Null Etre Moderne : Le Moma à Paris - La Fondation Louis Vuitton expose les chef…

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Etre Moderne : Le Moma à Paris - La Fondation Louis Vuitton expose les chefs d'oeuvres du MoMA à l'automne 2017. Deux cents oeuvres retracent l'histoire du MoMA et la formation de la collection, de sa première décennie (House by the Railroad d'Edward Hopper acquis en 1930), en passant par l'après-guerre (Pollock et De Kooning) puis au pop art et au minimalisme jusqu'aux oeuvres contemporaines acquises très récemment comme Untitled (Club Scene) de Kerry James Marshall ou un jeu de carte de Shigetaka Kurita. Certaines n'ont encore jamais été exposées en France. - Thames & Hudson - 2017

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Etre Moderne : Le Moma à Paris - La Fondation Louis Vuitton expose les chefs d'oeuvres du MoMA à l'automne 2017. Deux cents oeuvres retracent l'histoire du MoMA et la formation de la collection, de sa première décennie (House by the Railroad d'Edward Hopper acquis en 1930), en passant par l'après-guerre (Pollock et De Kooning) puis au pop art et au minimalisme jusqu'aux oeuvres contemporaines acquises très récemment comme Untitled (Club Scene) de Kerry James Marshall ou un jeu de carte de Shigetaka Kurita. Certaines n'ont encore jamais été exposées en France. - Thames & Hudson - 2017

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Estim. 1 500 - 1 800 EUR

PABLO GARGALLO CATALÁN (Maella, Zaragoza, 1881 - Reus, Tarragona, 1934). "Tête d'Arlequin", 1928. Pointe sèche sur papier vergé, exemplaire 9/12. Signé dans la planche : PG 28. Avec cadre d'époque peint à la main. Présente quelques manques de polychromie. Quelques taches sur le papier. Dimensions : 18 x 13 cm (assiette) ; 22 x 17 cm (papier) ; 43 x 37 cm (cadre). Rare estampe de l'artiste. Cette œuvre n'a été tirée qu'à 12 exemplaires numérotés. Le musée Pablo Gargallo possède les planches originales des quatre seules gravures à la pointe sèche de Gargallo (Autoportrait, Tête d'Arlequin, Nu féminin et Ballerine). Pablo Gargallo est considéré comme le précurseur de la sculpture sur fer. Il a appris la technique de la forge auprès de son père, qui possédait un atelier de forgeron. En 1888, sa famille émigre à Barcelone pour des raisons économiques et c'est là qu'il commence sa formation artistique, dans l'atelier du sculpteur Eusebio Arnau et à l'école de la Lonja, avec Venancio Vallmitjana comme principal professeur. À l'apogée du modernisme à Barcelone, Gargallo fréquente les réunions de "Els quatre Gats", établissant des relations avec des artistes tels que Nonell et Picasso. C'est pourquoi ses premières œuvres sont influencées par le modernisme, comme c'est le cas de la décoration des bâtiments barcelonais qu'il réalise en collaboration avec l'architecte Domènech i Montaner, tels que l'hôpital de la Santa Cruz y San Pablo ou le Palau de la Música. En 1903, Gargallo obtient une bourse qui lui permet de se rendre à Paris pour terminer ses études. Son séjour dans la capitale française est bref, mais à partir de cette date et jusqu'en 1923, lorsqu'il s'installe définitivement à Paris, ses voyages sont fréquents. C'est dans cette ville qu'il trouve les formulations esthétiques du cubisme, assimile ses systèmes expressifs et recherche le schématisme et l'essentialité des figures et des objets, en essayant de trouver l'expression tridimensionnelle authentique des postulats cubistes. Au cours de ces années, il commence à utiliser des matériaux métalliques tels que la tôle, le cuivre et le fer. Vers 1911-12, il réalise ses premiers masques, des pièces d'une grande simplification réalisées avec des tôles découpées, liées à l'esthétique cubiste. Avec la tôle, Gargallo commence à suggérer des volumes et à exalter les vides par la pénétration de la lumière dans les intérieurs. En 1920, il est nommé professeur de sculpture à la Escuela Técnica de Oficios Artísticos de la Mancomunidad de Cataluña, poste dont il est démis en 1923 pour des raisons politiques. C'est alors que Gargallo s'installe définitivement à Paris avec sa femme et sa fille. À partir de ce moment, son style acquiert une dimension très personnelle, dérivée de son interprétation du cubisme, basée sur la recherche d'une synthèse formelle de la figure dans des plans géométriques toujours fluides, en remplaçant les matériaux conventionnels par des feuilles de fer forgé, et en introduisant un nouveau langage sculptural par l'introduction du vide comme volume, ce qui confère à ses figures un grand dramatisme expressif. Pablo Gargallo est actuellement représenté au musée qui porte son nom à Saragosse, au MoMA de New York, au MACBA de Barcelone, au musée d'art moderne de Paris et au Reina Sofia de Madrid, entre autres.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelone, 1893 - Palma de Majorque, 1983). Série de Barcelone, 1972. Eau-forte, aquatinte et carborundum. Copie "Bon a tiré", 1972. Signé et inscrit au crayon. Inscrit : "Bat. Miró 6/IV/72 - 28/III/72 (6)". Réf. n° 598, p. 231, "Miró Graveur", Vol. 598, p. 231, "Miró Graveur", Vol. II. Dimensions : 70 x 105 cm ; 87 x 122 cm (cadre). Joan Miró se forme à Barcelone, et débute individuellement en 1918, dans les galeries Dalmau. En 1920, il s'installe à Paris et rencontre Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara et les dadaïstes. C'est là, sous l'influence des poètes et des peintres surréalistes, qu'il mûrit son style ; il tente de transposer la poésie surréaliste dans le domaine visuel, en se basant sur la mémoire, la fantaisie et l'irrationnel. Sa troisième exposition à Paris, en 1928, est son premier grand triomphe : le Museum of Modern Art de New York acquiert deux de ses œuvres. Il retourne en Espagne en 1941 et, la même année, le musée lui consacre une rétrospective qui sera sa consécration internationale définitive. Tout au long de sa vie, il reçoit de nombreuses récompenses, telles que les grands prix de la Biennale de Venise et de la Fondation Guggenheim, le prix Carnegie de peinture, les médailles d'or de la Generalitat de Catalunya et des Beaux-Arts, et est nommé docteur honoris causa par les universités de Harvard et de Barcelone. Ses œuvres sont actuellement exposées à la Fondation Joan Miró à Barcelone, ainsi qu'au musée Thyssen-Bornemisza, au MoMA de New York, au musée Reina Sofía de Madrid, à la National Gallery de Washington, au MNAM de Paris et à l'Albright-Knox Art Gallery de Buffalo.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

ROBERT FRANK (Zurich 1924 - Nouvelle-Écosse 2019) "Jour de pluie", vers 1955. Gélatine argentique sur papier Agfa. Signé à l'encre dans le coin inférieur gauche. Provenance : Christie's Paris, Photographies 10/11/2020, Lot 107. Dimensions : 41 x 30 cm ; 66,5 x 58 cm (cadre). Robert Frank était un photographe et documentariste suisse, qui a également obtenu la nationalité américaine. Son œuvre la plus remarquable est le livre The Americans, publié en 1958, qui a valu à Frank d'être comparé à De Tocqueville, car ses photographies offraient une vision nouvelle et nuancée de la société américaine, vue de l'extérieur. Le critique Sean O'Hagan a écrit dans The Guardian en 2014 que The Americans "a changé la nature de la photographie, ce qu'elle pouvait dire et comment elle pouvait le dire. Il reste peut-être le livre de photographie le plus influent du XXe siècle". Frank a ensuite exploré d'autres domaines tels que le film et la vidéo et a expérimenté la manipulation de photos et le photomontage. Robert Frank est né à Zurich, en Suisse, dans une famille juive. Frank et sa famille sont restés en sécurité en Suisse pendant la Seconde Guerre mondiale. Il s'est formé auprès de plusieurs photographes et graphistes avant de créer son premier livre de photographies fait à la main, 40 Photos, en 1946. Frank émigre aux États-Unis en 1947 et trouve un emploi à New York en tant que photographe de mode pour Harper's Bazaar. En 1949, le nouveau rédacteur en chef du magazine Camera, Walter Laubli (1902-1991), publie un important portfolio de photographies de Jakob Tuggener prises lors de défilés de haut niveau et dans des usines, ainsi que le travail de Frank, âgé de 25 ans, qui vient de rentrer dans son pays natal, la Suisse, après deux années passées à l'étranger. Il part bientôt pour l'Amérique du Sud et l'Europe et crée un autre livre de photographies faites à la main qu'il a prises au Pérou. De retour aux États-Unis en 1950, il rencontre Edward Steichen et participe à l'exposition collective 51 American Photographers au Museum of Modern Art (MoMA). D'abord optimiste sur la société et la culture américaines, Frank change rapidement de perspective lorsqu'il est confronté au rythme rapide de la vie américaine, qu'il perçoit comme une trop grande importance accordée à l'argent. C'est alors que ses images ont commencé à montrer l'Amérique comme un endroit souvent désolé et solitaire. L'insatisfaction de Frank face au contrôle exercé par les éditeurs sur son travail a sans aucun doute influencé son expérience. Il continue de voyager et installe brièvement sa famille à Paris. En 1953, il retourne à New York et continue à travailler comme photojournaliste indépendant pour des magazines tels que McCall's, Vogue et Fortune. En s'associant à d'autres photographes contemporains tels que Saul Leiter et Diane Arbus, il a contribué à former ce que Jane Livingston a appelé l'école new-yorkaise des photographes au cours des années 1940 et 1950. En 1955, Frank obtient une nouvelle reconnaissance avec l'inclusion par Edward Steichen de sept de ses photographies dans l'exposition du Museum of Modern Art. En 1955, Frank reçoit une bourse Guggenheim de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation pour parcourir les États-Unis et photographier la société. Il se rend dans les villes suivantes : Detroit et Dearborn (Michigan), Savannah (Géorgie), Miami Beach et St. Petersburg (Floride), La Nouvelle-Orléans (Louisiane), Houston (Texas), Los Angeles (Californie), Reno (Nevada), Salt Lake City (Utah), Butte (Montana) et Chicago (Illinois). Il a emmené sa famille avec lui pour une partie de sa série de voyages en voiture au cours des deux années suivantes. Pendant cette période, il a pris 28 000 photos, dont 83 seulement ont été sélectionnées par lui pour être publiées dans The Americans. Il présente sa première exposition personnelle à l'Art Institute of Chicago et, un an plus tard, il expose une seconde fois au MoMA. En 1972, le Kunsthaus de Zurich lui consacre une grande rétrospective.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelone, 1893 - Palma de Majorque, 1983). "Miró, Musée d'art moderne de Mexico". 1980. Lithographie sur vélin d'Arches, exemplaire 2/100. Signée, dédicacée, datée et numérotée au crayon. Éditeur : Museo de Arte Moderno de México. Imprimeur : Litografías Artística Damià Caus, Barcelone. Reproduit dans Maeght Editeur "Miró Litógrafo VI", p. 148. Dimensions : 76 x 56 cm ; 97 x 77 x 4 cm (cadre). Cette lithographie de Miró, limitée à cent exemplaires, a été utilisée pour l'affiche annonçant l'exposition de Joan Miró au Bosque de Chapultepec au printemps 1980, au Museum of Modern Art. Lunes, étoiles, figures réduites à quelques traits d'un noir épais enfermant en leur sein des couleurs primaires... synthétisent quelques-unes des constellations de l'âme de Joan Miró rassemblées dans cette image. Joan Miró a été formé à Barcelone et a fait ses débuts individuels en 1918, dans les galeries Dalmau. En 1920, il s'installe à Paris et rencontre Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara et les dadaïstes. C'est là, sous l'influence des poètes et des peintres surréalistes, qu'il mûrit son style ; il tente de transposer la poésie surréaliste sur le plan visuel, en se basant sur la mémoire, la fantaisie et l'irrationnel. Sa troisième exposition à Paris, en 1928, est son premier grand triomphe : le Museum of Modern Art de New York acquiert deux de ses œuvres. Il retourne en Espagne en 1941 et, la même année, le musée lui consacre une rétrospective qui sera sa consécration internationale définitive. Tout au long de sa vie, il reçoit de nombreuses récompenses, telles que les grands prix de la Biennale de Venise et de la Fondation Guggenheim, le prix Carnegie de peinture, les médailles d'or de la Generalitat de Catalunya et des Beaux-Arts, et est nommé docteur honoris causa par les universités de Harvard et de Barcelone. Ses œuvres sont actuellement exposées à la Fondation Joan Miró à Barcelone, ainsi qu'au musée Thyssen-Bornemisza, au MoMA de New York, au musée Reina Sofía de Madrid, à la National Gallery de Washington, au MNAM de Paris et à l'Albright-Knox Art Gallery de Buffalo.

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