Null Ecole moderne. "nu" Aquarelle

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Ecole moderne. "nu" Aquarelle

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Ecole moderne. "nu" Aquarelle

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Estim. 1 500 - 1 800 EUR

PABLO GARGALLO CATALÁN (Maella, Zaragoza, 1881 - Reus, Tarragona, 1934). "Tête d'Arlequin", 1928. Pointe sèche sur papier vergé, exemplaire 9/12. Signé dans la planche : PG 28. Avec cadre d'époque peint à la main. Présente quelques manques de polychromie. Quelques taches sur le papier. Dimensions : 18 x 13 cm (assiette) ; 22 x 17 cm (papier) ; 43 x 37 cm (cadre). Rare estampe de l'artiste. Cette œuvre n'a été tirée qu'à 12 exemplaires numérotés. Le musée Pablo Gargallo possède les planches originales des quatre seules gravures à la pointe sèche de Gargallo (Autoportrait, Tête d'Arlequin, Nu féminin et Ballerine). Pablo Gargallo est considéré comme le précurseur de la sculpture sur fer. Il a appris la technique de la forge auprès de son père, qui possédait un atelier de forgeron. En 1888, sa famille émigre à Barcelone pour des raisons économiques et c'est là qu'il commence sa formation artistique, dans l'atelier du sculpteur Eusebio Arnau et à l'école de la Lonja, avec Venancio Vallmitjana comme principal professeur. À l'apogée du modernisme à Barcelone, Gargallo fréquente les réunions de "Els quatre Gats", établissant des relations avec des artistes tels que Nonell et Picasso. C'est pourquoi ses premières œuvres sont influencées par le modernisme, comme c'est le cas de la décoration des bâtiments barcelonais qu'il réalise en collaboration avec l'architecte Domènech i Montaner, tels que l'hôpital de la Santa Cruz y San Pablo ou le Palau de la Música. En 1903, Gargallo obtient une bourse qui lui permet de se rendre à Paris pour terminer ses études. Son séjour dans la capitale française est bref, mais à partir de cette date et jusqu'en 1923, lorsqu'il s'installe définitivement à Paris, ses voyages sont fréquents. C'est dans cette ville qu'il trouve les formulations esthétiques du cubisme, assimile ses systèmes expressifs et recherche le schématisme et l'essentialité des figures et des objets, en essayant de trouver l'expression tridimensionnelle authentique des postulats cubistes. Au cours de ces années, il commence à utiliser des matériaux métalliques tels que la tôle, le cuivre et le fer. Vers 1911-12, il réalise ses premiers masques, des pièces d'une grande simplification réalisées avec des tôles découpées, liées à l'esthétique cubiste. Avec la tôle, Gargallo commence à suggérer des volumes et à exalter les vides par la pénétration de la lumière dans les intérieurs. En 1920, il est nommé professeur de sculpture à la Escuela Técnica de Oficios Artísticos de la Mancomunidad de Cataluña, poste dont il est démis en 1923 pour des raisons politiques. C'est alors que Gargallo s'installe définitivement à Paris avec sa femme et sa fille. À partir de ce moment, son style acquiert une dimension très personnelle, dérivée de son interprétation du cubisme, basée sur la recherche d'une synthèse formelle de la figure dans des plans géométriques toujours fluides, en remplaçant les matériaux conventionnels par des feuilles de fer forgé, et en introduisant un nouveau langage sculptural par l'introduction du vide comme volume, ce qui confère à ses figures un grand dramatisme expressif. Pablo Gargallo est actuellement représenté au musée qui porte son nom à Saragosse, au MoMA de New York, au MACBA de Barcelone, au musée d'art moderne de Paris et au Reina Sofia de Madrid, entre autres.

Estim. 10 000 - 13 000 EUR

JEANLOUP SIEFF (Paris, 1933-2000). "Yves Saint Laurent, Paris, 1971. Gélatine argentique. Signé et daté à l'encre (dans la marge). Avec le cachet de l'artiste au verso. Provenance : collection privée O'Hara New York. Dimensions : 30 x 31 cm (image) ; 40,7 x 31 cm (cadre). La photographie d'Yves Saint Laurent prise par Jeanloup Sieff à Paris (1971) a été réalisée au cours d'une période de grande créativité dans le domaine de la mode et de la photographie. Yves Saint Laurent était déjà une figure importante du monde de la mode, connu pour ses créations révolutionnaires, et Sieff était déjà un portraitiste renommé de grandes personnalités. Jeanloup Sieff était connu pour sa capacité à capturer l'élégance et la sensualité de ses sujets. Son style distinctif comprend une utilisation magistrale du noir et blanc, jouant avec l'ombre et la lumière. Dans cette photographie, Sieff utilise ces techniques pour mettre en valeur la silhouette et le caractère de Saint Laurent. En montrant le créateur nu, cette image transmet la vulnérabilité du sujet et son dépouillement, offrant un regard intime sur l'homme qui se cache derrière l'icône de la mode. Jeanloup Sieff était un photographe français, reconnu pour ses portraits de personnalités du show-business et d'hommes politiques, mais aussi pour ses reportages, ses paysages et ses photographies de nu. Il est né à Paris le 30 novembre 1933 de parents d'origine polonaise. Ses études après le lycée sont brèves : il étudie les lettres pendant deux semaines, le journalisme pendant dix jours, la photographie à l'école de Vaugirard en France pendant un mois, puis à Vevey en Suisse pendant sept mois. Sa passion pour la photographie le fait débuter comme photographe "amateur" à l'âge de quinze ans, puis il améliore progressivement sa qualité photographique pour débuter comme photojournaliste en 1954. Un an plus tard, il rejoint le magazine Elle, où il réalise d'abord des reportages, puis des photographies de mode, jusqu'à ce qu'il quitte le magazine en 1959. Cette année-là, il commence à travailler pour Réalités et Le Jardin des Modes. Il quitte également l'agence Magnum pour travailler à son compte. Il reçoit le prix Niépce en 1959 pour l'excellence de sa photographie. En 1961, il s'installe à New York, où il collabore avec Look, Esquire, et surtout Harper's Bazaar. Il fait de brefs séjours en Europe où il travaille pour Twen, Vogue et Queen. En 1967, il décide de s'installer à Paris, où il travaille pour Vogue, Femme, Nova et d'autres publications. Il expose au niveau national et international et plusieurs de ses œuvres sont acquises par divers musées dans le monde. En 1971, elle reçoit la médaille d'or du musée d'art moderne de Skopje et, la même année, elle fait don de plusieurs collections à la Bibliothèque nationale de Paris, qui, à l'époque, n'avait pas les moyens d'acheter des photographies d'auteurs français. La caractéristique la plus marquante de son travail est l'utilisation du noir et blanc, principalement des prises de vue au grand angle et ses marques dramatiques dans le laboratoire. Son style montre l'influence du surréalisme et de la nouvelle objectivité. Son travail a reçu des prix internationaux du Japon aux États-Unis et est distribué dans différentes parties du monde. Il a notamment reçu le prix Niépce en 1959 et le Grand Prix National de Photographie en 1992. Il a été nommé chevalier de la Légion d'honneur.

Mise à prix 10 EUR

ÉCOLE MODERNE Nu à la fleur blanche Huile sur panneau Signée Zarate en bas à droite 46 x 26 cm. On y joint : École moderne Architecture cubiste Huile sur panneau 29,5 x 93 cm. (usures)

Estim. 50 - 80 EUR

Trois pièces encadrées: - REINHAY (?), XXe siècle. Nu de dos, plume et lavis d'encre sur papier, signée en bas à droite et à gauche, à vue 12x16 cm - J. ALBANEI (XXe siècle). Les pommes, ou Eden, plume et lavis sur papier, signée en bas à droite et datée 1940, à vue 10x14,5 cm. Texte de l'auteur au dos (Manques) - École MODERNE. Le cavalier. Estampe, signée en bas à droite et justifiée 4/175 en bas à gauche, à vue: 16x11 cm

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