Null Gasparo Bombaci
Bologne - Bombaci, Gasparo - Histoires mémorables de la vil…

Description

Gasparo Bombaci Bologne - Bombaci, Gasparo - Histoires mémorables de la ville de Bologne Bologne, par Gio. Battista Ferroni, 1666. In 4° petit. Reliure de l'époque en parchemin floscia, avec de petits défauts sur le dos et les plats dus au travail des vers. Les coiffes et les gardes sont gravées sur bois. Rousseurs éparses et quelques brunissures.

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Gasparo Bombaci Bologne - Bombaci, Gasparo - Histoires mémorables de la ville de Bologne Bologne, par Gio. Battista Ferroni, 1666. In 4° petit. Reliure de l'époque en parchemin floscia, avec de petits défauts sur le dos et les plats dus au travail des vers. Les coiffes et les gardes sont gravées sur bois. Rousseurs éparses et quelques brunissures.

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Mise à prix 95 EUR

Luciano Gaspari / Salviati / Murano : Vase soliflore sommerso vers 1960, verre soufflé bouche, teinté vert, H: 59, diam: 6,2 cm (2)

Estim. 2 200 - 2 500 EUR

École flamande du 17e siècle. "L'Adoration des rois". Huile sur cuivre. Dimensions : 72 x 55 cm ; 92 x 75 cm (cadre). Cette œuvre fait partie de l'école flamande du XVIIe siècle et représente la scène religieuse de l'Adoration des rois. Cette œuvre représente le moment où les trois rois, accompagnés de leur entourage, présentent leurs cadeaux à l'enfant Jésus qui, dans les bras de sa mère, semble jouer avec l'encens que lui présente Gaspar, agenouillé devant lui. La scène se situe à l'extérieur, avec une référence à la crèche sur le côté droit, transformée en une architecture classique, définie par un arc en plein cintre et une colonne. Les vêtements des rois, avec des capes brodées de couleurs riches et d'une grande richesse, ainsi que les ornements de pierres précieuses et de bijoux de Balthazar, montrent le luxe de cette procession. La scène se déroule presque dans la pénombre, comme en témoigne l'ouverture sur le paysage dans le dernier plan. Cependant, la luminosité est claire et le point de mire émerge de la figure de l'enfant Jésus, qui irradie la lumière qui tombe sur le reste des personnages. La magnificence de l'œuvre est visible dans la multitude de personnages. Il s'agit d'une composition pleine de mouvement et de dynamisme, où chacun des personnages est étudié individuellement et dans son ensemble, avec des postures et des plans différents.

Estim. 7 500 - 8 000 EUR

École espagnole ou novo-hispanique ; seconde moitié du XVIIe siècle. "Vierge du tabernacle de Tolède". Huile sur toile. Redessiné. Elle présente les dégâts causés par les xylophages. Elle a un cadre du 17ème siècle. Dimensions : 220 x 163 cm ; 258 x 202 cm (cadre). L'œuvre montre, sur un fond indéterminé, l'image de la Vierge Marie avec l'Enfant dans les bras. Son regard vers l'avant, le geste de ses mains et la position de Jésus par rapport à sa mère suggèrent qu'il s'agit d'une image inspirée d'une sculpture antérieure à l'époque où l'image a été peinte. Il était très courant au XVIIe siècle d'habiller ainsi les images les plus vénérées afin de les respecter et de les actualiser en même temps, de les mettre en valeur et d'ajouter la richesse que leur "rang" de figures sacrées exigeait. Les éléments portés par Marie et l'Enfant, ainsi que leurs gestes, font directement référence à la représentation de l'image de la "Virgen del Sagrario" de la cathédrale de Tolède. Elle est généralement datée d'environ 1200, faite de bois et entièrement recouverte d'argent (à l'exception de la tête et des mains) et, déjà célèbre à l'époque d'Alphonse X le Sage, elle a été intronisée vers 1226, avec Isabelle la Catholique encore plus en vue. Au cours de la première moitié du XVIIe siècle, une chapelle a été construite pour elle, commencée par Don Gaspar de Quiroga et achevée par D. Bernardo de Sandoval, et dont l'inauguration a été présidée par Philippe III (elle a eu lieu en 1616). Comme nous l'avons déjà mentionné, la position des mains de Marie dans cette œuvre est très similaire à celle de la sculpture de Tolède, de même que les visages des deux personnages, bien que la "mise à jour" du style et le modelage des volumes soient clairs. Il est vrai que l'œuvre adopte un style archaïque lié au médiéval. On sait par les textes que la Vierge du Tabernacle de Tolède mentionnée était vêtue au XVIIe siècle d'un riche manteau de perles et de bijoux. En outre, la couronne représentée dans la peinture à l'huile serait la plus ancienne des deux couronnes importantes qui se trouvent aujourd'hui dans "son trésor" (elle semble être une base du XVe siècle et le reste de l'œuvre d'Alonso de Montoya en 1568 ou entre 1574 et 1586), et elle est vraiment particulière par sa forme et par les bandes et les creux qu'elle crée à l'avant. Le rostrillo avec les perles de Marie serait également un élément commun pour "décorer" ou habiller les sculptures médiévales très populaires à l'époque baroque et plus tard, avec une série de bijoux et d'éléments qui pourraient avoir été donnés par des personnalités de l'époque.

Estim. 13 000 - 14 000 EUR

École napolitaine ; vers 1700. "Nature morte". Huile sur toile. Recolorée. Elle présente des repeints et des restaurations. Dimensions : 91 x 166 cm ; 110 x 185 cm (cadre). Nature morte napolitaine de fleurs et de fruits magnifiquement travaillée, avec détails et attention aux qualités. Malgré la profusion des éléments qui composent la composition, la nature morte se déroule dans un intérieur, ce dont on a l'intuition grâce aux meubles qui font partie de la scène, et qu'au dernier plan on peut apprécier une petite ouverture qui permet de voir un paysage extérieur. Les éléments qui composent la nature morte sont placés au premier plan, dans une composition typiquement classique qui est en même temps dynamique malgré la structure relativement simple de l'espace. Le dynamisme est renforcé par l'utilisation de couleurs vives et métalliques, telles que l'orange du tissu ou du rembourrage de la chaise et le rose des fleurs. Ces couleurs créent à leur tour un fort contraste avec le reste de la tonalité ténébriste de la toile, typique de la nature morte napolitaine. Compte tenu de ses caractéristiques techniques, il est probable que l'œuvre appartienne au cercle de l'artiste Andrea Belvedere (Italie, 1652-1732), appelé à la cour d'Espagne par Luca Giordano. Belvedere s'est installé à Madrid en 1694 jusqu'en 1700, laissant dans la capitale plusieurs exemples de son travail de peintre de natures mortes, aujourd'hui conservés au musée du Prado. Très appréciée sur le marché des antiquités, ainsi que par les collectionneurs et les historiens de l'art, l'école napolitaine de natures mortes du baroque a connu un développement spectaculaire, laissant derrière elle la splendeur du XVIe siècle et progressant dans un style pleinement baroque et clairement identifiable. Des artistes comme Tommaso Realfonso, Nicola Casissa, Gaspare Lopez, Giacomo Nani et Baldassare de Caro ont poursuivi la tradition locale en se spécialisant dans la peinture de fleurs, de fruits, de poissons et de gibier, répondant ainsi à la demande d'une vaste clientèle caractérisée par le nouveau goût du XVIIe siècle. À ces artistes s'ajoutent des figures mineures qui sortent peu à peu d'un injuste oubli, et quelques artistes qui ont travaillé entre le XVIIe et le XVIIIe siècle, comme Francesco della Questa, Aniello Ascione, Nicola Malinconico, Gaetano Cusati, Onofrio Loth, Elena et Nicola Maria Recco, Giuseppe Ruoppolo et Andrea Belvedere. Ces peintres napolitains de natures mortes, qui ont travaillé au cours du XVIIe siècle et au début du XVIIIe siècle, sont connus sous le nom de "i generisti" et ont joué un rôle important non seulement dans leur propre environnement, mais aussi et surtout en Espagne, où le développement du genre a été clairement marqué par l'influence italienne, en particulier par l'apport de l'école napolitaine. Aujourd'hui, cette école est considérée comme l'une des plus remarquables dans le domaine des natures mortes baroques. Le trait distinctif des peintres baroques napolitains a toujours été leur fort caractère naturaliste et leur chromatisme chaleureux, avec une dominance de tons rougeâtres et terreux.

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