1 / 4

Description

MARK WALLINGER (Chigwell, Angleterre, 1959). "Fantôme". Sérigraphie, exemplaire 422/500. Signé à la main et numéroté au dos. Dimensions : 55 x 47 cm ; 60 x 52,5 cm (cadre). La licorne blanche, figure qui symbolise souvent une pureté inaccessible, est imprégnée dans l'œuvre de Mark Wallinger de connotations politiques, suggérant une approche ambiguë : le titre et l'image d'apparence photographique soulignent son essence fantomatique, de créature mythique. Mais, en même temps, elle suggère que l'utopie (les idéaux) continue de nous agiter à l'intérieur. L'artiste anglais Mark Wallinger est connu pour sa capacité à utiliser l'art comme un outil de commentaire social et politique, combinant la rigueur intellectuelle avec un sens profond de l'histoire et de la culture. Il fait partie de la génération d'artistes britanniques qui s'est formée dans les années 1980 et 1990, souvent associée aux Young British Artists (YBA). Toutefois, son approche est plus conceptuelle et politique que celle de nombre de ses contemporains. Wallinger aborde les questions d'identité, de spiritualité et de pouvoir, remettant souvent en question l'autorité et explorant la subjectivité. Son travail peut être à la fois direct et ironique, utilisant des symboles culturels et religieux pour susciter la réflexion. Nommé pour le prix Turner en 1995, il l'a remporté en 2007 pour son installation State Britain. Son œuvre Ecce Homo (1999-2000) a été la première à occuper le quatrième socle vide de Trafalgar Square. Il a représenté la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise, à la Documenta de Kassel et à la Biennale d'Istanbul, entre autres événements artistiques internationaux. Labyrinth (2013), une commande permanente pour Art on the Underground, a été créée pour célébrer les 150 ans du métro londonien. En 2018, l'œuvre permanente Writ in Water a été réalisée pour le National Trust afin de célébrer le site où la Magna Carta a été signée à Runnymede. Il a exposé dans des institutions artistiques majeures telles que la Tate Britain à Londres, le Musée d'art moderne de Francfort et la Fondation Du Mont à Cologne.

Traduit automatiquement par DeepL. Seule la version originale fait foi.
Pour voir la version originale, cliquez-ici.

40 
Aller au lot
<
>

MARK WALLINGER (Chigwell, Angleterre, 1959). "Fantôme". Sérigraphie, exemplaire 422/500. Signé à la main et numéroté au dos. Dimensions : 55 x 47 cm ; 60 x 52,5 cm (cadre). La licorne blanche, figure qui symbolise souvent une pureté inaccessible, est imprégnée dans l'œuvre de Mark Wallinger de connotations politiques, suggérant une approche ambiguë : le titre et l'image d'apparence photographique soulignent son essence fantomatique, de créature mythique. Mais, en même temps, elle suggère que l'utopie (les idéaux) continue de nous agiter à l'intérieur. L'artiste anglais Mark Wallinger est connu pour sa capacité à utiliser l'art comme un outil de commentaire social et politique, combinant la rigueur intellectuelle avec un sens profond de l'histoire et de la culture. Il fait partie de la génération d'artistes britanniques qui s'est formée dans les années 1980 et 1990, souvent associée aux Young British Artists (YBA). Toutefois, son approche est plus conceptuelle et politique que celle de nombre de ses contemporains. Wallinger aborde les questions d'identité, de spiritualité et de pouvoir, remettant souvent en question l'autorité et explorant la subjectivité. Son travail peut être à la fois direct et ironique, utilisant des symboles culturels et religieux pour susciter la réflexion. Nommé pour le prix Turner en 1995, il l'a remporté en 2007 pour son installation State Britain. Son œuvre Ecce Homo (1999-2000) a été la première à occuper le quatrième socle vide de Trafalgar Square. Il a représenté la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise, à la Documenta de Kassel et à la Biennale d'Istanbul, entre autres événements artistiques internationaux. Labyrinth (2013), une commande permanente pour Art on the Underground, a été créée pour célébrer les 150 ans du métro londonien. En 2018, l'œuvre permanente Writ in Water a été réalisée pour le National Trust afin de célébrer le site où la Magna Carta a été signée à Runnymede. Il a exposé dans des institutions artistiques majeures telles que la Tate Britain à Londres, le Musée d'art moderne de Francfort et la Fondation Du Mont à Cologne.

Estimation 5 000 - 6 000 EUR
Mise à prix 2 500 EUR

* Hors frais de vente.
Reportez vous aux conditions de vente pour calculer le montant des frais.

Frais de vente : 24 %
Déposer un ordre
S'inscrire à la vente

En vente le mardi 09 juil. : 15:00 (CEST)
wwwsetdartcom, pays.null
Setdart.com
+34932463241
Voir le catalogue Consulter les CGV Infos vente

Livraison à
Modifier votre adresse de livraison
La livraison est optionnelle.
Vous pouvez recourir au transporteur de votre choix.
Le prix indiqué n’inclut ni le prix du lot, ni les frais de la maison de vente.

Vous aimerez peut-être

ANTONIO LÓPEZ GARCÍA (Tomelloso, Ciudad Real, 1936). Livre d'artiste. " Corps et fleurs ", 2017. Copie 1546/2998. Édité par Artika. Signé et numéroté. Livre relié et cousu à la main. Boîtier en bois d'érable et en verre. Dans l'étui est reproduit un dessin préparatoire de "La mujer de Coslada" (2009) sérigraphié avec deux encres. Dimensions : 77 x 54,5 cm. Livre d'art d'Antonio López. Exemplaire numéroté et signé. Ce livre retrace la carrière artistique de ce génie réaliste et nous permet d'apprécier ses œuvres jusque dans les détails les plus délicats, grâce à la reproduction grandeur nature d'un grand nombre d'entre elles. Il nous rapproche également de ses sensations, de ses passions et de ses obsessions, en s'appuyant sur des textes de Rafael Argullol et d'Antonio López lui-même, ainsi que sur un entretien entre le peintre et Julio Vaquero. Peintre et sculpteur, Antonio López a étudié à Madrid, à l'Académie San Fernando, et en Italie, où il a voyagé grâce à une bourse. Pendant ses études, il forme, avec d'autres artistes comme Enrique Gran, Amalia Avia ou Lucio Muñoz, ce que l'on appelle aujourd'hui l'école de Madrid. À la fin de ses études, en 1957, il fait ses débuts individuels à Madrid. Depuis lors, il a réitéré sa présence dans des galeries en Europe, aux États-Unis, en Chine et en Corée, et en 1993, le musée Reina Sofia de Madrid lui a consacré une exposition anthologique. Membre de l'Académie San Fernando, il a reçu le prix Prince des Asturies des arts et le prix Velázquez des arts plastiques. En 2008, le musée des beaux-arts de Boston lui a consacré une exposition monographique, et en 2011, le Thyssen-Bornemisza et le musée des beaux-arts de Bilbao feront de même. Il est représenté au Museum of Fine Arts de Boston, à l'ARTIUM de Vitoria, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, à la Fondation Juan March et au Museum of Fine Arts de Bilbao, entre autres.

EDUARDO ÚRCULO FERNÁNDEZ (Santurce, Biscaye, 1938 - Madrid, 2003). "Étreinte, 1997. Sérigraphie sur papier, exemplaire 74/75. Signé, daté et justifié à la main. Dimensions : 76 x 57 cm ; 94 x 75 cm (cadre). Suivant son esthétique particulière, Úrculo compose ses œuvres à partir d'objets énigmatiques et de figures indéterminées et anonymes qui, lointainement inspirées des illustrations de mode et des affiches art déco, évoquent tout un pan de l'imaginaire populaire contemporain. Peintre et sculpteur, l'un des meilleurs représentants du pop art en Espagne, Eduardo Úrculo commence à peindre dès l'enfance, sans aucune formation artistique, et publie en 1957 ses premières bandes illustrées dans le journal d'Oviedo "La Nueva España". Peu après, il s'installe à Madrid et commence à suivre des cours au Círculo de Bellas Artes. Pendant ces années, il gagne sa vie comme illustrateur et décorateur, et cultive une peinture marquée par l'expressionnisme social. En 1959, il se rend à Paris, où il poursuit sa formation à l'Académie de la Grande Chaumière. Dans la capitale française, il travaille comme graphiste et rencontre Eduardo Westerdahl, dont l'influence fait évoluer sa peinture vers l'abstraction. Cependant, quatre ans plus tard, il revient à la figuration et à la critique sociale. En 1967, il effectue un voyage en Europe du Nord et c'est à cette occasion qu'il entre pour la première fois en contact avec le pop américain. Dès lors, l'œuvre d'Úrculo sera marquée par un réalisme basé sur des couleurs très vives et, jusque dans les années soixante-dix, par des thèmes érotiques, satiriques et critiques. Dans les années 80, il vit à New York, où il réalise d'importants projets. En 1992, il revient à Paris. Dans cette dernière période, il ajoute à son répertoire le thème du voyageur confronté à la grande ville moderne, variante ironique de la figure du romantique submergé par le paysage. Cette évolution formelle s'est traduite par de nombreuses expositions individuelles dans le monde entier depuis 1959, ainsi que par des anthologies (Centro Cultural de la Villa de Madrid, 1997, et Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella, 2000). Úrculo est actuellement présent dans de nombreux musées et collections d'art moderne, parmi lesquels le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Galleria Nazionale d'Arte Moderno de Rome, la Biblioteca Nacional de Madrid, le Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, les collections AENA, Testimoni et Fundesco, le Museo del Dibujo Castillo de Larrés, le Museo de Arte Contemporáneo de Vilafamés et d'autres encore.