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mar 11 jun

Etienne-Charles LE GUAY(ou LEGUAY).1762-1846 - Etienne-Charles LE GUAY(o LEGUAY).1762-1846 Retrato de Marie-Victoire Jaquotot Versión de busto de la miniatura de Etienne-Charles Le Guay, Retrato de Marie-Victoire Jaquotot, sentada en un sofá. Entre 1794 y 1801 Miniatura sobre marfil, montada sobre cartulina 13 x 10 cm Etienne-Charles Le Guay (1762- 1846), miniaturista y pintor sobre porcelana, nació en Sèvres en 1762 y murió en París en 1846. Recibió clases de Joseph-Marie Vien (1716-1809) en la Académie Royale, fundador de la escuela clásica moderna, que enseñó a muchos de sus alumnos, entre ellos Regnault y David. Tras dirigir la producción de la fábrica de porcelana Dihl et Guérhard de París durante la Revolución Francesa, Le Guay (o Leguay) fue considerado el mejor pintor de figuras de la fábrica de Sèvres a principios del siglo XIX. En 1794, Etienne-Charles Le Guay se casó con su alumna, Marie-Victoire Jaquotot (1772-1855), pintora de porcelana. La pareja se separó unos años más tarde, en 1801. Le Guay expuso en el Salón entre 1795 y 1819, demostrando que su obra estaba en sintonía con el gusto preciosista del Consulado y del Imperio. Pintor en la Manufactura de Sèvres de 1778 a 1840, es particularmente conocido por haber decorado un monumental jarrón "etrusco" de la Manufactura de Sèvres con un friso de 2,05 m que representa el cortejo nupcial de Napoleón I y María Luisa atravesando la Gran Galería del Louvre. El jarrón ha sido destruido, pero el modelo del friso, una acuarela de B. Zix, se conserva en el cabinet des dessins del Louvre. Marie-Victoire Jaquotot (1772-1855), pintora sobre porcelana, fue alumna y segunda esposa en 1794 de Etienne-Charles Le Guay, de quien se divorció en 1801. Fue pintora en la Manufactura de Sèvres entre 1801 y 1842. Expuso sus cuadros sobre porcelana en el Salón entre 1808 y 1836, y en la primera de estas exposiciones ganó la medalla de oro, la primera concedida a la pintura sobre porcelana. En 1816, Marie-Victoire Jaquotot obtuvo el título de "premier peintre sur porcelaine du cabinet du roi" (primera pintora sobre porcelana del gabinete del rey), título que le permitió abrir un taller privado en el que enseñó pintura sobre porcelana a una treintena de alumnos, en su mayoría mujeres, durante casi veinte años, entre ellos Marie-Adélaïde Ducluzeau (1787-1849), que también fue pintora en Sèvres. Marie-Victoire Jaquotot, mientras trabajaba en la manufactura de Sèvres, pintó un gran número de piezas que pueden contarse entre las mejores pinturas sobre porcelana. Según Le Guide de l'amateur de faïences et porcelaines : poteries, terres cuites, peintures sur lave, émaux, pierres précieuses artificielles, vitraux et verreries publicado en 1867: "Fue ella quien pintó el servicio de postres regalado al emperador Alejandro, y la serie de retratos de los reyes, que pertenecieron a la corte. Pintó La Belle Jardinière, según Raphaël; Anne de Clèves, según Van Dyk; Wellington; Napoleón I; Lady Darnley; la condesa Woronzof; la duquesa de Orleans; la duquesa de Berry; la condesa Lorges, etc." . Nuestra miniatura de marfil es una versión de busto de Portrait de Marie-Victoire Jaquotot, assise sur un divan, una miniatura de marfil pintada por Etienne-Charles Le Guay entre 1794 y 1801, actualmente en el Museo del Louvre. El pintor representa a su esposa, la artista Marie-Victoire Jaquotot, consultando grabados, entre ellos la figura de Mansuétude, una de las virtudes pintadas por Rafael en el dormitorio de Constantino. También sostiene un grabado de La Vierge à la chaise, todo lo cual atestigua la admiración de la artista por Rafael. Marie-Victoire Jaquotot era especialmente famosa por sus copias de Rafael. Su talento para dominar los colores de la cerámica, combinando matices brillantes y tonos de piel aterciopelados, la convirtió en una figura clave de la política de Alexandre Brongniart de pintar copias en grandes platos de porcelana (la búsqueda de la pintura inalterable), que se enmarcaban como cuadros. Le Guay jugó con la blancura del marfil para dar al retrato de su esposa "una envoltura luminosa, ligeramente etérea". Camille Mauclair calificó esta obra de deliciosa: "el joven miniaturista aparece muy bonito".

Valorac. 3 000 - 5 000 EUR

mar 11 jun

ESTATUILLA DE USHNISHAVIJAYA EN ALEACIÓN DE PLATA PARCIALMENTE DORADA Y COBRE DORADO TIBET CENTRAL, CIRCA SIGLO XVII Himalayan Art Resources nº 1828 17,2 cm (6 3/4 pulg.) de altura Notas a pie de página: FIGURA DE USHNISHAVIJAYA EN PAQUETE DE PLATA DORADA Y ALEACIÓN DE COBRE DORADO TIBET CENTRAL, CIRCA SIGLO XVII Publicado en Amy Heller, Tibetan Art: Tracing the Development of Spiritual Ideas and Art in Tibet, 600-2000 a.C., 1999, p. 197, nº 105. Meinrad Maria Grewenig & Eberhard Rist (eds), Buda: 2000 años de arte budista, 232 obras maestras, Völklingen, 2016, p. 350, n.º 148. Expuesto Buda: 2000 años de arte budista, 232 obras maestras, Völklingen, 24 de junio de 2016 -19 de febrero de 2017. Un Ushnishavijaya espectacular En esta magnífica escultura del siglo XVII, procedente del Tíbet central, aparece la diosa Ushnishavijaya en su manifestación de tres cabezas y ocho brazos.1 Dirige su mirada central hacia abajo para encontrarse con la de sus devotos. Su rostro derecho es sereno y también mira hacia abajo. El izquierdo es feroz y poderoso, con los colmillos expuestos y los ojos abiertos e inquebrantables. En la práctica budista tibetana, Ushnishavijaya se invoca para favorecer la longevidad, la purificación y el bienestar. Siguiendo la iconografía tradicional para su representación, sostiene el vajra doble (vishvavajra) delante del corazón, una imagen del Buda Amitabha en la mano superior derecha, la flecha, el gesto de generosidad (varada mudra), el arco y un gesto de protección (abhaya mudra) en la mano superior izquierda. La mano izquierda, cerca de su pecho, sostenía el cordón sagrado (pasha); la mano girada hacia arriba, en su regazo, un jarrón con el elixir inmortal.2 El cuerpo de la diosa es blanco, aquí bellamente representado por la plata en la que está fundida. El frío metal se utiliza con un magnífico efecto estético, que contrasta con el cálido oro de la base, la aureola y los adornos, y con el vibrante azul turquesa de sus joyas incrustadas. Sus rostros estuvieron pintados en otro tiempo, como demuestran los restos de pigmento. Los textos iconográficos tradicionales describen el rostro central como blanco, al igual que el cuerpo, el derecho como dorado o amarillo y el izquierdo como rojo3 . Los encargos en plata, un material raro y caro, eran poco comunes en el Tíbet. Otro ejemplo es una diosa budista del siglo XVII de la colección Nyingjei Lam.4 Como este ejemplo, la diosa de ocho brazos de Nyingjei Lam tiene extremidades delgadas, dispuestas elegantemente alrededor del torso. Los pétalos de loto, la aureola y otros detalles de la Ushnishavijaya de Bonhams son muy similares a los de una escultura de Ushnishavijaya del siglo XVII conservada en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (fig. 1; 2007.75a, b). Además, su reverso se parece tanto al de la escultura Ushnishavijaya del Museo Metropolitano como para sugerir que las dos esculturas comparten una conexión histórica aún por determinar5. En términos más generales, la escultura expresa elementos del gusto nepalí, aunque fue encargada por un mecenas tibetano, lo que se hace evidente en la elección de piedras turquesas, que eran las preferidas en el Tíbet. Algunas características de la escultura de Speelman se encuentran también en obras creadas en un famoso taller adyacente al monasterio de Tashi Lhunpo en Shigatse, Tíbet Central. De hecho, el halo de llamas que rodea a Ushnishavijaya y su base de loto son muy similares a los de una escultura de Chakrasamvara del siglo XVII que perteneció a la Colección Claude de Marteau y que lleva una inscripción que confirma su conexión con el taller de Tashi Lhunpo (fig. 2). El taller, llamado Tashikitsel (bkra shis skyid tshal), se creó durante el mandato del cuarto Panchen Lama, Lobsang Chökyi Gyaltsen (Blo bzang chos kyi rgyal mtshan, 1567-1662), muy cerca del monasterio de Tashi Lhunpo. Se fundó para cultivar la excelencia en las artes de la escultura, la pintura, la arquitectura y la artesanía textil. Algunas esculturas publicadas llevan la inscripción "Tashi Lima" ( bkra shis li ma ), que recientemente se ha entendido como una indicación de que las esculturas inscritas se hicieron en este taller muy cercano al monasterio de Tashi Lhunpo.6 Una traducción literal del término Tashi lima es "Metal auspicioso", pero como ha señalado Luo Wenhua, su significado más específico es "Tashikitsel".7 Jane Casey Enero de 2024 1. Véase Marie-Therese de Mallmann, Introduction a l'Iconographie du Tantrisme Bouddhique, París, 1975, pp. 389-390 para una discusión de sus diversas formas. 2. La escultura de aleación de cobre dorado de Ushnishavijaya, aproximadamente contemporánea, del Museo Metropolitano de Arte (fig. 1) conserva un fino cordón que conecta la parte superior de la mano izquierda, pasa por el arco y cae en la mano central izquierda. La figura del Metropolitan sigue sosteniendo el jarrón de elixir en la mano inferior izquierda, tal como se imagina que lo sostenía originalmente la escultura de Speelman. 3. Mallmann, 1975, pp. 389-390. Véase también el conjunto Himalayan Art Resources nº 5924: https://www.himalayanart.org/search/set.cfm?setID=5924. 4. Publicado en David Weldon y Jane Casey Singer, The Sculptural Heritage of Tibet

Valorac. 600 000 - 800 000 EUR
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