lui ont été attribués sur la base de critères stylistiques. L'atelier de Benson a eu une production importante et, comme celui d'Adriaen Isenbrandt, ses œuvres étaient généralement destinées au marché ibérique. Sa peinture était très appréciée en Espagne, bien que Benson n'ait jamais visité ce pays. En ce qui concerne son langage, malgré son adhésion à la tradition, il forme, avec Isenbrandt et Jan Provost, la dernière génération de peintres brugeois caractérisée par une rupture avec la tradition gothique et l'introduction dans leur style des innovations de la Renaissance italienne. Cette influence est perceptible dans leur style artistique et dans des effets tels que la monumentalité, car leurs thèmes et leurs compositions s'inscrivent généralement dans la tradition flamande. D'autre part, la variété des thèmes et des formats qui caractérise sa production peut être due au fait qu'il travaillait dans un atelier avec de nombreux collaborateurs. Dans toutes ses œuvres, qu'il s'agisse de thèmes religieux, de portraits ou d'œuvres profanes, Benson est un excellent exemple du croisement entre le nord et le sud, entre la tradition et l'innovation. Ses œuvres sont aujourd'hui conservées dans les plus grandes galeries d'art du monde, dont le Museo del Prado, le Metropolitan Museum de New York, la National Gallery de Londres, le Kunsthistorisches Museum de Vienne, le Thyssen-Bornemisza, l'Ashmolean Museum d'Oxford et le Bilbao Fine Arts Museum.Au cours du XVe siècle, le style réaliste hollandais a exercé une forte influence à l'étranger, notamment en Italie, mais au XVIe siècle, la situation s'est inversée. La Renaissance italienne se répand dans toute l'Europe et Anvers devient le centre de l'école flamande, supplantant Bruges et servant de centre de pénétration des influences italiennes. C'est ainsi que les influences maniéristes arrivent aux Pays-Bas, se superposant au style du XVe siècle.

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