École italienne ; XVIe siècle. "Le Christ portant la croix". Huile sur panneau. Elle présente des défauts et des restaurations. Dimensions : 65 x 43 cm. Modèle de Sebastiano Piombo. La concentration qui montre le visage du Christ, avec les paupières tombées et la bouche entrouverte, exalte la dévotion des fidèles qui, devant la sobriété de la scène, contemplent les derniers moments de la vie de Jésus. L'auteur ne reflète que le buste du protagoniste et une partie de la croix, mais pas seulement dans son intégralité, réduisant les éléments au minimum pour créer une image d'émotion contenue. Cette retenue se retrouve également dans le traitement technique de l'anatomie, où les mains et le bras que l'on aperçoit sous la tunique montrent la tension des veines, chargées de la force du port de la croix. Cette habileté artistique se reflète également dans de petits détails tels que les gouttes de sang provoquées par la couronne d'épines, qui ne tombent pas de manière dramatique sur le visage, et les larmes transparentes qui humectent les joues du protagoniste. Dans cette toile, l'auteur représente l'un des moments les plus dramatiques du chemin de croix, celui où le Christ porte le poids de la croix. Dans cet épisode, il est courant de voir Simon le Cyrénéen aider Jésus à porter la croix, ou Véronique lui offrir un linge pour essuyer son visage de sang et de sueur. Cependant, l'auteur de ce canevas se passe de ces personnages et ne cherche aucune signification théologique autre que celle de la souffrance et du sacrifice volontaire du Christ au nom de l'humanité. Cette générosité suprême est d'ailleurs renforcée par le regard de Jésus lui-même, qui évite le nôtre, se tournant sur le côté, vers quelque chose que nous ne voyons pas parce que c'est à l'extérieur du tableau. La peinture baroque est l'un des exemples les plus authentiques et les plus personnels de notre art, car sa conception et sa forme d'expression sont nées des personnes et des sentiments les plus profonds qui l'habitaient. L'économie de l'État étant en panne, la noblesse en déclin et le haut clergé accablé de lourds impôts, ce sont les monastères, les paroisses et les confréries d'ecclésiastiques et de laïcs qui ont favorisé son développement, les œuvres étant parfois financées par une souscription populaire. La peinture a donc été contrainte de capter les idéaux dominants dans ces milieux, qui n'étaient autres que religieux, à une époque où la doctrine de la Contre-Réforme exigeait de l'art un langage réaliste pour que les fidèles comprennent et s'identifient à ce qui était représenté, et une expression dotée d'un contenu émotionnel intense pour accroître la ferveur et la dévotion du peuple. Le sujet religieux est donc le thème le plus récurrent. Il présente des défauts et des restaurations.