Juan ALCALDE « La passante à Paris » Huile sur papier cartonné collée sur pannea…

Description

Juan ALCALDE

« La passante à Paris » Huile sur papier cartonné collée sur panneau de bois, 44 x 32 cm et 51 x 63 cm avec cadre, signée en bas à gauche. Au dos, étiquette de la Galerie Uniarte de Barcelone avec la référence : 1537-12-78. Remise des lots sans frais de transport à LA SALLE 20 rue DROUOT-PARIS le lendemain de la vente (samedi 4 mai) ou quelques jours après la vente GALERIE 18, rue Grange-Batelière (25 mètres de l’Hôtel Drouot) sinon l'envoi de la FRANCE à la charge de l’acheteur par le transporteur de son choix. Photos en haute résolution : https://bit.ly/41uZlKv

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Juan ALCALDE

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Estim. 70 000 - 80 000 EUR

LITA CABELLUT (Sariñena, Huesca, 1961). "Rêves cachés 14", 2014. Huile sur toile. Signée et datée au dos. Dimensions : 148 x 150 cm. Lita Cabellut nous offre un portrait monumental. Le visage de la jeune femme impressionne par ses yeux verts et l'éclat de ses lèvres rouges, qui contrastent avec la délicatesse de son teint. Résolu avec une technique hyperréaliste, il contraste avec l'informalisme qui règne à l'arrière-plan et avec les coulures qui serpentent sur la figure et explosent sur le chapeau. La figure et le fond acquièrent des textures magnétiques qui éveillent chez le spectateur le désir de toucher la surface du tableau. La complexité technique et les résultats expressifs, caractéristiques du style de Cabellut, ont fait de l'Espagnol l'un des artistes les plus recherchés au niveau international. D'origine gitane, Lita Cabellut est née dans la petite ville de Sariñena, à Huesca, dans une famille présentant de graves dysfonctionnements. Abandonnée par ses parents, elle est élevée par sa grand-mère dans la ville de Barcelone. Las Ramblas, le marché de la Boqueria, le Port Vell et la Plaza Real, lieux remplis à l'époque de marginaux, d'artistes et de personnalités du show-business mais aussi de touristes, ont été le théâtre de son enfance, marquée par la dyslexie et la nécessité, parfois, de mendier. La mort de sa grand-mère, alors qu'elle n'avait que dix ans, l'a conduite à être internée dans un orphelinat où, à l'âge de treize ans, elle a été adoptée par une famille catalane de la haute société. Les peintures de Goya, Velázquez, Ribera et Rembrandt, découvertes lors de visites au musée du Prado, ont révélé sa vocation artistique et, en 1978, l'artiste a organisé sa première exposition à la mairie de Masnou. En 1982, elle s'installe avec sa famille aux Pays-Bas, où elle étudie, grâce à une bourse, à l'académie d'art Gerrit Rietveld jusqu'en 1984. La peinture des grands maîtres baroques hollandais a été essentielle dans la construction de son art, non pas tant en termes de style que de technique. L'artiste travaille aussi bien l'huile sur toile que le dessin sur papier, la sculpture, la photographie, le poème visuel ou l'art vidéo. Parfois, ses œuvres reprennent certains aspects du "buon fresco" italien, ou bien elle ajoute à ses peintures à l'huile un effet de craquelure qui produit un fort impact plastique et visuel. Son œuvre regorge de portraits, où l'on retrouve la forte influence de Rembrandt, Francis Bacon ou Jackson Pollock, tous caractérisés par l'expressivité du trait et la défiguration de la réalité, cherchant à refléter la déchirure intérieure de ses modèles. Refléter la violence, le sordide, la cruauté, qui se cachent parfois sous une couche superficielle de glamour, sous une beauté évanescente et éphémère, est l'un de ses principaux objectifs. Son travail est regroupé dans des collections ou des séries, comme celle consacrée à Frida Kahlo ou A Portrait of Human Knowledge (2012), où elle effigie certaines des figures les plus significatives du monde de la culture et de la science des 150 dernières années, de Stravinsky à Marie Curie, en passant par Billy Holiday ou Federico García Lorca. L'artiste a participé à de nombreuses expositions, tant individuelles que collectives, dans des villes importantes telles que New York, Dubaï, Miami, Singapour, Hong Kong, Londres, Paris, Venise, Monaco et Séoul. Elle a reçu de nombreux prix et distinctions, comme le Gypsy Culture Award for Painting and Plastic Arts de l'Institute of Gypsy Culture, en 2011. Elle est également l'une des artistes vivantes les plus recherchées sur le marché de l'art actuel. En 2015, le magazine Artprice l'a incluse à la 333e place dans sa liste des 500 artistes contemporains les plus recherchés, la plaçant juste derrière Miquel Barceló et Juan Muñoz en ce qui concerne les artistes espagnols.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

OLGA SACHAROFF (Tiflis, Géorgie, 1889 - Barcelone, 1967). "Vase". Huile sur carton. Certificat ci-joint délivré par Barrachina & Ramoneda. Dimensions : 40 x 38 cm ; 70 x 60 cm (cadre). Malgré son origine géorgienne, Olga Sacharoff a réussi à devenir une représentante importante du noucentisme catalan. Dès son séjour parisien, avant sa période barcelonaise, elle adopte son propre style dans lequel la nature et les animaux jouent un rôle symbolique important. Sacharoff construit dans ce panneau un vase évocateur déterminé par l'influence cézannienne qui a marqué le cours de sa production. La combinaison calme de couleurs vives nous plonge dans une image lumineuse, basée sur des compositions réduites à l'essentiel. Cette impression de silence, associée au caractère résolument géométrique du dessin de l'artiste, crée dans l'œuvre un air d'intemporalité, d'image éternelle, immortelle grâce à la touche géniale de l'artiste. Après avoir étudié à l'école des beaux-arts de Tiflis, Sacharoff s'installe à Munich en 1910, où elle entre en contact avec l'expressionnisme allemand. L'année suivante, il s'installe à Paris, où son travail est d'abord influencé par Cézanne, puis évolue vers le cubisme synthétique. Au début de la Première Guerre mondiale, Sacharoff se rend en Espagne, où il s'installe en 1915, passant d'abord par Majorque pour finalement s'installer à Barcelone l'année suivante. En fait, certains historiens soulignent qu'elle a été l'introducteur du cubisme à Barcelone. À partir de là, elle collabore à la revue "391" de Francis Picabia, considérée comme le porte-voix du dadaïsme et publiée à Barcelone. Il expose aux Salons d'Automne de Paris en 1920, 1921, 1922 et 1928, obtenant d'importants éloges de la presse et parvenant à organiser, en 1929, une exposition personnelle à la galerie parisienne Bernheim Jeune, l'une des plus importantes de l'époque. Au cours de ces années, elle expose aux galeries Layetanas de Barcelone (1934) et participe au salon de Montjuic, dont elle est nommée membre en 1935. Au début de la guerre civile, Sacharoff retourne à Paris et, en 1939, elle expose à la galerie Perls de New York. Après la guerre, il retourne à Barcelone et abandonne l'avant-garde pour se plonger dans un goût naïf proche du noucentisme catalan. Son style adopte des traits lyriques et aimables, et il se met au service d'une vision idéalisée de la Catalogne : paysages, coutumes, types populaires, etc. En général, ce sont les compositions à personnages multiples qui prédominent à cette époque, représentées avec des traits schématiques et des couleurs vives. Choisi par Camón Aznar, il participe au Ier Salón de los Once de Eugenio D'Ors (1943), qui se tient à la galerie Biosca de Madrid. Deux ans plus tard, il organise une rétrospective de son œuvre parisienne et, en 1960, la Direction générale des beaux-arts lui consacre une exposition anthologique. En 1964, il reçoit la médaille de la ville de Barcelone. Sacharoff a également illustré des livres, notamment "La casa de Claudine" de Colette (1944) et "Netochka Nezvanova" de Dostoïevski (1949). Récemment, une anthologie lui a été consacrée en duo avec María Blanchard à Bilbao (BBK Exhibition Hall, 2002). Olga Sacharoff est représentée à la Fondation Mapfre de Madrid, au Centre national Reina Sofia, au musée Thyssen-Bornemisza, au musée d'art nouveau et d'art déco Casa Lis, au musée Marés, au musée Pablo Gargallo de Saragosse et au monastère de Montserrat, entre autres.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

École espagnole ; XIXe siècle. "La balançoire. Huile sur toile. Relié. Dimensions : 46,5 x 35 cm ; 62 x 50 cm (cadre). Cette œuvre suit les modèles d'un des cartons de tapisserie réalisés par Goya. Selon l'étude de la Fondation Goya, "vers 1856 ou 1857, ce carton a été transporté de la Manufacture royale de tapisseries au Palais royal de Madrid. En 1870, les cartons de tapisseries qui se trouvaient dans les sous-sols du palais ont été transférés au musée du Prado, qui s'appelait alors musée de la peinture et de la sculpture. À cette époque, six cartons de Goya manquent à l'appel, dont celui en question. Ce carton a été perdu de vue pendant de nombreuses années jusqu'à ce qu'il soit apporté au Philadelphia Museum of Art par une collection privée en 1975. Il a été offert par Anna Warren Ingersoll". Francisco de Goya, l'un des peintres les plus remarquables de l'histoire de l'art universel, a reçu ses premières leçons de dessin et de peinture de José Luzán Martínez, qui enseignait chez lui ainsi qu'à l'Académie de dessin fondée à Saragosse en 1754. Après trois ans d'études avec ce professeur, Goya demande une pension à l'Académie royale de San Fernando en 1763, à l'âge de dix-sept ans. Il semble qu'à ce moment-là, il était déjà l'élève de Francisco Bayeu, qui était revenu de la cour. Cependant, Goya ne réussit pas à entrer à l'Académie, pas plus qu'il ne le fit lors d'une nouvelle tentative en 1766. Vers 1770, il entreprend un voyage en Italie pour élargir sa formation et améliorer ses possibilités. Il y laissera des traces de son goût précoce pour le grotesque et la satire. Après une longue carrière, Goya est remplacé comme Pintor de Cámara par Vicente López, et il entre dans une période d'isolement, d'amertume et de maladie qui le conduit à s'isoler dans la Quinta del Sordo, à la périphérie de Madrid, où il réalise son œuvre suprême : les Pinturas Negras (Peintures Noires). Lassé de l'absolutisme imposé par Ferdinand VII en Espagne, Goya part finalement pour la France en 1824, où il retrouve des amis libéraux exilés. C'est là qu'il passa ses dernières années et réalisa sa dernière œuvre, "La laitière de Bordeaux", dans laquelle il anticipait l'impressionnisme. Aujourd'hui, son œuvre fait partie des plus importantes galeries d'art du monde, du musée du Prado au Metropolitan Museum de New York, en passant par l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, le Louvre de Paris ou la National Gallery de Londres.

Estim. 1 500 - 3 000 EUR

Ablade GLOVER (né en 1934), attribuée à Sans titre, 1991 Huile sur toile Signée "GLO" et datée "91" en bas à droite 60,3 x 75,5 cm Encadrée Rapport de condition disponible sur demande : [email protected] Oeuvres comparatives : - Vente Van Ham du 05 mai 2019 à Cologne, p. 56 - Vente Bonham's du 12 octobre 2023 à Londres, p. 199 NOTICE Né au Ghana en 1934, Ablade Glover a fait de longues études en passant par diverses institutions telles que la Central School of Art and Design de Londres (1959-1962) ainsi qu'aux États-Unis. Après son doctorat, il occupe diverses fonctions éducatives à Kumasi dont celui de doyen de l'École des Beaux-Arts. Artiste référencé, ayant reçu l’Alumni Award de l’African-American Institute de New-York, ses oeuvres sont exposées dans diverses institutions et lieux publics dont le siège de l'UNESCO à Paris ou bien l’aéroport International Chicago’s O’Hare. Sa technique au couteau de prime abord très abstraite lui permet de traduire le foisonnement des habitations, des marchés et des habitants du Ghana.

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