Null FIGURE DE SAINTE CATHERINE D'ALEXANDRIE EN BOIS POLYCHROME ET SCULPTÉ

XVIe…

Description

FIGURE DE SAINTE CATHERINE D'ALEXANDRIE EN BOIS POLYCHROME ET SCULPTÉ XVIe siècle Debout sur la tête de l'empereur Maximilien, la roue de son martyre appuyée contre sa jambe H : 111 cm

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FIGURE DE SAINTE CATHERINE D'ALEXANDRIE EN BOIS POLYCHROME ET SCULPTÉ XVIe siècle Debout sur la tête de l'empereur Maximilien, la roue de son martyre appuyée contre sa jambe H : 111 cm

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Estim. 300 - 400 EUR

Saint personnage en bois mouluré et sculpté. Polychrome. Manques et accidents. Travail du XVIIe. Hauteur: 90 cm.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

École espagnole ; XVIe siècle. "Saint". Bois sculpté et polychrome. Il présente des défauts et des dégâts causés par les xylophages. Dimensions : 64 x 34 x 5 cm. Sculpture en relief représentant un saint, ce qui indique qu'elle faisait probablement partie d'un groupe sculptural plus important. L'Espagne est, au début du XVIe siècle, la nation européenne la mieux préparée à recevoir les nouvelles conceptions humanistes de la vie et de l'art en raison de ses conditions spirituelles, politiques et économiques, bien que, du point de vue des formes plastiques, son adaptation à celles implantées par l'Italie soit plus lente en raison de la nécessité d'apprendre les nouvelles techniques et de modifier le goût de la clientèle. La sculpture reflète peut-être mieux que d'autres domaines artistiques cette volonté de revenir au monde classique gréco-romain qui exalte dans ses nus l'individualité de l'homme, en créant un nouveau style dont la vitalité dépasse la simple copie. Bientôt, l'anatomie, le mouvement des figures, les compositions avec un sens de la perspective et de l'équilibre, le jeu naturaliste des plis, les attitudes classiques des personnages commencèrent à être valorisés ; mais la forte tradition gothique maintient l'expressivité comme véhicule du sens spirituel profond qui informe nos meilleures sculptures de la Renaissance. Cette tradition forte et saine favorise la continuité de la sculpture religieuse en bois polychrome qui accepte la beauté formelle offerte par l'art de la Renaissance italienne avec un sens de l'équilibre qui évite sa prédominance sur le contenu immatériel qui anime les formes. Dans les premières années du siècle, des œuvres italiennes sont arrivées dans nos pays et certains de nos sculpteurs se sont rendus en Italie, où ils ont appris de première main les nouvelles normes dans les centres les plus progressistes de l'art italien, que ce soit à Florence ou à Rome, et même à Naples. À leur retour, les meilleurs d'entre eux, comme Berruguete, Diego de Siloe et Ordóñez, ont révolutionné la sculpture espagnole par le biais de la sculpture castillane, avançant même la nouvelle dérivation maniériste, intellectualisée et abstraite du Cinquecento italien, presque en même temps qu'elle était produite en Italie. Il présente les défauts et les dommages causés par les xylophages.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

École espagnole ; XVIe siècle. "Saint". Bois sculpté et polychrome. Il présente des défauts et des dégâts causés par les xylophages. Dimensions : 64 x 34 x 5 cm. Sculpture en relief représentant un saint, ce qui indique qu'elle faisait probablement partie d'un groupe sculptural plus important. L'Espagne est, au début du XVIe siècle, la nation européenne la mieux préparée à recevoir les nouvelles conceptions humanistes de la vie et de l'art en raison de ses conditions spirituelles, politiques et économiques, bien que, du point de vue des formes plastiques, son adaptation à celles implantées par l'Italie soit plus lente en raison de la nécessité d'apprendre les nouvelles techniques et de modifier le goût de la clientèle. La sculpture reflète peut-être mieux que d'autres domaines artistiques cette volonté de revenir au monde classique gréco-romain qui exalte dans ses nus l'individualité de l'homme, en créant un nouveau style dont la vitalité dépasse la simple copie. Bientôt, l'anatomie, le mouvement des figures, les compositions avec un sens de la perspective et de l'équilibre, le jeu naturaliste des plis, les attitudes classiques des personnages commencèrent à être valorisés ; mais la forte tradition gothique maintient l'expressivité comme véhicule du sens spirituel profond qui informe nos meilleures sculptures de la Renaissance. Cette tradition forte et saine favorise la continuité de la sculpture religieuse en bois polychrome qui accepte la beauté formelle offerte par l'art de la Renaissance italienne avec un sens de l'équilibre qui évite sa prédominance sur le contenu immatériel qui anime les formes. Dans les premières années du siècle, des œuvres italiennes sont arrivées dans nos pays et certains de nos sculpteurs se sont rendus en Italie, où ils ont appris de première main les nouvelles normes dans les centres les plus progressistes de l'art italien, que ce soit à Florence ou à Rome, et même à Naples. À leur retour, les meilleurs d'entre eux, comme Berruguete, Diego de Siloe et Ordóñez, ont révolutionné la sculpture espagnole par le biais de la sculpture castillane, avançant même la nouvelle dérivation maniériste, intellectualisée et abstraite du Cinquecento italien, presque en même temps qu'elle était produite en Italie. Il présente les défauts et les dommages causés par les xylophages.

Estim. 13 000 - 14 000 EUR

École espagnole ; XVIIIe siècle. "L'Enfant Jésus et Saint Jean". Bois sculpté polychrome. Dimensions : 81 x 34 x 27 cm (x2). Dans les deux cas, la représentation infantile de l'Enfant Jésus et de Saint Jean était très courante dans le Baroque, unissant en outre les deux figures par leur relation familiale et leur destin similaire, en plus de la fonction du Baptiste et d'autres. Visuellement, il s'agit d'un de ces thèmes "doux et tendres" qui, chez le spectateur, éveillent des souvenirs (ou des anticipations) de ce qui se passera à l'avenir dans la vie des deux, la religion atteignant le cœur de ce même fidèle par le biais du sentiment, comme il était d'usage à l'époque. Il n'était donc pas rare de les voir "ensemble" tant dans les peintures que dans les sculptures, différenciées par de petits détails lorsque les sculptures sont présentées sans vêtements, mais clairement lorsqu'elles sont "complètes" (vêtements, postiches, éléments iconographiques, etc.) Ce type d'images religieuses habillées a été réalisé en Occident surtout depuis le baroque, un style artistique très intéressé par la représentation de figures aussi réalistes que possible. Parfois, les personnages sont même dotés de cheveux et d'yeux naturels et d'autres éléments en verre. Il n'est pas rare que le corps entier de la figure soit sculpté en bois et polychrome, mais il était également très courant que seules les parties du corps qui seraient vues une fois l'image habillée (c'est-à-dire les mains et le visage) soient en bois et que le reste soit en alfa ou en bois peu ou pas travaillé, voire en lamelles assemblées. Cela permettait de réduire les coûts, de sorte que les confréries ou les églises pouvaient choisir des artistes de meilleure qualité pour la réalisation de leurs images. En outre, les personnages portaient des manteaux et autres vêtements brodés de qualité, de sorte que la partie travaillée ne se voyait pas, ce qui constituait une dépense superflue. Les images "cap i pota" sont des figures travaillées en détail uniquement sur le visage et les mains, sur une structure en bois plus ou moins sculptée. Bien que les figures vestimentaires aient souvent été utilisées dans les processions, il s'agit ici d'une figure destinée à la dévotion privée, compte tenu de sa petite taille. Les parties visibles sont recouvertes d'une fine couche de stuc et polychromées, tandis que le reste est recouvert de vrais vêtements. Il s'agit d'images particulièrement appréciées pour leur naturalisme, car le fait de porter des vêtements authentiques permet d'atteindre un plus grand degré de réalisme que les images simplement sculptées, qui n'ont souvent pas la qualité suffisante pour atteindre ce degré de naturalisme, si recherché dans l'art religieux depuis l'époque baroque. En raison de ses caractéristiques formelles, nous attribuons cette œuvre à la main du peintre et sculpteur grenadin José Risueño, formé par son père, Manuel Risueño, et par le peintre Juan de Sevilla, tous deux disciples d'Alonso Cano. Tout au long de sa vie, Risueño a réalisé une abondante production artistique sur des thèmes religieux, caractérisée par la combinaison de l'influence des modèles de Cano avec un goût pour le naturalisme et l'utilisation pour construire ses compositions des estampes flamandes de Van Dyck. Il connut un grand succès de son vivant, fut d'ailleurs protégé par des personnalités de l'Église et travailla à la fabrique de la cathédrale de Grenade, ce qui lui assura un flot de commandes. Son principal protecteur sera, à partir de 1693, l'archevêque Martín Azcargorta, et c'est précisément à partir de cette date que l'artiste atteindra la maturité de son langage et de sa maîtrise. Il réalisera des œuvres importantes comme le Christ du couvent de San Angel ou l'Immaculée de l'autel de la cathédrale de Grenade, bien que son œuvre la plus célèbre, et aussi la dernière qu'il ait réalisée, soit la série de seize figures qui composent le retable de San Ildefonso. La sculpture de José Risueño se caractérise par les petites figures, la virtuosité technique d'influence rococo et la qualité de ses polychromies, puisqu'il était également peintre.

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