Manera/Círculo de Alonso Berruguete (Paredes de Nava, Palencia, 1490 - Tolède 15…

Description

Manera/Círculo de Alonso Berruguete (Paredes de Nava, Palencia, 1490 - Tolède 1561) - Plafond décoratif maniériste avec polychromie et dorure originale, XVIe siècle Dimensions : 75 x 32 cm. Collection privée, Barcelone.

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Manera/Círculo de Alonso Berruguete (Paredes de Nava, Palenc

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Estim. 1 000 - 1 200 EUR

BENJAMIN PALENCIA (Barrax, Albacete, 1894 - Madrid, 1980). Sans titre, 1948. Aquarelle et encre sur papier. Signé dans le coin inférieur droit. Provenance : Galerie Ignacio Lassaletta. Certificat joint Dimensions : 34 x 25 cm ; 65 x 56 cm. Fondateur de l'école de Vallecas avec Alberto Sánchez, sculpteur, Benjamín Palencia est l'un des plus importants héritiers de la poétique du paysage castillan typique de la génération de 98. À seulement quinze ans, Palencia quitte sa ville natale et s'installe à Madrid pour développer sa formation grâce à ses fréquentes visites au musée du Prado, car il a toujours rejeté les enseignements officiels de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando. En 1925, il participe à l'exposition des artistes ibériques qui se tient au palais du Retiro à Madrid et, en 1926, il se rend pour la première fois à Paris. Il y rencontre Picasso, Gargallo et Miró et se familiarise avec la technique du collage, qu'il appliquera plus tard à son œuvre, en y incorporant de nouveaux matériaux tels que le sable ou les cendres. C'est à partir de ce séjour parisien que l'œuvre de Palencia acquiert une tonalité surréaliste, qui se manifeste par une liberté expressive de plus en plus grande, qui atteindra sa plénitude dans sa période de maturité. De retour à Madrid, il fonde l'École de Vallecas (1927) et fait ses débuts individuels au Musée d'art moderne (1928). Palencia abandonnera progressivement les natures mortes pour reprendre le paysage castillan, le capturant à travers une magnifique synthèse entre tradition et avant-garde. Cette esthétique personnelle du paysage atteindra son apogée dans l'École de Vallecas et, après une brillante incursion surréaliste au début des années trente, au moment où éclate la guerre civile, Palencia reste à Madrid, subissant comme ses pairs de sa génération une période de crise profonde. Après la guerre, entre 1939 et 1940, sa peinture prend un tournant radical ; il abandonne les influences cubistes et abstraites et même les aspects surréalistes, à la recherche d'un art à fort impact chromatique, lié au fauvisme. Concentré sur son travail de paysagiste, Palencia reprend en 1942 l'expérience de l'école de Vallecas avec les jeunes peintres Álvar Delgado, Carlos Pascual de Lara, Gregorio del Olmo, Enrique Núñez Casteló et Francisco San José. Son œuvre rassemblera des images de la campagne castillane, de ses paysans et de ses animaux ; sa peinture devient un témoignage de la rudesse, de la grossièreté et de la ruralité, de l'expressivité subtile de la sobriété castillane. Déjà pleinement consolidé, il obtient en 1943 la première médaille à l'Exposition nationale des beaux-arts et, en 1944, il est sélectionné pour participer au Salón de los Once de Eugenio D'Ors à Madrid. L'année suivante, il reçoit la médaille d'honneur de l'Exposition nationale, bien qu'il y renonce pour faciliter sa concession à José Gutiérrez Solana, décédé quelques jours avant la décision du jury. À partir de cette décennie, il expose dans des centres d'art et des galeries comme le Círculo de Bellas Artes de Madrid ou la galerie Estilo, et en 1946, il est à nouveau sélectionné pour le Salón de los Once. Il commence également à participer à des expositions internationales, comme celles d'art contemporain espagnol organisées en 1947 à Buenos Aires, Rio de Janeiro et Sao Paulo. Il reçoit également le Grand Prix de la Biennale hispano-américaine de Madrid (1951) et expose au Musée d'art moderne de Paris (1951), à la Biennale de Venise (1956), au Palais de la Princesse de Paravinci à Rome (1965), etc. En 1973, il est nommé membre de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando et, en 1978, il rejoint l'Académie de San Jorge à Barcelone. Cette même année, il reçoit la médaille d'or du mérite des beaux-arts. Benjamín Palencia est actuellement représenté au musée national Reina Sofía, au Patio Herreriano de Valladolid et aux musées des beaux-arts de Valence et d'Albacete, entre autres.

Estim. 2 800 - 3 000 EUR

MARIA ANTONIA DANS BOADO (Oza dos Ríos, La Corogne, 1922 - Madrid, 1988). "Labradora". Cire sur papier. Signé dans la marge inférieure. Dimensions : 50 x 70 cm ; 74 x 94 cm (cadre). Avec une esthétique proche de l'art naïf, María Antonia Dans place la paysanne dans un paysage stratifié en différentes bandes chromatiques qui séparent le ciel, la montagne et le champ ensemencé. Les tons céruléens flamboyants s'associent à des touches de terre de sienne et de blé. Dans réactualise ici l'héritage "fauve" dans un style qui lui est propre. María Antonia Dans a commencé sa formation artistique dans l'atelier de Dolores Díaz Baliño et à l'École des arts et métiers d'Oza dos Ríos (La Corogne). Au début des années 1950, elle s'installe à Madrid, où elle poursuit ses études et vit jusqu'à la fin de sa vie, suivant les cours du Círculo de Bellas Artes et de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. C'est dans cette ville qu'elle rencontre Benjamín Palencia, qui sera, avec Daniel Vázquez Díaz, sa principale influence. Il se distingue par un style parfois qualifié de "naïf" qui, en réalité, est plus proche d'un néo-expressionnisme aux racines délibérément naïves, dans lequel l'influence de la broderie populaire de sa région d'origine est très particulière. Parmi ses thèmes, il faut souligner les paysages, élémentaires avec quelques mosaïques souvent, et les thèmes liés aux travaux agricoles à la campagne ou à la mer, très fréquents dans sa carrière. Son œuvre a été vue à Madrid et à La Corogne, mais aussi à Paris (où il a reçu la médaille de la ville) et dans d'autres villes, et est conservée dans diverses collections privées et institutions comme le musée d'art contemporain de Madrid, dans pratiquement tous les musées d'art contemporain de Galice (et dans ceux de plusieurs provinces espagnoles), etc.

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

BENJAMÍN PALENCIA (Barrax, Albacete, 1894 - Madrid, 1980). "Clown. 1948. Encre sur papier. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Travail vérifié par Ramón Palencia Dimensions : 44 x 28 cm. Fondateur de l'école de Vallecas avec Alberto Sánchez, sculpteur, Benjamín Palencia fut l'un des principaux héritiers de la poétique du paysage castillan typique de la génération de 98. À l'âge de quinze ans, Palencia quitte sa ville natale et s'installe à Madrid pour parfaire sa formation grâce à ses fréquentes visites au musée du Prado, car il a toujours rejeté les enseignements officiels de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando. En 1925, il participe à l'exposition des artistes ibériques qui se tient au palais du Retiro à Madrid et, en 1926, il se rend pour la première fois à Paris. Il y rencontre Picasso, Gargallo et Miró et se familiarise avec la technique du collage, qu'il appliquera plus tard à son œuvre, en y incorporant de nouveaux matériaux tels que le sable et les cendres. C'est au cours de ce séjour parisien que l'œuvre de Palencia prend une tonalité surréaliste, qui se traduit par une liberté expressive de plus en plus grande, qui atteindra son apogée dans sa période de maturité. De retour à Madrid, il fonde l'école de Vallecas (1927) et fait ses débuts individuels au Musée d'art moderne (1928). Palencia abandonne progressivement les natures mortes au profit des paysages castillans. Cette esthétique paysagère personnelle atteint son apogée dans l'École de Vallecas et, après une brillante incursion surréaliste au début des années 1930, lorsque la guerre civile éclate, Palencia reste à Madrid et, comme les autres artistes de sa génération, traverse une période de crise profonde. À la fin de la guerre, entre 1939 et 1940, sa peinture prend un tournant radical ; il abandonne les influences cubistes à la recherche d'un art à fort impact chromatique. Se concentrant sur son travail de paysagiste, Palencia revient en 1942 à l'expérience de l'école de Vallecas avec les jeunes peintres Álvar Delgado, Carlos Pascual de Lara, Gregorio del Olmo, Enrique Núñez Casteló et Francisco San José. Son œuvre comprendra des images de la campagne castillane, de ses paysans et de ses animaux ; une fois consolidée, il remporte en 1943 la première médaille de l'Exposition nationale des beaux-arts et, en 1944, il est sélectionné pour participer au Salón de los Once de Eugenio D'Ors à Madrid. L'année suivante, il reçoit la médaille d'honneur de l'Exposition nationale, bien qu'il y renonce pour faciliter son attribution à José Gutiérrez Solana, qui décède quelques jours avant la décision du jury. À partir de cette décennie, il expose ses œuvres dans des centres d'art et des galeries comme le Círculo de Bellas Artes de Madrid et la galerie Estilo, et en 1946, il est à nouveau sélectionné pour le Salón de los Once. Il commence également à participer à des expositions internationales, comme celles d'art contemporain espagnol organisées à Buenos Aires en 1947.

Estim. 18 000 - 22 000 EUR

Attribué au maître JUAN TEJERINA, XVIe siècle. "Les fiançailles de la Vierge et de saint Joseph. Huile sur panneau. Le cadre est du 20e siècle et suit les modèles du 15e siècle. Dimensions. 75 x 53 cm ; 95 x 58 cm (cadre). En pleine transition entre le style gothique et la Renaissance, cette œuvre nous montre la connaissance qu'avait l'auteur des nouveaux courants humanistes. Cela se reflète dans la composition de l'espace, puisque la scène est organisée par un point de fuite basé sur le regard du spectateur. La symétrie, fréquente dans cette image de longue tradition artistique, et l'utilisation de contre-postes, de mouvements et de plis des vêtements éloignent l'œuvre du style hiératique typique de l'époque gothique, même s'il est vrai que certaines figures rappellent cette période. Le panneau représente un thème particulièrement populaire à la fin du Moyen Âge, bien que sa source textuelle ne se trouve pas dans les textes bibliques canoniques mais dans divers récits apocryphes. Il s'agit des fiançailles de la Vierge Marie avec le vieux saint Joseph. Des XIIe et XIIIe siècles jusqu'à la fin de la période gothique, Marie a gagné en importance en tant que symbole de l'Église et de ses fidèles, mais aussi en tant que figure humaine de plus en plus proche, en tant que mère qui intercède pour ses enfants terrestres, l'humanité, auprès de son Fils céleste, le Christ, pour obtenir son pardon. Parallèlement à cette importance croissante, l'intérêt pour sa vie, les événements qui ont marqué son existence terrestre et son destin après sa mort s'est également accru. De nombreuses œuvres dévotionnelles et mystiques, souvent inspirées des anciens textes apocryphes des premiers siècles du christianisme, se sont empressées de combler les lacunes laissées par les évangélistes, en racontant en détail les épisodes de son enfance et de sa jeunesse. Dans le cas de son mariage avec saint Joseph, les sources prennent soin de souligner le caractère miraculeux de ce mariage, en indiquant que le prétendant a été choisi parmi tous les hommes justes et honorables de Jérusalem, célibataires ou veufs, grâce à un signe divin. Les caractéristiques stylistiques de la pièce nous rapprochent de l'œuvre du maître Juan Tejerina, dont la production s'est surtout développée dans la région de Palencia. Disciple de Juan de Flandes, sa proximité esthétique a permis d'attribuer les deux panneaux de la Visitation de la Vierge à sainte Élisabeth et de l'Adoration des rois, qui figurent dans la partie supérieure du retable principal de la cathédrale de Palencia. L'Annonciation et la Nativité de l'église de Santa Eulalia à Paredes de Nava lui sont également attribuées.

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