Resin bust of Beethoven simulating marble, 20th century Dimensions : 30 cm

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Resin bust of Beethoven simulating marble, 20th century

Dimensions : 30 cm

340

Resin bust of Beethoven simulating marble, 20th century

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Estim. 800 - 900 EUR

ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "L'œil", 1984. Gravure en deux planches sur papier Arches, exemplaire 4/50. Signé et numéroté à la main. Tàpies Galfetti V, p. 183, fig. 952. Dimensions : 12 x 21 cm (tirage 1) ; 30 x 40 cm (tirage 2) ; 50 x 65 cm (papier). Antoni Tàpies débute dans l'art pendant sa longue convalescence d'une maladie pulmonaire. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, il commence à exposer dans les Salones de Octubre à Barcelone, ainsi que dans le Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. Au cours de ces années, il commence à participer à la Biennale de Venise, expose à nouveau aux Layetanas et, après une exposition à Chicago, en 1953, il fait une exposition individuelle à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson. Dès lors, ses expositions, tant collectives que personnelles, se déroulent dans le monde entier, dans des galeries et des musées de premier plan tels que le Guggenheim de New York et le Musée d'art moderne de Paris. Depuis les années soixante-dix, des anthologies lui ont été consacrées à Tokyo (1976), New York (1977 et 2005), Rome (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venise (1982), Milan (1985), Vienne (1986) et Bruxelles (1986). Autodidacte, Tàpies a créé son propre style au sein de l'art d'avant-garde du XXe siècle, combinant tradition et innovation dans un style abstrait mais plein de symbolisme, accordant une grande importance au substrat matériel de l'œuvre. Il convient de mentionner le sens spirituel marqué que l'artiste donne à son œuvre, où le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine. L'œuvre de Tàpies a été très appréciée au niveau international et a été exposée dans les musées les plus prestigieux du monde. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Praemium Imperiale du Japon, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture de France, la Fondation Wolf des arts (1981), la Médaille d'or de la Generalitat de Catalunya (1983), le Prix du Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'Unesco (1993) et le Prix Velázquez pour les arts plastiques (2003). Grand défenseur de la culture catalane, dont il est profondément imprégné, Tàpies est un grand admirateur de l'écrivain mystique Ramón Llull, ainsi que de l'art roman catalan et de l'architecture de Gaudí. Parallèlement, il apprécie l'art et la philosophie orientaux qui, à l'instar de son propre travail, brouillent la frontière entre la matière et l'esprit, entre l'homme et la nature. Influencé par le bouddhisme, il montre dans ses peintures comment la douleur, physique et spirituelle, est inhérente à la vie. Antoni Tàpies est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofía à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 2 000 - 3 000 EUR

MANUEL BARBADILLO (Cazalla de la Sierra, Séville, 1929 - Malaga, 2003). Sans titre, 1979-1984. Encre sur papier. Encadré dans un verre de musée. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 21 x 30 cm ; 29 x 38 cm (cadre). Sur le papier millimétré se trouve une étude, réflexions de l'artiste, qui nous montre le travail antérieur et conceptuel. En effet, dans la collection du Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, il y a plusieurs pièces de plus grandes dimensions qui reflètent le concept esthétique que l'artiste incarne dans cette œuvre. Les pièces Coraina, Dione et Merata en sont des exemples. Manuel Barbadillo a commencé sa formation dans l'atelier de José Arpa (1941), puis dans celui du sculpteur Emilio García Ortiz, où il est resté entre 1944 et 1947. Il termine enfin sa formation à l'École des arts et métiers entre 1951 et 1953. Parallèlement, il étudie le droit et, à la fin de ses études en 1954, il expose pour la première fois à l'Ateneo de Sevilla. Il se rend ensuite au Maroc, où il reste jusqu'en 1957, et abandonne définitivement la figuration pour se consacrer à l'expérimentation abstraite. Lorsqu'en 1959 il s'installe à New York, où il restera jusqu'en 1962, son œuvre s'inscrit dans le cadre de l'abstraction informaliste, montrant d'abord des influences de l'expressionnisme abstrait. Cependant, son langage va bientôt dériver dans le sens de la réduction de la couleur, jusqu'à aboutir à des œuvres sobres, monochromes, denses en matière picturale et d'un caractère expérimental accentué. Vers 1960, son œuvre entre dans une nouvelle phase, marquée par la structuration et la recherche d'un langage de plus en plus rationnel et équilibré. Enfin, vers 1963, sa peinture atteint sa maturité par la schématisation compositionnelle, l'élimination de la matière, la symétrie et l'utilisation de formes répétitives. Cette simplification le conduira finalement au langage binaire et, à partir de 1964, il remplace le concept de forme par celui de module, entamant ainsi la période la plus longue et la plus fructueuse de sa production. En 1968, il est invité à participer à un cours au Centro de Cálculo de la Complutense et, la même année, il prend part au Séminaire sur la génération automatique de formes plastiques au même endroit, ce qui sera déterminant pour sa carrière. Dès lors, Barbadillo établira une relation étroite avec l'ordinateur, compris comme un outil de travail. Tout au long de sa carrière, Barbadillo a été membre de la Computer Arts Society et du Conseil artistique de la Gesellschaft für Computer Grafik und Computer Kunst à Munich. Il a présenté son travail dans des expositions en Espagne, au Maroc, en Argentine, au Venezuela, aux États-Unis et en Allemagne, et a participé à des expositions collectives dans le monde entier. Il est actuellement représenté au MNCA Reina Sofía, au Centro Andaluz de Arte Contemporáneo et dans de nombreuses collections publiques et privées en Europe et en Amérique. Encadré dans un verre de musée.

Estim. 2 200 - 2 400 EUR

JOSE MARIA YTURRALDE, (Cuenca, 1942). "Postlude, 1998. Acrylique sur papier. Signé et daté en bas. Dimensions : 30 x 30 cm ; 35 x 35 cm (cadre). La série "Horizons", commencée par Yturralde en 2009, est un échantillon de l'exploration et de la recherche de la couleur, de la lumière et du sensoriel. Cet horizon horizontal marque le point de départ de l'expérience sensorielle de l'être humain, un concept lié à la culture des Touaregs, et même aux "haïkus" (poèmes) japonais. L'artiste met ainsi en évidence l'infinité de l'horizon, associée à la vision infinie du désert. Au cours des années consécutives, Jose María Yturralde continue de façonner le concept de limite et de début, également associé à des domaines scientifiques tels que les distorsions spatio-temporelles. En 2014, il continue d'ajouter des aspects liés au traitement et à la conception de ces limites qui prennent la forme de lignes noires verticales et horizontales au milieu de structures équilibrées et colorées. Titulaire d'un doctorat en beaux-arts de l'université polytechnique de Valence, Yturralde est membre à part entière de l'Académie royale des beaux-arts de San Carlos. Il a fait ses débuts en solo en 1969 lors d'une exposition organisée au Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid. Il a rapidement commencé à recevoir des prix exceptionnels, notamment une bourse pour étudier au Massachusetts Institute of Technology. Yturralde a exposé et donné des conférences dans le monde entier et a participé à d'importantes expositions collectives internationales depuis le début de sa carrière : Biennale de São Paulo (1967), Museum of Fun à Tokyo (1979), Spanish Institute à New York (1996), etc. Ses expositions personnelles au M.I.T. et au Musée Reina Sofia de Madrid, ainsi que dans diverses galeries parisiennes, moscovites, espagnoles, américaines et japonaises, sont particulièrement remarquables. Yturralde est représenté dans des musées nationaux et internationaux tels que le Museum of Abstract Art de Cuenca, le Brooklyn Museum, le Harvard Museum, l'Asahi Shimbun de Tokyo, le Novgorod State Museum de Russie, le Patio Herreriano de Valladolid et le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

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