Tableaux modernes

Jean-Louis PAGUENAUD (1876-1952) Iles des Saintes Huile sur panneau, signée en bas à gauche, titrée au dos (Usures, petits accidents et manques.) Haut.: 53,5 cm ; Larg.: 79 cm Provenance : - Collection particulière, Limoges Originaire du Limousin mais d'abord élevé en Algérie, Jean-Louis PAGUENAUD (1876-1952) est formé à l'École des Arts Décoratifs de Limoges et à l'Académie Julian où il aurait été élève de Bouguereau. Toute sa vie, il conserve une passion pour le voyage et les pays du soleil : Pays Basque, Espagne, Asie, Antilles, Afrique, Afrique du Nord, Polynésie etc. En 1922, il est nommé peintre officiel de la Marine. Paul Valéry le surnomme « L'amiral des peintres, le peintre des amiraux ». Le musée de la Marine conserve plusieurs oeuvres de ce brillant coloriste.

GEN PAUL (1895-1975). Vue de Montmartre, Paris. Gouache sur papier. Signée en bas à droite. Dim. : 50 x 65 cm.

Maximilien LUCE (1858-1941) Baigneuse Huile sur toile, signée en bas à gauche Haut. : 46 cm ; Larg. : 38 cm Provenance : - Collection particulière. - Ancienne collection Frédéric Luce. Bibliographie : - Denise BAZETOUX, " Catalogue de l'oeuvre peint ", tome III, n° 413

Henri-Edmond CROSS (1856-1910) Gondolier à Venise Aquarelle, signée des initiales en bas à droite, porte une annotation au verso du montage " ancienne collection Jacques Doucet (inv. n° 455) " Haut. : 10,5 cm ; Larg. : 13 cm

Achille LAUGE (1861-1944) Vue de Coullioure Dyptique, Huiles sur toiles Cadre et toile d'origine Non signé, étiquette au revers, daté 1932 et numéroté 12648 Dim. (à vue, par tableaux) : 73 x 54 cm L'œuvre sera insérée dans le catalogue raisonné en cours par Madame Nicole Tamburini. Un certificat d'authenticité sera délivré à l'acquéreur

Gustav Klimt - Gustav Klimt (1862 Baumgarten près de Vienne - Vienne 1918) - Femme enceinte avec homme vers la gauche. Craie bleue sur Japon nacré solide, couleur chamois. (env. 1902). Env. 44 x 30,5 cm. Strobl 947. - Dessin à la fois réduit et expressif à la craie bleue. - Représentation harmonieuse et intime d'un couple, dont les corps sont réunis en une seule unité par le dessin de Gustav Klimt. - Étude en préparation du tableau "Hoffnung I", qui se trouve aujourd'hui au Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa En préparation du tableau "Hoffnung I", Klimt réalise en 1903/04 de nombreux dessins sur le motif d'une femme enceinte, proches de représentations similaires dans les œuvres "Beethovenfries" et "Fakultätsbild Medizin", créées peu de temps auparavant. Klimt ajoute maintenant un homme à ce motif et relie ces deux figures en une unité, comme dans le "Baiser" de la frise de Beethoven. Toutefois, l'homme et la femme sont ici côte à côte, l'homme ne se tourne que légèrement vers la femme et a passé un bras protecteur autour de ses épaules. Ce qui est particulièrement caractéristique, c'est que Klimt représente toujours la femme enceinte de profil strict vers la gauche. Ainsi, "(...) la gestuelle de l'homme souligne la sécurité de la femme, ce qui s'exprime également dans la position des deux têtes et les épaules de la femme tirées vers l'avant. Pour Klimt, ces études semblent avoir été d'une grande importance, non seulement du point de vue du sujet, mais aussi pour des raisons formelles. Il s'agissait en premier lieu (...) d'intégrer de manière optimale le corps de la femme dans le contour de l'homme qui, avec ses formes plutôt anguleuses, la terminaison verticale du corps sur le côté gauche et le regroupement de la tête, des épaules, du haut et de l'avant-bras sur le côté droit, constitue une feuille très appropriée. Dans le rendu de la femme, Klimt a cherché à saisir sa silhouette avec un contour harmonieusement courbé, qui à la fois rendait son corps lumineux et était capable d'exprimer un maximum de volume. En ce qui concerne le degré de stylisation de la forme choisie, il allait bien au-delà de celui de la femme enceinte de 'Médecine'". (Alice Strobl, Gustav Klimt. Die Zeichnungen, vol. I 1878-1903, p. 273). Sur le tableau "Hoffnung I" exécuté, l'homme soutenant la femme a disparu et des grimaces ressemblant à des têtes de mort apparaissent à la place dans l'arrière-plan sombre. Cela est peut-être dû à un coup du sort dans la vie de Gustav Klimt : à l'automne 1902, son fils Otto Zimmermann, âgé de quelques semaines seulement, meurt ; Klimt avait une relation très intime avec sa mère Marie Zimmermann. Cette perte personnelle pourrait être à l'origine du "passage d'une représentation d'abord très optimiste de la femme enceinte à une représentation menacée de mort" (Strobl, p. 274). Littérature : Sabarsky, Serge, Gustav Klimt. Drawings/Cento disegni/100 dessins, Mount Kisco/New York e.a. 1983/84, cat. n° 26. Exposition (sélection) : Gustav Klimt et Henri Matisse, Internationale der Zeichnung, 3e exposition spéciale, Mathildenhöhe, Darmstadt 1970, cat. n° 55 ; Egon Schiele, Seibu Museum of Art, Tokyo 1979, cat. n° 4 ; Gustav Klimt, Isetan Museum of Art, Tokyo 1981, cat. n° 38 ; Gustav Klimt. 100 disegni/100 dessins/100 drawings/100 kreseb, Pinacoteca Capitolina, Rome et autres 1983-1997, n° de cat. 26 ou 20 ; Gustav Klimt (Europalia 87 Autriche), Musées Royaux des Beaux Arts de Belgique, Bruxelles 1987, n° de cat. 68 ; Gustav Klimt 1862-1918 ; Nassau County Museum of Art, Roslyn/New York 1989 ; Centro Social y Cultural de la Fundación La Caixa, Lleida 2008/09 ; Spazio Oberdan, Milan 2012.Provenance : Collection/succession Serge Sabarsky, New York ; Collection/Fondation Vally Sabarsky, New York. Taxation : Différence de taxe plus 7% (VAT : Margin Scheme (non EU)).

Léon ZEYTLINE (1885-1962) La parisienne Huile sur toile signée en bas à gauche Présent dans le catalogue raisonnéé de l'artiste sous le n°357 Dim. : 73 x 100 cm

Louis TOFFOLI (1907-1999) Le Brésilien, 1980 Huile sur toile, signée en bas à droite, titrée et numérotée 5774 au verso Haut. : 73,5 cm ; Larg. : 50 cm Bibliographie : - Jeanine Pelissier, Louis Toffoli, Catalogue raisonné de l'oeuvre peint, Association des amis de Louis Toffoli, 1993, Tome II, n° 1921

FRANK-BOGGS (1855-1926) Le Vieux Port à Marseille Huile sur toile, signée en bas à gauche Haut. : 54 cm ; Larg. : 108 cm Expert : Élisabeth MARÉCHAUX

Jean-Louis PAGUENAUD (1876-1952) Mer agitée par temps gris Huile sur panneau, signée en bas à gauche Haut. : 61 cm ; Larg. : 94 cm Provenance : - Collection particulière, Var Décoratifs de Limoges et à l'Académie Julian où il aurait été élève de Bouguereau. Toute sa vie, il conserve une passion pour le voyage et les pays du soleil : Pays Basque, Espagne, Asie, Antilles, Afrique, Afrique du Nord, Polynésie etc. En 1922, il est nommé peintre officiel de la Marine. Paul Valéry le surnomme « L'amiral des peintres, le peintre des amiraux ». Le musée de la Marine conserve plusieurs oeuvres de ce brillant coloriste.

Pierre-Eugène MONTÉZIN (1874-1946) Avenue du bois Gouache, signée en bas à gauche Haut. : 22 cm ; Larg. : 37,5 cm (dimensions à vue)

Léon ZEYTLINE (1885-1962) Les deux amies Huile sur toile signée en bas à gauche Dim. : 73 x 100 cm

Georges DUREAU (1930-2014) Epreuve de force entre deux hommes. Tirage argentique. Signée en bas à droite. Dim. : 22,5 x 22,5 cm.

Le Corbusier - Le Corbusier (1887 La Chaux-de-Fonds - Roquebrune 1965) - Nature morte au violon rouge. Gouache et crayon sur vélin. (19)20. Env. 32 x 26,5 cm. Signé "jeanneret" et daté en bas à gauche. Avec une confirmation d'Eric Mouchet, Paris, du 2.4.2024, portant le numéro 24-052. - Rare travail pictural de l'architecte mondialement connu Le Corbusier. - De la phase importante de son œuvre vers 1920, marquée par son intense réflexion sur le cubisme. - Etude fine et détaillée de la peinture à l'huile du même nom, qui se trouve à la Fondation Le Corbusier à Paris. L'architecte suisse Charles-Édouard Jeanneret-Gris, mondialement connu sous son pseudonyme Le Corbusier, est moins connu pour ses peintures et ses dessins. Pourtant, tout comme son architecture, son œuvre artistique se caractérise par son intérêt pour la tectonique des motifs, allié à une grande richesse d'imagination. La gouache "Nature morte au violon rouge" est une étude pour la peinture à l'huile du même nom, qui se trouve à la Fondation Le Corbusier à Paris. Comme tous ses premiers travaux, Le Corbusier signe encore cette gouache de son nom civil "jeanneret". Après avoir déménagé à Paris en 1917 et y avoir fait la connaissance du peintre Amédée Ozenfant, il s'intéresse de près à la peinture contemporaine et au cubisme. Ozenfant et lui exposent leurs premières toiles en 1918 et publient leur manifeste "Après le Cubisme". La revue "L'Esprit Nouveau", fondée en 1920 avec le poète Paul Dermée, sert également à rendre publiques leurs idées sur la peinture et l'architecture. En tant qu'auteur, il commence à utiliser pour la première fois le pseudonyme de Le Corbusier dans cette revue. En 1923, ces articles sont rassemblés dans le livre "Vers une Architecture". Ce sont précisément ces principes - une composition picturale géométrique rationnelle et l'absence d'éléments décoratifs - qui caractériseront plus tard l'architecture de Le Corbusier et qui la rendent encore reconnaissable aujourd'hui. Provenance : Roggio Andreini (1906-1996), Paris, collaborateur de l'atelier Le Corbusier ; Vieri Andreini (1915-2007), frère du précédent ; Collection privée, France, par héritage du précité ; Collection privée, Paris, acquise auprès du précité. Taxation : impôt différentiel (VAT : Margin Scheme).

Alexej von Jawlensky - Alexej Von Jawlensky (1864 Torschok - Wiesbaden 1941) - Tête abstraite : ambiance hivernale. Huile sur vélin structuré, contrecollé sur carton par l'artiste. (19)32. env. 33,5 x 26 cm (carton env. 42 x 31,5 cm). Monogrammé en bas à gauche, daté en bas à droite. Numéroté "N 29" au verso. Au verso, Galka Scheyer a titré "Winterstimmung" et daté (en partie recouvert par l'étiquette) ainsi que "Made in Germany" et "winter('s) mood". Au verso, un cachet de la douane de Wiesbaden et une étiquette des E. and A. Silberman Galleries, New York. L'œuvre figure en tant que n° 4 sur la liste établie en mars 1933 des tableaux à envoyer aux Etats-Unis à Galka Scheyer. Dans la liste des œuvres tenue par l'artiste et sa secrétaire Lisa Kümmel en 1934, appelée "Cahier Noir", elle figure à la page 54 et est accompagnée de la mention qu'elle a été envoyée à Galka aux Etats-Unis en juillet 1933. Jawlensky/Pieroni-Jawlensky 1402. - Composition harmonieusement équilibrée, issue du célèbre groupe d'œuvres des "Têtes abstraites", avec un spectre chromatique fin, froid et hivernal. - Le tableau provient de la succession de la marchande d'art Galka Scheyer, qui s'est engagée sans relâche pendant deux décennies aux États-Unis en faveur des artistes des "Quatre bleus". - Le tableau a déjà été présenté dans de nombreuses expositions et impressionne par sa provenance internationale intéressante Depuis 1914, Alexej von Jawlensky s'oriente de plus en plus nettement vers l'abstraction dans son évolution artistique. Peu à peu, il réduit les motifs à quelques modèles de base qu'il ne cesse de varier. La série des "Têtes abstraites", avec laquelle il parvient à des visages humains stylisés, presque abstraits, en est un exemple. Les visages sont construits à l'aide de quelques lignes seulement, mais très caractéristiques. Leur expression semble repliée sur elle-même, la palette de couleurs soit très claires, soit d'une couleur sombre et sourde, souligne l'ambiance méditative. La référence à la peinture d'icônes de l'ancienne Russie est évidente, surtout chez un homme aussi profondément croyant que l'était Jawlensky. Outre son aspiration artistique à la condensation et à la réduction, son état de santé le contraint également à une manière de peindre plus statique. Depuis la fin des années 1920, peindre devient de plus en plus difficile pour l'artiste presque septuagénaire. Il souffre d'arthrite avec d'importantes paralysies des mains et des articulations des genoux, sa mobilité est fortement réduite et liée à de grandes douleurs. Mais Jawlensky ne se laisse pas détourner de la peinture. Ainsi, il le dit lui-même : "Je suis assis et je travaille. Ce sont mes plus belles heures. Je travaille pour moi, uniquement pour moi et mon Dieu. Souvent, je suis comme évanoui par la douleur. Mais mon travail est une prière, mais une prière passionnée prononcée à travers des couleurs". (cité d'après : Clemens Weiler, Alexej Jawlensky, Cologne 1959, p. 126). Jawlensky développe sa propre méthode pour pouvoir continuer à travailler malgré le raidissement progressif de ses doigts. Sur des formats de carton ou de papier plus petits, il crée des motifs réduits à l'essentiel, de plus en plus avec des moyens artistiques très simples. Il se concentre sur les deux genres picturaux qui caractérisent son œuvre depuis des années, à savoir le portrait et la nature morte florale, et peut ainsi réaliser un nombre étonnamment élevé d'œuvres de petit format, jusqu'à sa paralysie complète en 1938. Ses compagnons de longue date Wassily Kandinsky, Paul Klee et Karl Schmidt-Rottluff sont également très enthousiastes à l'égard des têtes, qui représentent finalement la quintessence de son œuvre, et en acquièrent des exemplaires pour leurs collections privées. Avec la prise de pouvoir des nationaux-socialistes en 1933, Jawlensky est définitivement contraint de se retirer dans la sphère privée. Il est interdit d'exposition, ses œuvres sont confisquées dans les musées et diffamées lors de l'exposition de propagande nationale-socialiste "Entartete Kunst" (art dégénéré). Dans cette période difficile, Galka Scheyer est un soutien important pour l'artiste, qui travaille depuis 1924 comme intermédiaire en Amérique. C'est à elle qu'il envoie en 1933 la "Tête abstraite : ambiance hivernale" en commission à Los Angeles. C'est d'elle que vient la désignation anglaise au verso "made in Germany, Winter's mood". Galka Scheyer s'était donné pour mission de faire connaître l'art de Jawlensky, Vassily Kandinsky, Lyonel Feininger et Paul Klee en Amérique. Sous le nom qu'elle a forgé "Die Blaue Vier" - en référence au "Blaue Reiter" - elle travaille sans relâche pendant plus de vingt ans afin de gagner de nouveaux acheteurs et collectionneurs pour les artistes qu'elle vénère. Elle s'enthousiasme pour les têtes abstraites de Jawlensky : "Jawlensky a transposé la tête humaine en tant que telle dans un langage de la vie abstraite, il l'a élevée hors de son existence terrestre pour manifester l'âme et l'esprit. Les nouvelles lois

Auguste CHABAUD (1882-1955) Retour des champs Huile sur carton, signée en bas à gauche Haut. : 38 cm ; Larg. : 52 cm Une attestation manuscrite de Benoît Léoni-Chabaud au verso du montage

Augustin ZWILLER (1850-1939) Portrait de femme Huile sur toile, signée en haut à droite Haut. : 41 cm ; Larg. : 33 cm

Léon ZEYTLINE (1885-1962) Enfants au bord de l'eau à la plage Huile sur toile signée à droite Dim. : 73 x 100 cm

Albert Gleizes - GLEIZES, ALBERT Paris 1881 - 1953 Titre : Sans titre. Date : 1921. Technique : Gouache sur vélin : Gouache sur vélin. Dimensions : 38 x 28 cm : 38 x 28 cm. Notation : Signé et daté en bas à droite : AlbGleizes 21. Cadre/Pédestal : Mat. Nous remercions Alexander Mittelmann, Paris/Barcelone, pour son expertise détaillée et sa confirmation écrite de l'authenticité. Provenance : - Collection privée Hesse Frais d'expédition estimés pour ce lot : Allemagne : 23,53 euros plus 4,47 euros de TVA UE : 33,61 euros plus 6,39 euros de TVA Dans le monde entier : 58,82 euros plus 11,18 euros de TVA assurance supplémentaire pour l'expédition Explications sur le catalogue Albert Gleizes cubisme L'art moderne 1920s Tapis Figure / Figures Travaux sur papier Gouache Abstrait

Egon Schiele - Egon Schiele (1890 Tulln/Donau - Vienne 1918) - Nu masculin (autoportrait) I. Lithographie sur papier japon brunâtre. 1912. 42 x 24 cm environ (taille de la feuille 45 x 40 cm environ). Un des 15 exemplaires seulement sur ce papier. Signé en bas à gauche. Avec la marque d'édition imprimée de l'association Sema en bas à gauche. Publié dans le portfolio "SEMA. 15 dessins originaux sur pierre" édité par Delphin-Verlag, Munich 1912. Kallir 1 b1 (de b2) ; Söhn HDO 355-12. Exposition : Schiele, Centre culturel international d'Egon Schiele, Ceský Krumlov 1993-1997, à partir de 1997 en prêt permanent, sans ill. dans le catalogue.Provenance : Collection Johann (Hans) Kühn, Vienne, avec le cachet du collectionneur au verso (Lugt 3779) ; Collection/succession Serge Sabarsky, New York ; Collection/Fondation Vally Sabarsky, New York. Taxation : Impôt sur la différence plus 7% (VAT : Margin Scheme (non EU)).

Pablo Picasso - Pablo Picasso (1881 Malaga - Mougins près de Cannes 1973) - Visage de Marie-Thérèse. Lithographie sur Chine gris clair appliquée sur vélin, contrecollée sur carton léger. (1928). Env. 20,5 x 14 cm (taille de la feuille env. 27 x 21 cm, carton env. 35,5 x 27,5 cm). Un des 25 exemplaires numérotés sur ce papier, pour un tirage total de 100 exemplaires. Signé en bas à droite. Publié par la Galerie Percier, Paris. Outre ce tirage, 200 autres exemplaires sont publiés en frontispice du livre "Picasso" d'André Level, Paris 1928. Bloch 95 ; Baer 243 c (de c). - Une des premières représentations de la muse et amante de Picasso, Marie-Thérèse Walter. - L'œuvre est d'abord sobrement intitulée Visage, car Picasso, encore marié à Olga Khokhlova, veut garder secrète sa liaison avec Marie-Thérèse. - Les lignes délicatement dessinées confèrent aux traits sculpturaux de Marie-Thérèse une intime tendresse Picasso rencontre Marie-Thérèse Walter en 1927 devant un grand magasin parisien. Il s'adresse à elle avec ces mots iconiques : "Mademoiselle, vous avez un visage intéressant. J'aimerais faire votre portrait, je suis sûr que nous ferons de grandes choses ensemble, je suis Picasso". Elle a presque trente ans de moins que lui et il est marié et père d'un fils. Pourtant, Marie-Thérèse devient rapidement son amante et sa muse. Fort de cette nouvelle relation, Picasso entame une période de création intense. Cette lithographie est l'une des premières représentations de Picasso de sa nouvelle muse. Elle est d'abord réalisée en tant que frontispice de l'édition préférentielle d'un livre sur l'artiste et est ensuite publiée en tant que tirage séparé. Dans un premier temps, il ne révèle pas l'identité du modèle, car il veut garder le secret sur le début de leur liaison, il qualifie simplement l'œuvre de Visage. Dans cette lithographie à la craie, Picasso abandonne une règle traditionnelle du portrait - la représentation de la tête entière - pour faire ressortir, dans une vue extrêmement rapprochée, les traits réguliers et classiques de sa bien-aimée. La représentation délicatement dessinée, presque tendre, des traits du visage et le cadrage serré donnent un sentiment d'intimité et d'intensité, presque comme si le spectateur était initié au secret de leur liaison. Marie-Thérèse Walter (1909-1977) décrit sa première rencontre avec l'artiste comme suit : "Il m'a emmenée dans son atelier. Il m'a regardée, il m'a séduite. Il ne cessait de regarder mon visage. Quand je suis partie, il m'a dit : 'Revenez demain'. Et après, c'était toujours 'demain'". La relation entre les deux hommes et l'inspiration artistique que Picasso ressent à travers eux durera des décennies. Taxation : Taxe différentielle plus 7% (VAT : Margin Scheme (non EU)).

Egon Schiele - Egon Schiele (1890 Tulln/Danube - Vienne 1918) - Portrait d'une dame avec collier et médaillon. Fusain sur vélin chamois. (19)07. 48 x 32 cm environ. Signé et daté "8.III.07" en bas à gauche, signé à nouveau en haut à droite. Callir D 98. - Dessin précoce de la première année d'académie de l'étudiant Egon Schiele, âgé de 16 ans seulement. - Les volumes sont créés uniquement avec le blanc du papier, sans rehauts de craie blanche. - Ce portrait concis montre déjà le grand savoir-faire de Schiele, à partir duquel il développera peu après son style expressionniste caractéristique. En automne 1906, Egon Schiele, âgé de 16 ans seulement, commence ses études à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne. Au cours du premier semestre, les études d'après des moulages antiques et le dessin de nus dominent l'enseignement, mais à partir de janvier 1907 et jusqu'à la mi-juin, il réalise presque exclusivement des dessins de portraits féminins et masculins qui, grâce à des datations précises, permettent une classification chronologique exacte. Au printemps, Schiele dessine le 8 mars le "Portrait d'une dame avec collier et médaillon" et quelques semaines plus tard, le 29 avril, le "Portrait d'un homme barbu" (voir lot 722). Les deux œuvres sont encore fortement marquées par les moyens conventionnels de dessin, tant au niveau du contenu que de la méthode. Conformément à la pratique académique, les reliefs et les volumes ne sont mis en valeur qu'à l'aide du blanc du papier. Les élèves dessinateurs peuvent certes effacer et amincir ou supprimer l'application de couleur, mais ils n'ajoutent que rarement de véritables reliefs à la craie blanche ou au pastel. Ces portraits du jeune Schiele sont impressionnants, même s'ils n'atteignent pas tout à fait l'élégance supérieure des dessins de Gustav Klimt à un âge comparable (cf. lot 707). Klimt, avec qui le jeune étudiant entre en contact la même année 1907, devient le protecteur et l'inspirateur de Schiele, et son influence se fait rapidement sentir dans ses travaux. Schiele reste à l'Académie jusqu'en avril 1909, date à laquelle il la quitte en raison des tensions croissantes avec ses professeurs. Pour se démarquer du monde conventionnel de l'art, il fonde le "Neukunstgruppe" (groupe d'art nouveau) avec des amis artistes partageant les mêmes idées. C'est à cette époque que Schiele trouve son style de dessin tout à fait individuel et caractéristique, qui se caractérise par le rejet de l'idéal de beauté traditionnel et la représentation de la laideur et d'émotions exacerbées, et qui le rendra célèbre dans le monde entier en quelques années seulement. Mais le fondement de cette réussite est le grand savoir-faire de Schiele en matière de dessin, qui repose sur une formation académique classique, et à partir duquel il peut développer son style expressionniste reconnaissable entre tous. La littérature : Price, Renée (éd.), Egon Schiele. The Ronald S. Lauder and Serge Sabarsky Collections, Munich et autres 2005, cat. no. D7, avec couleurs. ill. p. 198.Exposition : Egon Schiele : Vom Schüler zum Meister/Da allievo a maestro, Akademie der bildenden Künste, Vienne e.a. 1984-1987, cat. no. 4 ; Egon Schiele, Pinacoteca Capitolina, Rome/Museo d'Arte Moderna Ca' Pesaro, Venise 1984, cat.nr. 35 ; Egon Schiele (Europalia 87 Autriche), Palais des Beaux-Arts, Charleroi 1987, cat. n° 6 ; Klimt. 125 drawings, Nassau County Museum of Art, Roslyn/New York 1989, sauf cat ; Egon Schiele : 100 Zeichnungen und Aquarelle/Disegni e acquarelli/Œuvres sur papier, BAWAG Foundation, Vienne et autres 1993-1996, n° de cat. 16 ou 3 ; Egon Schiele. Peintures, dessins et aquarelles, Schloss Mainau, Blumeninsel Mainau 1994, cat. n° 3 ; Egon Schiele, Fondation Pierre Gianadda, Martigny 1995, cat. n° 40 ; Klimt. Schiele. Kokoschka, Musée des Beaux-Arts, Rouen 1995, cat. n° 129 ; Egon Schiele. Drawings and Watercolors, The Serge Sabarsky Foundation, New York 1996, Memorial Service, o. Kat ; Egon Schiele, International Cultural Centre, Cracovie 1996/97, cat. n° 3 ; Egon Schiele : Risbe in Akvareli, Cankarjev Dom, Fine Art Gallery CD, Ljubljana 1997, cat. no. 3 ; Egon Schiele. Portraits, Neue Galerie, New York 2014/15.Provenance : Collection Rudolf Leopold, Vienne ; Collection/succession Serge Sabarsky, New York, acquise auprès du susmentionné vers 1983 ; Collection/Fondation Vally Sabarsky, New York. Taxation : Impôt sur la différence plus 7% (VAT : Margin Scheme (non EU)).

École moderne, anciennement attribuée à Honoré DAUMIER Deux personnages Huile sur panneau, porte des initiales HD apocryphes à la pointe en haut à gauche Haut. : 11 cm ; Larg. : 20 cm

Frantisek Kupka - Frantisek Kupka (1871 Opocno/Bohème - Puteaux près de Paris 1957) - L'Entêtement (ou L'Idole noire). Eau-forte avec aquatinte sur vélin Pur Fil du Marais. (1900-03). Env. 34,5 x 35 cm (taille de la feuille env. 65,5 x 50 cm). Tirage inconnu. Avec le cachet rouge de la signature en bas à droite. Probablement la pression du temps de vie. Très rare gravure de jeunesse de František Kupka, issue du cycle en quatre parties "La Voix du silence". Le thème commun est la recherche du sens de la vie, influencé par la littérature théosophique. Plusieurs peintures à l'huile peuvent être mises en relation thématique avec ce cycle. "En raison de sa complexité et de sa force d'expression, le cycle graphique de Kupka peut être classé parmi les œuvres majeures du symbolisme européen". (Márketa Theinhardt, in : Ausst.-Kat. František Kupka. Une rétrospective, Centre Pompidou, Paris 2003, p. 46). L'Entêtement (ou L'Idole noire) montre un homme d'apparence tout à fait minuscule qui, sur le chemin de sa vie, "rencontre des difficultés incommensurables - des idoles puissantes, des énigmes insolubles, le sentiment de sa nullité - mais il se "révolte" contre ces forces et trouve finalement le salut de son âme". (op. cit.). Taxation : Impôt sur la différence plus 7% (VAT : Margin Scheme (non EU)).

Claude VERLINDE (1927-2020) Les Bulles Huile sur toile, signé et daté 19(71) en bas à gauche 46 x 38 cm (petit manque en bas à gauche) Cadre moderne laqué noir et or Provenance: collection Michel Bernard

Max Liebermann - Max Liebermann (1847 - Berlin - 1935) - Garçons se baignant (Enfants sur la côte hollandaise). Huile sur carton. (1907). Env. 38 x 46 cm. Signé en bas à gauche. Au verso, mention manuscrite "Liebermann" et "2." ainsi que le cachet d'un magasin de matériel de peinture de La Haye. Au dos du cadre, numéros et étiquettes manuscrites (où l'on trouve notamment le titre typographique "Kinder an der holl. Küste"). Eberle 1907/43. - De l'important groupe d'œuvres des garçons se baignant, que Liebermann a représenté à plusieurs reprises au cours des décennies. - Créé sur la côte hollandaise tant aimée par Max Liebermann. - Composition comparable à celle du tableau du même nom conservé au Stadtmuseum de Berlin. Le sujet des garçons se baignant constitue une certaine constante dans la vaste œuvre de Max Liebermann et il est représenté par lui à plusieurs reprises de différentes manières. La première idée de ce motif vient à Liebermann en été 1875, alors qu'il se baigne dans la mer près de Zandvoort, dans le nord de la Hollande. Il peint le tableau "Im Schwimmbad" (Eberle 1875/20), qui ne montre toutefois pas les garçons en train de se baigner, mais de s'habiller ensuite sur un ponton couvert. Il faut attendre presque vingt ans pour que Liebermann reprenne le motif à la fin des années 1890 et peigne les deux tableaux de grand format "Badende Knaben - Jungen in Zandvoort" (Eberle 1896/2 ; Neue Pinakothek, Munich) et "Badende Knaben" (Eberle 1900/1 ; Stadtmuseum Berlin) ainsi que quelques études préparatoires. Désormais, le motif perfectionné montre effectivement des garçons se baignant dans les vagues. A cette époque, Liebermann représente également dans de nombreuses autres œuvres la joyeuse vie estivale à la plage. "La manière dont il (Max Liebermann) regarde la mer (...) n'est pas du tout romantique. Pour lui, la mer est la vaste étendue d'eau dont la fraîcheur salée nous souffle un vent de fraîcheur pendant les mois d'été, qui attire les baigneurs et les plaisanciers, sur le sable éblouissant de laquelle les adultes se promènent et paressent, les enfants jouent, les chaises de plage et les charrettes de bain s'alignent ; c'est une mer de baigneurs. Sa conception ne sait rien ici des souvenirs, des relations, elle est tout à fait d'aujourd'hui et tout à fait impartiale". (Erich Hancke, Max Liebermann. Sein Leben und seine Werke, Berlin 1914, p. 387). Selon Eberle, les "Garçons se baignant" proposés ici sont réalisés en 1907, même si la composition ressemble fortement au tableau de grand format "Garçons se baignant" de 1900. Liebermann montre sa propre vue directe sur la mer, comme s'il s'était tenu directement dans les vagues déferlantes. Vu de dos, un garçon en maillot de bain blanc se tient sur la plage, on dirait qu'il vérifie encore prudemment la température de l'eau avec ses orteils. Sur la droite, quatre autres garçons ont déjà pataugé dans les vagues déferlantes, le garçon au pantalon rouge vient de recevoir une vague d'eau froide. A gauche se trouve un gardien de plage qui est recoupé par le bord du tableau et qui, avec ses vêtements rouges et bleus, forme certes un contraste avec les torses nus des garçons, mais constitue en même temps un contrepoint aux couleurs équilibrant le garçon au maillot de bain rouge. Ce tableau a le caractère d'une étude à l'huile réalisée directement sur la plage, avec des dimensions pratiques et une manière de peindre spontanée. Liebermann achète le carton de peinture sur place, à La Haye, comme l'atteste le tampon au dos. Malgré le format plutôt petit, Liebermann crée un sentiment d'immensité et d'insouciance grâce au cadrage clair et aux tons clairs et estivaux. Littérature : Alt, Adolf, Gemäldesammlung Professor Schmidt (...), in : Mitteilungen der Galerie Helbing, München, Jg. II, Nr. 17, 1.10.1913, p. 146.Provenance : Hugo Helbing, Munich 18.10.1913, lot 110, avec ill. n/b planche 10 ; Albert Daberkow, Bad Homburg, env. 1957 (selon Eberle) ; Kunsthandlung Pieroth, env. 1957 (selon Eberle) ; Collection Georg Schäfer, Schweinfurt, avec l'étiquette et le n° inv. 3415 au dos du cadre ; Collection privée, sud de l'Allemagne. Taxation : impôt différentiel (VAT : Margin Scheme).

André BRASILIER (1929) Femme allongé sur la plage Lithographie signée au crayon Dim. : 23 x 18 cm

Koloman Moser - Koloman Moser (1868 - Vienne - 1918) - XIIIe exposition d'art de l'Association des artistes plasticiens autrichiens Sécession. Affiche. Lithographie en couleurs sur vélin crème, montée sur Japon. (1902). Assemblage de 2 parties, chacune d'environ 88 x 59 cm (dimensions de la feuille chacune d'environ 95 x 63,5 cm, au total environ 190 x 63,5 cm). Publié par Ver Sacrum, Vienne. "Mais c'est là que réside l'art : choisir et ordonner les fragments de telle sorte que l'imagination du spectateur soit totalement subjuguée par eux ! (...) C'est ainsi que les affiches sont devenues les maîtres de la ligne suggestive et de la couleur suggestive". Franz Servaes dans 'Ver Sacrum', septembre 1898. - Créé pour l'exposition de la Sécession viennoise qui se tient de février à mars 1902. - Koloman Moser est l'un des cofondateurs de la Sécession viennoise. - Les figures féminines symbolisent l'unité des trois arts : Architecture, peinture et sculpture Koloman Moser est l'un des principaux artistes modernes de la Vienne du début du 20e siècle. En tant que l'un des fondateurs de la Sécession viennoise, fondée en 1897 et se détachant de l'académie conservatrice, il conçoit plusieurs affiches pour les expositions du groupe. Il est considéré comme le graphiste le plus remarquable de la Sécession. Le plus connu est ce format vertical élancé qui, avec ses trois figures statuaires, fait allusion à l'unité des trois arts : L'architecture, la peinture et la sculpture. Exposition : Sécession. L'Art Graphique à Vienne autour de 1900, Musée-Galerie de la Seita, Paris 1999, cat. n° 13 ; Neue Galerie, New York 2017/18.Provenance : Collection/succession Serge Sabarsky, New York ; Collection/Fondation Vally Sabarsky, New York. Taxation : Différence de taxe plus 7% (VAT : Margin Scheme (non EU)).

École Moderne Danseuses au foyer Huile sur panneau, porte une signature Cosson non garantie en bas à droite Haut. : 24 cm ; Larg. : 33 cm

Jacob Macznik - MACZNIK, JACOB 1905 Lodz - 1945 Ebensee Titre : Sans titre (Nature morte). Technique : Huile sur toile. Dimensions : 54 x 65 cm : 54 x 65 cm. Notation : Signé en bas à gauche : J. Macznik. Cadre/pédestal : Cadre d'artisan. L'œuvre a été confirmée par M. Samson Munn, Lincoln MA/USA, sur la base d'une image numérique. Provenance : - Collection privée de Rhénanie du Nord-Westphalie - Merveilleuse nature morte, l'une des rares peintures de l'artiste juif à avoir survécu. - Des œuvres de cette qualité sont rarement proposées sur le marché des ventes aux enchères. Estimation des frais de port pour ce lot : Allemagne : 77,31 euros plus 14,69 euros de TVA UE : 100,84 euros plus 19,16 euros de TVA Monde entier : 159,66 euros plus 30,34 euros de TVA assurance supplémentaire pour l'expédition Explications sur le catalogue Jacob Macznik Pologne Nouveau réalisme Art moderne 1920s Cadre d'artisan Poisson Peinture Huile Nature morte

FRANK-WILL (1900-1951) Paris, le quai d'Anjou Aquarelle signé en bas à droite. Dim. : 41 x 34 cm

Hans Purrmann - Hans Purrmann (1880 Spire - Bâle 1966) - Nature morte aux glaïeuls et aux capucines. Huile sur toile. (1926). Env. 100 x 81 cm. Signé en bas à droite. Au verso sur le châssis avec des tampons douaniers, un reste d'étiquette et une autre étiquette avec la numérotation "321". Au verso sur le cadre, diverses désignations et numérotations manuscrites ainsi que les indications de technique et de dimensions. Lenz/Billeter 1926/12. - Grand coloriste de l'époque moderne - Par la modulation des couleurs, en partant de la quadruple harmonie bleu-orange, rouge-vert, Purrmann obtient une unité pleine de tension. - La passion de Purrmann pour la collection d'objets rares se manifeste également dans cette œuvre. Hans Purrmann, fils d'un peintre et stucateur, naît à Spire en 1880. Après des études précoces à l'école des arts et métiers de Karlsruhe et à l'académie de Munich sous la direction de Franz von Stuck, ainsi qu'à l'Académie Matisse à Paris, il trouve son propre style artistique qui montre sa préférence pour les intérieurs inondés de lumière, les paysages méditerranéens et les natures mortes. Sa peinture révèle certes des influences évidentes des Français Matisse, Cézanne et Renoir, mais Purrmann trouve un style pictural tout à fait personnel qui allie de manière impressionnante forme et couleur. Selon Robert Purrmann, le fils de l'artiste, la "Nature morte avec glaïeuls et capucines", non datée et de grand format, est réalisée en 1926 à Langenargen, au bord du lac de Constance. Purrmann y passe les étés avec sa famille, après avoir acquis en 1919 une maison de pêcheur située directement au bord du lac. La passion de Purrmann pour la collection de tableaux, d'œuvres graphiques, de tapis, d'antiquités et d'objets particuliers se reflète dans le présent tableau. Le magnifique vase en majolique à décor floral rempli de glaïeuls, de zinnias et de capucines, posé au centre du tableau sur une petite table ronde recouverte d'une nappe, se retrouve dans certaines natures mortes de l'artiste. Les objets de collection de Purrmann sont toujours présents dans ses œuvres. Purrmann saisit le vase ainsi que les fleurs par de fins coups de pinceau précis dans des tons lumineux de jaune, de rouge, de vert et de bleu, mettant ainsi clairement en évidence leur importance avec des couleurs autrement plus toniques. L'amour de Purrmann pour les tissus, qu'il partage avec son ami et professeur Matisse, joue un rôle important dans l'arrière-plan du tableau. Le paravent ornemental coloré se retrouve également dans d'autres œuvres de Purrmann et apparaît déjà dans des scènes d'intérieur de son atelier de Langenargen à partir de 1920 environ. Purrmann intègre complètement le paravent aux couleurs un peu ternes dans sa représentation. Les niveaux de l'image semblent presque se confondre. L'observateur a l'impression que les représentations sur le paravent s'associent aux fleurs et au vase à anse. Le perroquet du paravent représenté sur le bord droit de l'image semble presque réel. Malgré ce lien ressenti entre les objets représentés, leur valeur propre reste intacte. Par la richesse et l'exubérance de la représentation, Purrmann donne à la nature morte tout son effet et son épanouissement. Un exemple impressionnant de son amour pour ce sujet. Elke Hergert fait un exposé en 1995 à l'occasion de l'exposition "Hans Purrmann. Im Licht der Farbe' : "Par la modulation des couleurs, en partant de la quadruple harmonie bleu-orange, rouge-vert, Purrmann atteint une unité pleine de tension, que l'on peut souligner avec les mots de Matisse : Il faut une disposition grande et claire pour pouvoir placer correctement trois ou quatre contrastes, entre lesquels se joue la signification ultérieure de la couleur. La peinture n'est rien d'autre que l'observation des rapports entre les couleurs ; il faut voir dans l'ensemble (...)". Provenance : Kunsthandel Lucas Lichtenhan, Bâle, mention manuscrite au verso du cadre ; Ottilie Voigt, Romanshorn, probablement acquise auprès de la personne susmentionnée ; Propriété privée, Karlsruhe, obtenue par succession ; Propriété privée, Hambourg, transmise dans la famille aux propriétaires actuels ; Propriété privée, Baden-Württemberg. Taxation : imposition différentielle (VAT : Margin Scheme).

Auguste CHABAUD (1882-1955) Paysage. Huile sur papier quadrillé, porte le cachet de la signature en bas à gauche Haut. : 19 cm ; Larg. : 28,5 cm

Henry SOMM (1844-1907) Étude de personnages Dessin à la plume, signé en bas à gauche (Manque dans l'angle supérieur gauche.) Haut. : 22,5 cm ; Larg. : 10,5 cm (dimensions à vue) Expert : Cabinet Maréchaux

Thérèse DEBAINS (1907-1975) Nature morte à la coupe de fruits et au verre Huile sur toile, signée en bas à droite, contresignée au dos Haut. : 50 cm ; Larg. : 61,5 cm

Édouard-Bizi FERRÉ (1891-1972) La Sieste Huile sur toile, signée et datée 32 en bas à gauche (Petits accidents et usures.) Haut. : 66 cm ; Larg. : 100 cm Exposition : - Salon des indépendants, 1961, n° 29

Egon Schiele - Egon Schiele (1890 Tulln/Danube - Vienne 1918) - Une charrue. Crayon et fusain sur vélin chamois. 1909. 20 x 19,5 cm environ. Signé et daté en bas à droite. Études de tête au verso. Callir D 373. - Aperçu passionnant du processus de travail de l'artiste de 19 ans. - Verso avec la représentation réduite de deux profils marquants. - En 1909, Schiele connaît ses premiers succès, son style est en pleine mutation et il trouve sa propre voix. Une charrue, quelques poules esquissées et l'évocation d'une jeune fille. C'est tout ce que Schiele déclare avoir accompli en 1909 sur cette feuille en y apposant sa signature et sa date. Ici, un jeune artiste d'à peine 19 ans n'essaie pas seulement de reproduire une charrue de manière naturaliste, il crée plutôt une atmosphère en quelques éléments. Des poules picorent, un enfant entre dans le tableau, la grande et lourde charrue ne flotte soudain plus sur la page blanche, mais est assise de manière stable sur la ferme d'un paysan. Schiele tente ainsi déjà ici quelque chose que nous apprécions tant dans ses travaux ultérieurs ; il réduit la scène jusqu'à ce qu'elle soit rendue dans son message, dans son essence, tout en faisant appel à l'imagination de l'observateur en raison du degré d'abstraction. Le verso montre deux profils charismatiques et marquants d'un homme et d'une femme. Leur langage formel renvoie à l'Art nouveau et laisse entrevoir des réminiscences du mentor de Schiele, Gustav Klimt - on peut penser ici à ses tableaux de faculté pour l'université de Vienne, dont ces deux visages réduits pourraient être issus. Mais ce n'est justement pas cette page que Schiele signe. Elle est tout à fait dans le style de l'époque. En 1909, Schiele se trouve artistiquement entre deux chaises. D'un côté, il suit son mentor Gustav Klimt, qui le protège tout comme Oskar Kokoschka ou le critique Arthur Roessler. Mais en même temps, en 1909, il fait la connaissance de Max Oppenheimer, qui lui fait découvrir le monde de l'expressionnisme de Van Gogh, dont le style sera pour lui d'une importance élémentaire dans la recherche de sa propre voix artistique. L'œuvre proposée ici montre ce processus de recherche de la voix, le passage de l'élève en quête à l'artiste autonome. Les visages sont sans conteste d'une grandeur et d'une majesté silencieuses. Mais c'est la charrue, cet outil insignifiant, qui rendra Schiele célèbre dans le monde entier. La littérature : Price, Renée (éd.), Egon Schiele. The Ronald S. Lauder and Serge Sabarsky Collections, Munich et autres 2005, cat. no. D22, avec couleurs. ill. p. 206.exposition : Die Zeichnung : Egon Schiele, Gustav Nebehay Kunsthandlung, Vienne 1919, cat.nr. 52 ; Egon Schiele, Seibu Museum of Art, Tokyo 1979, cat. n° 9 ; Egon Schiele : Vom Schüler zum Meister/Da allievo a maestro, Akademie der bildenden Künste, Vienne et autres 1984-1987, cat. n° 18 ; Egon Schiele, Pinacoteca Capitolina, Rome/ Museo d'Arte Moderna Ca' Pesaro, Venise 1984, cat.nr. 47 ; Egon Schiele, Fondation Pierre Gianadda, Martigny 1986/87, cat. n° 16 ; Egon Schiele, Mezinárodní kulturní centrum Egona Schieleho, Krumau/Moldau 1993/94, p. 81 ; Egon Schiele. Arbeiten auf Papier, Galerie Hauser & Wirth, Zurich 1994, p. 37.Provenance : Succession Benedikt Fred Dolbin (1883-1971), New York ; Collection/concours Serge Sabarsky, New York, acquis en 1971 auprès du susmentionné ; Collection/Fondation Vally Sabarsky, New York. Taxation : Impôt sur la différence plus 7% (VAT : Margin Scheme (non EU)).

Auguste Rodin - Auguste Rodin (1840 Paris - Meudon 1917) - Mouvement de danse, étude type I, petit modèle. Bronze à patine noir-vert, monté sur un socle en pierre noire. (env. 1911). Env. 13 x 25 x 8 cm (socle env. 21 x 8 x 2,5 cm). Un des 5 exemplaires, exécuté en 1964. Sur la jambe droite, le nom de l'artiste est gravé ainsi que les mentions gravées ".© by musée Rodin. 1964." et ".Georges Rudier. / .Fondeur. Paris". Le Normand-Romain II, page 539 (n° inv. "S. 662"). - Petit bronze expressif de l'œuvre de Rodin à maturité. - La sculpture explore l'espace à travers le corps du personnage dansant et constitue ainsi une étude de mouvement moins anatomique qu'émotionnelle. - Les marraines des danseuses de Rodin étaient entre autres Isadora Duncan, Loïe Fuller ou Alda Moreno. Déformé par le mouvement, le corps se tord sur le socle. Déformée et ne répondant plus à une plausibilité anatomique, la personne semble s'agiter en extase. Rodin réunit ici des intérêts que l'on peut toujours retrouver dans l'ensemble de son œuvre : La curiosité de lire l'émotion dans le corps humain et l'étude des modèles de l'histoire de l'art. Le bronze de danse qu'il propose ici n'est pas seulement anatomiquement douteux, il est également incomplet. Le pied gauche ainsi que l'avant-bras droit manquent. Ces parties manquantes ne sont pas des points de rupture, bien au contraire ! Il manque toujours des membres dans l'œuvre de Rodin, il se limite à ce qui est essentiel pour le message de son œuvre et réduit la forme. De même que cette figure dansante n'a pas besoin d'un visage identifiable, tous les détails physiques ne sont pas nécessaires. En même temps, Rodin s'inscrit ainsi dans la tradition des torses dans l'histoire de l'art. Depuis la Renaissance, des artistes comme Michel-Ange s'intéressaient à imiter les fragments antiques des sculptures, à faire du fragment une pièce finie. Rodin, qui ne cesse de citer Micheangelo dans son œuvre et de se confronter à ses travaux, crée dans les bronzes de danse des corps tout aussi inachevés, qui n'ont pas besoin de certains détails. Pour les danseurs, Rodin ne trouve pas son inspiration dans le ballet classique français, dominé par la rigueur et la beauté parfaite des formes. Certes, Alda Moreno, une représentante de cette tradition, est l'un des modèles de l'artiste, mais ce sont aussi et surtout des artistes comme Loïe Fuller ou Isadora Duncan qui inspirent Rodin - et ses contemporains artistes - avec leurs nouvelles perspectives sur la danse et les limites du corps humain. Pour elles, il s'agit moins d'une danse académique qui domine le corps que d'un mouvement qui se développe à partir du corps lui-même. Les artistes dansent avec le corps, et non contre lui, et s'engagent ainsi dans de nouvelles perspectives. Des points de vue qui inspirent Rodin, par exemple, pour le petit bronze proposé ici, où la sensation subjective et la mesure du corps dans l'espace jouent un rôle central. Provenance : Collection privée Kurt Delbanco, New York, transmise par héritage à l'actuel propriétaire ; Collection privée, New York. Taxation : Impôt sur la différence plus 7% (VAT : Margin Scheme (non EU)).

Marcel COSSON (1878-1956) Carnaval au bord du canal Huile sur toile, signée en bas à gauche Haut. : 65 cm ; Larg. : 54 cm

Gustav Klimt - Gustav Klimt (1862 Baumgarten près de Vienne - Vienne 1918) - Études de bottes pour un homme debout (Friedrich Christoph Graf von Hohenzollern) Crayon, partiellement rehaussé de blanc, sur vélin brunâtre. (1883). Env. 45 x 31,5 cm. Cette étude est directement liée au portrait de Friedrich Christoph Graf von Hohenzollern (cf. Weidinger 30, Natter 28), l'un des cinq portraits grandeur nature que le jeune Klimt peint en 1883 des ancêtres du roi Carol Ier pour le décor du château de Pelesch (aujourd'hui au musée national de Sinaia, Roumanie). Strobl 100. Nous remercions le Dr Marian Bisanz-Prakken, ancienne conservatrice des dessins de Gustav Klimt, Albertina Museum, Vienne, pour ses aimables conseils. Littérature : Werner, Alfred, Gustav Klimt. One Hundred Drawings with an Introduction by A. Werner, New York 1972, ill. 2 ; Sabarsky, Serge, Gustav Klimt. Drawings/Cento disegni/100 Zeichnungen, Mount Kisco/New York e.a. 1983/84, cat. n° 4;Exposition : Gustav Klimt. 150 dessins importants, Christian M. Nebehay, Vienne 1962, catalogue V, cat. no. 1 ; Gustav Klimt. 56 dessins, Christian M. Nebehay, Vienne 1967, catalogue XI, cat. no. 4 ; Gustav Klimt, Isetan Museum of Art, Tokyo 1981, cat. n° 21 ; Gustav Klimt. 100 disegni/100 dessins/100 drawings/100 kreseb, Pinacoteca Capitolina, Rome et autres 1983-1997, cat. n° 4 ou 7 ; Gustav Klimt 1862-1918, Nassau County Museum of Art, Roslyn/New York 1989 ; Bloom and Doom : Visual Expressions and Reform in Vienna 1900, Middlebury College Museum of Art, Middlebury/Vermont 2016.Provenance : Succession de l'artiste/collection Rudolf Zimpel (1898-1984), Vienne (neveu de Gustav Klimt), cachet au verso (pas chez Lugt) ; Collection Scott Elliott, New York ; Collection/succession Serge Sabarsky, New York ; Collection/Fondation Vally Sabarsky, New York. Taxation : Impôt sur la différence plus 7% (VAT : Margin Scheme (non EU)).

Emil Nolde - Emil Nolde (1867 Nolde - Seebüll 1956) - Paysage de marais. Aquarelle et plume à l'encre sur Japon. (1949). Env. 36,5 x 46 cm. Signé en bas à droite. L'œuvre était en possession de la fondation Ada et Emil Nolde, Seebüll. Une expertise est en cours, mais n'était pas encore disponible au moment de l'impression. - Aquarelle de paysage typique de Nolde avec une ligne d'horizon basse et des formations nuageuses dramatiques. - L'artiste reproduit le paysage de marais avec des couleurs expressives. - Nolde reprend dans ses aquarelles la tradition de la peinture de paysage romantique À partir de 1938, Emil Nolde et sa femme Ada se retirent de son atelier berlinois, dans lequel il ne reviendra plus et qui sera détruit en 1944 en même temps que nombre de ses tableaux, pour s'installer dans leur maison au bord de la mer à Seebüll. En été 1926, Nolde avait découvert Seebüll, un paysage marécageux près de la frontière germano-danoise. Attiré par le paysage nordique avec ses plaines alluviales et ses lignes de ciel apparemment infinies, l'artiste construit sa maison à Seebüll pour suivre le cours de la nature et le chemin du soleil. La vue lointaine de Seebüll, le temps changeant et le jardin de fleurs soigneusement entretenu de l'artiste deviennent une source d'inspiration importante. Dans ses paysages de marais, Nolde confronte le spectateur à l'immensité du ciel et de la terre, reprenant ainsi une tradition de la peinture de paysage romantique. Il choisit de préférence des lignes d'horizon basses, au-dessus desquelles le ciel dramatique se penche sans fin sur les champs. Dans cette aquarelle, le vent pousse de lourds nuages de pluie violet foncé au-dessus d'un paysage verdoyant, faiblement éclairé par la lumière jaune soufre du soir. En principe, on ne trouve pas d'êtres humains dans ces paysages. L'artiste renoue ici avec l'idée romantique de la nature indomptable et de la vanité des hommes. L'artiste lui-même parle dans son autobiographie de sa "création libre romantique et fantastique". Martin Urban écrit : "Ainsi, ses paysages - désormais tout à fait dans l'esprit de l'art paysagiste romantique d'un Caspar David Friedrich - ne sont pas de simples tableaux d'ambiance, mais de véritables "paysages d'âme", l'expression libre et directe de l'expérience artistique et humaine". (Martin Urban, Emil Nolde-Landschaften : Aquarelles et dessins, Cologne 1969, p. 7). Provenance : Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf ; acquis par l'ancien propriétaire en 1965 auprès du susmentionné ; Collection d'entreprise, Europe. Taxation : VAT : Regular Taxation.

Emil Nolde - Emil Nolde (1867 Nolde - Seebüll 1956) - "Jeune famille". Huile sur toile. (1949). Env. 70 x 56,5 cm. Signé en bas à gauche et signé et titré "Emil Nolde : Junge Familie" au verso sur le châssis. L'œuvre est mentionnée dans la liste des œuvres de l'artiste réalisée entre 1930 et 1951 avec "1949 Junge Familie". Urbain 1327. - Représentation harmonieuse qui dégage de la grâce, de la familiarité et de la chaleur. - Le motif peut être associé au thème de la "Sainte Famille", l'archétype de la famille idéale. - Tableau touchant de l'œuvre tardive de Nolde, qui remonte à une aquarelle de la série des 'Ungemalten Bilder' (tableaux non peints) réalisés entre 1938 et 1945. Bien que l'on associe Nolde à des tableaux de fleurs aux couleurs vives, à des paysages aux couleurs violentes et à des mers agitées, il se considère avant tout comme un peintre de portraits et de figures. Il le souligne d'ailleurs dans ses écrits : "Les hommes sont mes images. Riez, exultez, pleurez ou soyez heureux, vous êtes mes images, et le son de votre voix, l'essence de vos caractères dans toute leur diversité, vous êtes des couleurs pour le peintre". Dans l'œuvre tardive de l'artiste, les tableaux de personnages dominent. Après la fin de la Seconde Guerre mondiale, il peint encore plus d'une centaine de toiles à l'huile. Nolde privilégie surtout la représentation de personnages en amoureux ou en groupes familiaux, afin de représenter les sentiments humains. Dans l'œuvre de Nolde, la relation chaleureuse entre la mère et l'enfant est un thème qui revient souvent et qui est repris dans toutes les techniques artistiques. Dans ces tableaux, la figure du père est souvent droite et sérieuse ; mais il est également placé à l'arrière-plan proche, protecteur. C'est la relation entre la mère et l'enfant qui domine. Il existe en outre un nombre considérable de tableaux de famille différents, certains ressemblant à des portraits, d'autres étant inventés de toutes pièces ou s'inspirant de contenus bibliques. Notre "Jeune famille" est peinte par Nolde en 1949, trois ans après la mort de sa femme bien-aimée Ada. L'artiste évoque avec nostalgie la trinité de la famille qu'il n'a jamais eue. Le tableau respire l'harmonie, la grâce et l'intimité. Nolde peint la jeune mère en demi-figure, légèrement décalée du centre vers la gauche. Elle tient dans ses bras l'enfant qui cherche à la regarder avec ses yeux bleus. Sur une robe rouge, elle porte une cape claire, sur la tête un bonnet ou un chapeau bleu clair. Le père, fier, se tient modestement sur le bord droit, derrière la femme, et regarde sa jeune famille en souriant. Le fond jaune vif se reflète sur les visages des trois personnages et confère à la composition une tonalité chaude et harmonieuse. La représentation rappelle les tableaux religieux de Nolde. Elle peut être associée au thème de la "Sainte Famille", l'archétype de la famille idéale. Les couleurs des vêtements de la femme, le bleu et le rouge, les couleurs de Marie, la mère de Dieu, y font également référence. Marie est traditionnellement représentée dans l'art avec un manteau rouge et une cape bleue. En 1941, Nolde est exclu de la Reichskulturkammer et interdit d'exercer sa profession. Dès 1938, il commence à peindre de petits formats à l'aquarelle, qu'il souhaite ensuite transformer en tableaux à l'huile. Il les appelle les 'Ungemalten Bilder' (tableaux non peints), car il ne peut plus les montrer en public à partir de 1941 en raison de l'interdiction d'exercer sa profession. Il donne beaucoup de ces aquarelles de petit format (plus de 1300) à des amis pour qu'ils les conservent. Notre tableau fait partie d'une grande série d'œuvres qu'Emil Nolde peint sur la base des 'Ungemalte Bilder'. Dans la collection de la fondation Seebüll Ada et Emil Nolde se trouvent les aquarelles correspondantes de cette série, comme 'Jeune famille' et 'Famille heureuse'. Exposition : Galerie Thomas, Munich 1981, cat. no. 81, avec couleurs. ill ; The George Economou Collection, Municipal Gallery of Art, Athènes 2011, p. 118, avec illustrations en couleurs. ill ; Emil Nolde. Figure, Galerie Thomas, Munich 2021, p. 28 et suivantes. Provenance : Fondation Nolde Seebüll ; Galerie Knoedler, New York (1967) ; Galerie Beck & Eggeling ; Collection privée de Westphalie ; Collection privée, Europe. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme).

Emil Nolde - Emil Nolde (1867 Nolde - Seebüll 1956) - Mer avec nuages rouges et voiliers sombres. Aquarelle sur Japon. (Vers 1935-1940). Env. 31 x 44,5 cm. Signé en bas à droite. Avec une expertise photographique du professeur Dr Manfred Reuther, Fondation Ada et Emil Nolde, Seebüll, du 23.12.2008 (en copie). - Vue de la mer aux couleurs intenses et complémentaires. - Ambiance atmosphérique du soir avec un reflet raffiné des formations nuageuses rouges - Effet abstrait grâce à l'absence de lignes de contour et de lignes intérieures et à quelques éléments de staffage Les œuvres de Nolde ne sont pas seulement marquées par le magnifique paysage de marais de la Frise du Nord, avec ses vastes étendues, son ciel haut et ses fermes frisonnes isolées, mais aussi par la mer omniprésente. Les jeux de formes et de couleurs de la mer et du ciel, qu'il s'agisse d'eaux follement agitées et de tours de nuages dramatiques ou de la lumière calme du soir sur une mer calme, intéressent Nolde : "Je trouve cela beau, parce que dans le ciel, il y a tout un tas de couleurs vives : Jaune, orange, rouge plus foncé, rose, rose, bleu clair et bleu foncé. Et que cela se reflète souvent dans les vagues. Et que dans l'écume, il y a aussi de l'orange du ciel. Et qu'il y a aussi du noir dans la mer". La présente aquarelle dégage une luminosité et une intensité remarquables, que Nolde obtient grâce à l'utilisation des deux couleurs complémentaires, le rouge orangé et le bleu. Contrairement aux aquarelles précédentes, Nolde n'utilise pas ici de lignes noires à l'encre pour les délimiter, mais laisse les couleurs se fondre directement les unes dans les autres. Dans notre composition, l'artiste renonce en outre presque entièrement aux éléments de décor et se concentre sur le jeu de couleurs du ciel et de l'eau. Seuls trois coups de pinceau noirs suggèrent trois voiliers. Ces voiliers noirs mettent le cap sur l'horizon, qui, sous la forme d'une ligne jaune, divise la feuille en un plan céleste et un plan marin. Pour Nolde, le bateau est un symbole de voyage, d'aventure et de découverte, mais aussi de danger et d'instabilité. Dans ses aquarelles, il utilise souvent les bateaux comme métaphore de la vie humaine et de ses défis, qui peuvent être imprévisibles et dangereux. Provenance : Collection privée, Mannheim ; Grisebach, Berlin 27.5.2011, lot 7 ; Collection privée, Europe. Taxation : Impôt sur la différence plus 7% (VAT : Margin Scheme (non EU)).

Léon ZEYTLINE (1885-1962) Vue d'un bord de mer du sud de la France Huile sur panneau signée en bas à gauche et datée 1935 Dim. : 68 x 51 cm

Joaquin FERRER (1928-2022) Le jamais et le toujours Acrylique sur toile, signée en bas à gauche, contresignée, titrée, dédicacé et datée " nov 87 " au dos Haut. : 130 cm ; Larg. : 130 cm Nous remercions Mme Christiane Ferrer de nous avoir confirmé l'authenticité de cette œuvre.

Claude VERLINDE (1927-2020) La marchande de fleurs Huile sur toile, signé et daté 19(76) en bas à droite, au dos étiquette de prêt, Chine 54 x 73 cm (petits accidents) Cadre moderne noir et or Provenance: collection Michel Bernard

Manolo RUIZ PIPO (1929-1999) Foule à Paris Huile sur toile; Signée en bas à droite et datée 1961 au revers Dim. : 27 x 61 cm.

Charles Clément Perron (1893-1958) Vue d'un salon de maison depuis le jardin. Huile sur toile. Signée en bas à gauche. Dim. : 35 x 27 cm.

SOL LEWITT (1928-2007) Bands of colours in four directions - 1991 Gouache Signée en bas à droite, datée (19)91, dédicacée " for Paolo" Haut. : 19 cm ; Larg. : 19 cm Provenance : - Acquis directement auprès de l'artiste par Paolo Vitali, assistant de Sol Lewitt en 1991 - Puis, collection particulière française

Ecole russe XXème deux Huiles sur papier figurant des paysages 9x6.5cm et 10.5x6cm cadres 15x17cm et 14.5x19cm