Sculpture en bois sculpté polychrome représentant la Vierge, un ange à ses pieds…

Description

Sculpture en bois sculpté polychrome représentant

la Vierge, un ange à ses pieds, la tête en ivoire. (Manques, accidents et fentes). On y joint une tête de clown triste H : 13cm H.: 25 cm.

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Sculpture en bois sculpté polychrome représentant

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Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Icône de l'école russe des ateliers des vieux croyants, XIXe siècle. "La Vierge de toutes les douleurs. Tempera, feuille d'or sur carton. Présente des éclats dans la peinture. Dimensions : 31 x 26 cm. La Vierge de toutes les douleurs est un type d'iconographie mariale vénéré dans l'Église orthodoxe russe et considéré comme miraculeux. Le canon apparaît en 1688 à Moscou dans l'église de la Vierge de toutes les douleurs, également connue sous le nom d'église de la Transfiguration, bien que d'autres versions antérieures soient connues, mais avec une iconographie différente. La typologie finale de l'icône s'est formée en Russie sous une puissante influence occidentale. On peut percevoir des similitudes avec l'iconographie de la Miséricorde, de l'Immaculée Conception ou de la Maestà. En ce sens, l'icône correspond au canon traditionnel. Outre la Vierge Marie représentée dans le registre central de l'image, en plus grand format que les autres personnages, l'icône comprend des images de personnes affligées par la maladie et la douleur, et d'anges qui accomplissent de bonnes actions au nom de la Vierge. La Mère de Dieu est représentée en pied, debout sur les nuages, dans une mandorle mystique et entourée d'anges, avec l'Enfant Jésus dans son bras gauche, bien qu'elle puisse également être représentée seule, les bras ouverts, et avec le rosaire dans la main droite. Dans le registre supérieur, dans les nuages, le Sebaoth est représenté, bien que des versions avec la Trinité soient également acceptées. Les scènes de l'icône sont accompagnées de nombreuses inscriptions, qui sont des prières et des bénédictions à tous les affligés, les malades et les personnes souffrantes.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

École novo-hispanique ; seconde moitié du XVIIIe siècle. "Vierge de la Merced". Huile sur toile. Dimensions : 62 x 45 cm ; 79 x 63 cm (cadre). Image de dévotion de la Vierge de la Miséricorde, accompagnée de deux saints priant à ses pieds. La Vierge est représentée assise sur un piédestal de nuages, accompagnée de plusieurs enfants anges, sur les genoux desquels se tient également l'Enfant Jésus. La Vierge de la Miséricorde est une invocation mariale de la Vierge Marie, dont la dévotion trouve son origine en Catalogne. C'est autour d'elle qu'a été fondé l'ordre de la Miséricorde, initié par saint Pierre Nolasco au début du XIIIe siècle. Ce sont précisément les moines mercédaires qui ont diffusé son culte à travers l'Espagne, la France et l'Italie à partir de cette date. L'iconographie des représentations de la Vierge de la Miséricorde acquiert sa forme définitive au XVIe siècle et se compose de l'habit mercédaire avec tunique, scapulaire et cape, tous de couleur blanche, avec les armoiries mercédaires sur la poitrine. Elle apparaît généralement avec une couronne de reine, ainsi qu'avec le sceptre dans la main droite. Il convient de mentionner que, pendant la domination coloniale espagnole, une peinture principalement religieuse a été développée, visant à christianiser les peuples indigènes. Les peintres locaux s'inspiraient des œuvres espagnoles, qu'ils suivaient littéralement en termes de types et d'iconographie. Les modèles les plus fréquents étaient les anges arquebusiers et les vierges triangulaires, mais ce n'est que dans les premières années du XIXe siècle, à l'époque de l'indépendance et de l'ouverture politique de certaines colonies, que plusieurs artistes ont commencé à représenter un nouveau modèle de peinture doté d'une identité propre.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Suiveur de REMBRANDT HARMENSZOON VAN RIJN (Leyde, 1606- Amsterdam, 1669). "La Dormition de la Vierge". Huile sur panneau. Berceau. Elle présente des restaurations et des défauts sur la surface picturale. Dimensions : 79 x 63 cm ; 100 x 84 cm (cadre). Ce tableau suit le modèle de composition établi par Rembrandt dans sa gravure de la Dormition de la Vierge, réalisée en 1639. La Bibliothèque numérique hispanique en possède un exemplaire dans sa collection, qu'elle décrit comme suit : "L'une de ses gravures religieuses les plus célèbres est La mort de la Vierge, 1639. C'est la première gravure dans laquelle il a utilisé la pointe sèche de manière généralisée, et la plus grande après Les cent florins. Il existe trois états de cette gravure et la Biblioteca Nacional possède deux excellents exemplaires du deuxième état. La scène peut être rapprochée de La mort de la Vierge de Dürer, que Rembrandt a achetée aux enchères en 1638, ainsi que de plusieurs dessins de cette période, comme La mort de Jacob ou ceux de Saskia malade dans son lit. Dans La Mort de la Vierge, les apôtres entourent de douleur le lit mortuaire de la Vierge, tandis que les anges tournent autour d'elle pour accueillir son âme. Il s'agit d'une composition multiple dans laquelle chaque personne manifeste son chagrin d'une manière différente. La pièce est ornée de grands rideaux, de tapis et d'un lit à baldaquin. Les jeux d'ombre et de lumière sont étudiés pour que l'attention se concentre sur la Vierge morte et sur la brisure de gloire qui occupe toute la partie supérieure de l'estampe, où Rembrandt utilise des lignes très longues et croisées. C'est dans cette estampe qu'il utilise pour la première fois, de manière généralisée, la pointe sèche sur la plaque propre avant de la compléter par l'eau-forte. Dès lors, cette technique devient pour Rembrandt un véritable moyen d'expression artistique". Déplacée du centre de la scène, repose la figure de la Vierge aux yeux fermés et allongée sur un lit. La présence des apôtres affligés aux pieds de la figure de la Vierge et l'apparition des anges nous indiquent qu'il s'agit de la représentation du passage de la Vierge. Un thème devenu populaire à l'époque baroque et plus tard, en raison de la Contre-Réforme, qui a conduit la religion chrétienne à recourir à divers passages de la vie de la Vierge. Dans l'œuvre, la grande magnificence de l'architecture qui configure la scène est particulièrement remarquable. Selon les Évangiles apocryphes, après que saint Michel eut annoncé sa fin terrestre, la Vierge convoqua les apôtres, qui répondirent à son appel à l'exception de saint Thomas, qui prêchait en Inde. On appréciera que l'auteur de cette toile ait su assimiler la leçon du maître incontesté du clair-obscur, des tonalités monochromes aux marques spectaculaires. Nous pouvons également apprécier l'empreinte des différents empâtements de Rembrandt, dont les coups de pinceau vont des glacis délicats à la touche d'un pinceau riche en matière. Rembrandt était, en plus d'être un maître de la peinture, un graveur exceptionnel. Il travaillait aussi bien au burin qu'à la pointe sèche, renonçant toujours au dessin préalable, attaquant directement la plaque et exploitant au maximum les possibilités expressives de la technique de l'eau-forte. Il faisait de nombreux essais, enlevant et insérant des éléments et en effectuant des retouches, d'où la grande impression d'immédiateté de ses gravures. Il a réalisé jusqu'à dix états différents, et il lui a même fallu des années pour achever certaines de ses œuvres. Son thème de prédilection était l'autoportrait : il se prenait comme modèle pour étudier ses affections, tout en laissant une trace de sa personnalité et du passage du temps. Il présente des restaurations et des défauts sur la surface picturale.

Estim. 35 000 - 45 000 EUR

Workshop of Cipriano de Toledo and Gutiérrez (active in Cuzco, Peru, 1761 - 1775)

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