Modern & Contemporary Art | Evening Sale

编号 400 - Karl Schmidt-Rottluff - 卡尔-施密特-罗特卢夫（1884 年，开姆尼茨附近的罗特卢夫 - 1976 年，柏林）--工人（明信片）。水彩和墨水，印在薄编织纸板上。(1921).约 15.5 x 10.5 厘米。背面有艺术家的签名、地址、标签和地址戳记。背面的文字为："S. H. Herrn Sanitätsrat Dr P. Magnussen u. Frau Tempelhof-Berlin, Parkstr. 1 亲爱的马格努森，您即将前往坎彭吗？我相信您会非常喜欢那里的--那里真是太棒了--宽敞、辽阔。我们现在过得很好。一开始，我们对空气和风都很紧张--太颠簸了！祝愿坎彭一切顺利。你的丈夫和妻子"。- 以节日明信片的小巧形式表现的水彩画 - 施密特-罗特鲁夫向朋友、同事和赞助人寄送特别制作的卡片，这些卡片既是问候，也是艺术 - 艺术家和马格努森夫妇友谊的多彩见证明信片，这种 10 厘米乘 15 厘米的硬纸板上印有风景如画的场景或迷人的小笑话，自 1870 年起就在德国出现了。为了迎合大众口味，这些明信片展示的是热门的度假胜地，而且往往和明信片上的文字一样，并不特别有个性。几十年来，施密特-罗特卢夫一直在寻找另一种方式。他多次制作自己的贺卡寄给朋友、同事和赞助人。这些贺卡既是节日问候，又是艺术作品，是这位伟大画家的贴心小礼物。1921 年，施密特-罗特卢夫停留在波美拉尼亚。他与妻子在那里的乡村度过了一个夏天，并创作了大量作品。在这个夏天，他描绘了人们工作的场景：田间、车间或港口。艺术家为创作和创造着迷。在随后的几十年里，他在作品中不断唤起手工艺的创造力。在这里提供的小卡片中，他向他的朋友马格努森夫妇展示了一个正在工作的人，他正在用叉子或铲子铲除一堆东西。这里究竟在做什么还不清楚，但这位资产阶级画家对农场劳动的痴迷是显而易见的，他的资产阶级朋友们也是如此。施密特-罗特卢夫与他们的共同点不仅仅是对坎彭的风的喜爱，画家在访问坎彭多年后仍对那里记忆犹新。葆拉-席夫-马格努森是一位训练有素、创作力极强的艺术家。她一生没有卖出过一幅画--显然是有意为之--但她在艺术上不断发展。她曾在巴黎学习，画风多变：保拉-希夫-马格努森时而采用古代大师的风格，时而与周围的现代潮流保持一致，她不断汲取各种不同的灵感，并将它们融合到自己的作品中，其中尤其包括女性肖像画，也包括女性空间和风景画。施密特-罗特鲁夫与她自 1907 年起就是朋友。施密特-罗特卢夫在丹加斯特工作度假期间与她相识，1911 年起两人的联系更加密切。施密特-罗特卢夫搬到了柏林，当时艺术家已与医生彼得-马格努森（Peter Magnussen）结婚，并在柏林居住了一段时间。施密特-罗特卢夫一定是被她迷住了。他不仅在 20 世纪 20 年代为她制作了一个银手镯，而且直到 1956 年还对她的活力和能量大加赞赏。他寄给她的明信片是在艺术家的遗产中发现的，最初归鲁尔区米尔海姆博物馆所有。明信片背面有另一人的补充内容，包括地址变更和邮戳。附斯图加特 Gunther Thiem 教授博士的摄影鉴定，日期为 2001 年 8 月 9 日。我们要感谢柏林 Karl and Emy Schmidt-Rottluff 基金会的 Christiane Remm 在为该作品编目时提供的友好建议。该作品已存入基金会档案。文献：Wietek, Gerhard: Karl Schmidt-Rottluff.Zeichnungen auf Postkarten》，科隆，2010 年，目录编号 152，彩色插图，第 444 页。插图，第 444 页。出处：彼得-马格努森博士和保拉-马格努森，柏林；保拉-希夫-马格努森的遗产；鲁尔河畔米尔海姆 Städtisches 博物馆，背面有库存印章；Ketterer，慕尼黑，1993 年 11 月 29 日，拍卖品号：289；Maulberger 画廊，慕尼黑，2001 年；私人收藏，汉堡；Ketterer，慕尼黑，2001 年 5 月 19 日，拍卖品号：32；私人收藏，不来梅。

估价 20 000 - 25 000 EUR

编号 401 - Max Sulzbachner - 马克斯-苏尔茨巴赫纳（1904-巴塞尔-1985）--"自我"。布面油画。约 168.5 x 78 厘米。有签名、勉强可辨的日期、"IV "题签和标题。 - 这位重要的瑞士表现主义画家令人印象深刻的自画像 - 明显受到其伟大榜样恩斯特-路德维希-基什内尔（Ernst Ludwig Kirchner）的影响 - 自己的画作引用了同年重要的 "拉斯柯尔尼科夫"（Raskolnikoff）系列苏尔茨巴赫纳 1925/26 年的作品在内容和形式上都受到其伟大榜样恩斯特-路德维希-基什内尔（Ernst Ludwig Kirchner）的强烈影响。他的自画像《Selbst》也是以二维构图为主，线条棱角分明，红蓝对比强烈。苏尔茨巴赫纳站在自己的画室里，拿着调色板和绘画用具，背景是他自己的众多作品，展现了一个极度自信的艺术家形象。画作 "门后的对话 "是 "拉斯柯尔尼科夫 "绘画三部曲的一部分，也创作于 1925 年。在这幅画中，苏尔兹巴赫描绘了费奥多尔-陀思妥耶夫斯基（Fyodor Dostoyevsky）的小说《罗季昂-拉斯柯尔尼科夫》（1866 年）中的三个场景，这部小说在当时受到许多艺术家的欢迎。马克斯-苏尔茨巴赫纳最初是一名临时工，包括在雪铁龙公司的装配线上工作，直到 1923 年才开始接触绘画。他参观了恩斯特-路德维希-基什内尔在巴塞尔举办的画展并深受感动，1923 年至 1924 年期间在巴黎的逗留对他意义重大。他结识了赫尔曼-舍勒（Hermann Scherer）和阿尔伯特-穆勒（Albert Müller），后者向他介绍了基什内尔的表现主义，并从 1924 年起定期参加画展。苏尔茨巴赫纳是 Rot-Blau II 小组（1928 年）和巴塞尔 33 小组（1933 年）的创始成员。除了美术，他还对应用艺术感兴趣。20 世纪 30 年代，苏尔茨巴赫纳是巴塞尔狂欢节上最重要的灯笼画家之一，他还担任过巴塞尔城市剧院的艺术助理，以及苏黎世和卢塞恩的舞台和化妆师。1957 年，他代表瑞士参加了在圣保罗举办的舞台设计双年展。苏尔茨巴赫纳还在巴塞尔工艺学校任教，并为学校书籍和文学作品绘制插图。1974 年，巴塞尔艺术协会（Basler Kunstverein）在巴塞尔艺术馆为他举办了作品回顾展。苏尔茨巴赫纳的许多作品现在都可以在巴塞尔艺术博物馆（Kunstmuseum Basel）找到，该博物馆于 2019 年举办了迄今为止该艺术家最大规模的个展。文献：Meyer, Géraldine, Max Sulzbachner.Murder Nights and Basel Tamtam》，展览目录。巴塞尔 Kunstmuseum Basel, Kupferstichkabinett, Basel 2019/20, with col.图 9，第 12 页。出处：René Reichard 画廊，法兰克福/美茵；私人收藏，黑森，1986 年从前者处购得。

估价 25 000 - 35 000 EUR

编号 402 - Pierre-Paul Girieud - 皮埃尔-保罗-吉里厄（Pierre-Paul Girieud，1876 年生于巴黎，1948 年卒于马恩河畔诺日朗）--大莱斯博斯（Baigneuses）。布面油画。约 150 x 225 厘米。右下方有签名和年代。 - 这位法国南部艺术家的大尺幅、色彩丰富的主要作品--独特的独立绘画语言，明显受到高更和野兽派的影响--来自同为艺术家的阿道夫-埃尔布斯洛赫的收藏，他曾说服吉里厄参加慕尼黑新美术馆的展览。"皮埃尔-吉里厄先生展出的《浴者》是本次沙龙最重要的作品之一"。纪尧姆-阿波利奈尔，1910 年 "在右边，在一片被绿色侵袭、像青金石一样闪烁的蓝色海洋的岸边，吉里厄先生展示了平静的浴女。她们把小脑袋和无梦的目光转向我们。她们长着白色的身体，梳着辫子。草地上散落着一些水果。其中三人已潜入水中，直至身体中央，倒立的身影仍在水中缭绕。柠檬绿色的天空衬托着洪水的蓝色"。记者兼艺术评论家亨利-比杜（Henry Bidou）在 1910 年 11 月出版的《美术报》（Gazette des Beaux Arts）上这样描述他在巴黎沙龙展（Salon d'automn）上发现的这幅巨幅画作。"大莱斯波斯》描绘了田园风光中的一群女性。裸露的女性身体、修长的双腿和手指以及小巧的乳房都被理想化了，散发着同样的冷峻美感。另一方面，这些女性的面孔看起来就像一幅幅肖像画。例如，跪着的女人可能就是吉里厄的妻子奥古斯塔。在这幅重要的画作中，吉里厄引用了艺术史上的不同时代：草地上散落的花朵让人联想到哥特晚期的米勒弗勒挂毯，而前景中几乎没有重叠的水果则让人联想到塞尚的苹果。另一方面，二维色彩显示出他与野兽派和亨利-马蒂斯的密切联系。同时，明显的轮廓线也表明他是高更和纳比派的追随者。整体构图也引用了古老的艺术形式。站在水中的三位女性看起来就像罗马神话中的圣女。在创作这幅画的一年前，吉里厄加入了慕尼黑新美术馆。他的画家朋友阿道夫-埃尔布斯洛（Adolf Erbslöh）是该协会的秘书，并于 1911 年以 3000 马克的价格购得了这幅画。对这幅作品留下深刻印象的不止埃尔布斯洛赫一人。1910 年沙龙展的评论中也多次提到这幅作品。安德烈-萨尔蒙在《巴黎日报》上总结了这幅画的意义：皮埃尔-吉里厄 "今天实现了一种神奇的简约。他已经很伟大了，因为他是自由的，他用爱和朴素创造了美丽。吉里厄的浴女证明了我们的说法。前景中两个躺着的女人的每一个姿态都平衡了其他女人的姿态，背景中的四个裸体浴女似乎是从第一个浴女的姿态中产生的，这幅画的整体感觉融化在一个双手交叉放在胸部的女人的姿态中。皮埃尔-吉里厄的色彩天赋显而易见。(他是色彩的炼金术士"。画框背面有两次手写数字 "149 "和一个旧标签，标签上有 "Für Sammlung Erbslöh "字样，并有亚历山大-卡诺德（Alexander Kanoldt，慕尼黑新美术馆秘书）的手写签名。该作品被列入艺术家的在线目录 (www.pierregirieud.fr)。文学作品（精选）： Salmon, André, Salon d'Automne, in: Paris-Journal, 30 October 1910； Bidou, Henri, Le Salon d'Automne, in: La Gazette des Beaux-Arts, Paris 5 November 1910, with b/w illus. p. 368 ("Baigneuses")； Fischer, Otto, Das neue Bild，Neue Künstlervereinigung München 出版物，慕尼黑，1912 年，附黑白插图，图版 XVIII； Hausenstein, Wilhelm, Der nackte Mensch in der Kunst aller Zeiten und Völker, 慕尼黑，1913 年，第 192 页和第 420 页，第 178 页附图 145； Flechtheim 画廊的开幕目录，杜塞尔多夫，1913 年，后面的广告部分有黑白插图（R. Piper-Verlag & Co.，慕尼黑，无页）； Burger, Fritz, Einführung in die moderne Kunst, Berlin 1917, b/w illus； Serrano, Véronique (ed.), Pierre Girieud et l'expérience de la modernité 1900-1912, exhib. 坎蒂尼博物馆，马赛，1996 年，黑白插图，第 124 页。展览：Salon d'Automne，Grand Palais des Champs-Elysées，巴黎，1910 年；Franz Marc und Pierre Girieud，Moderne Galerie Thannhauser，慕尼黑，1911 年；Internationale Kunstausstellung des Sonderbundes westdeutscher Kunstfreunde und Künstler zu Cöln，Städtische Ausstellungshalle am Aachener Tor，科隆，1912 年，展品编号 247，第 43 页，无插图；Der Blaue Reiter und das neue Bild.Von der Neuen Künstlervereinigung München zum Blauen Reiter, Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich 1999, cat.

估价 70 000 - 100 000 EUR

编号 403 - Gabriele Münter - Gabriele Münter (1877 Berlin - Murnau 1962) - 静物与 X 啤酒。纸板上的油彩。约 33 x 41 厘米。右下方有签名和年代。背面有签名、日期 "III.14 "和标题 "Xbier"。 - 这幅画结合了明特作品中的三个重要主题：静物、民间艺术和儿童艺术--明特的 "Haus (nach Kinderzeichnung) "可以看作是一幅画中画，还有两个民间雕刻的人物--来自 Blauer Reiter 晚期，该时期的艺术家们接受了学院派以外最多样化的艺术形式，并将其平等地融入到自己的艺术中 Gabriele Münter 的 "Still Life with X-Bier "是一幅引人入胜的作品。画面中央的桌子上摆放着一杯啤酒，旁边是两个啤酒瓶，瓶子上的标签印有一个醒目的红色 "X"。背景是四幅充满童趣的绘画。雕刻的一对男女背对着欢快的儿童画。这些东西是如何组合在一起的呢？明特在 1914 年绘制了这幅画--这一年是历史的转折点，也是她与康定斯基关系彻底破裂的一年。这幅画可能是在慕尼黑创作的，因为第一次世界大战爆发后，画家逃离德国时可能无法带走这些儿童画。自 1908 年以来，明特和康定斯基一直在收集儿童画，即他们的朋友、熟人和家人的孩子的画。儿童第一次看到许多事物，因此对它们的感知更为强烈，而儿童画中充满想象力的图画世界也令明特着迷。她自己也希望表达 "面对外部印象时的感受"，即传达无形的东西。儿童所表达的未经过滤的情感、形式的简化、对儿童来说最重要的东西的专注，都与明特的艺术理念不谋而合。儿童画是永恒的，每个文化群体都能理解。因此，儿童画也有助于创造一种通用的视觉语言。Münter 对这种艺术如此着迷，以至于她不仅收集这些图画，还临摹了其中的一些，或用油画颜料将其描绘出来。这种临摹让 Münter 更加接近儿童的视觉语言。在这幅静物画中，Münter 将自己临摹的一幅儿童画融入其中。这幅画中画是纯真和无忧无虑的特殊见证：阳光照耀着房屋，蓝色的云带像彩虹一样在天空中延伸。现在，可能是战争爆发前不久或爆发后不久，正是这种无忧无虑、轻松愉快成为了问题。这就是这对似乎要走出画外的情侣不得不留下的东西。就像康定斯基一样，作为外国人，他不得不在战争爆发后立即离开德国。明特也将随他而去。留下的只有童真和与康定斯基共享的巴伐利亚啤酒。这幅画在慕尼黑的加布里埃尔-明特和约翰内斯-艾希纳基金会注册编号为 "S 67"（背面有小标签）。加布里埃尔-明特和约翰内斯-艾希纳基金会将把这幅画收入《加布里埃尔-明特绘画作品目录》。展览：Gabriele Münter 1877-1962.Painting without beating about the bush，Lenbachhaus, Munich a.o.2018/19，目录编号 146，附彩色插图。illus. 出处：艺术家遗产，背面盖章（不在 Lugt 中）；Gabriele Münter- und Johannes Eichner-Stiftung，慕尼黑；私人收藏，慕尼黑，由前者于 1980 年直接捐赠给现任主人。

估价 100 000 - 150 000 EUR

编号 404 - Emil Nolde - 埃米尔-诺尔德（Emil Nolde，1867-1956 年）--《南海岛民肖像》（en face）。棕色稻草纸上的水彩、不透明白色、毛笔和印度墨水。(1914).约 50.5 x 36.5 厘米。右下方有签名。 - 这幅令人印象深刻的耳饰和颈饰女性肖像是诺尔德在新几内亚逗留期间创作的--艺术见证了诺尔德对人类原创性的渴望--他的旅行印象在回国多年后仍反映在色彩斑斓的作品中。 1913 年 10 月，埃米尔-诺尔德和妻子艾达途经莫斯科、西伯利亚、朝鲜、日本和中国，来到南洋的德属新几内亚（今天巴布亚新几内亚的一部分）。作为 "德国新几内亚医学人口探险队 "的非官方参与者，他们获准使用所谓 "德国保护国 "的所有殖民基础设施。在这次持续数月的旅行中，诺尔德创作了大量素描、素描和水彩画，这些作品后来成为他灵感的源泉。他对当地人的看法带有殖民视角，并不像他希望的那样开放和公正。他想摆脱自身文化及其社会束缚的愿望并没有实现，因为他总是在探险队的框架内活动，因此也是在白人上层社会的背景下活动。由于 1914 年 8 月战争爆发，他的回程充满了艰辛和混乱，发生了无法预料的变化。诺尔德后来专门撰写了一卷回忆录《世界与家园》（Welt und Heimat）（1936/1965 年），记述他的南洋之行。马克斯-佩希施泰因（Max Pechstein）也是在柏林艺术品商人沃尔夫冈-古利特（Wolfgang Gurlitt）的资助下，于 1913/14 年前往南洋旅行的。回国后，他于 1918 年出版了石版画系列《南洋（帕劳）》。佩希施泰因和诺尔德在旅途中创作的作品以异国情调、有趣的当地人肖像和外国风景为主题，在德国引起了争议，有些作品被愤然驳回，有些作品则受到热烈欢迎。作品已在位于 Seebüll 的诺尔德基金会注册。出处：私人收藏，1921年购入，由前拥有者继承（至2015年）；佳士得，伦敦，2015年2月5日，第224号拍卖品；西蒙-C-迪金森美术馆，伦敦，画框背面标注；私人拥有，英国。

估价 50 000 - 70 000 EUR

编号 405 - Otto Mueller - 奥托-穆勒（1874 年，利堡/西里西亚 - 1930 年，布雷斯劳）--站立的吉普赛妇女怀抱孩子。彩色石版画，淡黄色绒面纸上有红色粉笔附加色彩。(1926/27).尺寸约为 68.5 x 50 厘米（纸张尺寸约为 70.5 x 50 厘米）。60 份中的一份。 - 大尺寸、色彩强烈的石版画 - 选自 "Zigeuner "作品集，奥托-穆勒最后也是最重要的版画系列 - 表现主义版画的标志性作品 - 由于添加了色彩而独具特色所谓的 "Zigeunermappe"，即通常所说的由九个部分组成的 "Zigeuner "系列，是奥托-穆勒的最后一个平面设计项目，也是他最重要的作品。尽管当时他已身患重病，但仍投入大量时间和精力完成了这些石版画。穆勒很少汇报自己的艺术工作，但他在写给妻子马施卡的信中多次提到这本作品集的工作："本周我将寄给你一些已经完成的版画。时间比我想象的要长。但我认为它们会很好。- "我正在忙着制作彩色石版画，它们会非常漂亮。我已经完成了两幅。我还得为作品集做七幅。这些作品对我来说又是全新的。等我完成几幅后，我会寄给你一些样稿"--"（......）吉普赛人的画工作得很愉快"。(引自：Lothar-Günther Buchheim, Otto Mueller - Leben und Werk, Feldafing 1963, p. 184）。穆勒对成功出售作品寄予厚望，遗憾的是在他有生之年未能如愿。由于他只能售出几套完整的作品集，因此他决定单独出售这些画作。即使在他去世后，他仍在继续出售其遗产中的单张作品。该版本的三分之二都在他的遗产中。与本张一样，这些纸张上也有埃里希-海克尔（Erich Heckel）的背书。根据弗洛里安-卡施（Florian Karsch）的目录（1974 年），目前已知的完整系列只有 10 张左右。如今，这些 "吉普赛 "小型张已成为奥托-穆勒最受欢迎和最抢手的图形作品之一。Zigeunermappe "代表了他广泛而多样的所谓 "吉普赛图案 "的顶峰。这个主题贯穿了他的一生，因为他深信自己就是 "吉普赛人 "的后裔。奥托-穆勒的整个艺术作品都充满了对自由和无拘无束的生活的向往。穆勒典型的略带脆感的绘画主题，避免了夸张的感情色彩和对主题的琐碎化--相反，该系列作品具有明显的客观性。这也使其成为 20 世纪上半叶德国版画中最杰出、最重要的作品集之一。Zigeuner "作品集第 5 张，共 9 幅石版画，由柏林诺伊曼-尼伦多夫画廊出版。Karsch 164 II（之二）。出处：艺术家遗产，背面有 Erich Heckel（Lugt 1829d）确认的印章；德国南部私人收藏。

估价 20 000 - 25 000 EUR

编号 406 - Erich Heckel - 埃里希-海克尔（Erich Heckel，1883 年生于多贝伦/萨克森，1970 年卒于拉多夫采尔）--白马。麂皮色吸墨纸上的彩色木刻。(约 31 x 31 厘米（纸张尺寸约 50.5 x 40 厘米）。约 80 幅之一。右下方有签名和日期。 - 德国表现主义最重要的版画之一 - 由于采用了类似单版画的色彩，每幅作品都独具特色 - 该主题被认为是两个革命艺术家团体 Brücke 和 Der Blaue Reiter 的象征性融合 Erich Heckel 的彩色木刻作品 "Weiße Pferde "无疑是表现主义版画的代表作之一。这幅版画展示了赫克尔的高超技艺，他用木刻这种笨拙的媒介描绘了一个异常动感的场景。人与马在强风中搏斗的主题灵感来自 1912 年艺术家在波罗的海希登塞岛的夏日度假。马匹与三个人的组合图案对于赫克尔来说并不寻常，它可以被解释为两个革命性艺术家群体思想的瞬间融合：Brücke和Der Blaue Reiter。1911 年，赫克尔从德累斯顿搬到柏林，1912 年，他遇到了前来柏林参加作品展的 Der Blaue Reiter 的艺术家们。他与弗朗茨-马克（Franz Marc）建立了友谊，并因此多次见面，书信往来也十分频繁。在印制完黑色版块后，再用第二块版块添加彩色区域。像单版画一样用画笔上色，给人一种手工上色的感觉，每张画的上色效果各不相同。由柏林 I.B. Neumann 出版。Dube H 242 b1 IV（IV 的一部分）；Ebner/Gabelmann 531 H b1 III（III 的一部分）。文献：Sabarsky, Serge（编辑），《德国表现主义绘画》，斯图加特/慕尼黑，1991 年，目录编号 82，彩色插图，第 119 页。插图，第 119 页。展览：从康定斯基到迪克斯。德国表现主义绘画，纳索县艺术博物馆，罗斯林，纽约，1989 年；Graphik des deutschen Expressionismus，Neuer Sächsischer Kunstverein，德累斯顿等，1991-1993 年，目录编号 82；Erich Heckel - Die frühen Jahre.Zeichnungen, Aquarelle, Graphik，Städtische Galerie，Bietigheim-Bissingen/Stadt Rosenheim，1995 年，第 93 页；Neue Galerie，德奥艺术博物馆，纽约，2009-2013 年常设展览。出处：Lafayette Parke 画廊，纽约；收藏/资产 Serge Sabarsky，纽约，1986 年从前者处购得；收藏/基金会 Vally Sabarsky，纽约。

估价 50 000 - 70 000 EUR

编号 407 - Gabriele Münter - Gabriele Münter (1877 Berlin - Murnau 1962) - In the Café. 画板上的油彩。约 61 x 46.5 厘米。左下方有签名，背面有日期。 - 这幅画是明特三部曲系列的起点，在这个系列中，明特逐渐将最初具象化的咖啡馆主题抽象化 - 这幅画创作于 1914 年，正值明特在《蓝色骑士》后期的第一阶段抽象主义创作时期 - 协调平衡的色彩构成是明特卓越观察力的典范城市中的咖啡馆。一只手伸向前景的杯子：这是艺术家的手，她戴着帽子的后脑勺朝向我们。我们，观众，站在她的身后，通过她的眼睛看到这个场景。她的面前是一张红色大理石制成的圆桌，周围是黑色的椅子。背景中，一位身着白色围裙的女服务员正在为一位蓝衣女子服务。她的身影在墙上的镜子中重现。Gabriele Münter 1914 年的画作色调艳丽，笔触紧张。作品中也没有真正的直线，一切似乎都在运动。这些颤动的短笔触似乎在消解固定的形式。从桌子和地板上五彩斑斓的蓝色大理石花纹，到展示橱窗另一侧无法确定但色彩斑斓的造型，清晰的主体消失在众多小细节的背后。从这里到抽象只是一小步。明特从未将自己视为抽象艺术家。早在 1956 年，她在给美国艺术史学家肯尼斯-林赛（Kenneth Lindsay）的信中就说过："实际上，我并没有画抽象画，因为大自然的眼睛总是为我提供主题"。因此，她的作品中只有少数抽象画。不过，在 1914 年至 1915 年期间，她通过抽象化过程首次找到了通往抽象画的道路。"咖啡馆里》是这方面的一幅重要画作。这幅画是三幅咖啡馆系列画作中最大的一幅，全部创作于 1914 年。与这幅大画相比，这幅小画更加写实。明特在绘制这幅画时减少了调色板，使用了柔和的色彩。不过，在大幅作品中，明特加入了黄色、绿色、红色和蓝色等浓重的色彩。这些色彩也出现在最后一个版本中，明特称之为 "抽象室内"。起初，第三幅作品似乎是纯粹的抽象色彩游戏。但随后我们就能认出艺术家的绿色和蓝色后脑勺、粉色手臂、椅子、童话灯，甚至女服务员和她的倒影。明特就这样将具象绘画消解为纯粹的色彩形式。然而，这种抽象化的过程在这些年里仍然是个例外。直到四十年后的晚期作品中，她才再次尝试纯粹的抽象。不过，直到生命的最后一刻，她仍然坚持这幅画中色彩浓郁的具象风格。附有慕尼黑 Städtische Galerie im Lenbachhaus 的 Rosel Gollek 博士于 1983 年 2 月 4 日出具的鉴定证书（副本）。这幅画在慕尼黑 Gabriele Münter- und Johannes Eichner-Stiftung 登记的编号为 "V 24"（背面有小标签）。这幅画将收录在 Gabriele Münter 和 Johannes Eichner 基金会出版的 Gabriele Münter 绘画目录中。展览：Gabriele Münter 1877-1962.不拐弯抹角的绘画，Lenbachhaus, Munich a.o.2018/19，目录编号 201，附彩色插图。illus. 出处：艺术家遗产，背面盖章（不在 Lugt 中）；Gabriele Münter- und Johannes Eichner-Stiftung，慕尼黑；Galerie Am Feuersee，斯图加特；私人收藏，北莱茵-威斯特法伦州，1973 年从上述机构购得，此后由家族继承。

估价 200 000 - 250 000 EUR

编号 408 - Gustav Klimt - 古斯塔夫-克里姆特（1862 年，维也纳附近的鲍姆加滕；1918 年，维也纳）--站立的裸女，右侧有帷幔。水粉纸上的蓝色彩色铅笔。(1906/07).约 56.5 x 37.5 厘米。 - 克林姆迷人的女性裸体画，以站立的女性为主题 - 裸体的弧形线条在帷幔的衬托下尤为突出和加强 - 布料上有克林姆典型的圆形和螺旋形纺织图案这幅克林姆的作品是一幅特别迷人的裸体画。当女人从侧面展示身体时，她从右肩向画面外回望。由此产生的身体中心的旋转使坐着的人的身体线条特别有弧度。古斯塔夫-克里姆特用他的笔触强调了这一点；几乎连续的轮廓强调了头部和小腿之间的身体曲线。帷幔也强调了模特的线条。模特将饰有克里姆特典型的圆形和螺旋形图案的帷幔挡在身前。在这块细致而充满活力的织物前，白色的身体在弧形平面中显得格外突出。同时，克里姆特在这里提到了艺术史上古老的 "裸体维纳斯"（Venus pudica）主题，即可耻的维纳斯。虽然模特已经背对着观众，但布料强化了隐藏的印象，同时也强化了裸体的感觉。纺织品的加入强调了没有任何衣物的感觉。克里姆特在 1910 年之前创作的其他女性裸体画中，女性是自信的，她们向画家展示自己和自己的身体，而这里展示的女性则是娇嫩脆弱的美。克里姆特在这一时期很少使用这种构图。除了另一幅用布遮挡的作品外，克林姆主要以裸体和脱衣服的女性形象著称，有时还将她们描绘成诱惑者。然而，这幅作品所表现的情色更为微妙：我们在这里看到的是沐浴中毫无准备的维纳斯和闺房中的美人。右下方刻有 "NG 1721/"，左下方刻有 "24"，落款不明。背面刻有 "K 213 "和 "41 51"，落款不明。Strobl 1571。文献：Glück, Gustav, Gustav Klimt. 展览：古斯塔夫-克里姆特。纪念展，Graphische Sammlung Albertina，维也纳，1962 年，目录编号 84；《古斯塔夫-克里姆特 1862-1918》，拿骚县艺术博物馆，罗斯林，1989 年；《古斯塔夫-克里姆特 100 手稿》，Jahrhunderthalle Hoechst 等，1990-1997 年，目录编号 41；《古斯塔夫-克里姆特 1862-1918》，拿骚县艺术博物馆，罗斯林，1989 年；《古斯塔夫-克里姆特 100 手稿》，Jahrhunderthalle Hoechst 等，1990-1997 年，目录编号 41。41; Gustav Klimt, Palazzo Strozzi, Florence 1991/92，cat. no. 出处：古斯塔夫-克里姆特遗产，直面盖有印章（Lugt 1575）；拉斐特公园画廊，纽约；塞尔日-萨巴斯基收藏/资产，纽约，1987 年从前者处购得；瓦利-萨巴斯基收藏/基金会，纽约。

估价 70 000 - 100 000 EUR

编号 409 - Oskar Kokoschka - Oskar Kokoschka (1886 Pöchlarn - Montreux 1980) - Victor Ritter von Bauer (Mr Bauer)。布面油画。(1914).约 69 x 56 厘米。右上方有花押。 - 多才多艺的实业家、艺术收藏家和赞助人维克多-里特-冯-鲍尔的肖像 - 非常重要的展览出处 - 奥斯卡-科科什卡可能是从他的艺术家朋友、建筑师阿道夫-卢斯那里接受的肖像委托、肖像画 "维克多-里特尔-冯-鲍尔（鲍尔先生）"与 1914 年前后创作的几乎所有柯柯施卡肖像画一样，都是以充满活力的大笔触绘制而成。肖像主体的浅色化身在不明确的深色背景中显得格外耀眼，而他的墨绿色西装则与周围的景色和谐地融为一体。柯柯施卡用深绿色和黑色的笔触以及白色、浅黄色和粉红色的笔触，表现出鲍尔棱角分明的面部特征。这种画风是他 1914 年肖像画的一大特色，在埃米尔-洛文巴赫、安东-冯-韦伯恩的肖像画和他的自画像中也能找到这种风格。除了面部，肖像人物的手对柯柯施卡来说也尤为重要。他描绘鲍尔的一只手向上放在胸前，拇指和中指松松地并拢。这一富有表现力的手势和调皮微笑的面部表情，暗示着这是一位能言善辩、风趣幽默的绅士。在柯柯施卡的肖像画创作四年后，埃贡-席勒也为维克多-冯-鲍尔创作了一幅肖像画，这幅画的色调完全不同，鲍尔身着白色西装，背景为黄色。这幅画现藏于维也纳美景宫。维克多-莫里茨-彼得-玛丽亚-里特-冯-鲍尔-罗尔费尔登博士这位工业大亨有趣的传记直到 2001 年才由维也纳美景宫的策展人弗朗茨-斯莫拉重现。在此之前，关于画中人的信息往往是错误的。维克多-里特尔-冯-鲍尔于 1876 年出生在摩拉维亚布尔诺的一个大地主家庭，是家中的长子，曾在莱比锡、日内瓦和维也纳学习法律，并从 1897 年起在军队服役五年。1903 年至 1905 年，他周游世界，回国后加入了家族企业，从事煤矿开采和蔗糖提炼，并于 1911 年接手管理。鲍尔是一位富有的个人，他兴趣广泛，追求技术和经济创新，并作为奥地利航空俱乐部成员获得了飞行执照。作为维也纳文化研究所的主席和出资人，他还积极参与文化活动。20 世纪 20 年代，鲍尔多次前往美国和古巴，并于 1928 年被任命为奥地利驻哈瓦那总领事。在演讲和出版物中，他还涉及政治和欧洲未来问题。1939 年 8 月初，鲍尔在布尔诺去世，他的妻子玛格丽特一直活到 1963 年。 1914 年左右，维克多-里特尔-冯-鲍尔委托建筑师阿道夫-卢斯在他的制糖厂建造一座新的厂长别墅。后来，以现代设计著称的卢斯还改建了鲍尔家族在布尔诺的古典主义住宅宫殿。卢斯当然在他的客户鲍尔和画家奥斯卡-科科什卡之间建立了联系。他已经成功地为自己 16 岁的门徒柯柯施卡安排了肖像画委托。科科施卡于 1905 年来到维也纳工艺美术学校学习，很早就受到阿道夫-卢斯的影响，并与作曲家阿诺德-勋伯格、作家卡尔-克劳斯和彼得-阿尔滕贝格一起成为他的朋友圈中的一员。背面有各种手写题词和标签（残留）。温格勒 101；温克勒/埃林 110。该作品被列入奥斯卡-科科什卡基金会的目录，编号为 1914/9 (https://www.oskar-kokoschka.ch)。文献：阿姆斯特丹 G.I.N. 画廊在展览 Oskar Kokoschka, Schilderijen, tekeningen, aquarellen, grafiek 时的报价单（无日期/1970 年），附彩色插图。插图；Hoffmann，Edith，Kokoschka。生平与作品》，伦敦，1947 年，第 93 号，第 303 页。展览：Oskar Kokoschka 展览，苏黎世美术馆，1927 年，目录编号 36，无插图；Kokoschka 展览，Kunstsalon Hermann Abels，科隆，1929 年，目录编号 23，无插图；Kunst der Gegenwart aus Düsseldorfer Privatbesitz，Vereinigung für Junge Kunst，Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen，杜塞尔多夫，1932 年，目录编号 66，无插图；Düsseldorfer Kaufleute sammeln moderne Kunst。展览

估价 300 000 - 400 000 EUR

编号 410 - Gustav Klimt - 古斯塔夫-克里姆特（1862 年，维也纳附近的鲍姆加滕；1918 年，维也纳）--一位女士的正面肖像。铅笔和彩色铅笔绘于麂皮色西米里雅潘纸上。(1916/17).约 57 x 37.5 厘米。右下方有签名。 - 一幅典型的克里姆特美女的感性、亲密肖像--画家罕见的彩色绘画--可能与（烧毁的）油画《Die Freundinnen》的右侧人物有关这幅古斯塔夫-克里姆特的杰出绘画展示了一位未命名的女模特。这位女士有着一双大眼睛和微微张开的红唇，是克林姆的典型形象。她的姿势散发出一种静谧的优雅和微妙而强烈的吸引力。她的身体微微前倾，注意力完全集中在观众身上。克里姆特用流畅的线条营造出一种感性而亲密的氛围。克林姆的素描通常与他的油画相连。这幅素描可能是《女友们》的预备作品，该作品于 1945 年在伊门多夫宫被毁。克林姆与他的模特关系密切，常常是浪漫的，这也反映在他的素描作品中。克林姆的全部作品都体现了他对女性的热爱。瑞金-施密特（Regine Schmidt）写道："古斯塔夫-克里姆特的作品过去和现在都让人迷失其中。他笔下的女性、淑女和少女都是大自然本身的形式，就像花朵一样，他在她们含苞、绽放和凋谢的过程中绘制和描绘她们。[......]他的作品始终是对女性的敬意。对克里姆特来说，她们是充满情欲的动物"。(Regine Schmidt, in: Klimt's Women, New Haven 2000, pp.）克里姆特将素描转化为一种高度个人化、实验性的表达方式，赋予其作品新的自发性和主观性。他用细腻的铅笔线条捕捉、探索和爱抚模特，仿佛绘画本身就是一种诱惑行为。克里姆特将女性的身体和人类的命运置于其兴趣的中心，从而更新了欧洲的具象画传统。这幅美丽而温柔的画作展现了这位非凡艺术家的创造力。Strobl 2830. 展览：古斯塔夫-克里姆特，东京伊势丹美术馆，1981 年，编号 106，附图；克里姆特-席勒-科科施卡，鲁昂美术馆，鲁昂等，1995 年，目录编号 81；向塞尔日-萨巴斯基致敬。克里姆特。科科什卡。Schiele, watercolours and drawings, Jahrhunderthalle Hoechst, Frankfurt/Main 1997, cat. 26; Kunstforeningen, Copenhagen 2002. 出处：Serge Sabarsky 收藏/遗产，纽约；Vally Sabarsky 收藏/基金会，纽约。

估价 70 000 - 90 000 EUR

编号 411 - Max Beckmann - 马克斯-贝克曼（1884-1950 年，莱比锡-纽约）--卧姿女子。布面油画，重新上色。(1913).约 57 x 74 厘米。 - 贝克曼柏林时期的早期作品--学院派绘画风格的半裸女性背影--浓墨重彩的大气色彩构图 1913 年，一位女性斜靠在卡纳佩上，疲惫地靠在靠垫上。她背对着观众和画家马克斯-贝克曼。她身着紧身胸衣、衬裙和头饰，动作似乎凝固了。她并非赤身裸体，但也不再是衣不蔽体；她衣服的构成和她的精神状态并不代表一种有意识的时尚构成。这几乎就像是画家在她脱衣服时自发地给了她一个惊喜。贝克曼捕捉到了这位无名女性看似自发的瞬间：裙子滑落，裸露的后背几乎是明目张胆的，也因此成为色情的焦点。这种亲密场景中的匿名性正是这幅画的魅力所在。虽然我们不知道这位女士是谁，但我们却能看到她一天中最私密的时刻。她还没有摘下耳环，却已经脱下了套裙，她在哪里？这幅画邀请我们为自己讲述一个故事......这幅画于 1913 年在柏林绘制。马克斯-贝克曼当时 29 岁，仍然按照学院派传统作画。在他的创作过程中，他会反复描绘一些躺着的女人，她们不为人知，但又可以辨认。她们从画中望出去，忙碌着，表现着，调情着。她们以典型的贝克曼女性形象出现，裸体，着装。不过，贝克曼再也不会像 1913 年那样打扰脱衣的女人了。Göpel 168; Tiedemann 168。展览：Große Kunst-Ausstellung，Städtischer Ausstellungspalast，杜塞尔多夫，1913 年，目录编号 39；Herbstausstellung (der aus der Berliner Secession Ausgetretenen)，Ausstellungshaus am Kurfürstendamm，柏林，1913 年，目录编号 16；1. Ausstellung，Künstler-Vereinigung Dresden，1916 年，目录编号 13；From Kandinsky to Dix. painting of the German Expressionists，拿骚艺术博物馆，罗斯林等，1989 年，目录编号 1，第 32 页，部分附彩色插图。第 33 页。出处：Atelier Max Beckmann；Kunstsalon Paul Cassirer，柏林，1913 年，受委托创作；Atelier Max Beckmann，1920 年；私人收藏，柏林；Galerie Gerd Rosen，柏林，1954 年；Walter Stein，美国，1954 年；Ketterer Kunst，慕尼黑，1988 年 11 月 28 日，拍卖品 74，附彩色图版；收藏/遗产 Serge Sabarsky，纽约，自 1988 年起；收藏/基金会 Vally Sabarsky，纽约。

估价 60 000 - 80 000 EUR

编号 412 - Emil Nolde - 埃米尔-诺尔德（Emil Nolde，1867-1956 年）--红色和黄色的罂粟花。日本水彩画。(约 1935-1945 年）。约 34 x 47.5 厘米。右下方有签名。 - 色彩斑斓的花朵是诺尔德作品的中心主题--花朵水彩画是在诺尔德花园的主题前直接创作的，没有前期草图--诺尔德选择了一个狭窄的画面细节，让鲜艳的花朵靠近观者单个花朵、色彩斑斓的花圃和整个花园设计都是诺尔德作品的中心主题。受母亲在诺尔德小村庄的花圃的影响，这位农民的儿子很早就学会了欣赏 "发芽、盛开、鲜艳 "的花朵，"这些花朵为母亲和我的快乐而绽放"。诺尔德后来在阿尔森、乌腾瓦夫和塞布尔的乡村住宅中建造了花园，这些花园激发了他创作色彩斑斓的绘画和精湛的水彩画的灵感。诺尔德以水彩画的形式描绘花园中的花朵，不作任何前期草图，直接将花朵描绘在画纸上。在这幅画中，他选择了一个狭窄的画面部分，将鲜艳的罂粟花近距离展现，并省去了明确的背景。罂粟花的花萼张开，绽放出鲜艳的色彩，花朵之间几乎没有重叠，却有充分展开的空间。诺尔德小心翼翼地将颜料层层叠加。他用蘸满颜料的水彩笔描绘出每一片鲜红的花瓣，并暗示花萼的深色层次。他利用水彩的流动性来暗示一些花瓣的透明度。作品附有曼弗雷德-罗伊特博士教授（Klockries）的摄影鉴定，日期为 2023 年 10 月 11 日。该作品在曼弗雷德-罗伊特教授的档案中登记和记录，编号为 Nolde A-287/2023。出处：德国南部私人财产，家族拥有数十年。

估价 100 000 - 150 000 EUR

编号 413 - Hans Purrmann - 汉斯-普尔曼（1880 年施佩尔-1966 年巴塞尔）--剑兰和金莲花静物。布面油画。(1926).约 100 x 81 厘米。右下方有签名。 - 现代主义色彩大师--通过基于蓝-橙-红-绿四种色调的色彩调制、汉斯-珀尔曼（Hans Purrmann）1880 年出生于施派尔（Speyer），是一位画家和泥水匠的儿子。他早年就读于卡尔斯鲁厄工艺美术学校、慕尼黑学院，师从弗朗茨-冯-斯图克（Franz von Stuck），后又进入巴黎马蒂斯学院学习，并逐渐形成了自己的艺术风格。虽然他的绘画明显受到法国艺术家马蒂斯、塞尚和雷诺阿的影响，但 Purrmann 找到了自己的绘画风格，将形式与色彩完美结合，令人印象深刻。据艺术家的儿子罗伯特-珀尔曼（Robert Purrmann）介绍，这幅未注明日期的大幅《静物与剑兰和金莲花》是他于 1926 年在博登湖畔的朗根纳根创作的。珀尔曼于 1919 年在湖边购买了一栋渔民的房子，之后便与家人在那里度过了夏天。Purrmann 热衷于收集绘画、版画、地毯、古董和特殊物品，这在这幅画中得到了充分体现。画面中央的小圆桌上摆放着一个华丽的大理石花瓶，里面装满了剑兰、紫罗兰和金莲花等花卉装饰。珀尔曼的收藏品屡屡出现在他的作品中。珀尔曼用明亮的黄、红、绿、蓝等色调的细腻而精确的笔触捕捉花瓶和花朵，在其他色调的衬托下明显突出了它们的重要性。珀尔曼与他的朋友兼老师马蒂斯共同热爱织物，这在画作背景中起到了重要作用。在珀尔曼的其他作品中也能找到色彩斑斓的装饰屏风，1920 年左右，它还出现在珀尔曼位于兰根纳根的工作室的室内场景中。珀尔曼将色彩斑斓、略显暗淡的屏风完全融入了画作中。画面平面几乎融为一体。观众会感觉屏风上的描绘与花朵和带把手的花瓶融为一体。画面右侧边缘描绘的鹦鹉看起来几乎是真实的。尽管所描绘的物体之间存在这种感知上的联系，但它们的内在价值却得以保留。珀尔曼通过丰富而华丽的描绘，使静物的效果和发展得到了充分体现。他对这一主题的热爱令人印象深刻。1995 年，在 "汉斯-珀尔曼。Elke Hergert 这样评价他的静物画："珀尔曼以蓝、橙、红、绿四种色调的和谐为基础，通过对色彩的调节，实现了令人兴奋的统一，这可以用马蒂斯的话来强调：你必须有一个大而清晰的布局，才能正确地设置三到四个对比；色彩的进一步意义就在这三个对比之间。绘画无非是观察色彩之间的关系；必须从整体上观察（......）"。画框背面有海关印章、标签残片和另一个编号为 "321 "的标签。画框背面有各种手写题词、编号以及技术和尺寸说明。Lenz/Billeter 1926/12。出处：巴塞尔卢卡斯-利希滕汉美术馆，画框背面有手写题字；罗曼索恩的奥蒂丽-沃伊特，很可能是从前者处购得；卡尔斯鲁厄的私人财产，通过继承获得；汉堡的私人财产，在家族内部传给现任主人；巴登符腾堡州的私人财产。

估价 70 000 - 90 000 EUR

编号 414 - Oskar Moll - 奥斯卡-莫尔（1875 年，布里耶格/西里西亚 - 1947 年，柏林） - 房屋和果树。布面油画。(1934).约 70.5 x 80.5 厘米。右下方有签名。 - 从 1926 年底开始，莫尔的绘画开始转向立体主义和几何形式--色彩与形式之间的平衡感。科隆路德维希博物馆、曼海姆美术馆和雷根斯堡 Ostdeutsche Galerie 美术馆。"在我们学习分析和综合构图的过程中，在掌握形式和色彩世界及其各种对比效果的过程中，大自然这位伟大的老师将始终站在我们身边，让我们通过对比和平衡，在其永恒的韵律面前实现和谐"。奥斯卡-莫尔，1930 年奥斯卡-莫尔的作品具有印象派、野兽派、表现主义和立体主义的风格特征。莫尔最初是以生物学学生的身份接触绘画的，他的作品主要以风景画和静物画为主，其特点是形式语言非常独特、大气而多彩。他的作品中只有少量肖像画和裸体画。莫尔和他的妻子玛嘉（也是一位艺术家）一起，经里昂内尔-费宁格（Lyonel Feininger）介绍，进入了巴黎艺术圈的多姆咖啡馆（Café du Dôme）。在巴黎，他在马蒂斯学院（Académie Matisse）师从亨利-马蒂斯（Henri Matisse），并在那里结识了汉斯-珀尔曼（Hans Purrmann）等人，在他们的影响下形成了自己的风格。这幅名为《房屋和果树》的画作体现了莫尔多样的形式语言。观众看到的是一组抽象的房屋和开花的树木。在这里，莫尔将装饰风格元素与立体主义形式相结合。这幅来自艺术家晚期作品的画作可能是在博登湖或阿尔高地区创作的。1933-35 年间，莫尔在博登湖边度过了许多时光，每年夏天他都会在海门霍芬开办一所私人学院，并在赫尔穆特-马克（Helmuth Macke）的工作室等地提供工作机会。标题为 "Häuser + Obstbäume"，画布背面有 Marga Moll 的日期。画框上有多处手写题字，可能出自未知作者之手，还有标签残留物。Salzmann 344：感谢 Gerhard Leistner 博士的建议，他再次确认了这幅作品的真实性。这幅画已经收录在正在编写的新目录中 (www.oskarmoll.info)。展览：奥斯卡-莫尔。纪念展，Städtisches Kunstmuseum，杜伊斯堡，1948 年，目录编号 21；奥斯卡-莫尔 1875-1947 年纪念展，Museum am Ostwall，多特蒙德，1950 年，目录编号 43；奥斯卡-莫尔，F. A. C. Prestel 画廊，法兰克福/美因河畔，1965/66 年，目录编号 20，担架背面有标签；奥斯卡-莫尔，Horstmann 博士画廊，杜塞尔多夫，1966 年，目录编号 11。出处：艺术家的遗产，画布背面有精致的印章、编号 "43 "和艺术家遗孀玛加-莫尔的确认；瑞士私人收藏；石勒苏益格-荷尔斯泰因私人收藏；格里斯巴赫，柏林 11.6.2021，拍得 445；黑森私人收藏。

估价 30 000 - 40 000 EUR

编号 415 - Ferdinand Hodler - 费迪南德-霍德勒（1853 年，伯尔尼 - 1918 年，日内瓦）--陌生人肖像（伯尔尼女孩）。布面油画。(约 1898 年）。约 24 x 18 厘米。右下方有签名。 - 来自伯尔尼的一位无名女孩的敏感人物肖像，采用了霍德勒 1900 年左右清晰的写实风格--纯粹还原人物，没有叙事细节--来自著名的卡尔-古斯塔夫-亨内伯格（1847-1918 年）的苏黎世收藏 "这幅出色的画作具有清晰清新的特点"。1919 年 "G. Henneberg 珍藏 "拍卖目录 1898 年前后，费迪南德-霍德勒（Ferdinand Hodler）深入研究肖像画，他写道："肖像画的目的是唤起人的无条件性，不仅是部分或近似，而是绝对的整体。头部是肖像画中最具表现力的部分。相貌会给人留下深刻的印象：肖像画还应给观者留下持久的印象"。在此期间，他创作了一系列迷人的肖像画，其中一些是艺术家圈子里的人，另一些则是不知名的农家女孩。这位伯尔尼女孩有着淡粉色的肉体，轮廓清晰，神情专注地注视着观者；与霍德勒肖像画中常见的一样，她也将头微微偏向一侧。狭长的画面细节只集中在人物身上，省略了任何叙事细节。在这幅肖像画中，霍德勒的平面绘画风格清晰可辨。霍德勒用粉嫩的黄色背景突出了她的青春活力。这幅肖像画中的人物在文献中以 "伯尔尼女孩 "为题出现，但无法确定其身份。1921 年伯尔尼展览目录中提到的画家的原型也无法证实。艺术家于 1898 年 6 月 24 日从 Uetendorf 写信给弗里堡的 Léon Genoud（参见弗里堡艺术与技术档案馆）。头像和头发的画法和形式可与约瑟夫-维克多-维德曼（Joseph Viktor Widmann）、克拉拉-巴蒂埃（Clara Battié）和贝尔特-霍德勒-雅克（Berthe Hodler-Jacques）的肖像画相媲美，这些肖像画都是 1898 年创作的。在 1896 年的一幅素描中，霍德勒妻子的嘴和眉毛也有类似的线条"。(Monika Brunner，见：Bätschmann/Müller，2012 年，第 194 页）。Bätschmann/Müller 804。这幅画在瑞士艺术研究所 (SIK-ISEA) 的在线数据库中登记，编号为 36987 (https://www.sik-isea.ch/de-ch/)。文献：Loosli, Carl Albert, Ferdinand Hodler.Leben, Werk und Nachlass, Bern 1924, vol. VI, no.成熟期和晚期作品。1895-1918 年，第二卷，苏黎世，1941 年，目录编号 44，第 480 页，附插图，第 59 页；Hugelshofer, Walter, Ferdinand Hodler.Eine Monographie》，苏黎世 1952 年，目录编号 35，第 XI 页和第 51 页，附黑白插图。展览：可能是 Henneberg 画廊，展览目录，苏黎世 1911 年，目录编号 51，第 4 页；Ferdinand Hodler im Zürcher Kunsthaus，苏黎世 1917 年，目录编号 114，无插图；Hodler-Gedächtnis-Ausstellung，艺术博物馆，伯尔尼 1921 年，目录编号 303，无插图，担架背面有标签；Ferdinand Hodler，Neupert 画廊，苏黎世 1928 年，目录编号 17。出处：卡尔-古斯塔夫-亨内伯格（Karl Gustav Henneberg，1847-1918 年）收藏/画廊，苏黎世，1917 年；诺伊佩特画廊，"亨内伯格收藏馆"，苏黎世，1919 年 10 月 20-22 日，拍卖品号：73，附黑白插图，图版 XIII；诺伊佩特画廊，苏黎世，直至 1921 年；诺伊佩特画廊，苏黎世，4.4.1936，拍卖品号：140，附黑白插图，图版 XIII。1936年4月4日，第140号拍卖品，附黑白插图，图版20；私人收藏，至2001年；Galerie Michael Haas，柏林，2006年至2008年；私人收藏，2008/09年；Van Ham，科隆，2009年12月3日，第64号拍卖品，画框背面有标签；私人收藏，欧洲。

估价 50 000 - 70 000 EUR

编号 416 - Lovis Corinth - 洛维斯-科林斯（1858 年，塔皮奥/东普鲁士 - 1925 年，赞德沃特）--花瓶中的花朵。布面油画。(1910).约 70 x 50.5 厘米。左中有签名。 - 大尺幅绘画，色彩明快细微，笔法精湛，颜料无痕--花卉静物画是科林斯晚年最强势的画种--他在 1910 年代创作的许多静物画作品现已被重要的公共收藏机构收藏、他在 1910 年代创作的许多静物画现在都被重要的公共机构收藏，包括德累斯顿新艺术家美术馆、杜塞尔多夫 Kunstpalast 博物馆和底特律艺术学院。在深色背景的衬托下，红色、紫色、粉色和黄色五彩缤纷的花束熠熠生辉。科林斯以一种朦胧的方式，大笔挥洒色彩。科林斯后期的创作主要集中在静物画等题材上，尤其是花卉作品和风景画。他的作品越来越自信、自发和冲动。他敏感地运用色彩，以一种躁动不安的风格，赋予绘画一种更接近表现主义而非印象派的表现力。1901 年，科林斯从慕尼黑来到柏林，加入了马克斯-利伯曼（Max Liebermann）周围的柏林分离派。保罗-卡西勒（Paul Cassirer）发现了他的才华，立即为他举办了个人画展，一年后，他当选为分离派董事会成员。1910 年，汉堡美术馆购买了科林斯的部分画作，使他的艺术创作达到了一个新的高峰，同时他还在柏林和慕尼黑的分离派、达姆施塔特的德国美术家协会以及威尼斯双年展的前身举办了多次国际展览。迄今为止，更多的国际展览见证了艺术家的鉴赏力和受欢迎程度。他的作品被世界各地重要的私人和公共机构收藏，如柏林国家美术馆、慕尼黑伦巴赫美术馆、巴黎奥赛博物馆、伦敦泰特美术馆、维也纳美景宫、纽约现代艺术博物馆和大都会艺术博物馆。这幅画最初由雨果-温特（1876 年出生于诺伊斯，1967 年出生于耶路撒冷）收藏。早在 1926 年，这幅画就在柏林国家美术馆的洛维斯-科林斯纪念展上展出过。据推测，当时的出借人就是雨果-温特。在移民之前，雨果-温特居住在柯尼斯堡，与叔叔一起经营谷物贸易和谷物豆类砻谷厂。作为柯尼斯堡一个显赫的犹太家庭，温特一家很快就受到了对犹太人的迫害。1934 年，雨果-温特被迫离开德国，移居巴勒斯坦。在 1938 年 11 月 9 日至 10 日的大屠杀中，柯尼斯堡的一家犹太孤儿院被纵火焚烧。安娜-温特是这家孤儿院的忠实支持者，她收留了所有受影响的儿童。党卫军威胁要逮捕她，指控她没有获得开办孤儿院的许可证。在这种压力下，安娜-温特同意离开别墅，并将别墅及其所有物品交给党卫军。现在已经无法确定这幅画是何时被没收或被迫出售的。1937 年，亚瑟-埃伯林博士收藏了这幅作品，并在一本关于其收藏的书中发表了这幅作品的插图。2023 年 11 月，根据《华盛顿协议》与雨果-温特的继承人达成了公平公正的协议。贝伦德-科林斯/赫纳德 436。文献：Steiner, Paula (编辑), Lovis Corinth, dem Ostpreußen, Königsberg 1925, 插图，第 86 页；Ebering, Arthur: Meine Sammlung, Magdeburg 1937, 附黑白插图，无页码。展览：Kunstsammlungen der Stadt Königsberg，1924 年；Lovis Corinth.纪念他的绘画和水彩画展，柏林国家美术馆，1926 年，目录编号 185（所有者为雨果-温特）。藏品来源：雨果-温特，柯尼斯堡；阿瑟-埃伯林博士，马格德堡（最晚自 1937 年 7 月起）；弗里茨-米塔格，马格德堡，1938 年 3 月从前者处购得；继承至现藏家，德国南部私人收藏。

估价 150 000 - 200 000 EUR

编号 417 - Leo Putz - 莱奥-普茨（1869-梅拉诺-1940）--坎本万德 IV。布面油画。(c. 1910).约 55 x 67 厘米。左下方有签名。 - 大气的基姆高州秋季风景 - 里奥-普茨典型的户外绘画风格，颜料涂抹宽松 - 选自《Kampenwand》系列画作，是为数不多的纯风景主题之一，没有具象的工作人员 1909 年，里奥-普茨正处于其艺术生涯的巅峰时期。他获得了巴伐利亚国籍，这是他在同年被授予教授职位的先决条件。此外，他的赞助人和艺术经销商约瑟夫-布拉克尔（Josef Brakl）出版了普茨的第一本专著。同年，艺术家买下了在基姆高地区哈特曼斯堡城堡庭院作画的权利，以及在城堡湖和朗布格纳湖（Langbürgner See）划船的权利。直到 1914 年，普茨一直在这里度过夏天，秉承着户外绘画的精神在露天作画。在这些高产的月份里，他创作了大量所谓的驳船画，画中有划船的妇女，也有女孩洗澡的裸体画。普茨多次描绘了坎彭旺德的壮观景色。这些作品展现了艺术家在所谓的 "哈特曼斯贝格时期 "的独特绘画风格，也正是这种风格让他声名鹊起。不过，在这一时期艺术家的作品中也可以找到没有具象人物的纯风景画。普茨一共七次描绘了坎彭旺德的壮丽景色（坎彭旺德 I-VII），这足以证明他对这幅风景画的喜爱。松散颜料的非凡技艺表明，这些作品是直接在现场创作的，并对秋季风景的色彩挑战进行了深入研究。从平坦的湖面到高耸入云的坎彭旺德山脉，一览无余的景色使这幅基姆高风景画独具特色。普茨 2402。出处：德国南部私人收藏。

估价 25 000 - 35 000 EUR

编号 418 - Otto Dix - 奥托-迪克斯（1891 年，格拉附近的 Untermhaus - 1969 年，辛根）--石榴石漏斗。纸板上的水粉和混合媒介铅笔。(约 1916 年）。约 28 x 28.5 厘米。右下方和右边缘中央有签名。背面落款："Bleibt Eigentum 16"。 - 仅有的五幅以此为主题的画作之一 - 战争年代的画作在拍卖市场上非常罕见 - 地球表面被人类和物质撕开的奇异美感令画家着迷 1914 年第一次世界大战开始时，迪克斯自愿参军。他在前线战斗了三年多，多次因英勇无畏而受到嘉奖。战壕中的经历对他的生活和创作产生了决定性的影响。1915/16 年，迪克斯创作了 50 多幅素描和 86 幅水粉画，在背包大小的正方形画幅上描绘了荒芜的废墟和漏斗状的风景。这位艺术家对战争的怪异美学非常着迷，地球表面被人类和物质肆意践踏、撕裂和失控。1916 年，他在给朋友海伦-雅各布（Helene Jakob）的两张战地明信片上写道："村庄里的弹坑充满了元素的力量。附近的一切似乎都受制于这些巨大的对称漏斗的动力。它们是大地的眼窝（......）。它们不再是房屋（......）。它们是一种特殊的生命体，有自己的规律和生活条件（......）。(......)在这里诉说的是一种奇特而罕见的美"（见 Lorenz WK 1.0.21 和 1.0.22）。在这幅画中，迪克斯记录了大自然是如何开垦被人类和机器破坏的景观的。五颜六色的花朵再次绽放在被撕开的深灰色地表疤痕周围。这幅作品是仅有的五幅油画作品之一，展现了被战争的碎片、漏斗和战壕填平的地貌。Pfäffle G 1916/22. 文献：Lorenz, Ulrike, Otto Dix.Welt und Sinnlichkeit，载于：展览目录。Otto Dix.Welt und Sinnlichkeit, Kunstforum Ostdeutsche Galerie, Regensburg a.o. 2005/06, p. 39, with col.illus.; Peters, Olaf (ed.), exhib.奥托-迪克斯，新画廊，纽约/蒙特利尔美术馆，蒙特利尔 2010/11，第 16 页，附彩色插图。第 6 号插图。展览：奥托-迪克斯。Zum 100. Geburtstag 1891-1991, Galerie der Stadt Stuttgart/Nationalgalerie, Staatliche Museen Preußischer Kulturbesitz, Berlin 1991/92, p. 63, with col.Illus.Bilder auf der Suche nach der Wirklichkeit - Figurative Malerei der zwanziger Jahre, Städtische Kunsthalle, Mannheim 1994/95, p. 233, with colour illus.第 49 页插图；Otto Dix 1891-1969，Kunsthandel Jörg Maaß，柏林，2012 年，目录编号 29，附彩色插图。Fig.; 1914 und die Folgen, Galerie Remmert und Barth, Düsseldorf 2014, with col.图出处：原为私人财产，巴特嫩多夫/下萨克森州。

估价 90 000 - 120 000 EUR

编号 419 - Georg Tappert - 格奥尔格-塔佩特（1880-柏林-1957 年）--综艺戏剧。布面油画。约 81 x 96 厘米。右下方有签名，画布背面有签名、年代和标题。 - 画作色彩鲜艳，互补对比强烈 - 来自柏林异国风情的女性是艺术家在 20 世纪 20/30 年代经常创作的主题 - 明显受到立体主义和野兽派的影响对 "咆哮的二十年代 "魅力的迷恋至今未断。在社会对立面极度紧张和年轻的魏玛共和国命运多舛的背景下，柏林成为了一个极具吸引力的大都市--一个充满各种面貌的狂热的国际大都市。各种剧院、舞厅和电影院等丰富的休闲场所是夜晚的特色，毒品和卖淫也是如此。大部分人生活在赤贫之中，试图在夜晚逃离日常生活。库尔菲斯坦达姆大街成为了一条林荫大道，也成为了寻欢作乐的人群的中心。20 世纪 20 年代的柏林是欧洲最大的工业中心，到 1929 年，居民人数已超过 400 万。柏林是一座充满冒险的城市，是罪恶、邪恶和危险的巢穴，是吸引所有寻欢作乐者的磁石和中心，也是犯罪的大本营。这座城市的上层社会和底层社会各具特色，它向居民们提出了挑战，同时也让他们感到恐惧和着迷，当时的任何文化创作者都无法忽视这一点。格奥尔格-塔佩特于 1880 年出生于柏林，是最早将大都市的娱乐世界作为绘画主题的德国艺术家之一。他在当时的娱乐之都弗里德里希大街（Friedrichstrasse）长大，从小就接触时尚和柏林的上流社会。在 20 世纪二三十年代的作品中，艺术家主要关注在咖啡馆、综艺剧院、夜总会和马戏团工作的异国女性。他以极大的同情心展现了大城市中人们的方方面面，而没有屈服于新客观主义的冷漠疏离或当时的社会批判现实主义。在 1918 年共同发起的 "十一月小组 "革命情绪的鼓舞下，塔佩特寻求新的风格手段来增强表现力。例如，这幅画明显受到立体主义和未来主义的影响，将形式分割成切面。受野兽派的影响，塔佩特的画作采用了鲜艳明亮的色调，描绘了两位杂耍歌手，一位金发，一位黑发，身着晚礼服，浓妆艳抹，在他们身后，舞台背景上的奇异植物熠熠生辉。Wietek 218. 展览：柏林艺术大展。Abteilung Novembergruppe，Landesausstellungsgebäude am Lehrter Bahnhof，柏林，1928 年，目录编号 1022；Deutsche Kunst der Gegenwart，Kurhaus - Gartensaal und Wintergarten，巴登巴登，1947 年；Georg Tappert。表现主义的再发现》，BAT-Haus，汉堡，1977 年，目录编号 38；第 15 届欧洲艺术展。二十年代的倾向。十一月小组。第一部分：画家，Kunstamt Wedding、Walther-Rathenau-Saal 和 Rathaus Wedding，柏林，1977 年，目录编号 64，附图第 141 页；格奥尔格-塔佩特。Ein Berliner Expressionist, 1880 bis 1957, Berlinische Galerie, Berlin 1980/81，目录编号 31，附插图；Der Potsdamer Platz.Der Potsdamer Platz. Ernst Ludwig Kirchner und der Untergang Preußens，Neue Nationalgalerie，柏林，2001 年，目录编号 106，附插图，第 235 页。出处：艺术家工作室，柏林，担架背面有两个地址标签；Kunsthandlung Gerstenberger，开姆尼茨，担架背面有标签；彼得-霍普夫收藏（1937-2004 年），柏林；格里斯巴赫，柏林，2006 年 12 月 1 日，拍得 1650；欧洲私人收藏。

估价 130 000 - 150 000 EUR

编号 420 - Anton Räderscheidt - Anton Räderscheidt (1892 - Cologne - 1970) - Georg Lüttke 博士肖像。布面油画，重新涂布。约 90 x 67 厘米。右下方有签名和年代。 - Räderscheidt现存最早的委托创作肖像画 - 创作于20世纪20年代初的新客观主义重要时期 - 典型的正面四分之三人物描写，Räderscheidt在20世纪60年代之前一直采用这种肖像画风格 Anton Räderscheidt最初应父亲的要求开始接受绘画教师培训，直到1917年才完成学业，但因战争和受伤而中断。之后，他在科隆担任了两年的见习教师，但他拒绝成为公务员，从1918年起成为一名自由艺术家。Räderscheidt加入了莱茵地区的前卫艺术圈，并与科隆的 "进步人士 "和马克斯-恩斯特周围的达达主义圈子有过接触。他与弗朗茨-威廉-塞瓦特（Franz Wilhelm Seiwert）和海因里希-赫勒（Heinrich Hoerle）共同创建了 "愚蠢 "小组。在经历了表现主义和建构主义阶段后，20 世纪 20 年代初，Räderscheidt 在 "Pittura metafisica "的影响下发展了自己的魔幻现实主义。作为这一运动的杰出代表，他参加了 1925 年在曼海姆举办的 "新客观主义 "展览。由于雷德沙伊特一直生活在不稳定的环境中，因此他很早就意识到肖像画可以保证他的生计。从1923年起，他开始为画廊老板、收藏家、朋友以及科隆博物馆馆长、教授、商人和制造商绘制肖像画。他很快被公认为科隆最出色的肖像画家。格奥尔格-吕特克博士肖像 "被认为是雷德沙伊特现存最早的委托创作肖像画，之后又创作了许多其他肖像画。Georg Lüttke 博士是《Metallwirtschaft》杂志的发行人和 "Metallgesellschaft "的主席。他与妻子格特鲁德一起发现了这位年轻画家的作品，并与雷德沙伊特建立了深厚的友谊。早在1923年他们从科隆搬到柏林之前，他就委托雷德沙伊特为自己绘制肖像画，画风极具新客观主义风格：在中性的浅灰色背景下，他身着精致的黑色西装，双手却不慌不忙地插在裤兜里。他警惕的眼神和高高的额头十分醒目。Räderscheidt 成功地创作了一幅既亲切又具有代表性的肖像画。他在这里选择的形式，即正面四分之三人物，一直延续到 20 世纪 60 年代，成为他肖像画的特点。然而，几年后，他放松了新客观主义的强烈轮廓和非常光滑的绘画风格，而采用了更多的浮雕手法。例如，在五年后的 1928 年为格特鲁德-吕特克（Gertrud Lüttke）创作的肖像画中就可以看出这一点。文献：Herzog, Günter, Anton Räderscheidt，科隆，1991 年，附黑白插图，编号 16，第 29 页；Ansenk, Emily（编辑），Schilders van een andere werkelijkheid in de collectie van het Scheringa Museum voor Realisme，兹沃勒，2006 年，第 104 页及以下，附彩色插图。Van der Giessen, Belia (ed.), Nieuw realisme. 159 kunstwerken uit de collectie van het voormalige Scheringa Museum voor Realisme, Zwolle 2010, p. 89, with colour illus.illus. 展览：新客观主义。Zwölf Maler zwischen den Kriegen，Galerie von Abercron，科隆，1975 年，编号 61，附黑白插图，第 39 页；Neue Sachlichkeit und Realismus.Kunst zwischen den Kriegen, Museum des 20. Jahrhunderts, Vienna 1977, cat.第 79 页；冷峻的目光：The cool gaze: Realismus der Zwanzigerjahre in Europa und Amerika, Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung, Munich 2001, with col.第 271 页。出处：格奥尔格-吕特克博士，科隆/柏林；冯-阿伯克隆画廊，慕尼黑，1978 年；巴里-弗里德曼有限公司，纽约；迈尔斯-路易收藏，纽约；迈克尔-哈斯画廊，柏林；Scheringa Museum voor Realisme，斯潘布鲁克；佳士得，阿姆斯特丹，2012 年 11 月 27 日，拍卖品号：37。

估价 50 000 - 60 000 EUR

编号 421 - Carlo Mense - Carlo Mense（1886 年莱茵-1965 年哥尼温特）--正面：丽莎-马腾肖像--背面：达夫林豪森肖像。布面油画。(19)22（背面约 1919 年）。约 85.5 x 65 厘米。右下方有签名和日期。 - 卡洛-门斯是莱茵表现主义和新客观主义最重要的艺术家之一--以新客观主义的精神对人物进行了静态、冷静的描绘--背面的肖像画是门斯的画家朋友海因里希-玛丽亚-达夫林豪森在一战后的 "后表现主义 "新艺术风格中，卡洛-门斯的这两幅肖像画以冷静、不伤感的描绘风格为特点。与表现主义的刻意迥异，他高度精确的绘画风格让人物非常静态，仿佛凝固在一个姿势中。丽莎-马特恩严肃而突然地看着观众。她身着深色衣服，坐在一间模糊不清的黑暗房间里，只有在她的脑后能看到一扇带护栏的窗户，窗外的天空闪烁着昏暗的蓝色。这幅肖像画明显让人联想到拉斐尔的《La Muta》，因为选择的取景和姿势。"此外，相似的构图和对刺眼目光的精准描绘（......），尤其是那双有些姿态交错的双手，以及带环的纤细手指，都令人惊叹。(Klara Drenker-Nagels，WVZ，第 100 页）。画布背面是亚琛画家海因里希-玛利亚-达夫林豪森（Heinrich Maria Davringhausen）在画架前的肖像，他是卡罗-门斯年轻时的好友。这幅肖像可能是在 1919 年左右绘制的。卡洛-门斯很早就受到奥古斯特-马克的影响，并很快融入了科隆的前卫艺术圈。他加入了 Gereonsklub 和科隆分离派。1912 年，他参加了重要的科隆 Sonderbund 展览会，1913 年参加了 Macke 在波恩发起的 "莱茵表现主义 "展览和 Herwarth Walden 的第一届德国秋季沙龙。卡洛-门斯与莱茵地区、柏林和慕尼黑的众多艺术家同行和画廊老板关系密切、友好。第一次世界大战结束后，慕尼黑画廊汉斯-戈尔茨（Hans Goltz）于 1918 年举办了门斯的首次个展。20 世纪 20 年代初，门塞和他的童年好友、画家海因里希-玛利亚-达夫林豪森在慕尼黑结识了亚历山大-卡诺特和理查德-塞瓦尔德，并将注意力转向了新兴的 "后表现主义 "绘画运动。1925 年，他们参加了在曼海姆美术馆举办的著名的 "新客观主义 "展览。同年，门斯和卡诺特被任命为布雷斯劳学院的教授。1932 年，布雷斯劳学院被国家社会主义者解散后，门斯曾一度移居意大利，1936 年返回科隆。作为 "堕落艺术 "运动的一部分，门斯的作品被博物馆没收，在随后的几年里，他以来自祖国的天真浪漫的风景画主题来适应限制性的艺术政策。战争结束后，门斯在风格上又回到了 1910 年代和 1920 年代的作品。1961 年，他被授予联邦十字勋章。担架背面盖有运输和海关印章。Drenker-Nagels 55/56。文献：《Deutsche Kunst und Dekoration》，第 50 卷，1922 年，第 65 页，附插图；Von Waldegg, Joachim Heusinger, Leo Breuer und Heinrich Maria Davringhausen.Zwei rheinische Maler, in: Das Rheinische Landesmuseum Bonn 1977, vol. 2, p. 33, with ill. 展览：Carlo Mense，Städtisches Kunstmuseum，波恩 1961 年，目录编号 5；Carlo Mense.Ölbilder, Graphik, Rathaus Charlottenburg, Berlin 1962, cat.-no. 10 ("Lisa"); "Nuova oggettività" tedesca (1918-1933), Galleria d'arte Stivani, Bologna 1972, ill. 14; Il Realismo in Germania/Réalisme en Allemagne 1918-1933, Rotonda di Via Besana, Milan/Musée d'Art et d'Industrie, St. Etienne 1972/1974, cat.-no.1972/1974，展品编号 77，附图；Die zwanziger Jahre im Porträt，莱茵州博物馆，波恩 1976，展品编号 74，附图；Neue Sachlichkeit and German Realism of the Twenties，海沃德画廊，伦敦 1978/79，展品编号 183，附图。出处：汉斯-戈尔茨新艺术画廊，慕尼黑，1922年，画廊标签背面标题为 "达夫林豪森"；马克斯-费舍尔博士收藏（1886-1975年），斯图加特；豪斯韦德尔和诺尔特，汉堡，1969年6月7日，拍得编号911，附黑白插图；莱万特画廊，慕尼黑/米兰，1972年；私人收藏，意大利；伦佩茨，科隆，2017年5月31日，拍得编号390；私人收藏，黑森州。

估价 25 000 - 35 000 EUR

编号 422 - Oskar Kokoschka - Oskar Kokoschka（1886 年波希拉恩-1980 年蒙特勒）--弯腰大步走的裸女。铅笔、水彩、棕色平滑纸。(1907).约 45 x 31.5 厘米。右下方和左下方有签名。 - 这幅作品是这位重要的维也纳表现主义画家的早期作品--在拍卖市场上，这一早期创作时期的作品非常罕见--简化的形式和自由的人物造型已经表明了柯柯施卡后来成熟的风格柯柯施卡可能是在艺术学院学习时画的这幅裸体画，1904 年至 1909 年期间，他在该学院师从科洛曼-莫泽（Koloman Moser）和维也纳艺术学院的其他艺术家。从一开始，这位年轻的艺术家就对裸体画充满热情："我每天都以迅雷不及掩耳之势进行整批动作研究。与枯燥的学术课程相比，捕捉和再现身体在运动时的各种动作和扭动对我来说是一件令人兴奋的事情"。科科施卡偏爱年轻、敏捷的模特，雌雄同体的儿童形象和青少年脆弱的体格。在这幅画中，他娴熟地用寥寥几笔和长长的轮廓将一个女孩瘦弱的身体描绘在纸上。他在这一时期创作的裸体画传达出一种酸涩而细腻的优雅。他早期作品的风格可以追溯到古斯塔夫-克里姆特（Gustav Klimt）和奥古斯特-罗丹（Auguste Rodin）的素描。此时，即 20 世纪初，奥地利艺术家开始摒弃维也纳末期的装饰风格，转而追求更加写实、直接和简洁的美学。Weidinger/Strobl 150. 文献：Sabarsky, Serge (ed.), Oskar Kokoschka.Dessins et aquarelles 1906-1924, Milan 1984, cat.图，第 51 页；Sabarsky，Serge（编），《奥斯卡-柯柯施卡》。素描和水彩画 1906-1924》，纽约 1986 年，目录编号 17，附彩色插图。插图。展览：Westdeutscher Kunstmarkt，杜塞尔多夫，1978 年；奥斯卡-柯柯施卡。早年。Zeichnungen und Aquarelle》，由 Serge Sabarsky 挑选，Historisches Museum der Stadt Wien 等，1982/83，目录编号 18；Gustav Klimt、Oskar Kokoschka、Egon Schiele：Dessins et Aquarelles, Salle Saint-Jean, Hôtel de Ville, Paris et al.早年：1907-1924》，Serge Sabarsky 画廊，纽约，1985/86 年，目录编号 13，附彩色画册，第 31 页；Egon Schiek，《早年：1907-1924》，Serge Sabarsky 画廊，纽约，1985/86 年，目录编号 13，附彩色画册，第 31 页。第 31 页；《世纪之交的埃贡-席勒与维也纳》，东京新宿伊势丹美术馆等 1986 年，目录编号 111，附彩色插图。第 167 页；Oskar Kokoschka.Dipinti e disegni, Palazzo Medici-Riccardi, Florence / Palazzo del Turismo, Riccione 1987, 展品编号 23; Oskar Kokoschka.早年》，约瑟夫-阿尔伯斯博物馆。1862-1918 年，纳索县艺术博物馆，罗斯林 1989 年；克里姆特-席勒-柯柯施卡，鲁昂美术馆，1995 年，目录编号 101；奥斯卡-柯柯施卡，奥斯卡-柯柯施卡画廊，布拉格 1996/97；奥斯卡-柯柯施卡。Viden - Praha.Olejomalby, Akvarely, Kresby, Mezinárodní kulturní centrum Egona Schieleho, Krumlov 1997; Oskar Kokoschka.Peintures et œuvres sur papier.Vienne 1906-Paris 1931, Musée-Galerie de la Seita, Paris 1998/99, cat.插图；哥本哈根 Kunstforeningen，2002 年；海尔布隆 Städtische Museen，2006 - 2008 年。出处：Günther Franke 收藏馆，慕尼黑；Serge Sabarsky 收藏馆/资产，纽约，1976 年从上述收藏馆购得；Vally Sabarsky 收藏馆/基金会，纽约。

估价 60 000 - 80 000 EUR

编号 423 - Egon Schiele - 埃贡-席勒（1890 年图尔恩/多瑙河-1918 年维也纳）--《大胡子的头像 I》（莱奥波尔德-齐哈切克）。卡片上的油彩。(约 33 x 25 厘米。左下空白处有签名和日期。 - 17 岁的席勒的早期作品 - 画中描绘的是席勒在 1907 年前后反复描绘的叔叔和监护人 - 年轻的艺术家巧妙地捕捉到了审视的目光这幅画描绘的是 Leopold Czihaczek（1842-1929 年），埃贡-席勒的叔叔和监护人。1907 年前后，席勒共为他的叔叔创作了 15 幅油画，并为 Czihaczek 夫妇的公寓拍摄了照片。1905 年，席勒的父亲阿道夫-席勒去世后，他的叔叔开始照顾这位年轻的艺术家。他本人也是 k. u. k.K. 君主国的重要官员。在莱奥波尔德-齐哈切克的肖像画中，埃贡-席勒展现了他叔叔公务员身份所带来的社会地位，并多次将他描绘成一位有教养的知识分子：坐在沙发上阅读、手持雪茄、弹钢琴，或身着晚礼服、头戴礼帽。其他的描绘也与这里的相似：席勒以半身像或静物的形式展现了这位留着白色小胡子的英俊叔叔的（半）侧面。这幅画因其警觉和分析的目光而格外引人注目。Leopold Czihaczek 的下巴微微抬起，嘴角微微上翘，他的目光不是看着观众，而是侧过观众，似乎想观察画架后面的人。据记载，他的叔叔对席勒成为艺术家的职业理想持否定态度。在画这幅画的前一年，即 1906 年，席勒向维也纳美术学院递交的申请被接受。他当时只有 16 岁，现在可以学习并成为一名艺术家。很有可能，由于条件所限，他眼前的环境必须成为这幅画的原型。众所周知，其他艺术家在学生时代也会画自己所能支配的东西，因此近亲和室友在他们的画作中占据了中心位置。舍勒这幅以学院派绘画精神描绘其叔父的作品，当然可以理解为这样的学习练习。古斯塔夫-克里姆特（Gustav Klimt）是席勒在本幅画作的那一年加强联系的对象，他作为一名年轻的学生也在练习自己的绘画技巧。这位叔叔的目光当然可以理解为一种怀疑：他似乎不确定自己年轻的侄子正在创作什么。他的侄子正在踏上一条叔叔并不赞同的职业道路，并且正在听从他那自由奔放的导师克里姆特的建议。骄傲的市民齐哈切克可以看出，他的面部表情中充满了不确定性。在完成这幅画之后，这种不确定性肯定会消失，埃贡-席勒早期的大师风范也会随之显现。安东-佩什卡（Anton Peschka），艺术家，席勒的妹夫，在画作背面题写："Bestätige die Echtheit Wien am 16/3 1921 Ant.Peschka"。Kallir P 21. 文献：Malafarina, Gianfranco.L'Opera di Schiele》，米兰，1982 年，目录编号 28；Nebehay, Christian M., Egon Schiele und die Eisenbahn》，维也纳，1995 年，第 47 页；Kallir, Jane, Egon Schiele's Women》，慕尼黑，2012 年，第 51 页，附图 55；Bauer, Christian, Egon Schiele.Fast ein ganzes Leben》，慕尼黑，2015 年，第 46 页，附图 12。展览：Egon Schiele：1968，目录编号 1，附插图；埃贡-席勒，西武美术馆，东京，1979，目录编号 5，附插图；埃贡-席勒，Pinacoteca Capitolina，罗马等，1984-1987，目录编号 1，附插图；埃贡-席勒。17幅画展》，Serge Sabarsky 画廊，纽约，1985 年，目录编号 3；《Egon Schiele.古斯塔夫-克里姆特，皮埃尔-贾纳达基金会，马蒂尼 1986/87；EUROPALIA 87.奥地利。埃贡-席勒，美术宫，沙勒罗瓦，1987 年，目录编号 3；埃贡-席勒。1890-1918。百年回顾展，纳索县艺术博物馆，罗斯林 1990 年（画框背面有标签）；埃贡-席勒。早熟。Ewige Kindheit》，Historisches Museum der Stadt Wien，1990 年，目录编号 1.16，第 32 页，附彩色图 1；《Egon Schiele.图 1; Egon Schiele.100 Zeichnungen und Aquarelle, Oberösterreichisches Landesmuseum, Linz et al.Acquarelli e dipinti, Palazzo della Permanente, Milan 1991, cat.来自美国收藏的画作，Rupertinum，萨尔茨堡/Österreichische Galerie/ Oberes Belvedere，维也纳，1991/92；埃贡-席勒。油画、素描和水彩画，美瑙城堡，1994 年，目录编号 1；埃贡-席勒，皮埃尔-贾纳达基金会，马蒂尼，1995 年，目录编号 2；克里姆特-席勒-科科施卡，鲁昂美术馆，1995 年，目录编号 120；新美术馆博物馆，纽约，2009 - 2011 年；美景宫博物馆，维也纳，2011 年；新美术馆博物馆，纽约，2018/19 年。出处：艺术家遗产，1918 年；Otto Nirenstein，维也纳；Maier，布尔诺，来自

估价 80 000 - 120 000 EUR

编号 424 - Egon Schiele - 埃贡-席勒（1890 年图尔恩/多瑙河 - 1918 年维也纳）--提裙站立。棕色绒面纸上的黑色粉笔。约 45.5 x 29 厘米。右下方有签名和日期。 - 艺术家晚期作品中令人印象深刻的素描，具有行为主义和现实主义的特征 - 对黑色粉笔的精湛处理 - 女性作为身体和性的刻意舞台的经典主题埃贡-席勒是 20 世纪最重要、最激进的素描大师之一。伟大的收藏家和席勒专家鲁道夫-利奥波德（Rudolf Leopold）在谈到这位艺术家时写道："席勒最先创造的绘画媒介，也是他最先展示其艺术独创性，甚至是精湛技艺的媒介，就是个人线条"。"他还说："没有哪位艺术家能同时创造出如此优美而富有表现力的线条：既坚硬又柔软--既有建设性又脆弱--既脆又紧张，就像在涂鸦或紧张--既断断续续又猛烈地延伸"。这幅《站立的女人》还展示了舍勒对黑色粉笔的精湛运用：线条由粗到细，由近黑色到浅灰色。在这里，他充分发挥了铅笔的潜力。在画家的晚期作品中，对写实细节的刻画具有某种风格。席勒画出了带加固鞋跟的紧身裤、带鞋带的右脚鞋、裙子和夹克的格子图案以及及膝裤的花边。与此同时，人物似乎要从床单中冲出，她的头和脚都超出了床单的边缘。女子双腿分开站立，右手拿着布料，左手放在臀部，低头看着自己。起伏的笔触进一步突出了这一动态姿势。充满活力的线条和构图展示了席勒晚年在这些素描中所达到的精湛技艺。卡里尔 D 2412。文献：Karpfen, Fritz（编），Das Egon-Schiele-Buch，维也纳/莱比锡，1921 年，附图 38。展览：埃贡-席勒。纪念展，阿尔贝蒂娜图画收藏馆，维也纳，1948 年，目录编号 326；埃贡-席勒。素描和水彩画展》，Serge Sabarsky 画廊，纽约，1974 年，目录编号 7；《埃贡-席勒》，Pinacoteca Capitolina，罗马及其他，1984-1987 年，目录编号 174，附插图。Vom Schüler zum Meister，维也纳美术学院及其他，1984-1988 年，展品编号 95 和 96；Egon Schiele.100 Zeichnungen und Aquarelle》，Städtische Galerie Rosenheim 等，1988-1993 年，目录编号 93；《Egon Schiele》，Mezinárodní kulturní centrum Egona Schieleho，克鲁姆洛夫，1996 年，第 216 页及以下；《Egon Schiele》，Listasafn Íslands ，雷克雅未克，1996 年；《Egon Schiele 1890-1918》，MAN Museo d'Arte Provincia di Nuoro，努奥罗，2007/08 年；Galerie St. 出处：弗雷德里克-克尼泽（Fritz Wolff-Knize，1890-1949 年），维也纳/纽约；收藏/资产 Serge Sabarsky，纽约，约自 1983 年起；收藏/基金会 Vally Sabarsky，纽约。

估价 150 000 - 250 000 EUR

编号 425 - Gustav Klimt - 古斯塔夫-克里姆特（1862 年，维也纳附近的鲍姆加滕；1918 年，维也纳）--右侧为一位老妇人的半身肖像。奶油色织纹纸上的蓝色彩色铅笔。(约 1903 年）。约 44.5 x 31 厘米。右下方刻有 "7"。 - 克林姆代表维也纳大学创作的（烧毁的）学院油画《医学》的研究--不加修饰却平和地描绘了衰老的人体--素描以细腻的蓝色绘制，充满表现力，她温柔而安静地微笑着，完全沉浸在自己的世界中。克里姆特的这幅《面向右侧的老妇人半身像》以细腻的蓝色彩色铅笔笔触描绘在纸上，散发出一种平静而安详的美感，仿佛是艺术家想要赞美人体，尽管其年龄已无可否认。1894 年，维也纳大学委托古斯塔夫-克里姆特和他的同事弗朗茨-马奇用四幅画来装饰大礼堂的天花板。这四幅画将以寓言的形式描绘医学、神学、哲学和法学四个学院。克里姆特早在 1898 年就完成了最初的构图草稿，但直到 1907 年，在数百张草图和各种中间阶段的帮助下，这幅画才最终成型。最终的状态描绘了生长与衰败、生命与死亡的轮回。前景是寓意健康的 Hygieia，她举着 Aesculapian 蛇和一碗 Lethe 水。在她身后的右侧，无数人纠缠在一起。他们有老有少，有高有矮，象征着生命的不同年龄段，出生、生活和死亡。他们只通过两只伸出的手臂与画面左侧的一个女性人物相连，她的脚边还有一个婴儿。这两个人物集中体现了人类群体的信息，即人类存在的成为和消逝。与此同时，死神以骷髅的形象出现，抛出他的面纱，准备将画面中的各种人物笼罩在其中。这幅画成为了一桩丑闻：过于消极！艺术家只是强调了人体和生命的苦难！预防的医疗技术和现代治疗的可能性在哪里？左边那个淫荡的裸女又是怎么回事？然而，巨大的批评并没有导致克里姆特对自己的作品进行反思。相反，他更加强烈地追求自己的风格，随后又创作了另一幅丑闻画作--教员画《法理学》。克林姆的院系画没有在大学展出。在可能的情况下，克林姆会买回草图和最终的画作，最后由私人收藏。在国家社会主义时期，学院派油画被没收，并最终在伊门多夫城堡被焚毁，当时德国军队放火焚烧了在那里收集的被掠夺的艺术品。只有教师画作的照片和大量草图得以保存。这里提供的半身肖像在一个小细节上几乎与成品画完全一致。它位于端着碗的 Hygieia 下方：老妇人温和而柔和地微笑着。Strobl 674。文献：维尔纳，阿尔弗雷德，古斯塔夫-克里姆特。百幅素描》，纽约，1972 年，目录编号 30；Sabarsky，Serge，《古斯塔夫-克里姆特素描》，伦敦/山，纽约，1984/85 年，目录编号 36；Verzé，Luigi Maria（编辑），《KOS.Rivista di scienza e etica, NS, No. 50, November 1989, with col.第 22 页。展览：《水彩画和素描》，Serge Sabarsky 画廊，纽约，1969 年；《古斯塔夫-克里姆特的 100 幅作品》，Pinacoteca Capitolina，罗马及其他，1983-1997 年，编号 36 和 28；《古斯塔夫-克里姆特。由塞尔日-萨巴斯基（Serge Sabarsky）从维也纳历史博物馆（Historisches Museum der Stadt Wien）的藏品中选出，维也纳历史博物馆等，1984/85 年，展品编号 53；Europalia 87.古斯塔夫-克里姆特，比利时皇家美术馆，布鲁塞尔，1987 年，目录编号 77；古斯塔夫-克里姆特，1862-1918 年，拿骚县艺术博物馆，罗斯林，1989 年；古斯塔夫-克里姆特，斯特罗兹宫，佛罗伦萨，1992 年；古斯塔夫-克里姆特，斯图基宫，克拉科夫，1992 年；向塞尔日-萨巴斯基致敬。克里姆特科科施卡席勒。水彩画和素描，Jahrhunderthalle Hoechst，法兰克福/美因，1997 年，目录编号 11；Kunstforeningen，哥本哈根，2002 年；Centro Social y Cultural de la Fundación La Caixa，莱里达，2009 年；古斯塔夫-克里姆特：150 周年庆典，新画廊博物馆，纽约，2012 年；克里姆特与维也纳黄金时代的女性，1900-1918 年，新画廊博物馆，纽约，2016/17 年。出处：埃利奥特-斯科特，伊利诺伊州埃文斯顿；收藏/资产：塞尔日-萨巴斯基，纽约；收藏/基金会：瓦利-萨巴斯基，纽约。

估价 40 000 - 60 000 EUR

编号 426 - Otto Eduard Pippel - 奥托-爱德华-皮佩尔（Otto Eduard Pippel，1878 年生于洛兹，1960 年卒于普拉内格）--夜景街（夜柏林）。布面油画。(约 1920 年代）。约 50.5 x 60 厘米。右下方有签名。奥托-皮佩尔（Otto Pippel）以其特有的后期印象派笔触捕捉到了柏林美妙的夜间街景。黄金二十年代的传奇大都市风情以一种大气磅礴的方式重现于世。出处：凯特尔，慕尼黑 2017 年 6 月 8 日，拍号 113；私人收藏，柏林。

估价 4 000 - 6 000 EUR

编号 427 - Lesser Ury - Lesser Ury（1861 年，比尔鲍姆/波森 - 1931 年，柏林）--柏林夜间街景（Bellevuestraße？）画板上的粉彩画。约 50.5 x 36 厘米。右下方有签名和日期。 - 这幅作品明显受到了法国印象派和露天绘画的影响，乌里在巴黎学习的几年中对这两种绘画风格非常熟悉 - 早期的粉彩画已经包含了乌里的整个宇宙：大城市、夜晚、雨、交通、人工照明 - 乌里捕捉到了转瞬即逝的诗意 "夜间街景 "是 28 岁的小乌里在杜塞尔多夫、慕尼黑、布鲁塞尔和巴黎学习多年后，于 1887 年定居柏林后创作的。这一时期的作品明显受到印象派和法国露天绘画的影响，而乌里在巴黎学到的正是印象派和法国露天绘画。但艺术家将这种新的创作方法转化为自己的绘画语言。这幅早期的杰作已经包含了乌里感兴趣的整个宇宙，他在艺术上对其进行了反复的变奏：大城市、夜晚、雨天、交通、人工照明。艺术评论家阿道夫-多纳特（Adolph Donath）在 1921 年写道："小尤里"：1889年，他在（柏林艺术品经销商）古利特举办了首次展览。他与莱布尔、乌德、利伯曼和斯卡比娜一起。弗里茨-古利特（Fritz Gurlitt）在贝伦斯街（Behrensstraße）开了一家小店，他把所有后来成名的天才都聚集到了一起"。次年，在古利特艺术商店举办的第二次展览上，尤里的柏林街景作品引起了公众和大多数评论家的极大愤慨。之所以遭到强烈反对，是因为这种新的绘画风格在当时的柏林艺术界仍被视为怪异，其视觉构思也近乎残酷。乌里伴随着柏林的崛起，成为德国唯一的大都市。他对现代城市新的、人工的光线非常着迷。他像其他德国画家一样成功地捕捉到了街道上的煤气灯、出租车的灯笼以及后来汽车的大灯。在他的油画和粉彩作品中，他通过描绘光线对潮湿路面的影响，创造了全新的空间和城市氛围。他还在其他方面取得了成功：他捕捉到了喧嚣中短暂瞬间的诗意--就像摄影中的快照--转瞬即逝。两位身着晚礼服的女士裹着温暖的大衣和围巾，从一辆出租车里走出来。她们是从歌剧院出来的吗？被雨水浸湿的漆黑车道在煤气灯的照耀下闪闪发光。树木的遮挡让观察者无法辨认出这些女人的目的地。这是位于柏林西部高级住宅区蒂尔加滕（Tiergarten）边缘的一条幽静街道，还是西南部的别墅区？再回头看一眼，两个女人就会消失不见。这些暗喻、神秘和寂静的夜色让我们今天的观众着迷，这肯定也源于我们对这个总是喧闹、总是灯火通明的城市的反差体验。图片由柏林的 Sibylle Groß 博士提供，日期为 2013 年 10 月 5 日；这幅粉彩画将收录在即将出版的莱塞尔-乌里作品目录中。展览：古典现代主义杰作，Pels-Leusden 画廊，坎彭，1998 年，目录编号 77，第 8 页，彩色插图，第 9 页。插图，第 9 页。出处：私人收藏，英国；私人收藏，柏林；格里斯巴赫，柏林，2013 年 11 月 28 日，拍卖品号：3；私人收藏，柏林。

估价 70 000 - 100 000 EUR

编号 428 - Lesser Ury - 莱塞尔-乌里（1861 年生于比尔鲍姆/波森，1931 年卒于柏林）--《咖啡馆里的女士》，柏林。布面油画。(1919).约 52 x 37 厘米。左下方有签名。 - 亲密的咖啡馆场景，背景是典型的雨中柏林街景--乌里在同一时期创作了一幅相同主题的蚀刻版画，画面有所变化--乌里立即将观众带入了大都市的喧嚣和繁华中。西比勒-格罗斯博士在她的专家意见中指出，这幅名为 "Dame im Café，Berlin "的油画很可能与 1919 年的一幅蚀刻版画同时创作，后者将同一场景反转并有所变化。蚀刻版画家乌里在实现画面构思时，几乎忽略了周围的环境，将注意力完全集中在坐在窗前的女士身上，她的头微微低向吸管，全神贯注地喝着杯中的饮料。而画家则将画中的景物向周围敞开，从而将她描绘得栩栩如生。乌里将所描绘的时刻本地化，直接将观众带入喧嚣的大都市。厚重的窗帘半拉在一侧，透过窗户可以看到右侧一排高耸的多层房屋，朦胧潮湿的天气略显阴暗。Hansom 出租车似乎正在快速接近观众。这种快速的印象与这位女士沉思的态度形成了鲜明对比，她似乎对周围的环境视而不见。这位女士独自坐在咖啡馆的一张桌子旁，这个主题并不独特，但在乌里的作品中多次出现。很难解读画面所描绘的时刻。这位女士是在等人，还是来咖啡馆只是为了休闲和享受？这种开放式的叙事风格正是乌里咖啡馆作品的特点。观赏者成为所捕捉瞬间的旁观者和诠释者。柏林的 Sibylle Groß 博士于 2019 年 10 月 25 日为这幅画提供了专业摄影技术和文献资料；这幅画将收录在目前正在编写的莱塞尔-乌里作品目录中。出处：阿诺德画廊，德累斯顿，画框背面有画廊标签；私人收藏，法国；格里斯巴赫，柏林，2019年11月29日，拍得405；私人收藏，柏林。

估价 60 000 - 80 000 EUR

编号 429 - Lesser Ury - Lesser Ury（1861 年，比尔鲍姆/波森，1931 年，柏林）--雨中的秋日街景，柏林。纸板上的粉彩画。(20 世纪 20 年代末）。约 49.5 x 35 厘米。左下方有签名。 - 乌里在第一次世界大战之前就开始关注西柏林--黄金二十年代柏林的大气景象--乌里令人印象深刻地捕捉到了大城市的生活态度。西比勒-格罗斯博士（Dr Sibylle Groß）在其 30.10.2019 的文献中写道："这幅粉彩画创作于二十年代后期，即柏林的黄金二十年代。2019 年 10 月 30 日："这幅粉彩画创作于 20 世纪 20 年代末期，即 1924 年至 1929 年间的柏林黄金二十年代，这段经济繁荣时期随着 1929 年 10 月纽约股市崩盘引发的大萧条而结束。黄金二十年 "是一个传奇。那时的柏林是一座充满活力的大都市，拥有 400 多万居民。在这座世界第三大城市，喧嚣、躁动是生活态度的特征。在经历了战争和通货膨胀之后，人们开始投入到娱乐活动中。在 UFA-Palast 的管弦乐团伴奏下放映无声电影，在 Kurfürstendamm 的剧院（......）"。柏林人的生活态度首先体现在城西、库尔菲斯坦丹姆大街及其周边地区。Kurfürstendamm成为了一个娱乐区。奢侈品店、大量餐馆、咖啡馆、酒店、酒馆、葡萄酒吧、咖啡馆、舞厅、小吃店、电影院（其中一些还发展成为大型电影院，如 Marmorhaus、Capitol 和 Universum）、歌舞厅和其他娱乐场所在此林立（......）。因此，库尔菲斯坦达姆大街发展成为帝国首都最繁华的大道之一，也是 "新西部 "的中心，即现在的西城，从维滕贝格广场、布达佩斯特大街和陶恩齐恩街一直延伸到动物园站、纪念教堂和库尔菲斯坦达姆大街。这幅粉彩画中描绘的街景如今已无法准确辨认。在他晚年的创作中，艺术家越来越不严格遵守对具体现实的描绘，而是优先考虑绘画方面，而不是真实的参照物。卡尔-沙皮拉（Karl Schapira）可能是这位艺术家生前最重要的收藏家，他在一封信中这样描述这一现象："你知道，L.U.（小尤里）在技术上，即在铁路、汽车、任何形式的电力等技术方面，是一个绝对的无知者。他对这些东西没有丝毫感觉，也没有任何知识。他的眼睛只看到这些东西，却不了解它们，然后凭记忆把它们再现出来。即使这幅粉彩画中所描绘的景象无法清晰地定位为 20 世纪 20 年代的柏林城市景观，但它很可能是 "新西部 "的街道之一。莱塞尔-乌里最初开始关注柏林西部是在第一次世界大战前夕。20 世纪 20 年代，当库尔菲斯坦达姆大街成为商业和娱乐中心时，莱塞尔-乌里创作了一系列展示这条林荫大道的作品。在现在这幅粉彩画的右侧边缘，可以看到一群撑着雨伞的人站成一排，拥挤不堪。在他们的头顶上，出现了黄蓝色的霓虹灯。这可能是最早放映无声电影的电影院之一，随后是最早的有声电影。无声电影时代结束后，新的大型电影院在库尔菲尔斯滕达姆大街上建成。即使在第一次世界大战期间，电影院也成为最有效的大众媒体之一。20 世纪 20 年代至今仍被视为德国电影艺术的顶峰"。这幅粉彩画将收录在目前正在编制的莱塞尔-乌里作品目录中。文献：Müller-Mehlis, Reinhard, Vorschau auf die 18. Kunst & Antiquitäten Messe Hannover, in: Die Weltkunst, 56. Jg. Nr. 6, 25.3.1986, mit farb.Fig. p. 826 ("Berlin, Kurfürstendamm"). 展览：开幕展，Klauspeter Westenhoff 画廊，汉堡，1985 年，附彩色插图，第 69 页（"柏林，Kurfürstendamm"）。第 69 页插图（"Unter den Linden"）。出处：克劳斯彼得-韦斯滕霍夫画廊，汉堡，1985/86 年；施瓦泽画廊，杜塞尔多夫；私人收藏，西德，1986 年从上述画廊购得（此后归家族所有，私人收藏，莱茵地区）；私人收藏，柏林。

估价 70 000 - 100 000 EUR

编号 430 - Lovis Corinth - 洛维斯-科林斯（1858 年，塔皮奥/东普鲁士-1925 年，赞德沃特）--女性半裸。布面油画，重涂。(1913).约 35.5 x 47.5 厘米。右下方有签名，"Lovis Cori"（洛维斯-科里）字样划在中央下方的湿颜料上。 - 亲密而又自信的女性裸体 - 减淡的色彩和有趣的光线 - 来自艺术家的柏林时期作为德国印象派和柏林分离派的主要代表人物之一，洛维斯-科林斯与他的同辈艺术家马克斯-利伯曼（Max Liebermann）和马克斯-斯莱沃特（Max Slevogt）一样，终其一生都在传统与现代主义的紧张关系中徘徊。即使在他的作品中经常出现古代神话或 19 世纪学院派艺术的主题，但他对这些主题的艺术诠释却表现出一种前所未有的现实主义。这也是为什么他的作品在今天看来具有惊人的现代感和新鲜感--但在当时，这些作品却一再引起公众的两极分化。女半裸》创作于 1913 年，当时洛维斯-科林斯正处于创作的巅峰时期。两年前，他因中风整整一年无法作画，现在已经康复。格奥尔格-比尔曼（Georg Biermann）出版了第一本关于科林斯的综合性专著，同年保罗-卡西勒（Paul Cassirer）组织了一次大型回顾展，展出了 228 幅油画作品。科林斯在描绘斜躺的 "女性裸体 "时，选择了一个有趣的视角，略微俯视。这幅作品似乎是在当时的情境下即兴创作的，而不是经过精心策划的构图：画面细节没有展现出女性的整个身体，画面空间只是粗略地捕捉到，由于画面顶部和底部的绿色色调，这幅作品暗示了室外的情境--也许是湖边沐浴的场景。女子躺在红棕黑色花纹的毯子上睡着了，头枕在弯曲的手臂上。由于对色彩的节制使用以及光影的有趣交织，这幅画的重点完全集中在裸体上。遗憾的是，在我们的出处研究过程中，无法重建 1953 年之前以及康拉德-多贝克博士（Dr Conrad Doebbeke）在柏林收藏 "半裸女性 "之前的任何展览、拍卖或收藏记录。在 1958/59 年和 2016 年的三次公开拍卖中，没有人提出归还要求。在德国文化财产损失中心（German Centre for the Lost Art Database of the German Centre for the Lost Cultural Property）的艺术品数据库中，这幅画没有被列为纳粹掠夺的艺术品（截至 2023 年 10 月 31 日）。画框背面有各种手写题词。Berend-Corinth/Hernad 561。展览：Niedersächsische Landesgalerie/Landesmuseum，汉诺威，1953 年（从 Elsa Doebbeke 借来）。藏品来源：康拉德-多贝克博士（1889-1954 年），柏林；艾尔莎-多贝克，女，马格努森（1895-1971 年）和托米-多贝克（1926-1992 年），汉诺威，1954 年，由前者继承；伦佩茨，科隆，1958 年 10 月 28 日，拍价 53（可能未售出）。1958年，拍得53（可能未售出）；Roman Norbert Ketterer，斯图加特，1959年5月29/30日，拍得159（根据结果清单未售出）；私人收藏；私人收藏，瑞士；佳士得，伦敦，2016年2月3日，拍得346，画框背面标签；私人收藏，柏林。

估价 35 000 - 45 000 EUR

编号 431 - Max Liebermann - 马克斯-利伯曼（1847 年 - 柏林 - 1935 年）--蒂尔加滕的小巷里有行人、马车和有轨电车。布面油画。(1925-27).约 51.5 x 71.5 厘米。左下方有签名。 - 蒂尔加滕的林荫道是利伯曼最受欢迎的题材之一 - 画中的黑客马车和有轨电车特别生动、多姿多彩，是艺术家晚期的最佳作品 - 林荫道顶棚下独特的夏末光线氛围在利伯曼晚期的柏林作品中，自然仍然是他作品的主要主题。20 世纪 20 年代中期，创作这幅画时，马克斯-利伯曼已经年近 80 岁。由于年龄和战争的原因，自 1915 年起，他只能在自家附近取景。在此之前，他曾多年在北海的荷兰度过夏天。他尤其喜欢从他位于帕里斯广场的城市宫殿几步之遥的大型动物园，以及他位于柏林郊外万湖的避暑别墅周围的环境。在他的大量作品中，可以无数次地看到关于万湖的 Große Seestraße 和蒂尔加滕林荫大道的描绘。然而，利伯曼有取之不尽的工作人员形象，他不断以新的方式自由地加以变化，因此没有两幅作品是相同的：从夏天穿着考究的星期日漫步者、玩耍的儿童、骑马者和冬天湖上的滑冰者，到各种车辆，无论是马车还是现代汽车和有轨电车，都强调了城市的亲近感。在万湖，周末从柏林附近赶来的城市一日游游客让原本安静的街道变得热闹起来。绿树成荫的林荫大道作为人类组织的自然形象，始终是连接画面的纽带，为画面的对角线构图增添了深度。它是漫步者、儿童、骑手、马车等元素的舞台，李伯曼以令人兴奋的方式将这些元素添加到画面中。然而，所有这些作品的真正主角始终是阳光透过林荫道茂密的树冠洒下的光影效果。李伯曼再次展示了他作为画家在明暗交错中的高超技艺，阳光穿透树叶，映照在妇女和儿童的浅色衣裙上，树梢间闪烁的淡蓝色天空只用简洁的笔触就能捕捉到。早在 19 世纪 80 年代，他在荷兰创作的画作中就已经利用了树叶中的光反射效果，现在他又将这种效果完美地运用到了他的城市公园风景画中。"将李伯曼描绘自然的慷慨方式称为印象派是非常错误的；因为他的描绘绝不是基于单纯的视觉经验，而是（在一定程度上）对真实的风格化，是将许多单独的观察组合成一个极具说服力的印象，组合成一个表达自然现象意义的真理"。汉斯-罗森哈根，1927 年（引自罗伯特-弗莱克（编），马克斯-利伯曼。Wegbereiter der Moderne，科隆，2011 年，第 30 页）。画框背面的小标签上印有编号 "1162 "和非常模糊可辨的印章 "Leopold Berlin"，推测来自柏林艺术材料经销商 Leopold Hess。埃布尔 1925/30。文献：Richardson, Holly Prentiss, Landscape in the work of Max Liebermann (Bd. I-III)，Phil.Diss.布朗大学，安阿伯 1991 年，第 2 卷，第 242 页，编号 690。展览：Max Liebermann.Bühler 博士画廊，慕尼黑，1985 年，第 23 页，附彩图。出处：科隆阿贝尔斯画廊；慕尼黑比勒画廊；瑞士私人收藏，1985 年从上述画廊购得；卡尔和法贝尔，2020 年 7 月 16 日，拍得 403；柏林私人收藏。

估价 400 000 - 600 000 EUR

编号 432 - Lesser Ury - 小乌里（1861 年，比尔鲍姆/波森，1931 年，柏林）--菩提树下大街，可眺望勃兰登堡门。纸板上的粉彩画。(20 世纪 20 年代末）。约 35 x 50 厘米。左下方有签名。 - 乌里在世时就因其街景作品而备受艺术家和收藏家的青睐 - 这里拍摄的是 WiIhelmstraße 层的勃兰登堡门景色 - 由于该主题在当时就备受青睐，因此存在多个版本 Sibylle Groß 博士在 2014 年 10 月 17 日的专家意见中写道："小乌里在世时就因其街景作品而备受艺术家和收藏家的青睐。在建国时期，菩提树下大道西段从一条优雅的住宅街变成了热闹的大都会商业区，一条长廊上有酒店、餐馆、咖啡馆、银行、代理机构、商店和华丽的拱廊，包括 Kaisergalerie、Café Bauer、Konditorei Kranzler、Dressel 和 Hiller 餐厅以及 Habelschen Weinstuben。小乌里的许多作品都描绘了从东面看到的勃兰登堡门的景色"。多米尼克-巴特曼（Dominik Barthmann）在其为 1991 年柏林 "勃兰登堡门 1791-1991 年 "展览撰写的目录中写道："（如果说）勃兰登堡门在莱塞尔-乌里的作品中反复出现，那么这些描绘与他的其他街景画并无明显区别。作为一个主题，勃兰登堡门与波茨坦广场和莱比锡广场之间的门楼或 Königsplatz 广场上的胜利纪念柱并无不同。这些建筑与其说是地标性建筑，不如说是城市结构的信号，与'无名'的光影和色彩元素（如雨后沥青的反光、机车的蒸汽或夜间灯光的闪烁）相结合，散发出大都市的气息"。Sibylle Groß 博士将这幅粉彩画的创作年代定为 20 世纪 20 年代末。这幅粉彩画表现的是从威廉大街眺望勃兰登堡门的景色，是乌里最喜欢的主题，受到收藏家的追捧。柏林的 Sibylle Groß 博士于 2014 年 10 月 17 日为这幅粉彩画提供了摄影鉴定，并提供了详细的文献资料（副本）；这幅粉彩画将收录在目前正在编制的《莱塞尔-乌里作品目录》中。出处：Weinmüller，慕尼黑，1969年3月19/20日，第1441号拍卖品，附图版101；私人收藏，柏林；私人收藏，黑森；Grisebach，柏林，2014年11月27日，第3号拍卖品；私人收藏，柏林。

估价 80 000 - 120 000 EUR

编号 433 - Ernst Ludwig Kirchner - 恩斯特-路德维希-基什内尔（1880 年，阿沙芬堡-1938 年，弗劳恩基尔希/达沃斯）--摩洛哥人。棕色绒面纸上的彩色粉笔和木炭。(约 1909 年）。约 33 x 35 厘米。 - 这幅画展现了基什内尔对异国文化的迷恋--艺术家并不是在旅行中，而是在参观民族博物馆和民间表演时发现了他的异国主题--基什内尔用寥寥几笔引人注目的粉笔和彩色勾线娴熟地描绘了这一场景 1909 年 2 月，基什内尔参加了德累斯顿 Sarrasani 马戏团的表演。他观察了摩洛哥杂技演员的表演，并将其记录在素描本上（Skb 7）。后来，基什内尔将他在现场绘制的草图用于大量绘画、水彩画和版画中。在创作这幅画时，还有证据表明基什内尔经常去德累斯顿的一个 "Völkerschau"。在这里，人们被当作活生生的展品展示，来自各自家乡的外国舞蹈和仪式也被安排成一种奇观。马戏团演员和肤色黝黑的人在威廉社会中被视为外来者。另一方面，对于 "布吕克 "艺术家来说，他们是原生态和热爱自然的人类理想形象的投影面。马克斯-佩希施泰因（Max Pechstein）和埃米尔-诺尔德（Emil Nolde）通过到南洋旅行来追寻异国情调，而基什内尔只是在参观民族博物馆或上述德累斯顿民族学展览时才了解非欧洲文化。基什内尔巧妙地用少量醒目的线段描绘出人物的轮廓，并用简洁的线条勾勒出色彩斑斓的异域服饰。展览：法兰克福 Kunstkabinett Hanna Bekker vom Rath，法兰克福/美因，1954 年，目录编号 54；表现主义。Aquarelle und Graphiken, Kunsthandel Wolfgang Werner, Bremen/Berlin, cat.插图。出处：艺术家遗产，背面有巴塞尔遗产印章（Lugt 1570b）和手写登记号 "FS Drc/Bc 13"；法兰克福 Kunstkabinett Hanna Bekker vom Rath，法兰克福/美茵；新艺术中心，Weintraub 画廊，纽约；私人收藏，罗德岛；Max Vater（1992 年）；Kunsthandel Wolfgang Werner，不来梅/柏林（1992 年左右），画框背面有画廊标签；私人收藏，柏林。

估价 60 000 - 80 000 EUR

编号 434 - Ernst Ludwig Kirchner - 恩斯特-路德维希-基什内尔（1880 年，阿沙芬堡-1938 年，弗劳恩基尔希/达沃斯）--"万湖风景"。水彩、毛笔和印度墨水，轻度磨砂纸。(约 55 x 38 厘米。右下方有签名，日期可能是后来确定的。背面有标题和签名。 - 创作于 "Brücke "艺术家团体后期，该团体于 1913 年在柏林解散。在早期的柏林时期，基什内尔与一位年轻的日本艺术家是朋友，并与他进行了大量合作。这幅充满日本风情的画作很可能就是在这种影响下创作的。基什内尔在私人生活中也受到了流行的 "日本主义 "的启发。1909 年，慕尼黑举办了首次重要的远东作品展，主题为 "日本和东亚"。因此，除了 "Brücke "艺术家之外，其他旅行者也受到这种风格的影响也就不足为奇了。Marianne Werefkin、Alexej von Jawlensky 和 Franz Marc 也收藏了日本艺术品。木刻和微型净伎雕刻尤其影响了表现主义艺术家。例如，在 1912 年 5 月中旬出版的 "Blauer Reiter "年鉴中，也描绘了日本、非欧洲和民俗作品。在这里，基什内尔将个人的游览印象与当代的日本风情相结合。背面可能刻有 "Dr. B. Havelsee Schilflandschaft "字样，并有 "16 "和 "177 "的圆圈编号，作者不详。附沃尔夫冈-亨泽博士的摄影鉴定，恩斯特-路德维希-基什内尔档案馆，维希特拉赫/伯尔尼，日期为 1999 年 6 月 10 日。该作品在档案馆有记录，并将列入目录增补。展览：恩斯特-路德维希-基什内尔 - 鲍尔博士收藏的绘画和版画 - 达沃斯，Haus der Kunst/Haus am Waldsee，慕尼黑/柏林，1952/53，目录编号 103。出处：Frédéric Bauer 博士收藏，达沃斯；Roman Norbert Ketterer，Stuttgarter Kunststkabinett，1953 年 11 月 26 日，拍号 1889；Maulberger 画廊，慕尼黑，画框背面标签；私人收藏，不来梅。

估价 35 000 - 45 000 EUR

编号 435 - Ernst Ludwig Kirchner - 恩斯特-路德维希-基什内尔（1880 年，阿沙芬堡 - 1938 年，弗劳恩基尔希/达沃斯）--街景，商店橱窗前。木刻于坚实的梭织纸上。(1913/14).尺寸约为 31.5 x 23 厘米（纸张尺寸约为 52 x 39 厘米）。已知仅有的 8 幅副本之一。右下方有签名，左下方题有 "Eigendruck"。 - 奇妙密集的街景，恩斯特-路德维希-基什内尔最受欢迎的主题之一 - 非常罕见的纸张，印刷质量极佳 - 来自艺术家著名的 Botho Graef 基金会，捐赠给耶拿艺术协会街景主题是恩斯特-路德维希-基什内尔的标志性主题之一。在这幅富有表现力的木刻作品 "街景，商店橱窗前 "中，他选择了一幅从近处眺望众多错落有致的人物的风景画。商店橱窗仅通过左上方零星的广告题词来暗示。基什内尔在木版画中使用了大量的黑色，这些黑色被大量的白色部分精确地分割和淡化，使整个构图更加紧凑。在这幅版画中，白色区域非常清晰，甚至帽子内部的细线也很容易辨认。这种特别清晰的印刷质量在其他已知副本中是找不到的。1914 年春，耶拿艺术协会举办了恩斯特-路德维希-基什内尔的重要个展。与此同时，艺术家结识了博托-格拉夫（Botho Graef），后者自 1904 年起一直担任耶拿大学古典考古学和艺术史副教授。作为现代艺术的赞助人，格拉夫为耶拿大学、耶拿市和 1903 年才成立的耶拿艺术协会（Jenaer Kunstverein）安排了著名当代艺术家的作品。格拉夫和基什内尔之间建立了父子般的友谊。格拉夫于 1917 年去世后，基什内尔于 1918 年 5 月成立了博托-格拉夫基金会，以表达对早年去世的朋友和资助人的感激之情，其中包括向耶拿艺术协会捐赠 260 张蚀刻版画、木刻版画和石版画。1934 年，艺术协会成为市博物馆的一部分，1937 年，作为国家社会主义 "堕落艺术 "运动的一部分，艺术协会的珍贵藏品，尤其是表现主义作品被没收。以前独一无二的藏品只剩下一小部分。如今，收藏的作品散落在世界各地的私人和公共收藏中，但由于所有作品上都盖有基金会的印章，这些作品至今仍能被清晰地辨认出来。为纪念博托-格拉夫并表彰他对现代艺术的贡献，耶拿市政府自 1992 年起向当代艺术家颁发博托-格拉夫奖。Dube H 238; Gercken 644。出处：耶拿艺术协会，Botho-Graef-Stiftung（1918 年，艺术家为纪念 Botho Graef（1857-1917 年）而赠送的礼物，背面盖有印章（Lugt 4337）；1937 年 8 月 2 日被柏林德意志帝国/Reichsministerium für Volksaufklärung und Propaganda 没收（参见：Datenbank zum Beschlärung (1857-1917)）。参阅 Datenbank zum Beschlagnahme-Inventar der Aktion "Entartete Kunst"，Forschungsstelle "Entartete Kunst"，FU Berlin，NS Inventar EK-Nr. 13115）；柏林 Ferdinand Möller 画廊，1940 年 1 月 2 日通过交换获得；Grisebach，柏林，1995 年 11 月 24 日，拍价 39；私人收藏，瑞士；Wolfgang Wittrock 画廊，柏林；私人收藏，北莱茵-威斯特法伦州。

估价 40 000 - 60 000 EUR

编号 436 - Lyonel Feininger - Lyonel Feininger（1871 年--纽约--1956 年）--曼哈顿的街道峡谷。水彩和印度墨水，印在英格尔铺纸上。(约 31 x 24 厘米。左下方有签名，右下方有日期 "5.XII.37"。左下空白处刻有 "x"。 - 1940年，费宁格在大幅油画 "曼哈顿 I"（100 x 80 厘米）中重复了同样的主题，1964 年，朱莉娅-费宁格将这幅画捐赠给纽约现代艺术博物馆（inv.编号 259.1964）。摩天大楼 "难以理解的尺寸延伸到画框之外，永恒长街的尽头消失在无穷无尽之中。但在它们的上方和中间，神奇的蓝绿色天空亮了起来，左右两边的外墙交替出现在暖黄色的阳光下，或被大都会的灰色阴影笼罩着。没有一个人影可以辨认出来，只有竖排的窗户像喝醉了酒一样翩翩起舞，暗示着它们背后的生命。这幅水彩画创作于 1937 年 12 月，当时费宁格才在故乡纽约生活了三个月，而他在 1887 年离开故乡时只有 16 岁。这幅画的左下方有一个小小的注释 "x"，费宁格用这个注释标注了那些为妻子朱莉娅准备的作品。在此之前的几年里，费宁格一直犹豫是否要离开他的祖国德国，但 1937 年德国的政治局势恶化，尤其是对他的犹太裔妻子而言。此外，1937 年夏天在慕尼黑举办的国家社会主义 "堕落艺术 "展上，费宁格的艺术遭到诽谤。6 月，费宁格接受了奥克兰米尔斯学院（Mills College）的邀请。这一次，现年 66 岁的费宁格永远留在了美国，他必须彻底重整旗鼓。1937 年 9 月初，里昂内尔和朱莉娅-费宁格住进了位于曼哈顿中心华盛顿广场的厄尔酒店，这家酒店至今仍在，1938 年 1 月，他们又住进了几个街区外的东 22 街 235 号。在随后的日子里，费宁格也开始了对新环境的艺术探索。但是，与他所钟爱的旧世界的建筑主题、宁静的图林根和波美拉尼亚村庄相比，这两者之间的差别实在是太大了。在他现在创作的曼哈顿图案中，图形线条也是一个统一的核心设计元素。在随后的岁月里，线条继续主导着他所有看似简约实则复杂的绘画构图。"形式已经降到最低限度--整个色彩和绘画装置也降到最简单的程度--就像为了能够自由飞翔而扔掉的压舱物"（Lyonel Feininger 1944 年 7 月 26 日的一封信，引自：Hans Hess, Lyonel Feininger, 1944 年 7 月 26 日的一封信，引自：Hans Hess, Lyonel Feininger, 1944 年 7 月 26 日的一封信）：汉斯-赫斯，《里昂内尔-费宁格》，斯图加特，1959 年，第 158 页）......纽约-柏林里昂内尔-费宁格项目有限责任公司总监阿希姆-穆勒（Achim Moeller）确认了这幅作品的真实性，该作品在里昂内尔-费宁格项目的档案中登记的编号为 1887-11-06-23。随作品附有一份日期为 2023 年 11 月 6 日的证书。出处：纽约朱莉娅-费宁格的遗产；德国南部私人收藏。

估价 30 000 - 40 000 EUR

编号 437 - Wassily Kandinsky - 瓦西里-康定斯基（1866 莫斯科-1944 塞纳河畔讷伊）--"点彩"。黑色卡片上的水粉画，裱在卡片上。(约 48.5 x 33.5 厘米（卡片约 56.5 x 41.5 厘米）。左下方有签名和日期。背面有编号和日期 "N 559/1935"，标题 "Pointillé"。 - 康定斯基晚期作品中独具特色的黑卡水粉画--有机、柔和的形式反映了康定斯基在 20 世纪 30 年代对分子生物学的兴趣，并流入他的抽象形式大全--这一时期的作品代表了他数十年艺术发展的精髓。"为了能够全身心地投入[艺术]，一个人必须是一个优秀的绘图者，对构图和色彩有极高的敏感度，最重要的是，他必须是一个真正的诗人"。康定斯基，1931 年作品《点彩》属于康定斯基生命最后十年在法国创作的一组黑纸水粉画。这些作品创作于康定斯基职业生涯的巅峰时期，见证了他成熟风格的精湛技艺。1933 年包豪斯最终关闭后，康定斯基离开德国，与妻子妮娜搬到巴黎附近的塞纳河畔讷伊。在随后的几年里，他很少在画布上作画，而是喜欢在纸上作画。对他来说，这些纸上作品是独立完成的作品，带有他个人风格的所有特征。将鲜艳的颜料涂抹在深色纸张上的技法是康定斯基在 1900 年左右新艺术运动高峰时期的艺术起步。即使在当时，康定斯基也更喜欢使用彩色、黑色或棕色纸张来创作风格化和装饰性极强的图案。在这一时期的同类作品中也能找到 "Pointillé "的生物形态，这显然是康定斯基从包豪斯时期的几何线性构图中脱离出来。取而代之的是超现实主义的影响和对让-阿尔普（Jean Arp）和琼-米罗（Joan Miró）的形式美学的研究，20 世纪 30 年代，康定斯基在巴黎与他们的艺术有了更密切的接触--尽管他并未被超现实主义的无意识和梦幻般的思想所吸引。20 世纪 30 年代，康定斯基对分子生物学产生了浓厚的兴趣，这无疑也对他的作品产生了影响。康定斯基新形式美学的另一个灵感来源可能是恩斯特-海因里希-海克尔（Ernst Heinrich Haeckel）的著作《自然的艺术形式》（Kunstformen der Natur），该书包含 100 多幅插图，于 1904 年首次以完整版的形式出版。在康定斯基生命最后十年的晚期作品中可以发现，他的许多作品都与书中描绘的小型微型和深海生物十分相似。康定斯基在黑纸上用彩色或白色水粉画出的光亮，以及有时令人惊奇的俏皮图案，都掩盖了康定斯基当时所经历的巨大不适和艰辛。康定斯基如今已近 70 岁，他发现自己很难在法国站稳脚跟，因为在立体主义和超现实主义盛行的巴黎，抽象艺术几乎得不到认可。只有画廊老板让娜-布歇（Jeanne Bucher）和克里斯蒂安-泽沃斯（Christian and Yvonne Zervos）夫妇及其画廊和艺术杂志《Cahiers d'Art》为康定斯基撑腰。尽管如此，康定斯基仍以极大的创作热情投入工作，并创作了一幅极具诗意和清晰度的晚期作品，这幅作品代表了他数十年艺术发展的精髓。背面有各种手写或盖章的编号、法国海关印章和标签。艺术家作品目录，V, 1935 年，编号 559；Barnett 1188。文献：Kandinsky, Wassily, Toile Vide 等，载于：Zervos, Christian（编），Cahiers d'Art，5-6，巴黎，1935 年，第 118 页，附插图。展览：W. Kandinsky: nouvelles toiles, aquarelles, dessins, Galerie Cahiers d'Art, Paris 1935, 无目录；The Fifteenth International Exhibition of Watercolours, The Chicago Art Institute, Chicago 1936, 目录编号 120, 附插图、页；Soutine, Kisling, Utrillo e la Parigi di Montparnasse, Farsetti Arte, Cortina d'Ampezzo 2003/04，目录编号 22，附彩色插图。插图，第 65 页。出处：I.B. Neumann 收藏馆，纽约，1935 年 11 月起；Nierendorf 画廊，纽约，1942 年 7 月起，背面有标签（编号 206）；所罗门-R-古根海姆博物馆，纽约，背面有标签和双戳编号 "983"，1945 年从上述收藏馆购得，1971 年放弃；Parke-Bernet Galleries Inc.

估价 280 000 - 350 000 EUR

编号 438 - Gustave Louis Buchet - 古斯塔夫-路易-布歇（1888-洛桑，1963）--正面：构图--背面：Nu. 布面油画。(图片尺寸约 73 x 59 厘米。正反两面右下方各有签名和年代。 - 古斯塔夫-布歇是瑞士先锋派最重要的艺术家之一，他曾在日内瓦艺术学院学习。1910/11 年冬，他第一次来到巴黎。1915 年，他与莫里斯-巴罗（Maurice Barraud）和其他艺术家一起成立了 "Le Falot "小组，该小组在艺术上倾向于法国现代主义，是对费迪南德-霍德勒（Ferdinand Hodler）艺术的反动。在此期间，布歇在艺术上与立体主义、未来主义以及达达运动有着密切的联系，他的早期未来主义作品于 1918 年首次在日内瓦展出。然而，作为日内瓦先锋派的艺术家，他在 1919/20 年冬季参与了达达派的行动，因此在艺术和社会上暂时受到排挤，他的工作室甚至遭到了警察的搜查。因此，他于 1920 年移居巴黎，摆脱了达达主义的影响，并在巴黎、布鲁塞尔和安特卫普的立体主义艺术家协会 "Section d'Or "举办了展览。他的绘画变得更加几何化和抽象化。我们这幅画的未来主义构图也是在这一时期创作的。除视觉艺术外，布歇还担任过插图画家，创办过时装店，设计过广告以及舞台布景和戏剧服装。1924 年，他在 Indépendants 沙龙展出，随后在 1926 年和 1929 年举办了重要个展，巩固了他的艺术成就。布歇现在越来越倾向于勒-柯布西耶（Le Corbusier）和阿梅迪-奥赞方（Amédée Ozenfant）所倡导的纯粹主义，但从1931年起，他逐渐回归到更为传统的具象绘画语汇，主要创作风景主题和裸体画。他于1939年定居洛桑，并于1941年在那里创办了第一届巴黎春天沙龙。现在，布歇利用他在巴黎创作的抽象未来主义作品的背面，来描绘他这一阶段作品所特有的造型精细的女性裸体。战争结束后，布歇前往普罗旺斯、托斯卡纳和提契诺旅行。从 20 世纪 50 年代中期开始，他的绘画以色彩为主。直到 20 世纪 50 年代，古斯塔夫-布歇 20 年代巴黎时期的几何构图作品才在瑞士展出，直到 20 世纪 70 年代，艺术评论家和收藏家才认识到布歇在前卫艺术史中的地位。如今，在阿尔高、日内瓦、洛桑、温特图尔和苏黎世等地的博物馆中都能找到他的作品。这幅画已在瑞士艺术研究所（SIK-ISEA）的在线数据库中登记，编号为 98033 (https://www.sik-isea.ch/de-ch/)。出处：日内瓦私人收藏；欧洲私人收藏。

估价 30 000 - 50 000 EUR

编号 439 - Alexej Von Jawlensky - 阿列克谢-冯-雅夫连斯基（1864 年托尔斯乔克 - 1941 年威斯巴登）--"沉思集（VI 1936 N. 8）"。亚麻布质画纸上的油画，裱在布里斯托尔木板上。(约 17.5 x 12.5 厘米。左下方有签名，右下方有日期。 - 带有迷人光环的神秘宗教面孔 - 以深色调将图案还原到本质 - "沉思 "代表了 Jawlensky 作品的最高峰。"我的最后一个时期的画幅非常小，但画面更加深邃、更加灵性，只用色彩说话"。阿列克谢-冯-雅夫连斯基，1936 年在他的 "沉思 "系列中，雅夫连斯基对人脸进行了风格化处理，几乎达到了抽象的地步。这些小尺寸的人脸让人联想到圣像，但它们并非千篇一律，而是非常个性化的作品。人脸的表情似乎很内向，大部分采用暗色调，突出了沉思的氛围。Jawlensky 仅用几条水平线和一条垂直线来构建脸部。在这里展示的 1936 年作品中，只有头部两侧闪烁着微微的黄色，脸部的一侧则用细腻的白色笔触加以强调。这是对脸部的塑造，让头部从黑暗中和画作表面浮现出来。1934 年，雅夫连斯基开始创作他最后一个重要系列，也是现在著名的深色神秘宗教 "沉思 "系列。20 世纪 30 年代对于已经 70 岁的艺术家来说是极其艰难的时期。1933 年国家社会主义夺取政权后，他被迫退居幕后。他的作品被博物馆没收，并在国家社会主义宣传展览 "堕落艺术 "上遭到诽谤。他的双手和膝关节也严重瘫痪，行动能力不断下降。然而，无论是外部环境还是健康状况都无法阻止亚乌连斯基继续作画。尽管手指逐渐僵硬，他还是自创了一套继续创作的方法。他在小纸板或小纸张上，用最简单的艺术手段创作出精炼的图案。这样，他又回到了肖像画和花卉静物画这两个已经成为他多年创作特色的画种，从而能够创作出数量惊人的小幅作品，直到 1938 年完全瘫痪。Jawlensky 将这幅冥想画送给了杜塞尔多夫收藏家 Hans Lühdorf 博士。汉斯-吕多夫博士是一名律师，他在 1937 年的 "堕落艺术 "展览上发现了表现主义，并开始收藏表现主义版画。他与 Jawlensky、Erich Heckel、Ewald Mataré、Ernst Wilhelm Nay、Karl Schmidt-Rottluff 和 Emil Nolde 等艺术家建立了个人联系，并与威斯巴登的 Tony Kirchhoff 和法兰克福的 Carl Hagemann 等其他收藏家交换了意见。 1964 年，Lühdorf 向杜塞尔多夫艺术博物馆（现为 Kunstpalast 博物馆）捐赠了他收藏的 70 张表现主义版画。根据艺术家助理丽莎-库梅尔（Lisa Kümmel）所著的目录册，这幅作品在松散的旧底卡上标有 "A. Jawlensky VI.Jawlensky/Pieroni-Jawlensky 1982，附玛丽亚-亚夫连斯基（Maria Jawlensky）的摄影鉴定，阿列克谢-冯-亚夫连斯基档案馆，洛迦诺，1988 年 12 月 30 日。文献：Weiler, Clemens, Alexej von Jawlensky.Köpfe, Gesichter, Meditationen》，哈瑙，1970 年，第 852 号，无插图。展览：1986 年秋，杜塞尔多夫 Ludorff 画廊，1986 年，附彩色插图。第 59 页；1987 年春，Galerie Ludorff，杜塞尔多夫，1987 年，目录编号 46，附彩色插图。第 69 页；1989 年秋，Galerie Ludorff，杜塞尔多夫，1989 年，目录编号 54，附彩色插图。插图，第 81 页。出处：艺术家工作室；汉斯-吕多夫博士（1910-1983 年）收藏，杜塞尔多夫，作为艺术家的礼物；私人收藏，杜塞尔多夫；伦佩茨，科隆 31.5.1986，拍卖品号 468，彩色图版 30；卢多夫画廊，杜塞尔多夫；私人收藏，北莱茵-威斯特法伦州。

估价 50 000 - 60 000 EUR

编号 440 - Egon Schiele - 埃贡-席勒（1890 年图尔恩/多瑙河 - 1918 年维也纳）--坐着的夫妇（席勒与妻子）。铅笔、麂皮色纸。约 48.5 x 34 厘米。左下方有签名和日期。 - 艺术家与年轻妻子伊迪丝亲密而又紧张的双人肖像--早在 1915 年，即他们结婚的那一年就已创作完成，可能只是后来才注明日期为 1916 年--拥抱的夫妇这一主题是席勒大量作品中最重要的题材之一席勒以其特有的活泼、紧张的笔触描绘自己。他只穿着衬衫和袜子，笨拙地坐在地板上。席勒的右臂不自然地弯曲垂在身侧，整个姿势显得不稳定、不舒服。在他身后蹲着一位头发盘起的妇女，她似乎在支撑着他的身体。这并非描绘一对热恋中的情侣，而是表现了席勒对身后女子的无助和依赖。在这幅画中，艺术家探讨了他与伊迪丝-哈姆斯的关系。故事开始于维也纳的 Hietzinger Hauptstraße - 埃贡-席勒的工作室就在 101 号的房子里。1913 年，奥地利铁路机械师约翰-哈姆斯（Johann Harms）携家人搬进了对面的建筑。席勒可以从工作室的窗户看到哈姆斯家的公寓。23 岁和 20 岁的两个女儿阿黛尔和伊迪丝引起了他的注意。为了吸引这两个女孩的注意，他将自己的画作从窗口向外挥舞，并做出怪异的挑衅动作。年轻的姑娘们对这位艺术家视而不见，因为他粗俗的举止和维也纳方言让她们望而却步。直到 1914 年，在席勒前情人瓦利的斡旋下，艺术家才说服这对年轻女子秘密会面。现在，他开始追求两姐妹。他为两姐妹都画了画，但最终决定选择更安静的小女儿伊迪丝。但这种深刻而严肃的关系让舍勒感到害怕。这一时期的双人肖像画表明，他将自己视为傀儡，是妻子感情中的一枚棋子。在阿尔贝蒂娜收藏的一幅水粉画中，伊迪丝紧紧抓住她的未婚夫。未婚夫就像一个木偶一样无助地悬挂在她的怀里。在这两幅画中，艺术家都半裸着身体，而他的妻子则穿着衣服，因此显得不那么脆弱。席勒在这里成功地探索了爱情关系的复杂性。这是他试图在一段成熟的关系中找到自己的方向，并接受情感上的依赖。1915 年，在应征入伍前不久，席勒与伊迪丝结婚。卡里尔，生于 1856 年。文献：Egon Schiele，《Mizue 日本艺术杂志》，第 870 期，1977 年；Nebehay, Christian, Egon Schiele.Von der Skizze zum Bild, die Skizzenbücher, Vienna et al. 1989, 附图 156。展览：Von Schiele bis Leherb，Galerie 10，维也纳（约 1970 年），附图；Egon Schiele and the Human Form：素描和水彩画，得梅因艺术中心，得梅因/爱荷华州等地，1971/72 年，目录编号 52；埃贡-席勒，Haus der Kunst，慕尼黑，1975 年，目录编号 237；埃贡-席勒，西武美术馆，东京，1979 年，目录编号 56；埃贡-席勒：水彩画和素描展》，Marlborough Fine Art，伦敦，1979 年，展品编号 44；《Egon Schiele：Egon Schiele：Zeichnungen und Aquarelle aus den Beständen des Historischen Museums der Stadt Wien und aus amerikanischem Privatbesitz，Serge Sabarsky 挑选，Historisches Museum der Stadt Wien，维也纳等，1981/82，目录编号 92；Egon Schiele，Pinacoteca Capitolina，罗马等，1984，目录编号 152；Traum und Wirklichkeit：Wien 1870-1930，Künstlerhaus Wien，1985，目录编号 15.8.39；Egon Schiele (1890-1918)。素描和水彩画，Serge Sabarsky 画廊，纽约，1986 年，目录编号 17；Egon Schiele：100 Zeichnungen und Aquarelle，Rosenheim 等，1988-1997 年，目录编号 81/82/83；Egon Schiele，Fondation Pierre Gianadda，马蒂尼，1995 年，目录编号 109；Schiele：谢勒：素描和水彩画》，塞尔日-萨巴斯基基金会，纽约，1996 年（追悼会）；《向塞尔日-萨巴斯基致敬》。克里姆特柯柯施卡。席勒。水彩画和素描》，Jahrhunderthalle Hoechst，法兰克福/美因，1997 年，目录编号 83；《1890-1918 年的埃贡-席勒》，Man Museo d'Arte Provincia di Nuoro，努奥罗，2007/08 年；Galerie St.Etienne，纽约，2017 年；Shepherd W & K Galleries，纽约，2022/23 年。出处：艺术家遗产，背面有印章；收藏/资产 Serge Sabarsky，纽约，1991 年从上述人士手中购得；收藏/基金会 Vally Sabarsky，纽约。

估价 200 000 - 300 000 EUR

编号 441 - Egon Schiele - 埃贡-席勒（1890 年，图尔恩/多瑙河畔，1918 年，维也纳）--奥古斯特-莱德勒肖像。淡黄色绒面纸上的炭笔。约 46.5 x 29.5 厘米。左下方有签名和日期。 - 维也纳重要赞助人和收藏家奥古斯特-莱德勒的肖像 - 简洁的画作，精湛的减笔线条 - 由其子埃里希-莱德勒收藏，埃里希-莱德勒是埃贡-席勒的主要赞助人工业巨头奥古斯特-莱德勒是维也纳分离派最重要的收藏家和赞助人之一。他与妻子塞雷娜主要支持古斯塔夫-克里姆特（Gustav Klimt），他们从克里姆特那里购买了丑闻天顶画《法理学》和《哲学》，并于 1915 年购买了著名的《贝多芬浮雕》以及其他许多作品。当时，他们拥有最广泛、最重要的克里姆特收藏。1912 年，也是克里姆特让他的年轻艺术家同事埃贡-席勒（Egon Schiele）与奥古斯特-莱德尔夫妇（August and Serena Lederer）取得了联系。然而，这对收藏家夫妇只购买了一幅席勒的画作作为收藏（《Mödling I（灰色小镇）》，Kallir P 299），而且对席勒的艺术总体上仍持保留态度。然而，她 15 岁的儿子埃里希-莱德勒（Erich Lederer）却与年长他六岁的席勒成了朋友。由于祖母给了他一张中奖彩票，埃里希-莱德勒立即决定将彩票收入用于他对前卫艺术的萌发。1912/13 年冬，舍勒为这个男孩画了一幅大幅肖像（Kallir P 235），在接下来的几年里，这个男孩成为了舍勒最重要的赞助人和收藏家。也许正是因为这段友谊，1918 年，席勒为奥古斯特-莱德勒创作了一系列松散的肖像素描，其中包括本图。此时，他摒弃了之前常用的蜡笔，因为蜡笔画出来的效果往往很尖锐，而他则选择了柔韧性更好的木炭，用粗犷的笔触创造出茂密、对比强烈的结构。在淡黄色的画纸上，席勒以其典型的方式，用寥寥几笔但极为简洁的线条描绘了奥古斯特-莱德勒。浓淡相宜的笔触勾勒出衣领和纽扣门襟的轮廓，而衣身则几乎没有任何暗示。相比之下，席勒对面部特征，尤其是眼睛和眉毛的刻画则更加细致和个性化。他用对比鲜明的宽笔触赋予领带清晰的体积感。不知道这些精彩的肖像画是否是为奥古斯特-莱德勒的肖像委托而创作的。同年 10 月，埃贡-席勒死于西班牙流感，年仅 28 岁。与席勒年轻时创作的学术性较强的传统肖像画（见《他叔叔的肖像》，拍卖品号 423）相比，这幅仅仅创作了 11 年的素描展现了他完全成熟的独特风格。1938 年，在奥古斯特-莱德勒去世两年后，家族企业被国家社会主义者没收并 "雅利安化"，私人艺术收藏及其不动产也被没收和强行征用。他的遗孀塞雷娜-莱德勒（Serena Lederer）逃到布达佩斯，为她的艺术珍品进行了徒劳的斗争，直到 1943 年去世。1945 年 5 月战争结束前不久，1944 年被转移到马奇菲尔德附近的伊门多夫城堡的大部分珍贵藏品在不明原因的情况下被烧毁，其中包括席勒的画作《莫德林 I》。只有少数作品以及埃里希-莱德勒之前拥有的作品得以幸存。其中包括这里提供的席勒肖像画，这幅画是他从父亲那里继承来的，并在逃亡过程中保存了下来。简-卡里尔（Jane Kallir）已经确认了这幅画的真实性，并将这幅作品收藏在她的档案中，编号为 D2455a。文献：Husslein-Arco, A. & Kallir, J., Egon Schiele, Self-portraits and portraits, 慕尼黑/纽约，2011 年，目录编号 89，第 201 页。展览：新世界。1890-1940 年的德国和奥地利艺术，新画廊，纽约 2001/02；埃贡-席勒。The Ronald S. Lauder & Serge Sabarsky Collections，Neue Galerie，New York 2005/06，编号 D158，第 316 页，附图；Life in Motion。埃贡-席勒/弗朗切斯科-伍德曼，泰特利物浦，2018 年。出处：August Lederer，维也纳，直接从艺术家处购得；Erich Lederer，维也纳和日内瓦，继承；Elisabeth Lederer，日内瓦，继承；De Pury & Luxembourg Art，日内瓦，1998年从上述艺术家处购得；Ronald S. Lauder收藏，纽约，1999年购得；欧洲私人收藏，从上述艺术家处购得；佳士得，伦敦，2013年2月7日，拍价221；Thomas Le Claire，汉堡，2014年起；私人收藏，英国。

估价 150 000 - 200 000 EUR

编号 442 - Henri Jean Guillaume Martin - 亨利-让-纪尧姆-马丁（Henri Jean Guillaume Martin，1860 年生于图卢兹，1943 年卒于拉巴斯蒂德-杜韦尔特）--科利乌尔港。布面油画。(约 1930 年）。约 78 x 100.5 厘米。左下方有签名。 - 马丁多次选择的主题，德兰、马蒂斯和西涅克也曾作画 - 点彩画风格的精湛色调 - 亨利-马丁巧妙地展现了太阳从海上升起的光芒在法国南部靠近西班牙边境的小镇科利乌尔，太阳正在升起。港口还沉浸在暮色中，但古老的灯塔已在万里无云的天空中显得格外醒目。根据传说，这座塔是摩尔人建造的，可以追溯到 13 世纪。最初它被用作灯塔，但从 17 世纪起，它成为了邻近的圣母昂热教堂的塔楼。科利乌尔小镇在 20 世纪初曾是广受欢迎的艺术家中心。伟大的画家们在这里的光线中找到了灵感。在安德烈-德兰（André Derain）和亨利-马蒂斯（Henri Matisse）等人的众多画作中，都可以看到这座古老的防御教堂的塔楼。1923 年，亨利-马丁来到科利乌尔定居。他专门为这座塔楼和周围的海港创作了几幅画作，在这些画作中，他捕捉到了一天和一年中不断变化的光线条件，展示了他高超的技艺。这些作品展示了他如何不受其他艺术家作品的干扰，反映出自己对世界的艺术看法。亨利-马丁懂得如何以点彩法的精神，借助许多微小的色点，以近乎诗意的方式描绘色彩氛围：太阳还未升起，塔楼倒映在微微晃动的港湾水面上，第一批渔民正在一艘还未拴好的船上忙活着--画面既散发着清晨的宁静，又蕴含着忙碌的开始。在 1967 年出版的一本关于马丁的专著中，他的儿子、艺术家雅克-马丁-费里耶尔（Jacques Martin-Ferrières）评论道，他的父亲善于使用柔和的色彩，和谐地描绘出场景各自的光影氛围。(参见 Jacques Martin-Ferrières，《亨利-马丁》，巴黎，1967 年，第 42 页）。担架背面有各种标签和印章，部分残缺不全。附有Kyril Ryjik（Cyrille Martin，艺术家的孙子）2008年1月3日在塞纳河畔讷伊拍摄的照片。出处：私人收藏，美国；哈默画廊，纽约，担架上有印章；沃特豪斯和多德，伦敦；私人收藏，美国，2005 年从上述机构购得；苏富比，纽约，2007 年 11 月 8 日，拍得 232 号，画框背面有标签；私人收藏，纽约。

估价 250 000 - 350 000 EUR

编号 443 - Pablo Picasso - 巴勃罗-毕加索（1881 年，马拉加--1973 年，戛纳附近的穆然）--与玛丽-泰雷兹-波桑一起创作图案的雕塑家。蚀刻版画，产自 Montval 的麂皮色平纹纸。(1933).约 19 x 26.5 厘米（纸张尺寸约 33 x 43.5 厘米）。可能是仅有的 3 幅试样之一。右下方有签名。 - 这幅极具震撼力的印刷品是作为《Vollard》版的试印样张而创作的。斯图加特国家美术馆拥有这张纸的复制品，它写道："这幅画是巴勃罗-毕加索《Suite Vollard》中为数不多的可以看到艺术家工作的作品之一。在这里，雕塑家正在塑造一个躯干，他的模特正聚精会神地注视着他，就像他眼前的人体模型一样，他在扫描雕塑。毕加索对女性裸体形象以及她站在屏风前拿着蚀刻针的细节的关注也很特别。窗台上碗中的海葵图案象征着强烈的情感，同时也象征着短暂"。Vollard 套房第 59 张，1939 年由 Ambroise Vollard 在巴黎出版。布洛赫 168；贝尔 321 II B a（取自 B d）。

估价 20 000 - 25 000 EUR

编号 444 - Ernst Wilhelm Nay - 恩斯特-威廉-奈（Ernst Wilhelm Nay，1902 年生于柏林，1968 年卒于科隆）--"Der Vogelmensch und andere"。硬板油画。19(45).约 59 x 72 厘米。右上方有签名和年代。背面有签名、年代和标题。 - Hekate 绘画时期的浓墨重彩画作--战后新起点的欢乐和艺术希望的见证--来自艺术史学家 Eberhard Seel 的收藏 "我的画色彩浓烈，多色，非常有绘画性--自由绘画。我正准备实现另一次飞跃"。恩斯特-威廉-奈，1945 年 Hekate 绘画的创作时期跨越 1945 年至 1948 年，其名称由艺术家的老朋友和导师恩斯特-戈塞布鲁赫（Ernst Gosebruch）所起，标志着奈在战争岁月之后的新艺术开端。1945 年 5 月，战争刚刚结束，纳伊在短暂入狱后获释，但柏林已成为一片废墟，他的公寓和工作室也被炸毁。他搬到了陶努斯河畔的霍夫海姆，在汉娜-贝克尔（Hanna Bekker）的斡旋下，他得以使用画家奥蒂丽-W-罗德斯坦（Ottilie W. Roederstein）以前的工作室。Hekate 这个名字可以追溯到 1945 年和 1946 年的两幅画作 "Hekate 之女 "I 和 II（参见 WVZ Scheibler 337 和 366）。在希腊神话中，女巫赫卡特是掌管魔法、过渡和岔路的女神，也是世界之门的守护者。"对于奈伊来说，战争的结束并不意味着零时，而是他渴望已久的自由，终于可以继续他在纳粹独裁统治和战争期间零星秘密创作的作品。过去的恐惧和恐怖、内在和外在的破坏（......）、个人经历（......）在奈的想象力中逐渐成熟，变成了用抽象隐喻表达这些震撼的图像。圆形、纺锤形、棋盘形和手形等反复出现的语汇在纳伊所有时期的作品中都有出现，在 Hekate 绘画中，这些语汇与人物和风景的编码联想明显交织在一起。Hekate画作或奔放或内敛，或深色或粉色，反映了战后时期的悲剧和新出现的希望。这些艺术杰作同时化解了一切苦恼。(......）在一连串的个展中（......），奈的赫卡特画作以其独创性和魅力出人意料地迅速为人们所熟知和了解。在 1945 年后那些激动人心、生机勃勃的岁月里，刚刚摆脱了过去混乱局面的敏感的艺术公众感受到了这些画作的当代性"。(Elisabeth Nay-Scheibler, Ernst Wilhelm Nay.Werkverzeichnis der Ölgemälde，第一卷，科隆，1990 年，第 224 页）。该画由艺术史学家 Eberhard Seel（1900-1978 年）收藏。他与妻子 Alexandra von Reitzenstein 一起在柏林经营 Reitzenstein & Seel 画廊。他在 1950-1972 年间担任总经理，并从 1966 年起担任德国艺术家协会董事会成员。他与艺术家维尔纳-海尔德（Werner Heldt）有着深厚的友谊，他负责管理海尔德的遗产，并于 1976 年出版了海尔德的作品目录。Scheibler 339。文献：Haftmann, Werner, E. W. Nay，科隆，1991 年（增订新版），第 118 页；Weltzien, Friedrich, E. W. Nay - Figur und Körperbild.Kunst und Kunsttheorie der vierziger Jahre, Berlin 2003, p. 200。展览：E. W. Nay，Günther Franke 画廊，慕尼黑，1946 年，目录编号 18；Ernst Wilhelm Nay，Axel Vömel 画廊/Kunstkabinett Hans Trojanski，杜塞尔多夫，1947 年，目录编号 12；E. W. Nay.Gemälde, Aquarell, Guasch (sic), Zeichnung, Kunstverein, Hamburg/Overbeck-Gesellschaft im Behnhaus, Lübeck 1947, 展品编号 42; E. W. Nay.Arbeiten der Jahre 1924-1952，Haus am Waldsee，柏林，1952 年，展品编号 88；Deutscher Künstlerbund Neunte Ausstellung。艺术与神话》，Städtisches 博物馆，威斯巴登，1959 年，展品编号 412，附图；E. W. Nay.1935-1968 年的图片，Städtische Kunstsammlungen 博物馆，波恩，1970 年，目录编号 11。出处：Eberhard Seel 收藏馆（1900-1978 年），柏林/科隆；Bassenge，柏林，2003 年 11 月 29 日，拍号 6924；私人收藏，黑森。

估价 150 000 - 200 000 EUR

编号 445 - Gabriele Münter - Gabriele Münter (1877 Berlin - Murnau 1962) - 夏日罂粟。绿色彩纸上的油彩。(约 43 x 61 厘米。左下方有签名并刻有作品编号 "51/41"。 - 这幅作品因花朵众多而多变的红色调而生机勃勃--这位成熟的艺术家在这里实现了构图与色彩的巧妙平衡--这是穆特在 20 世纪 30/40 年代风格趋于平和的一个范例。由于在穆尔瑙居住，加上战争年代日益孤立，穆特很少画画。除了肖像画，她现在主要创作花卉画，通常采用民间现实主义风格。明特从小就对乡村艺术和传统手工艺感兴趣。在她位于 Murnau 的家中，她收集了大量这方面的物品：釉壶和花瓶、圣母像和反面玻璃画。这些物品在她的作品中反复出现，尤其是在主题选择越来越少的今天。在这里，郁郁葱葱的花束从一个蓝色花瓶中绽放。清晰的色域让人联想到传统的反面玻璃画。康定斯基曾将艺术家对色彩的理解描述为 "由几种无一例外的严肃色彩组成的简单和谐"。在这里，色彩实现了自身的力量，通过花朵的排列向外延伸，大有冲破画框之势。作品背面也有作品编号，并在一个小标签上刻有 "Kon.1/7"。该作品由 Gabriele Münter 和 Johannes Eichner 基金会要求创作。目录付印时尚未得到确认。附有慕尼黑 Gabriele Münter- und Johannes Eichner-Stiftung 于 2023 年 11 月 15 日出具的书面确认函，确认该作品已在艺术家的遗产中登记，编号为 Kon.1/7。出处：艺术家遗产，背面盖章（不在 Lugt 中）；Gabriele Münter- und Johannes Eichner-Stiftung，慕尼黑；Ahlden 城堡，Ahlden 9.5.2021，拍得 1732；私人收藏，北莱茵-威斯特法伦州。

估价 60 000 - 80 000 EUR

编号 446 - Maurice Utrillo - 莫里斯-乌特里罗（Maurice Utrillo，1883-1955 年，巴黎达克斯）--蒙马特的加莱特红磨坊。布面油画。(约 1950 年）。约 33 x 41 厘米。右下方有签名，左下方有地点 "蒙马特"。 - "Moulin de La Galette "是乌特里罗反复创作的一个非常受欢迎的主题 - 自信地使用白色，这使他一举成名 - 用明亮、春天般的色彩描绘出大气的画作莫里斯-乌特里罗于 1883 年出生在巴黎蒙马特艺术家区，是 18 岁画家苏珊娜-瓦拉东的儿子。他的父亲是谁至今仍不清楚；1891 年，他的养父、艺术评论家米克尔-乌特里罗（Miquel Utrillo）给了他这个姓氏。他只受到母亲的启发，其他方面都是自学成才。他还在自己的作品上签名，并在名字后面加上母亲的名字 "Valadon"。乌特里罗主要在他成长的蒙马特街区寻找绘画主题。他很快成为了附近的知名画家，并专门创作迷人的城市风景画。1912 年的科西嘉和布列塔尼之行为他的创作带来了灵感。他开始尝试用自己调配的白色来捕捉光线的反射。他在绘画中将这种白色与石膏和水泥混合在一起，并以此成名。乌特里罗的这幅作品同样以用白色提亮的色彩为主：画中的蒙马特尔区的布吕特芬红磨坊沐浴在明媚的春光中。画家在淡蓝色的天空和磨坊前的沙色街道中掺入了大量的白色。画家多次从不同角度描绘了拉加莱特磨坊在一年中的不同时间。蒙马特山上曾经有几座磨坊，用来碾磨小麦、鲜花和压榨新鲜葡萄。创作这幅画时，最初的 12 家磨坊只剩下两家还在：建于 1622 年的磨坊 "Le Blute-Fin "和建于 1717 年的磨坊 "Le Radet"，它们都属于蒙马特尔的 "Moulin de la Galette"，位于巴黎 18 区莱皮克上路。在乌特里罗时代，"布吕特-芬 "磨坊的屋顶上有一个可供公众参观的平台。1915 年，"蒙马特老城之友 "协会拯救了这座磨坊，使其免遭毁坏。1924 年，磨坊主将磨坊搬到了吉拉尔东街和莱皮克街的交汇处。Moulin de la Galette（加莱特磨坊）现在的名字来源于加莱特面包（galette），这是一种由 19 世纪磨坊主人德布雷（Debray）的磨坊主制作的棕色小面包，出售时配一杯牛奶，从 1830 年起还配一杯葡萄酒。这种美味的面包非常受欢迎，后来磨坊也因此而得名。自 19 世纪以来，Le Moulin de la Galette 一直是巴黎人休闲娱乐的好去处。当附近的田地被房屋和工厂取代后，主人将其中一座风车改建成了瞭望塔，并在旁边开设了一家舞厅。除了乌特里罗，雷诺阿、梵高、马奈和毕沙罗等人也曾为加莱特小磨坊留下不朽的足迹。吉尔贝-佩特里达斯（Gilbert Pétridès）于 1990 年 2 月 14 日在巴黎拍摄的照片，照片编号为 21.579。让-法布里斯（Jean Fabris）和塞德里克-派利尔（Cédric Paillier）于 2009 年 12 月 17 日在塞纳河畔皮埃尔菲特拍摄的照片，照片编号为 5318。展览：莫里斯-乌特里罗，诞辰 130 周年纪念，高岛屋美术馆，京都等，2013 年。出处：Mahboubeh Soufer 先生收藏；佳士得，纽约，1989 年 11 月 15 日，拍号 438；Galerie Pétridès，巴黎；私人收藏，纽约。

估价 50 000 - 70 000 EUR

编号 447 - Maurice Utrillo - 莫里斯-乌特里罗（Maurice Utrillo，1883-1955 年，巴黎达克斯）--《圣丹尼斯酒厂》。纸上水粉画，裱在画布上。约 31 x 49 厘米。左下方有签名和日期。 - 这幅作品创作于乌特里罗在巴黎艺术界取得突破后一年--当时蒸馏酒厂只在大城市以外的地区获准经营，并在圣德尼等郊区落户--莫里斯-乌特里罗特有的成熟画风，典型的人物造型自 1914 年以来，包括巴黎在内的几乎所有法国大城市都禁止蒸馏酒精，因为大部分非法蒸馏酒厂经常起火或出售受甲醇污染的不洁酒精。不过，法国当局的主要原因之一可能是非法蒸馏厂没有纳税。因此，这些蒸馏厂在邻近的城镇落户，如巴黎北部的圣德尼郊区。在工业化时期，该镇是金属、重工业和电气工业的重要基地。在我们的水粉画中，乌特里洛的典型背影在广场上漫步。在中景部分，我们可以辨认出一栋房屋墙壁上的酒厂字样，这表明我们正身处圣丹尼（Saint-Denis）。在树木半遮半掩的背景中，房屋的外墙鳞次栉比，右侧屋顶上耸立着一座工厂的烟囱。1922 年，也就是这幅作品创作的前一年，艺术品经销商保罗-纪尧姆（Paul Guillaume）组织了一次展览，展出了乌特里罗的 35 件作品，这标志着他在巴黎艺术界的突破。20 世纪 20 年代，莫里斯-乌特里罗是一位著名画家，并于 1924 年首次与其母亲苏珊娜-瓦拉东（Suzanne Valadon）共同举办了画展。Pétridès IV，AG 104，附巴黎 Gilbert Pétridès 的摄影鉴定，日期为 1988 年 1 月 13 日。鉴定编号为 19.519。展览：莫里斯-乌特里罗（Maurice Utrillo）逝世五百周年纪念，高岛屋博物馆，东京 a.o. 2005/06。出处：J.Goldschmidt收藏，巴黎；私人收藏，纽约；苏富比，纽约，1987年11月12日，拍号255。

估价 40 000 - 60 000 EUR

编号 448 - Serge Poliakoff - Serge Poliakoff（1900 莫斯科-1969 巴黎）--胭脂红单色画。布面油画。(1960).约 60 x 73 厘米。右下方有签名。画布背面再次签名。画室模制。 - 令人印象深刻的强大单色构图 - 通过最细微的色彩和可见的笔触表现出生动的结构 - 集中体现了波利克夫在其创作高峰时期的抽象主义精髓在这幅画中，塞尔日-波利克夫特意摒弃了他许多作品中典型的宽色调和多边形表面 - 乍一看似乎如此。然而，仔细观察，最初看似单色的表面却呈现出无数细微的色彩差别，多层次的、浮雕式的颜料涂抹显示出个别几何形状的微妙端倪。波利克夫因此获得了一种非常独特的冥想效果，这正是他绘画的特点。波利亚科夫的"（......）绘画是向内而不是向外发展的。这不仅适用于画面的结构和有机体，也适用于这种艺术的维度。它是抽象的，它与所有自然保持距离，因为它本身就是自然，但与表象世界没有任何联系。随着画面内容的逐渐纯化、形式的平和、色彩使用的更加经济、简洁和减少，以及单色画的内敛丰富，其精神内涵、严肃性和虔诚性也在增长。这些画作不涉及任何外在事物，它们不是标志，而是邀请我们沉浸其中，冥思苦想。它们是开放的"。(维兰德-施米德（Wieland Schmied），见：展览目录。Serge Poliakoff，Kestner-Gesellschaft Hannover，cat.5，1963 年，第 10 页）。从 1935 年起，波利克夫逐渐在绘画中找到了纯粹的抽象形式，从而摆脱了古典学院派训练意义上的早期具象作品。从那时起，他越来越多地使用纯粹的色彩，而不使用具象的参照物。波利克夫从康定斯基（他在巴黎结识了康定斯基）、艺术家德劳内夫妇以及雕塑家奥托-弗罗因德利希那里获得了重要的灵感。尽管受到这些重要影响，波利克夫还是很快发展出了一种非常独特、明确无误的抽象绘画形式。最初，他的作品表面仍是灰褐色，但从 20 世纪 50 年代起，色调明显变得明亮。画布背面有无法辨认的海关印章。波利亚科夫 60-52。出处：巴黎 Mony Calatchi 画廊；科隆私人收藏；慕尼黑私人收藏。

估价 120 000 - 160 000 EUR

编号 449 - Adolf Fleischmann - 阿道夫-弗莱施曼（1892 年生于埃斯林根，1968 年卒于斯图加特）--无题。布面油画。(约 100.5 x 81 厘米。右下方有签名，背面有签名和日期。 - 德国几何抽象主义的先驱 - 受蒙德里安绘画横竖秩序的启发 - 弗莱施曼独特风格的典范阿道夫-弗莱施曼是德国几何抽象主义的先驱之一，他在 20 世纪 50 年代找到了自己独特的风格。他使用由角度、窄条和矩形衍生的形式组成的稀疏基本语汇，创造出各种结构重叠的多层次构图。受蒙德里安的水平-垂直图像秩序的启发，他将几何形状与平行的窄条相映衬。这些条纹经过精心摆放，实现了弗莱施曼以精心设计的方式分割画面空间的迫切愿望。通过均衡的色彩，它们似乎漂浮在背景前，并最终开始振动。1950 年初，阿道夫-弗莱施曼 "突然意识到了使他成为我们所熟知的画家的曙光"。当时，他住在巴黎文森森林边上的一座古老的乡间别墅里（......）。他的绘画在前几个月发展迅速。他简化了绘画元素，摒弃了弧线，色调也更加克制。随后，他发现了蒙德里安非常欣赏的水平-垂直节奏，从而开始了他创作的全新阶段。当时他已年近六十，但这对他创作出大量作品来说还不算太晚，他的作品在数量和规模上都非常重要，可以说是本世纪下半叶最伟大的德国画家之一。(......）1952 年，当他不得不从巴黎搬到纽约时，他的新风格已经确立。弗莱施曼继续在自己的道路上前行，不允许任何事情分散他对所选方向的注意力"。(Michel Seuphor，Rolf Wedewer 著，Adolf Fleischmann 译，斯图加特，1977 年，第 7 页）。韦德韦尔则不然。感谢 Alfred M. Fischer 博士为本作品编目时提出的宝贵意见。展览：阿道夫-弗莱施曼。美国抽象艺术家？1952年至1967年美国晚期作品的主题、背景和接受情况》，戴姆勒艺术收藏馆，柏林，2016年，彩色插图，第101页。插图，第 101 页。出处：巴黎私人收藏。

估价 30 000 - 40 000 EUR

编号 450 - Ernst Wilhelm Nay - 恩斯特-威廉-奈（Ernst Wilhelm Nay，1902 年出生于柏林，1968 年出生于科隆）--橙色水银泻地。布面油画。(约 100 x 119.5 厘米。右下方有签名和年代。 - 选自名为 "Rhythmische Bilder "的重要系列作品--充满活力和能量的多色构图--该作品曾在 1990/91 年和 2022/23 年的奈伊大型回顾展上展出 "在这一切中，一个美妙的声音在独自歌唱：E.W. Nay。除了纯粹色彩的音乐大合唱，他再也不想思考视觉体验或定义形式。从他的色彩工具的高超意境中，升腾起一首无言之歌，将语言和内容远远抛在脑后，只诉说着画画时的喜悦（......）"。(Werner Haftmann，载于《FAZ》，1953 年 5 月 23 日）。橙色水星 "这幅画出自奈伊在 1952 年和 1953 年创作的 "节奏画 "系列。这幅画的标题是 "橙色水银"，由大量层次分明的暗色调和有节奏的黑色线条组成，使橙色区域几乎发光。这些 "节奏画 "所散发出的新活力和新鲜感与奈伊之前的作品形成了鲜明对比。即使是最近于 1951 年创作的画作，尽管色彩鲜艳，但也显得相当静态，近乎沉闷。这种变化在轮廓不再清晰的色彩区域中尤为明显。这些区域在很大程度上仍然是开放的，并形成了许多磨损的点和锯齿。纳伊非常熟悉木刻技法，并将其特点移植到了绘画媒介中，这一点与木刻技法的相似之处清晰可见。奈伊艺术创作的变化与他的个人生活和具体经历密切相关。1951 年秋天，艺术家从陶努斯河畔的霍夫海姆搬到科隆，在这座仍受到战争严重破坏的莱茵河畔大都市，他发现了一种极其鼓舞人心的乐观精神。奈伊参加了许多音乐会，不仅熟悉了勋伯格、韦伯恩、巴托克、斯特拉文斯基和欣德密斯的现代音乐经典，还了解了前卫音乐和爵士乐。此时，科隆成为 "新音乐 "的中心，作曲家和音乐家如卡尔海因茨-施托克豪森（Karlheinz Stockhausen）、赫伯特-艾默特（Herbert Eimert）、皮埃尔-布列兹（Pierre Boulez）和路易吉-诺诺（Luigi Nono）。1951 年，WDR 新成立了 "电子音乐工作室"。纳伊在这一艺术氛围极为浓厚的环境中社交，并从音乐中获得了巨大的灵感。正是在这一时期，纳伊取得了决定性的艺术突破，不仅在德国，而且在国际上也获得了认可。他的第一次欧洲邻国之行坚定了纳伊的艺术道路，"让他看到了战后重新发展的欧洲文化"（Elisabeth Nay-Scheibler，见：WVZ Bd. II，第 6 页）。1955 年，纳伊在美国的首次个展在纽约的 Kleemann Galleries 举行。同年，他参加了在卡塞尔举办的第一届文献展。1956 年，纳伊受托设计威尼斯双年展德国馆。画作 "Orange mercurial "参加了 1990/91 年在科隆、巴塞尔和爱丁堡举办的纳伊国际回顾展，并成为 8 月初刚刚结束的汉堡、威斯巴登和杜伊斯堡回顾展（2022/23）的一部分。担架背面有各种题词和运输标签。Scheibler 603。文献：Haftmann, Werner, E. W. Nay，科隆，1991 年（增订新版），第 162 页，无插图。展览：E. W. Nay，Günther Franke 画廊，慕尼黑，1952 年，目录编号 5，无插图；展览 Georg Meistermann、E. W. Nay、Hans Uhlmann，Ferdinand Möller 画廊，科隆，1952 年，目录编号 13；E. W. Nay，Kunstverein，汉堡，1955 年；E. W. Nay，Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen，杜塞尔多夫，1959 年，目录编号 78，无插图。编号 78，无插图；圣地亚哥藏品，拉霍亚艺术博物馆，拉霍亚/加利福尼亚州，1965 年；E. W. Nay 回顾展，路德维希/约瑟夫-豪布里奇博物馆，科隆及其他博物馆，1990/91 年，目录编号 51，附黑白插图，第 113 页；E. W. Nay。回顾展，汉堡美术馆，汉堡及其他 2022/23 年，展品编号 48，附彩色插图，第 176 页。第 176 页。出处：Günther Franke画廊，慕尼黑，1959年；Dalzell Hatfield画廊，洛杉矶；私人收藏，圣地亚哥；Hauswedell & Nolte，汉堡，1986年6月10日，拍得908号，彩色图版47（"Abstrakte Improvisation"）；私人收藏；佳士得，伦敦，1998年10月8日，拍得214号，彩色图版第273页；私人收藏，汉堡。

估价 300 000 - 400 000 EUR

编号 451 - Joan Miró - 琼-米罗（1893 年，巴塞罗那附近的蒙特罗伊-1983 年，马略卡岛帕尔马） - Tête. 青铜，带黑绿色铜锈。(1970).约 38 x 22 x 29 厘米。从仅有 8 件的 4 件编号作品中选出一件。后侧边缘有 T. Clémenti, Meudon, Paris 铸造厂的签名和铸造厂印章 "CLEMENTI CIRE PERDUE"。 - 琼-米罗独具特色的幽默超现实主义作品 - 以组合和 "objet trouvé "为基础创作 - 此青铜器仅铸造了 8 件琼-米罗是抽象超现实主义最重要的代表人物之一，他的作品主题鲜明，图案独特。他主要以丰富的绘画和版画作品闻名于世，但同时也从事雕塑创作。无论米罗采用哪种艺术媒介来表现自己，他的作品始终以俏皮优雅和轻盈明快为特征。早在 1930 年，琼-米罗就创作了他的第一批超现实主义雕塑作品，这些作品通常是用现成的材料拼凑而成，被称为 "objet trouvé"。从 20 世纪 60 年代起，他开始为公共空间创作大型雕塑，通常是色彩斑斓的彩绘雕塑，以及用青铜浇铸的具有组合风格的小型作品。1970 年的雕塑作品 "Tête "的模型显然也是由各种现成物品组合而成，然后再铸成青铜。我们仍然可以辨认出一个皇冠软木塞作为右手，一个金属钩作为左臂，一个球或一根短管子作为眼睛。"米罗做雕塑家并不是为了从绘画中解脱出来。对他来说，真正的冒险始于雕塑。在雕塑提供的表达可能性中，以及在他处理作品的方式中，他找到了与现实的直接接触，而在绘画时，他只能通过复杂的视觉语言接触到现实。(......)一切都始于即兴的收获。米罗悄无声息地从工作室消失，然后像小贩一样满载而归。他满载着一切不再有价值、不再需要的东西，但在他看来，这些东西仍能唤起不寻常的联想，经历意想不到的蜕变。(没有不重要的东西，只有错过的机会。米罗首先关注的不是美学。他关注的不是形式美或其独特性。相反，雕塑家被每个物体的能量和光芒所吸引，被蕴藏在物体内部的潜在力量所吸引，他必须首先捕捉这种力量，然后放慢速度，以便通过将其他物体与该物体相结合的方式，让这种力量更加强烈地凸显出来（......）。(......)（令人震惊的是，米罗所使用的对象）是如此普通，以至于我们甚至不再注意到它们：弯曲的钉子、生锈的铁片、一块木板、砖块碎片、水壶碎片、瓶塞、旧锅盖、木片（......）。有时，整个游戏会被神秘地点燃，原本只是为了好玩的游戏变成了 "伟大的游戏"--娱乐变成了颠覆性的行动。这一切都发生在即兴或偶然的基础上。游戏开始时没有规则，但游戏结束时会有奖赏。(Jacques Dupin，《作为雕塑家的米罗》，见：展览目录。Joan Miró.Skulpturen，Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung，慕尼黑，1990 年，第 19 页以下）。Jouffroy/Teixidor 179；Miró/Ortega Chapel 207。出处：纽约 Pierre Matisse 画廊；巴黎 Galerie Lelong 画廊；摩纳哥私人收藏。

估价 100 000 - 150 000 EUR

编号 700 - Anna-Eva Bergman - 安娜-伊娃-伯格曼（1909-斯德哥尔摩-1987-格拉斯）--"第 34-1962 号"。混合媒介、钢笔画、金属箔、纸张、木板。约 49 x 64 厘米。右下方有签名和日期。右下方有签名和日期，木板上有日期，标题和作品编号。可能是艺术家的画框。 - 安娜-伊娃-伯格曼（Anna-Eva Bergman）是斯堪的纳维亚艺术最重要的代表之一，她的抽象作品赞美了自然之美和遥远北方的风景、安娜-伊娃-伯格曼是斯堪的纳维亚和国际战后绘画最重要的代表之一--今年早些时候，巴黎现代艺术博物馆为这位艺术家举办了一次大型回顾展 20 世纪 50 年代初，挪威艺术家安娜-伊娃-伯格曼开始接触抽象艺术。她的灵感来源于大自然：石头、山、水或挪威的光线。虽然她的画作看似非具象，但却始终与现实保持着联系。伯格曼用一种蛋彩颜料和清漆将银片、金片或铜片固定在画布上的技术与她的艺术主题密不可分。闪闪发光的泥土材料捕捉光线，从而成为一个视觉参照区。她用抽象的自然形式创作的画作为人们提供了沉思和冥想的空间。在伯格曼的一生中，她的艺术作品大多被她的同胞艺术家兼丈夫德国画家汉斯-哈同（Hans Hartung）所掩盖。1957 年，她与哈同第二次结婚，并与他一起生活在巴黎。在那里，他们与索尼娅-德劳内-特克（Sonia Delaunay-Terk）、亚历山大-考尔德（Alexander Calder）、皮埃尔-苏拉热（Pierre Soulages）和玛丽亚-海伦娜-维埃拉-达席尔瓦（Maria Helena Vieira da Silva）等人在巴黎艺术界交往。伯格曼的作品在欧洲和美国举办的几次展览中得到了越来越多的认可。1959 年，伯格曼参加了在卡塞尔举办的第二届文献展。20 世纪 70 年代，伯格曼和哈同在法国安提布购买了一处房产，并在那里建立了工作室。如今，这对艺术家夫妇的作品在那里的哈同-伯格曼基金会展出。

估价 30 000 - 40 000 EUR

编号 701 - Sam Francis - 萨姆-弗朗西斯（1923 年，加利福尼亚州圣马刁市 - 1994 年，圣莫尼卡）--无题（"伯尔尼"）。水彩和水粉画，织纹纸。约 28 x 22.5 厘米。背面有签名、年代和地点 "伯尔尼 "的题字。 - 萨姆-弗朗西斯是抽象表现主义的主要代表人物之一 - 他的作品如今可见于全球最著名的博物馆和展览场所，如纽约现代艺术博物馆或伦敦泰特现代美术馆。对于萨姆-弗朗西斯来说，人类生存的动力就是创作过程。他的作品充满了脉动的活力和令人印象深刻的色彩强度，色彩相互流动，有时是飞溅或动态的飞溅。弗朗西斯很早就受到抽象表现主义代表人物的影响，尤其是马克-罗斯科（Mark Rothko）、阿希尔-高尔基（Arshile Gorky）和克莱福德-斯蒂尔（Clyfford Still）为他指明了方向。旅行、学习不同的技法和使用各种材料是他形成自己风格的最重要动力。萨姆-弗朗西斯通过绘画沉浸在自己的世界中，因此他的作品名称中经常反映出创作地点。他在伯尔尼、巴黎、东京、墨西哥城和加利福尼亚的家中都设有工作室，在世界各地创造了一座座隐居之岛。

估价 30 000 - 35 000 EUR

编号 702 - Sam Francis - 萨姆-弗朗西斯（1923 年，加利福尼亚州圣马刁市 - 1994 年，圣莫尼卡）--《无题》（"东京"）。水粉和水彩混合媒介，梭织纸。约 24 x 33 厘米。背面有签名、年代和地点 "东京 "的题字。 - 萨姆-弗朗西斯是抽象表现主义的主要代表人物之一，他早期的作品色彩丰富、充满活力，如今在全球最著名的博物馆和展览场所，如纽约现代艺术博物馆或伦敦泰特现代美术馆都能看到他的作品。

估价 25 000 - 35 000 EUR

编号 703 - Hp Zimmer - Hp Zimmer（1936 年，柏林 - 1992 年，索尔陶）--"拳击手"。布面油画。约 125 x 100 厘米。右上方有签名和年代（划痕）。右上方有签名和日期（有划痕），画布背面有签名和日期，标题和 "oben "字样，方向箭头和地点 "Brüssel"。 20 世纪 50 年代末，HP Zimmer 与他的学院同事 Lothar Fischer、Heimrad Prem 和 Helmut Sturm 在慕尼黑成立了传奇团体 "SPUR"。他们无政府主义地追求自由和微妙的幽默，经常被称为来自德国南部的怪异新达达主义者。他们的创作参考了巴伐利亚巴洛克精神、所谓的 "野蛮艺术"、表现主义、CoBrA 艺术和非正式艺术的回声等非魅力民间艺术。然而，在这个直到 1965 年才以这种形式存在的团体中，每一位艺术家都在绘画和雕塑中寻求并找到了自己的新的实验性表现形式。"拳击手 "在各个方面都是 SPUR 时期的典型代表，无论是其表现力、色彩还是主题。

估价 15 000 - 20 000 EUR

编号 704 - Heimrad Prem - Heimrad Prem（1934 年，罗丁/奥伯法尔茨 - 1978 年，慕尼黑）--赤身裸体面对红色。布面油画。(约 120 x 100 厘米。右下方有签名和年代。多纳赫 268 号出处：慕尼黑 van de Loo 画廊，担架上有标签和印章；慕尼黑私人收藏。

估价 20 000 - 25 000 EUR

编号 705 - Georg Baselitz - 乔治-巴塞利茨（1938 年，德国巴塞利茨/萨克森）--"一个劳动者"。纸上油画，裱在画布上。(约 100 x 82.5 厘米。左下方有签名。折叠画布上有日期、标题和题词。 - 巴塞利兹 1966 年至 1969 年重要的 Fraktur 绘画系列中的关键作品 - 具有挑衅性和挑战性的主题，将巴塞利兹绘画的美学和概念原则融为一体 - Fraktur 绘画是 2021 年巴黎蓬皮杜艺术中心重要回顾展的核心组成部分乔治-巴塞利兹的早期作品是具象的、狂野的 - 与抽象主义和非正规艺术恰恰相反，后者是 20 世纪 60 年代早期当代绘画的主要绘画形式。因此，他没有机会在柏林画廊展出自己的画作。因此，他决定与他的学生兼艺术家朋友欧根-舍内贝克（Eugen Schönebeck）一起活跃起来。1961 年，他们在柏林威尔默斯多夫一栋被拆除的住宅楼里举办了首次联合展览。他们甚至还为展览做了一次广告宣传：写下了 "潘德曼宣言"（Pandemonic Manifesto），在这篇愤怒的论战文章中，两位艺术家都宣称丑陋、淫秽和亵渎是新具象绘画最重要的主题。几年后，巴塞利茨创作出了他最重要的作品系列之一，即所谓的 "Frakturbilder"，在这些作品中，他试图为自己强烈的情感绘画寻找一种新的秩序。在这些作品（《Ein Werktätiger》是其中的杰出代表）中，巴塞利兹以之前的英雄系列为基础。他创造了一种扭曲的形象，最终导致了他从 1969 年开始创作的第一批倒置或颠倒的作品。因此，《Fraktur》系列画作处于艺术家创作中两个重要潮流的交汇点：创作一件处理第二次世界大战遗留问题的作品的愿望，以及寻找一种新的创作方法，在不进入纯粹抽象领域的情况下，将主题对象化并加以扭曲。在对挥舞斧头的工人的描绘中，一个工人以各种方式将画布劈开；画面领域被流畅而猛烈地撕裂和分割成一个精神分裂和支离破碎的复杂空间。与巴塞利茨在 20 世纪 60 年代创作的几乎所有作品一样，《Ein Werktätiger》提到了第二次世界大战后的国家概念。它将战前的怀旧情绪（以手持斧头的木工为象征）与战争的恐怖并置。巴塞利茨的 Fraktur 绘画具有挑衅性、挑战性和开创性意义。这些作品代表了巴塞利兹 20 世纪 60 年代绘画美学和概念原则的顶峰，为他此后 50 年的艺术创作奠定了基础。"一个劳动者 "是一幅非凡的画作，它见证了巴塞利茨最杰出作品的野性之美和严谨的理念。

估价 500 000 - 600 000 EUR

编号 706 - Philip Guston - 菲利普-古斯顿（1913 年，蒙特利尔 - 1980 年，纽约伍德斯托克）--《无题》。手工纸上的水粉混合媒介。(1949).约 22 x 20.5 厘米。左下方有签名。画框背面有整页的个人献词。纽约西赫尔利的古斯顿基金会确认，这件作品将被收录在菲利普-古斯顿的作品目录中。 - 罕见的作品，来自与菲利普-古斯顿有着深厚友谊的 Renate Ponsold-Motherwell 的遗产 - 50 多年来一直为私人所有，如今首次在国际艺术市场上亮相 - 1949-1966 年抽象创作阶段的作品，在色彩方面尤为典型 - 伦敦泰特现代美术馆正在举办菲利普-古斯顿回顾展，展期至 2024 年初。大都会博物馆和纽约现代艺术博物馆各收藏了 20 多幅菲利普-古斯顿的作品 "有两位艺术家令我着迷--皮耶罗-德拉-弗朗西斯卡和伦勃朗。皮耶罗是理想的画家：他追求抽象，追求某种梦幻般的、形而上的、完美的有机体。......我不认为现代艺术就是现代艺术。问题从很久以前就开始了，问题是：还能有什么艺术吗？菲利普-古斯顿，《艺术新闻年刊》第 31 期，1965/66 这幅菲利普-古斯顿罕见的早期水粉画和两幅后期水墨画（拍号 707 和 708）讲述了他与雷娜特-庞索德的亲密友谊。在那里，她遇到了比她年长 22 岁的菲利普-古斯顿，古斯顿当时已经是纽约画派的知名艺术家之一，并于 1962 年在古根海姆博物馆举办了自己的首次回顾展。Renate Ponsold 被纽约艺术界令人难以置信的活力所感染，并开始了她的摄影师生涯，为艺术家拍摄肖像照。1965 年，她在菲利普-古斯顿的工作室拍摄了他与传奇作曲家莫顿-费尔德曼对话的照片。在此期间，艺术家和摄影师的关系变得密切起来，菲利普-古斯顿也送给她他职业生涯不同阶段的许多作品。尤其值得一提的是 1949 年的小幅水粉画，其粉彩的色彩和层次感让人依稀想起皮耶罗-德拉-弗朗西斯卡的壁画。前一年，古斯顿首次前往意大利参加罗马大奖赛，这位意大利文艺复兴时期艺术家在阿雷佐的壁画给他留下了深刻印象。在这一创作阶段，古斯顿全身心地投入到抽象画创作中，时间长达 15 年左右。多年后，他将这幅非常特别的早期水粉画作为礼物赠送，并欣然题词："献给唯一，独一无二的 Renate"。1961年的抽象水墨画（拍号707）也是献给雷娜特的，它是菲利普-古斯顿的另一件典型作品，线条清晰，布局巧妙。最后，还有一件艺术家送给年轻摄影师的私人礼物：一幅 1965 年创作的 Renate 精彩肖像画，仅用寥寥几笔就绘制完成，很容易辨认，是晚期具象作品中卡通式脸部和人物独特风格的早期代表作。Renate Ponsold 于 1972 年与画家 Robert Motherwell 结婚。她将菲利普-古斯顿的这三幅特殊作品一直保存在她位于纽约第五大道的公寓里，直到今年春天去世。

估价 100 000 - 200 000 EUR

编号 707 - Philip Guston - 菲利普-古斯顿（1913 年，蒙特利尔 - 1980 年，纽约伍德斯托克）--《无题》。汉密尔顿-邦德（Hamilton Bond）创作的印度墨水水墨画。(约 1961 年）。约 27.5 x 35 厘米。中央下方有签名 "Philip"，右下方有个人题词 "献给雷娜特-伍德斯托克，三月"。纽约西赫尔利的古斯顿基金会确认，这件作品将被收录在菲利普-古斯顿的作品目录中。右下方可能有未知作者的日期。

估价 15 000 - 25 000 EUR

编号 708 - Philip Guston - 菲利普-古斯顿（1913 年，蒙特利尔 - 1980 年，纽约伍德斯托克）--《无题》（雷娜特肖像）。织纹纸上的印度墨水。(约 1965 年）。约 26.5 x 20.5 厘米。纽约西赫尔利的古斯顿基金会确认，这件作品将被收录在菲利普-古斯顿的作品目录中。背面刻有""Renate "by Philip Guston, 1965, N.Y."，字迹不详。

估价 8 000 - 10 000 EUR

编号 709 - Roman Opalka - 罗曼-奥巴尔卡（1931-哈伦库尔，2011-基耶蒂）--自画像。相纸上的黑白照片。(2000s).约 30.5 x 24 厘米。背面签名并刻有 "OPALKA 1965/1- ∞ Detail 5551741 OPALKA 13"。 .

估价 20 000 - 30 000 EUR

编号 710 - Roman Opalka - 罗曼-奥巴尔卡（1931 年霍金库尔 - 2011 年罗马）--"OPALKA 1965/1-∞，细节 4739782-4742554（carte de voyage）"。编织纸上的水墨。约 33 x 24 厘米。1965-∞.背面有签名和标题。 - 艺术家宏伟的 Gesamtkunstwerk 和人生作品 "1965 / 1 - unendlich "的一部分 - 罗曼-奥巴尔卡始终坚持自己的艺术理念，将作品和艺术家的人生联系在一起，这在 20 世纪的艺术界是独一无二的 - 他的作品曾在布鲁塞尔美术宫、布鲁塞尔艺术博物馆、现代艺术博物馆、布鲁塞尔艺术博物馆和布鲁塞尔艺术博物馆等举办个展。他的作品曾在布鲁塞尔美术宫、巴黎市立现代艺术博物馆、维也纳路德维希现代艺术基金会博物馆和柏林国家美术馆等举办个展。 1965 年是波兰裔法国艺术家罗曼-奥巴尔卡创作的重要转折点。当时他仍住在华沙，开始创作他的巨作--他的毕生心血："1965 / 1 - 无限"。他用钛白颜料在深色底漆画布的左上角写下数字 "1"，然后从左到右无限地数下去。从 1972 年开始，他用磁带记录下每件作品的创作过程。多年来，奥巴尔卡的创作理念越来越严格，所有画布的尺寸都必须相同。在每个工作日结束时，他都会加上一张自拍照，自拍照总是穿着白衬衫，面部表情也总是中性的。1972 年，他还决定在画布与画布之间淡化 1%的底色。最后，人物形象几乎无法辨认。到他去世时，他在画布上创作了 233 个 "细节"，总计达 5607249 个数字。在旅行时，罗曼-奥巴尔卡用纸和铅笔或墨水继续这一巨大的艺术作品--创作所谓的 "旅行地图 "或 "旅行图"。每一幅画或素描都是前一幅画或素描的延续。根据色彩运用的浓淡，一幅幅生动活泼的人物画就会呈现在观者眼前。通过这种严格的概念方法，奥巴尔卡的作品将生活时间和工作时间融为一体：通过系统地发展和具体化他的想法，他成功地使时间可见，并使观众面对时间性的问题。罗曼-奥帕尔卡坚持其理念的一贯性是绝对独一无二的：时间本身贯穿于他的画作之中，他的作品在时间的无限发展中实现了自我。

估价 60 000 - 80 000 EUR

编号 711 - Agostino Bonalumi - Agostino Bonalumi (1935 Vimercate - Desio 2013) - Nero. 画布上的混合媒介和钢笔画。(约 70 x 60 厘米。画布背面有签名、日期和 "米兰 "字样。 - 阿戈斯蒂诺-博纳鲁米（Agostino Bonalumi）在他的物体绘画中探索了画布的可塑性 - 受到卢西奥-方塔纳（Lucio Fontana）剪纸绘画的启发，作为德国艺术家团体 ZERO 的追随者，他是意大利前卫艺术的领军人物之一意大利前卫艺术家阿戈斯蒂诺-博纳鲁米（Agostino Bonalumi）最著名的作品就是他的形状各异的单色画布。1959 年，他与恩里科-卡斯特拉尼（Enrico Castellani）和皮耶罗-曼佐尼（Piero Manzoni）共同创建了 "阿兹穆特画廊"。他们还共同出版了同名杂志，并在创刊号上提出了艺术家的主题思想：每件艺术作品都是独立的，指向自身，拥有自己的现实性和真实性；艺术不模仿任何事物。围绕 "Azimut "的米兰圈继承了丰塔纳的传统，所有艺术家都在尝试一种新的绘画概念，即把绘画看成是三维的色彩体。从这个意义上说，博纳鲁米的物体绘画在空间中形成了一种实体存在。Bonalumi 在画布上用衬布做模型，从而形成了各种各样的形状。这些作品从黑色或红色等少数几种颜色开始，以自主色彩体的形式出现，其单色色彩增强了三维效果和光影效果。

估价 90 000 - 120 000 EUR

编号 712 - Piero Manzoni - 皮耶罗-曼佐尼（1933 年生于米兰附近的松奇诺，1963 年卒于米兰） - Achrome. 玻璃纤维、木材、纺织品、胶带，装在原物盒中。(约 65 x 60 x 24.5 厘米（玻璃纤维物品约 24.5 x 19.5 厘米）。画框背面有两次签名和日期。 - 从 1957 年起，皮耶罗-曼佐尼开始创作 "无色 "作品系列 "Achromes"--白色、蓬松的玻璃纤维会对空气流动和气候波动产生反应--他开发了激进的新艺术方法，被视为概念艺术的先驱。到 1963 年他突然去世时，他的作品在艺术史上具有极其重要的意义，但在数量上却很少。曼佐尼的艺术生涯始于自学，最初创作的是手势抽象作品。然而，他很快开始质疑传统的艺术创作方法，并探索艺术实践与集体意识之间的联系。1957 年，当他在米兰阿波利奈尔画廊（Galleria Apollinaire）看到伊夫-克莱因（Yves Klein）的展览 "单色提案，蓝色时期，1957 年 "时，曼佐尼对当代艺术的看法发生了根本性的改变。展览只展出了 11 幅几乎完全相同的单色蓝色画作。作为对伊夫-克莱因开创性姿态的直接反应，曼佐尼开始尝试用不同材料创作一系列作品，所有这些作品都是 "无色 "或白色的--这就是首批 "Achrome "绘画作品的诞生。他一直致力于 "Achrome "绘画的创作。最初，他在画布上涂上石膏粉（一种石膏、粉笔和颜料的混合物），然后开始尝试使用化学改性棉花、玻璃纤维、涂有高岭土的面包卷、聚苯乙烯球和石头等新材料。现在，在纽约现代艺术博物馆、洛杉矶古根海姆博物馆和伦敦泰特现代美术馆等地都可以看到 "Achrome "绘画作品。

估价 180 000 - 200 000 EUR

编号 713 - Dadamaino - 达达马伊诺（1930 - 米兰 - 2004 年）--"卷"。丙烯酸画布，带剪纸。约 70 x 50 厘米。担架上有签名、年代和标题。 - 爱德华达-艾米利亚-马伊诺（Eduarda Emilia Maino），人称达达马伊诺，是 20 世纪 60 年代米兰先锋派最重要的代表人物--她与皮耶罗-曼佐尼（Piero Manzoni）、图里-西梅蒂（Turi Simeti）和阿戈什蒂诺-博纳鲁米（Agostino Bonalumi）一起，在米兰著名的阿兹慕画廊（Azimut Gallery）举办展览，是零点运动的国际成员--她凭借自己的 "体积 "作品，在卢西奥-方塔纳（Lucio Fontana）之后创造了独一无二的作品--达达马伊诺是阿兹慕画廊周围米兰艺术家圈子中唯一的女性。20 世纪 60 年代，她开始创作黑白作品，通过在画布上凿洞，将画布从表面和局限性中解放出来。通过早期系列作品的标题，艺术家表达了她所关注的问题：体积。在她的构思中，画布既不是投影表面，也不局限于矩形。尽管达达马伊诺的作品在大胆程度上接近卢西奥-方塔纳的激进方案，但她只是在后来才得到认可，并于 1980 年首次受邀参加威尼斯双年展。

估价 25 000 - 30 000 EUR

编号 714 - Turi Simeti - Turi Simeti（1929 年阿尔卡莫 - 2021 年米兰） - Segno Giallo。压克力模压画布。(1971).约 70.5 x 81 厘米。画布（难以辨认）和担架上有签名和日期。与恩里科-卡斯特拉尼和阿戈斯蒂诺-博纳鲁米的作品一样，米兰艺术家图里-西梅蒂的单色 "模压 "画布如今也是源自意大利零点运动的独特艺术运动的最重要代表之一。20 世纪 50 年代末，图里-西梅蒂在罗马结识了阿尔贝托-布里（Alberto Burri），之后开始自学绘画，1965 年移居米兰后，加入了年轻一代艺术家的行列，他们都参加了同年在卢西奥-方塔纳（Lucio Fontana）工作室举办的传奇性 "零前卫 "展览。1971 年创作的 "Segno Giallo (Yellow Sign) "是图里-西梅蒂作品中典型而杰出的代表作，构图完美平衡，色彩运用简约。

估价 15 000 - 20 000 EUR

编号 715 - Rodolfo Aricò - 鲁道夫-阿里科（1930 - 米兰 - 2002）--《无题》。丙烯酸画布（3 部分）。(约 60 x 60 x 6 厘米（整体尺寸）。木质背板上有签名、日期和两次题词。米兰极简主义艺术家罗伯托-阿里科（Roberto Aricò）的墙面绘画作品受到贫困艺术（Arte Povera）、早期美国波普艺术以及唐纳德-贾德（Donald Judd）和弗兰克-斯特拉（Frank Stella）等艺术家的影响。他的作品向空间敞开，玩弄三维和无限透视的幻觉。20 世纪 60 年代，阿里科两次参加威尼斯双年展，并创作了这幅令人信服的白色帆布作品《无题》。在随后的几年中，阿里科通过表面结构和微妙的色彩层次，完善了他创造深度和空间感的能力。物体与图像、表面与空间之间的界限从未清晰界定。

估价 20 000 - 25 000 EUR

编号 716 - Herman De Vries - 赫尔曼-德弗里斯（1931 年，阿尔克马尔）--"随机人物（V68-3）"。硬板上的浮雕、油彩和木板。(约 60 x 60 厘米。背面有签名、年代和标题。在赫尔曼-德-弗里斯决定成为自由艺术家之前，他曾接受过景观园艺师培训，年轻时在田野、森林和花园工作过几年。他将自己对大自然和生物现象的观察与哲学问题相结合。凭借这些思考，德弗里斯为 1945 年后的艺术讨论做出了贡献，并在今天继续做出独立和普遍认可的贡献。赫尔曼-德-弗里斯是荷兰 nul 团体的创始成员之一，该团体与 ZERO 关系密切，同时也宣告了视觉艺术的新开端。1984 年，de Vries 参加了由 Kaspar König 策划的 "Von hier aus - Zwei Monate neue deutsche Kunst in Düsseldorf "展览。如今，这个项目被认为是当时最重要的定位定义之一。2015 年，赫尔曼-德弗里斯受托负责威尼斯双年展荷兰馆。

估价 18 000 - 22 000 EUR

编号 717 - Rupprecht Geiger - 鲁普雷希特-盖格（1908 - 慕尼黑 - 2009 年）--"805/89"。木板上的丙烯酸。1989/(2000).约 115 x 103 厘米。担架背面有签名、年代、标题和尺寸、三个方向箭头及个人献词。 - 墙上的物体散发出强烈的红色色调，展现了鲁普雷希特-盖格典型的简化形式语言 - 色彩区域内的柔和调制产生了非凡的效果 - 鲁普雷希特-盖格凭借其色彩调制在艺术史上占有一席之地 "红色是美丽的。红色是生命、能量、效力、力量、爱、温暖、力量。红色让人兴奋"，鲁普雷希特-盖格，1975/78 年在鲁普雷希特-盖格的一生中，色彩--尤其是色彩的亮度和能量--是他作品的主题。当你观看他的作品时，色彩似乎在震动，这可以成为一种视觉体验。他将自己的艺术语汇限制在没有局部参照或透视的基本形式上，以便给予色彩充分的关注。作为一名训练有素的建筑师，他早在 1948 年就开始尝试不规则的形式，甚至早于我们熟知的弗兰克-斯特拉（Frank Stella）或埃尔斯沃思-凯利（Ellsworth Kelly）在 20 世纪 60 年代初提出的美国 "异形画布"。他希望避免风景画的联想，增加抽象性。在杜塞尔多夫工作期间（1965-76 年），盖格曾将颜料喷洒在单幅画的支撑物上，之后在 20 世纪 80 年代，他又回到了用画笔点涂和用颜料滚筒滚涂的技法。在 1989 年的作品中，完美无瑕的粉末涂层画面表面变成了一个不安分的泥土结构，有的地方还隆起。在构图方面，盖格在 20 世纪 80 年代侧重于长方形的简单组合，并采用了他特有的各种红色。

估价 50 000 - 70 000 EUR

编号 718 - Sam Francis - 萨姆-弗朗西斯（1923 年，加利福尼亚州圣马刁市 - 1994 年，圣莫尼卡）--《无题》（SF76-003）。 Wz.斯特拉斯莫尔在梭织纸上绘制的丙烯画。(1976).约 58 x 73 厘米。背面有签名。跃动的活力和令人印象深刻的色彩强度是这幅作品的特点。弗朗西斯将红色、橙色、蓝色、绿色、紫色和黑色以条纹、飞溅和喷溅的方式动态地运用在作品中。它们相互交融、重叠。部分揭开的背景营造出片刻的宁静，同时也产生了空间深度。萨姆-弗朗西斯的艺术作品现在可以在世界最著名的博物馆和展览中心找到，如纽约现代艺术博物馆和伦敦泰特美术馆。

估价 35 000 - 45 000 EUR

编号 719 - Günther Förg - Günther Förg (1952 弗森 - Freiburg i. Br. 2013) - 无题。纸上水彩和油画棒。(约 47.5 x 36 厘米。右上方有签名和日期。 - 弗尔格是当代艺术中最多才多艺的代表人物之一--"Gitterbilder "组画中风格鲜明的构图--建筑摄影和有机图像结构的综合体。除了绘画，冈特-弗尔格还大量使用摄影。在对这一媒介的探索中，福尔格发现了他自 20 世纪 90 年代起创作的具有鲜明风格的 "网格画"（Gitterbilder）。这些作品以他的黑白建筑摄影为基础，通过清晰的网格和简单的几何形式探索空间现象。网格的手势执行是其特点；它们并不像皮特-蒙德里安等人的作品那样被严格放置，而是由弗尔格用看似快速放置的笔触组合而成。从其深度效果来看，建筑错落有致的理念依然鲜活。然而，水彩和粉彩的使用，使表面看起来更像是一个有机生长的结构。网格仿佛漂浮在画作的地面之上。

估价 30 000 - 35 000 EUR

编号 720 - Imi Knoebel - Imi Knoebel（1940 年，德绍）--"左轮手枪 II E"。塑料薄膜上的丙烯和拼贴画。约 46 x 62 厘米。仅有的 5 幅编号作品之一。背面有签名、年代和标题。伊米-克诺贝尔（Imi Knoebel）在杜塞尔多夫学院约瑟夫-博伊斯（Joseph Beuys）充满传奇色彩的课堂环境中学习期间，就开始了分析性系列作品的创作。他在绘画和雕塑的极简主义混合体中探索形式、色彩、材料、光线和线条。左轮手枪 "系列作品也是在这一背景下诞生的。在该系列作品中，克努贝尔通过将线条和面板叠加在鲜艳的棱镜色中，创造出色度密度高、视觉冲击力强的作品。通过叠加，塑料箔片相互投射出阴影，交织在一起，使色域倍增，从而营造出一种无限可能的感觉，这正是该系列作品名称的含义所在。

估价 25 000 - 30 000 EUR

编号 721 - Giorgio Griffa - 乔治-格里法（Giorgio Griffa，1936 年出生于都灵） - Orizzontale. 丙烯酸画布。(约 52 x 54 厘米。画布上有签名和日期。 20 世纪 60 年代末，乔治-格里法在都灵吉安-恩佐-斯佩罗内的画廊以其对绘画基本元素的激进探索而声名鹊起。1972 年创作的 "Orizzontale "堪称他非同寻常的创作过程的典范：画布铺在地板上，没有画框，慢慢吸收丙烯颜料涂抹的色彩痕迹和条纹。这强调了绘画行为的内在逻辑。以这种方式创作的画作成为实现独立的物理和时间绘画的片段。

估价 20 000 - 25 000 EUR

编号 722 - Sean Scully - 肖恩-斯卡利（Sean Scully，1945 年，都柏林）--"长袍"。水彩和铅笔画在坚实的手工编织纸上。(约 77 x 57 厘米。上方空白处有签名、日期 "9.22.07 "和标题。背面有个人献词。 - 线性基本结构与抒情色域绘画在构图上形成鲜明对比，极具吸引力 - 斯库利是他这一代最重要的抽象画家之一 - 重要作品收藏于世界各地的著名博物馆。画家肖恩-斯库利在这些横向的矩形区域中运用了他朴实、温暖、天鹅绒般的色彩。一切都柔和、流畅，笔触清晰可辨，线条的每一个细节都能看出人手的轻微不精确。他的作品质地细腻，给人以沉思的感觉，这些都是这位爱尔兰画家作品的特点，他的抒情抽象画使他成为当代最重要的艺术家之一。斯卡利的艺术生涯长达 50 多年，在他艺术生涯的初期，他居住在纽约，并与罗伯特-雷曼（Robert Ryman）成为朋友。在此期间，他采用了 "硬边 "绘画的方法，但他摒弃了这种方法，转而采用了自己的风格。他所画的一切都与物体有关，是他自身视觉体验的结果。例如，在纽约，斯库利在街道交叉口和摩天大楼峡谷中看到了明显的水平线和垂直线。长袍 "指的是迭戈-委拉斯开兹（Diego Velázquez）著名的教皇英诺森十世（Pope Innocent X）肖像，以及佩戴在肩上的莫泽塔（mozetta）。肖恩-斯库利 1945 年出生于都柏林。在伦敦学习艺术后，他于 1975 年移居纽约。除纽约外，这位艺术家还在巴塞罗那和慕尼黑生活和工作。2002 年，他获得了慕尼黑美术学院的教职。如今，他的作品被许多重要的公共机构收藏，包括慕尼黑现代绘画陈列馆和伦巴赫美术馆、都柏林爱尔兰现代艺术博物馆和苏黎世美术馆。

估价 40 000 - 60 000 EUR

编号 723 - Tony Cragg - 托尼-克拉格（1949 利物浦）--秘密。立方体，玻璃纤维。(1999).高约 110 厘米，直径约 230 厘米。 - 独一无二的作品，具有壮观的材料美感 - 典型的早期作品，由数百个骰子组合而成 - 私人拥有超过 20 年。首次在国际拍卖市场上亮相 - 克拉格是国际当代艺术中最具创新性和多才多艺的雕塑家之一。今年年初，慕尼黑现代绘画陈列馆在 "克拉格 "展览中展出了与之相当的早期作品。"......主要行为是将材料重组（有时只是建议）为图像和形式，将其作为新体验、新见解和新自由的复杂象征"。人们很少会遇到不仅无法形容，而且简直无法想象的艺术。雕塑 "Secretions "就是其中之一。它是英国艺术家托尼-克拉格自 1995 年起创作的同名系列作品的一部分。数以百计的骰子构成了一个无定形形状的表皮，它无法附着在任何有形的东西上。相反，它出色地展示了克拉格改造现成材料并将其组合成伟大新事物的能力。单个的立方体经常被放错位置，卷在沙发下面或丢在暖气片后面。我们通常不会注意到它们。在这里，克拉格将大量的立方体以大型的形式摆放在我们面前，赋予了它们新的表现力。作品蜿蜒的曲线和表面的光反射给《Secretions》带来了难以抗拒的触感和美感。闪亮的表面上点缀着黑色的圆点，使雕塑具有灵光和神秘的特质。作为机会和赌博的象征，骰子的联想将我们带回克拉格作品的基本前提：随机选择的过程，这也可以理解为对 DNA 编码和进化的一种暗示。克拉格始终关注人类与物质世界的关系。对他来说，自然科学是其艺术作品的基础和根基。雕塑和科学同样是理解物质世界和形而上世界的工具。积累原则从一开始就是克拉格作品的基本工作方法。这位现年 74 岁的艺术家在 20 世纪 80 年代初与阿尼什-卡普尔（Anish Kapoor）和安东尼-戈姆雷（Antony Gormley）一起作为新英国雕塑运动的一员而声名鹊起。他通过对事物的梳理，成为国际当代艺术中最具创新性和多才多艺的雕塑家之一。克拉格没有从零开始开发新的形式，而是将工作室里的残余物堆成整体，或将收集的塑料垃圾制成彩色编码的组合体。他的一些雕塑作品由他自己收集的物品组成，例如被冲到莱茵河上的塑料物品，这些物品是他 1977 年搬到伍珀塔尔后开始收集的。

估价 200 000 - 300 000 EUR

编号 724 - Tony Cragg - 托尼-克拉格（利物浦，1949 年）--边疆。锈迹斑斑的钢铁。(2015).约 39 x 55 x 28 厘米。35 件编号作品之一。底板背面刻有签名。 - 柏林墙倒塌 25 周年特别版 "Grenze weg"--锈迹斑斑的典型钢雕--克拉格是国际当代艺术中最具创新性和多才多艺的雕塑家之一。在德国统一 25 周年的背景下，雕塑作品 "Grenze weg "向这一历史事件和勃兰登堡门致以崇高的敬意。这件厚重的作品反映了这座不朽地标曾经的不可逾越性，以及柏林墙的突破和倒塌。克拉格用钢铸造了这件雕塑，并让其表面自然氧化。"Grenze weg "给人留下深刻印象的不仅是其外形尺寸，还有其深刻的象征意义。这件作品是克拉格独特而有机的形式语言的典范。

估价 40 000 - 50 000 EUR

编号 725 - Jorinde Voigt - Jorinde Voigt (1977 Frankfurt/Main) - Passio | Niklas Luhmann | Love as Passion | Passion: Rhetoric of Excess and Experience of Instability | XXI. 矩阵 1-191 | 旋转方向 | 旋转速度 | 1-95 圈/天 | 前天 → ∞ | 昨天 → ∞ | 今天 → ∞ | 明天 → ∞ | 后天 → ∞ | Egomotion | 红心方向 N-S | 现在 Artistico Fabriano 在梭织纸上用墨水、金箔、粉彩、油画棒、铅笔绘制。约 210 x 140 厘米。左下方有签名、年代和 "柏林 "地点的题字。附后：展览目录：Jorinde Voigt.亲密关系的编纂。尼克拉斯-卢曼作品，《爱如激情》，大卫-诺兰画廊，纽约，2014 年。 - 色彩斑斓、极具吸引力的大尺幅纸上作品--典型的哲学参照著名社会理论家尼克拉斯-卢曼（Niklas Luhmann）--当今国际艺术市场上最炙手可热的艺术家之一，由纽约大卫-诺兰画廊（David Nolan Gallery）和慕尼黑克吕瑟画廊（Galerie Klüser）代理。自 2019 年起担任汉堡美术学院教授 Jorinde Voigt 的作品为绘画媒介增添了一个迷人的维度："爱如激情 "等系列是选定主题的绘画参考系统。她的主题可以是对音乐作品、文学作品、自然现象或哲学思想的诠释。这些作品是由 48 幅作品组成的 "爱如激情 "系列的一部分，该系列根据社会学家尼克拉斯-卢曼（Niklas Luhmann）1982 年的同名著作改编。在这本书中，他探讨了社会在多大程度上塑造了我们的爱情观。沃伊特精致的图画代表了她对卢曼思想的诠释所产生的复杂视觉结果。她经常使用箭头、概念、数字、旋转和图表在不同的维度上同时进行创作。爱如激情 "的大幅画作还采用了特别多样、强烈的色彩搭配：金色、红色和蓝色是这组近乎抒情画的主要色彩。这是因为她的作品总是概念性和抒情性兼具，沃伊特将绘画和写作视为一种手势动作。这些交织在一起的思维和绘画过程是即兴的，可以随意浓缩和延伸，也允许碰撞。福伊特的绘画作品可以像音乐一样被阅读、解读和审美。它们很难被具体定义。

估价 40 000 - 60 000 EUR

编号 726 - Jorinde Voigt - Jorinde Voigt（1977 年，法兰克福/美因）--意义的中心时刻 | Niklas Luhmann | 作为激情的爱情 | 爱情语义学的演变 | XII. 矩阵 1-77 | 旋转方向 | 旋转速度 | 1-34 转/天 | 前天 → ∞ | 昨天 → ∞ | 今天 → ∞ | 明天 → ∞ | 后天 → ∞ | 蛋动 | 现在 | 天体方向 N-S 墨水、金箔、粉彩、油画棒、铅笔，Artistico Fabriano 织纹纸。约 210 x 140 厘米。左下方有签名、日期和地点。附后：展览目录：Jorinde Voigt.亲密关系的编纂。尼克拉斯-卢曼作品，《爱如激情》，大卫-诺兰画廊，纽约，2014 年。 .

估价 40 000 - 60 000 EUR

编号 727 - Michael Krebber - Michael Krebber (1954 Cologne) - MK.291. 丙烯酸画布。约 200 x 150 厘米。画布上有签名和日期。 - 从纽约的 Greene Naftali 手中购得，后为私人所有 - 克雷伯的作品现存于纽约现代艺术博物馆、巴黎蓬皮杜艺术中心、柏林汉堡火车站、科隆路德维希博物馆和慕尼黑布兰德霍斯特博物馆等。大尺寸画布作品《MK.291》具有迈克尔-克雷伯作品的特色：激进的、乍看之下令人恼火的绘画表现形式的简化。在白色底色的画布上，用鲜艳的红色勾勒出几个画家的手势。延续与中断、完成与失败之间的犹豫不决在这里几乎一览无余。克雷伯对绘画媒介的质疑几乎超过了其他人。尽管如此，或者说正因为如此，他的画作在娴熟甚至细腻的处理中透露出对绘画技艺及其美学的虔诚。克雷伯在担任马丁-基彭贝格尔（Martin Kippenberger）的助手期间发展出了自己的概念方法，并因此在 20 世纪 80 年代和 90 年代的科隆艺术界声名鹊起。这种方法的基础是对 21 世纪绘画可能性的长期怀疑。这种犹豫不决的态度--他经常被比作赫尔曼-梅尔维尔笔下的 "巴特比"--使迈克尔-克雷伯独树一帜。花花公子、画家、战略家："我称自己为艺术家，"克雷伯曾说，"这就足够了"。

估价 35 000 - 45 000 EUR

编号 728 - Keith Sonnier - 基思-桑尼耶（1941 年，马穆/路易斯安那州 - 2020 年，纽约）--普洛特斯。装有氩气和氖气的玻璃管。约 140 x 93 x 9 厘米。美国艺术家基思-桑尼耶以其灯光装置而闻名。他从 20 世纪 60 年代开始尝试使用霓虹灯管，并与丹-弗拉文、詹姆斯-特雷尔和理查德-塞拉一起成为雕塑的创新者之一。他的理念远远超越了传统的体积概念；最重要的是，色彩的融入及其相互作用拓展了空间体验及其效果。早在 1969 年，凯斯-索尼尔就参加了哈拉尔德-塞曼（Harald Szeemann）在伯尔尼策划的划时代展览 "生活在你的头脑中：哈拉尔德-塞曼（Harald Szeemann）在伯尔尼策划了名为 "生活在你的头脑中：当态度成为形式 "的划时代展览。在欧洲，慕尼黑机场一公里多长的 "光路 "是他在公共空间创作的最美装置之一。这件作品以希腊神话中的海神 "普洛特斯 "为名，他也是爱尔兰作家詹姆斯-乔伊斯的灵感来源。在他的主要作品《尤利西斯》中，第三章的标题也是 "普洛特斯"。

估价 25 000 - 35 000 EUR

编号 729 - Sigmar Polke - 西格玛-波尔克（1941 年，奥尔斯/西里西亚 - 2010 年，科隆）--《无题》（Unter Krahnenbäumen）。水彩画纸。(1984).约 55 x 75 厘米。西格玛-波尔克是德国当代最杰出的艺术家之一。在他的一生中，他一直在质疑和拓展普通的艺术观念。他没有形成自己独特的风格；他游走于具象和抽象世界之间，他的作品往往是全方位开放实验的结果。波尔克出生于 1941 年，在德意志联邦共和国初期，他经历了资本主义的兴起和生活各个领域日益商业化的过程。正是在这样的社会环境中，他提出了重新定位艺术的想法。

估价 20 000 - 25 000 EUR

编号 730 - Robert Rauschenberg - 罗伯特-劳森伯格（1925 年，德克萨斯州阿瑟港 - 2008 年，佛罗里达州卡普提瓦岛）--《无题》（《无题四》）。混合媒介、铅笔、丙烯酸和拼贴纸袋，印在坚实的梭织纸上。(约 93 x 59.5 厘米。右下方有签名和日期。 1974 年创作的《无题 (IV)》展现了罗伯特-劳森伯格对日常材料美学特质的兴趣。1971 年，劳森伯格将自己的主要居住和工作地点从纽约搬到佛罗里达州的卡普蒂瓦（Captiva），从喧闹的城市换到更安静的环境后，他开始尝试使用纸板箱和纸袋等随处可见的材料。虽然《无题（IV）》没有被归入一个特定的作品系列，但它与劳申伯格前一年创作的 "埃及系列 "有着共同的特点。

估价 25 000 - 30 000 EUR

编号 731 - Raimund Girke - 雷蒙德-吉尔克（1930 年海因岑多夫/西里西亚-2002 年科隆）--"Lichter Raum"。布面油画。(约 141 x 161 厘米。在担架和折叠画布上有签名、年代、标题、尺寸和 2 个方向箭头。 - 雷蒙德-吉尔克（Raimund Girke）是 1945 年后分析绘画的先驱 - 他生前举办过多次作品回顾展，最近一次是 2022 年在杜伊斯堡 MKM Küppersmühle 博物馆举办的追思展。在雷蒙德-吉尔克 1980 年至 1999 年的主要创作阶段，他用极富动感的笔触构造整个画面 - 有时是动态地落下，有时是有规律的节奏。他有意利用暗色调的强化和激活效果，使白色更加明显。深色调要么透过一层薄薄的白色，湿润地与白色融为一体，要么作为点缀从白色中脱颖而出。对他来说，白色高于其他所有颜色，在他的作品中体现出绝对的静谧、活力和清晰。这位德国抽象分析绘画的代表人物的作品在国内外获得了无数奖项和展览。早在 1959 年，他就获得了 "沃尔夫斯堡市绘画奖"，1995 年获得 "洛维斯-科林斯奖"，2002 年获得 "下萨克森州艺术奖"。1977 年，他参加了在卡塞尔举办的第六届文献展。1995/96 年，汉诺威 Sprengel 博物馆、伍珀塔尔 Von der Heydt 博物馆、萨尔布吕肯 Saarlandmuseum 博物馆和纽伦堡 Kunsthalle 美术馆为他举办了全面的作品回顾展。

估价 25 000 - 35 000 EUR

编号 732 - Hermann Nitsch - 赫尔曼-尼奇（1938 年，维也纳 - 2022 年，米斯特尔巴赫）--无题。麻布上的丙烯。(约 80 x 60 厘米。画布上有签名和日期，折叠画布上标有 "KK_Simone_08"。 - 简洁的帆布作品 - 赫尔曼-尼奇的 "Schüttbilder "是维也纳行动主义的标志 - 今年年初，纽约佩斯画廊为去年去世的艺术家举办了回顾展 "精选绘画、行动、遗物和乐谱，1962-2020"。赫尔曼-尼奇的 "Schüttbilder "是维也纳行动主义的标志。 1960 年，赫尔曼-尼奇进行了他的第一次丑闻表演，将动物的血倒在画面上。从这些最初的行为开始，他逐渐发展出 "Schüttbild "的原理，后来他用刷子、海绵，甚至直接从罐子里往黄麻或麻布上涂抹红色颜料。2008 年创作的这幅作品是绘画过程的一个缩影，艺术家的手势在其中得到了呼应。即使在干燥时，也能感觉到颜色在上部聚集成团，并以狭窄的小溪流向下流动。尼奇将创作过程的强度理解为一种具有宣泄效果的艺术自我表达行为。

估价 25 000 - 35 000 EUR

编号 733 - Günther Förg - Günther Förg (1952 弗森 - Freiburg i. Br. 2013) - 无题。颜料画布，铝制担架。(约 90 x 70.5 厘米。画布背面有签名、年代和编号 "161/97"。 - 典型的、结构清晰的作品，表面极具吸引力 - 私人拥有超过 20 年，首次在拍卖市场上亮相 - 贡特-福尔格是当代最杰出的艺术家之一，其遗产由豪瑟与沃斯画廊独家代理 - 他的作品现收藏于众多国际博物馆，包括纽约现代艺术博物馆、阿姆斯特丹 Stedelijk 博物馆、旧金山艺术博物馆和美因河畔法兰克福 Städel。这幅作品的表面光泽度很高。画面中央是一条垂直排列的深色条纹，两侧是对比鲜明的淡黄色色块。浅色区域中穿插的细小深色条纹尤为吸引人。色彩仿佛凝固在画布上。Günther Förg 的这幅作品创作于 1997 年，是画家独具特色的漆画之一。早在 1993 年，作为教堂窗户项目的一部分，福尔格一直在寻找一种透明的颜色，他在一种用松节油稀释的合成树脂涂料中找到了这种颜色。这为新的绘画发明铺平了道路。冈特-福尔格是当代艺术中最多才多艺的代表人物之一。早在 20 世纪 70 年代在慕尼黑美术学院创作的第一批绘画作品中，福尔格就致力于实验和探索绘画的可能性。起初，他使用海绵为单色画布上色，避免使用画笔进行任何姿态的创作。

估价 50 000 - 70 000 EUR

编号 734 - Salvo (Salvatore Mangione) - Salvo (Salvatore Mangione) (1947 Leonforte - 2015 Turin) - "La Seconda Volta" (San Raffaele a Lesbo)。木板油画。(2013).约 33.5 x 42.5 厘米。背面有签名和标题。 - 萨尔沃最初属于都灵 "贫困艺术 "运动的圈子，曾与吉安-恩佐-斯佩罗内（Gian Enzo Sperone）一起举办过展览 - 20 世纪 70 年代，他转向绘画创作，并形成了自己独特的风格，如荒芜的梦境、二维描绘和独特的光线 - 他被认为是 20 世纪最重要的意大利艺术家之一，早在 1972 年就参加了在卡塞尔举办的第五届文献展萨尔沃的艺术根源可以在 20 世纪 60 年代末的贫困艺术中找到。1969 年至 1972 年，他与同样自学成才的艺术家阿利吉耶罗-博埃蒂（Alighiero Boetti）在都灵共用一间工作室。1972 年，萨尔沃应邀参加了第五届文献展的 "个人神话 "单元，这是哈拉尔德-塞曼（Harald Szeemann）的一个构想，在该单元中，艺术家退隐到私人领域，以艺术家的个人经历和记忆为特征的象征性视觉语言将占据中心位置。尽管萨尔沃早在 1973 年就放弃了观念艺术，从此主要致力于传统绘画，但记忆和内省等主题仍然是这位艺术家作品的特点。"La Seconda Volta "展现的是莱斯沃斯岛上著名的 Agios Raphael 修道院的荒芜景象；这里弥漫着一种神奇的、近乎诗意的氛围，与乔治-德-基里科（Giorgio de Chirico）被遗弃的梦境遥相呼应。

估价 30 000 - 40 000 EUR

编号 735 - Alex Katz - 亚历克斯-卡茨（1927 年生于纽约）--黄色郁金香。博物馆木板上的彩色丝网印刷。(2014).约 122 x 196 厘米（纸张尺寸）。左下方有签名。这幅创作于 2014 年的作品 "黄色郁金香 "展现了亚历克斯-卡茨与花卉图案的深厚渊源，自 20 世纪 60 年代以来，尤其是在缅因州的暑假期间，他一直在深入研究这一主题。这幅图形作品《黄色郁金香》指的是 2013 年创作的油画作品《郁金香 4》，纽约现代艺术博物馆收藏了这幅作品。通过这一系列花卉画，亚历克斯-卡茨将他早年对大尺幅风景画的热情与肖像画相结合。通过夸张的图案放大，花卉图案及其美学被高度风格化，并被描绘成自由漂浮在画面支架上。微距摄影的方法让人联想到经典的自然摄影，而单色背景和鲜艳的色彩组合则模糊了观者的现实感。除了花卉绘画，卡茨还创作了许多系列的版画，所有这些作品都被世界各地的著名收藏机构收藏。

估价 25 000 - 30 000 EUR

编号 736 - Bernd Zimmer - Bernd Zimmer（1948 年，慕尼黑附近的 Planegg）--"Strand"。布面丙烯和油画。(约 190 x 240 厘米。画布背面有签名、年代和标题。 - 早期 "Mare Mosso "系列中令人印象深刻的稠密作品--创作于意大利拉帕洛--贝恩德-齐默是当代最重要的风景画家之一自 20 世纪 70 年代末以来，贝恩德-齐默的强势主题一直是风景。不断变化、瞬息万变的天空形态和天气，可以在几秒钟内改变任何景观。大海直接反映了天气和光线条件，是艺术家一生的中心主题。伯恩德-齐默的作品并非直接从大自然中汲取灵感，而是凭记忆创作的画作，与可识别的地形地点无关，更多的是画家的创作过程。伯恩德-齐默尔的作品并不是直接从大自然中获得灵感，而是从记忆中创作出来的画作，与可识别的地形地点关系不大，更多的是关于画家的创作过程，是将大自然转化为绘画语言：如何才能在精确构建的二维色彩空间中再现风景的色彩氛围、光线和独创性？伯恩德-齐默尔始终坚持系列创作，这使得他不再将自然形式归结为封闭的单一图像，而是接近于自然形式无限多变的现象。

估价 20 000 - 30 000 EUR

编号 737 - Martin Kippenberger - 马丁-基彭伯格（1953 年，多特蒙德 - 1997 年，维也纳）--无题（我们与滚石乐队没有过节，因为我们买了他们的吉他）。灯箱物体。(1989).约 148 x 127 x 12 厘米。独一无二的作品。 - 在传奇的 "没有问题的图片 "背景下创作 - 基彭贝格尔是 20 世纪最受国际认可的德国艺术家之一马丁-基彭贝格尔是尖刻讽刺和冲突挖苦的大师。他的生活和艺术创作密不可分，他的生活和艺术创作都非常投入和过度，这也给他个人带来了巨大的影响。背光作品 "我们与滚石乐队没有过节...... "采用了广告灯箱的醒目美学，像拼贴画一样将文字和图像结合在一起。这件不同寻常的作品是作为 "没有问题的图片 "展览的一部分而创作的，该展览于 1986 年在慕尼黑的 Christoph Dürr 画廊举办，如今已享有崇高的地位。在那里展出的主要是海报：基彭伯格对德国历史，尤其是战后如何面对过去十分着迷。通过他的《没有问题》，他决定将德国令人不安的历史公开主题化。通过探索耻辱和失败的创造潜力，这些作品延续了他早先在 1984 年创作的 I.N.P.（=不尴尬）图片的项目。

估价 45 000 - 55 000 EUR

编号 738 - François-Xavier Lalanne - 弗朗索瓦-格扎维埃-拉兰内（François-Xavier Lalanne，1927 年生于阿根，2008 年卒于乌里（塞纳-马恩省））--聊天。黑色和黄色大理石。(约 1990 年）。约 15 x 31 x 16 厘米。250 件编号作品之一。底部画廊牌匾上刻有字母。这只优雅的卧猫由黑色大理石制成，眼睛是黄色的，是弗朗索瓦-格扎维埃-拉兰内超现实主义作品中的一件特色作品，其灵感来自动物、植物和动物群。他创作的动物雕塑，如绵羊、猴子、青蛙、猫、河马和犀牛等，异想天开却又不失诗意。拉兰内将它们的形态抽象化、风格化，并幽默地将其中一些改装成功能性用途。1952 年，拉兰内在巴黎举办了他的首次展览，主要展出绘画作品，在这次展览上，他结识了雕塑家克洛德-杜佩（Claude Dupeux），后者后来成为了他的妻子。他们开始合作，创作雕塑与日常用品的混合作品。日后，他们以 "莱斯-拉兰内 "自居。两位艺术家各自开发自己的作品，但都有一个共同的宇宙，灵感来自动物和植物世界，并经常一起展出。他们的作品被伊夫-圣洛朗（Yves Saint Laurent）、皮埃尔-贝尔热（Pierre Bergé）或罗斯柴尔德家族等大收藏家收藏，并在世界各地的画廊和博物馆展出。2010 年巴黎装饰艺术博物馆举办的回顾展是两人最后的大型展览之一。

估价 25 000 - 35 000 EUR

编号 739 - Bernar Venet - Bernar Venet (1941 Château-Arnoux) - "不定线的随机组合"。纸板上的 6 幅彩色水印蚀刻和聚合物雕刻系列。(2018/2019).约 45.5 x 69.5 厘米（纸张尺寸约 68.5 x 91 厘米）。50件编号作品之一。每幅作品右下方均有签名和标题。 Bernar Venet 的作品异常多样；20 世纪 60 年代，他最初创作无定形装置，使用松散材料，是观念艺术的主要代表之一。不久之后，维纳开始创作钢制雕塑，灵感来自唐纳德-贾德、丹-弗拉文和卡尔-安德烈等极简主义雕塑家的作品。如今，在世界各地的博物馆和公共场所都能看到这些鲜明的雕塑作品。自 20 世纪 80 年代以来，线条一直是 Venet 作品的主导主题。这一系列以不确定线条的随机组合为主题的图形是数学信息的图形再现，也是 Venet 艺术关注的缩影。

估价 18 000 - 22 000 EUR

编号 740 - Damien Hirst - 达米安-赫斯特（Damien Hirst，1965 年出生于布里斯托尔）--《皇后》。 5 幅绢画系列，铝复合板上的层压轧染艺术印刷品上有闪光颗粒。(2022).每幅约 100 x 100 厘米（纸张尺寸）。2,853、3,041、3,315、3,310 和 2,814 件编号作品中的一件。背面版本标签上有签名。在达米恩-赫斯特的 "皇后 "系列中，每幅作品都呈现出独特的红黑蝴蝶翅膀图案。这种图案与他 2000 年代初著名的 "万花筒 "系列遥相呼应。这些版画不仅是对帝王蝶的有趣影射，也是对历史上五位重要皇后的纪念：武则天、狄奥多拉、努尔哈赤、隋淑妃和塔伊图-贝图...

估价 18 000 - 22 000 EUR

现当代艺术晚间拍卖会

Karl & Faber - +(49)89.22.18.68 - Email

编号 709 - Roman Opalka - 罗曼-奥巴尔卡（1931-哈伦库尔，2011-基耶蒂）--自画像。相纸上的黑白照片。(2000s).约 30.5 x 24 厘米。背面签名并刻有 "OPALKA 1965/1- ∞ Detail 5551741 OPALKA 13"。 .

现当代艺术晚间拍卖会

Karl & Faber - +(49)89.22.18.68 - Email

编号 709 - Roman Opalka - 罗曼-奥巴尔卡（1931-哈伦库尔，2011-基耶蒂）--自画像。 相纸上的黑白照片。(2000s).约 30.5 x 24 厘米。背面签名并刻有 "OPALKA 1965/1- ∞ Detail 5551741 OPALKA 13"。 .

编号 709 - Roman Opalka - 罗曼-奥巴尔卡（1931-哈伦库尔，2011-基耶蒂）--自画像。相纸上的黑白照片。(2000s).约 30.5 x 24 厘米。背面签名并刻有 "OPALKA 1965/1- ∞ Detail 5551741 OPALKA 13"。 .