Inter-antiquariaat Mefferdt & De Jonge

- Ruth Muller - Fashion design - Ruth Muller, 1930s. DESSIN DE MODE DE LA FIN DES ANNÉES 30 "Jet Trim", dessin à la plume et à l'aquarelle réalisé par Ruth Muller. Signé en bas à droite. Dimensions (papier) : environ 38 x 25,5 cm. Le dessin fait partie d'une série de créations de mode des années 1937-1938. Ruth Muller était probablement une créatrice pour l'un des principaux grands magasins de New York. La silhouette à la mode à la fin des années 1930 avait évolué vers un torse svelte et allongé avec des épaules qui s'élargissaient et une tête soignée avec des cheveux courts légèrement ondulés. Bien que les lignes soient simples, l'effet global est celui d'une féminité sinueuse, avec une taille naturelle et des jupes s'évasant légèrement à la cheville. La guerre approchait, une conception intelligente permettait une utilisation efficace du tissu. Prix : 650,- euros (cadre compris)

650 EUR

- Leo Rauth - Jugendstil - Leo Rauth, 1911. Windhund, lithographie Art nouveau coloriée au pochoir par Leo Rauth. Signé, daté 1911 et titré en creux. Imprimé sur carton à dessin marbré de nuages. Dim. : (papier) 38 x 38 cm. Peintre et graphiste Leo Rauth (1884-1913), a étudié à l'académie des arts de Leipzig, Karlsruhe, Berlin et Munich (sous la direction de Franz von Stuck) et a travaillé à Leipzig à partir de 1909. Rauth a peint des portraits, des nus, des scènes de carnaval, a créé des dessins pour des décors de théâtre ("Les petits riens" ?), des affiches et des graphiques utilitaires. Prix : 1 650 euros (cadre compris)

1 650 EUR

- Olga Behr - Women's fashion design - Olga Behr 1908-1910. 1910 MODE FEMININE Modèles de mode, dessins à l'encre noire et bleue réalisés vers 1908-1910 par Olga Behr et Gladys. 1908-1910 par Olga Behr et Gladys. Taille : images environ 35 x 14-16 cm, cadres 54 x 34 cm. À une époque où les maisons de couture parisiennes dictent le style, les créateurs envoient leurs mannequins à l'hippodrome de Longchamp pour défiler dans les dernières créations et être repérés par les photographes. La femme idéale est grande, avec une taille fine mais des hanches et une poitrine pleines, des cheveux ondulés, et elle est à la mode et sûre d'elle. Les robes avaient des lignes fluides, une traîne et une taille haute. Les femmes portaient d'énormes chapeaux garnis de grandes et belles plumes et de larges rubans. La Belle Epoque ne tardera pas à prendre fin. C'est l'époque où la femme moderne est "née". Une nouvelle génération est à la recherche d'une vie différente de celle de leurs mères et de leurs grands-mères. Elles vont dans les villes en quête d'aventure et d'indépendance, cherchent du travail comme vendeuses, femmes d'affaires ou femmes de carrière et reçoivent ainsi leur propre revenu. À partir des années 1910, les femmes commencent à se maquiller davantage, ce qui n'est plus associé uniquement au théâtre ou à un comportement immoral. Prix : Euro 525,- (chacun, cadre inclus)

525 EUR

- Lode Sebregs - Winter Hat Fashion - Lode Sebregs, 1930s. COLLECTION D'HIVER AU GRAND BAZAR "Hiver au Grand Bazar". Gouache sur papier, dessin pour une affiche publicitaire de Lode Sebregts. Début des années 30. Signé en haut à gauche. Dim. : environ 70 x 53 cm. Ouvert dans la Groenplaats d'Anvers en 1885, le Grand Bazar du Bon Marché est devenu un nom connu bien au-delà de la ville. L'ouverture du grand magasin de luxe a également marqué les débuts de la place en tant que centre de la mode. Un an à peine après le Grand Bazar, Vaxelaire-Claes ouvre un grand magasin tout aussi luxueux au coin de la Nationalestraat. Les beaux chapeaux et les costumes coquets avec lesquels les Anversoises du début du vingtième siècle défilaient dans les rues étaient souvent achetés dans l'un de ces grands magasins calqués sur le modèle parisien. Il reste peu de choses des deux grands magasins aujourd'hui. Vaxelaire-Claes a fait place à un centre commercial en faillite. Le Grand Bazar a été transformé en hôtel Hilton. Ce projet d'affiche pour la collection d'hiver a dû voir le jour au début des années 1930. Le béret des années 1920 avait pris de l'ampleur. Asymétrique, haut à l'arrière et bas à l'avant. Le feutre a été amidonné pour qu'il ne pende pas mollement. Lode Sebregts (1906-2002), originaire d'Anvers, était peintre, écrivain, illustrateur, enseignant, affichiste, décorateur et costumier. Sebregts compte 85 expositions à son actif et une œuvre variée d'environ 1 000 peintures. Prix : 1 350 euros (cadre compris)

1 350 EUR

- Jules David - Belle Epoque fashion - Jules David, 1877. DAMES ELEGANTES AU BOIS DE BOULOGNE Dessin de mode à la plume et à l'aquarelle sur carton de Jules David (1808 - Paris - 1892). Signé en bas à gauche. Verso daté/inscrit : "1877 / 3ème No d'Avril / No 16" ? Dimensions : 29,1 x 23,5 cm. Cette aquarelle fait partie d'une série de dessins de mode créés par David pour le magazine parisien Le Moniteur de la Mode ("Journal du Grand Monde"). Modes, Illustrations, Patrons, Littérature, Beaux-Arts, Théâtres" ?). Plusieurs exemplaires sont conservés au Musée des Arts Décoratifs (Pavillon de Marsan/Louvre). David a été l'élève de Duval le Camus et a reçu une Mention Honorable du Salon en 1885. Cette œuvre provient de la collection de Charlotte von Prybram-Gladona. Charlotte, habituée du Beau Monde, est née à Munich en 1910 et a épousé le noble viennois Albin von Prybram-Gladona à l'âge de vingt-quatre ans. Le couple s'est rencontré en prenant des cours de danse qu'Albin, de vingt ans son aîné, prenait pour garder la forme ( !). Sa famille a entretenu des liens étroits avec Einstein, Schweitzer, Rilke et Thomas Mann, tandis qu'il connaissait Johannes Brahms comme "˜uncle Jo'". Lorsque Charlotte et Albin se sont installés à Paris juste avant le début de la Seconde Guerre mondiale, ils ont été contraints de vendre la majeure partie de leur collection de meubles. Cependant, cela leur a permis de s'adonner à leur passion pour les dessins, qui prenaient beaucoup moins de place. Le couple retourne en Autriche en 1969 et s'installe à Salzbourg. Albin meurt cinq ans plus tard, tandis que Charlotte y atteint l'âge avancé de 92 ans. Prix : 985 euros (TVA de 21% incluse)

985 EUR

- Eugène Grasset - Jalousie - Eugène Grasset, 1897. Jalousie [Jealousy], lithographie dessinée par Eugène Grasset en 1897, publiée par G. de Malherbe. Taille : Ø 68,5 cm. De la série Dix Estampes Décoratives (caracteres de femmes, fleurs emblematiques) publiée dans une édition 750. Eugène Samuel Grasset (1841 -1917) était un artiste décorateur franco-suisse qui a travaillé à Paris, en France, dans divers domaines de la création à la Belle Époque. Il est considéré comme un pionnier du design Art nouveau. Fils d'un ébéniste et d'un sculpteur, il est élevé dans un environnement artistique. Il a étudié le dessin avec François Bocion (1828-1890) et est allé à Zürich en 1861 pour étudier l'architecture. Il devient un admirateur de l'art japonais, qui influence certaines de ses créations. Entre 1869 et 1870, Grasset travaille comme peintre et sculpteur à Lausanne. Il s'installe à Paris en 1871 où il conçoit des meubles, des tissus et des tapisseries, ainsi que des céramiques et des bijoux. Ses pièces d'art décoratif étaient fabriquées à partir d'ivoire, d'or et d'autres matériaux précieux dans des combinaisons uniques et ses créations sont considérées comme la pierre angulaire des motifs et des dessins de l'Art nouveau. En 1877, Eugène Grasset s'est tourné vers le graphisme, produisant des produits générateurs de revenus tels que des cartes postales et éventuellement des timbres-poste pour la France et la Suisse. Cependant, c'est l'art de l'affiche qui devient rapidement son point fort. Certaines de ses œuvres font partie des Maîtres de l'Affiche. Grasset a passé la majeure partie de ses dernières années à enseigner dans diverses écoles de Paris. Nombre de ses élèves deviendront eux-mêmes d'éminents artistes, sans surprise, dont beaucoup au sein du mouvement Art nouveau. Sa polyvalence, ses instincts et ses capacités n'ont pas seulement influencé ceux à qui il a enseigné, mais aussi des artistes éminents comme Alphonse Mucha, et ont laissé une marque bouleversante sur les arts et les artistes qui ont suivi. Prix : Euro 1.850,- (incl. lijst)

1 850 EUR

- Eugène Grasset - Froideur - Eugène Grasset, 1897. Froideur [coldness], lithographie dessinée par Eugène Grasset en 1897, publiée par G. de Malherbe. Taille : Ø 68,5 cm. De la série Dix Estampes Décoratives (caracteres de femmes, fleurs emblématiques) publiée dans une édition 750. Eugène Samuel Grasset (1841 -1917) était un artiste décorateur franco-suisse qui a travaillé à Paris, en France, dans divers domaines de la création à la Belle Époque. Il est considéré comme un pionnier du design Art nouveau. Fils d'un ébéniste et d'un sculpteur, il est élevé dans un environnement artistique. Il a étudié le dessin avec François Bocion (1828-1890) et est allé à Zürich en 1861 pour étudier l'architecture. Il devient un admirateur de l'art japonais, qui influence certaines de ses créations. Entre 1869 et 1870, Grasset travaille comme peintre et sculpteur à Lausanne. Il s'installe à Paris en 1871 où il conçoit des meubles, des tissus et des tapisseries, ainsi que des céramiques et des bijoux. Ses pièces d'art décoratif étaient fabriquées à partir d'ivoire, d'or et d'autres matériaux précieux dans des combinaisons uniques et ses créations sont considérées comme la pierre angulaire des motifs et des dessins de l'Art nouveau. En 1877, Eugène Grasset s'est tourné vers le graphisme, produisant des produits générateurs de revenus tels que des cartes postales et éventuellement des timbres-poste pour la France et la Suisse. Cependant, c'est l'art de l'affiche qui devient rapidement son point fort. Certaines de ses œuvres font partie des Maîtres de l'Affiche. Grasset a passé la majeure partie de ses dernières années à enseigner dans diverses écoles de Paris. Nombre de ses élèves deviendront eux-mêmes d'éminents artistes, sans surprise, dont beaucoup au sein du mouvement Art nouveau. Sa polyvalence, ses instincts et ses capacités n'ont pas seulement influencé ceux à qui il a enseigné, mais aussi des artistes éminents comme Alphonse Mucha, et ont laissé une marque émouvante sur les arts et les artistes qui ont suivi. Prix : Euro 1.850,- (Cadre inclus)

1 850 EUR

- Madame Bruyère - Fashion design, "Diner au Cabaret" - Madame Bruyère, 1930s. DAMES ELEGANTES AU BOIS DE BOULOGNE Dessin de mode à la plume et à l'aquarelle sur carton de Jules David (1808 - Paris - 1892). Signé en bas à gauche. Verso daté/inscrit : "1877 / 3ème No d'Avril / No 16" ? Dimensions : 29,1 x 23,5 cm. Cette aquarelle fait partie d'une série de dessins de mode créés par David pour le magazine parisien Le Moniteur de la Mode ("Journal du Grand Monde"). Modes, Illustrations, Patrons, Littérature, Beaux-Arts, Théâtres" ?). Plusieurs exemplaires sont conservés au Musée des Arts Décoratifs (Pavillon de Marsan/Louvre). David a été l'élève de Duval le Camus et a reçu une Mention Honorable du Salon en 1885. Cette œuvre provient de la collection de Charlotte von Prybram-Gladona. Charlotte, habituée du Beau Monde, est née à Munich en 1910 et a épousé le noble viennois Albin von Prybram-Gladona à l'âge de vingt-quatre ans. Le couple s'est rencontré en prenant des cours de danse qu'Albin, de vingt ans son aîné, prenait pour garder la forme ( !). Sa famille a entretenu des liens étroits avec Einstein, Schweitzer, Rilke et Thomas Mann, tandis qu'il connaissait Johannes Brahms comme "˜uncle Jo'". Lorsque Charlotte et Albin se sont installés à Paris juste avant le début de la Seconde Guerre mondiale, ils ont été contraints de vendre la majeure partie de leur collection de meubles. Cependant, cela leur a permis de s'adonner à leur passion pour les dessins, qui prenaient beaucoup moins de place. Le couple retourne en Autriche en 1969 et s'installe à Salzbourg. Albin meurt cinq ans plus tard, tandis que Charlotte y atteint l'âge avancé de 92 ans. Prix : 985 euros (TVA de 21% incluse)

750 EUR

- Marie-Louise Bruyère - Fashion design, "Nymphéas" - Marie-Louise Bruyère, 1930s. Nymphéas, dessin de mode des années 1930 pour la collection de Marie-Louise Bruyère. Aquarelle sur papier gris. Mme Bruyère (1884 - après 1959) est née dans la campagne française, mais ses parents ambitieux se sont installés dans la banlieue parisienne en pleine expansion, où ils ont prospéré. Ils habitaient le quartier chic de Saint Gratien, où vivait également la princesse Mathilde (nièce de Napoléon Ier). Elle se forme auprès de Louise Cheruit puis de Jeanne Lanvin. En 1928, elle ouvre sa propre maison "Bruyère Couture" et, avec ses collections du début des années 1930, elle se place parmi les jeunes créateurs de son temps tels que Schiaparelli, Alix, Rochas et Mainbocher. Sa renommée s'étend au niveau international, ce qui lui permet d'ouvrir un grand salon sur la place Vendôme en 1937. Ses créations sont également exportées aux États-Unis. En 1932, le nom de Bruyère est le troisième plus connu dans les magasins de Manhattan (derrière Vionnet et Lanvin). Ses vêtements sont chics, très faciles à porter et surtout à la mode, avec des éléments de design subtils et inhabituels. Avec deux défilés par an de 200 modèles chacun, sa production est énorme et en 1947, elle compte 328 employés. Son entreprise se développe jusqu'au milieu des années 1950, lorsque la mode passe au prêt-à-porter, et la société ferme ses portes après quelques années. Prix : Euro 750,- (cadre inclus)

750 EUR

- Jules Chéret - La Bodinière - Jules Chéret, 1895-1900. "La Bodinière", lithographie en couleurs dessinée par Jules Chéret, publiée par l'impremerie Chaix entre 1895-1900 pour leurs "Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers"...Format (papier) : 40 x 29 cm. Le Théâtre La Bodinière était un théâtre à Paris dirigé par Charles Bodinier entre 1890 et 1902. Il présentait des conférences et des spectacles pour un public distingué d'aristocrates, de grands bourgeois et d'intellectuels. La série des Maitres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui a atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes comme Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. Avec la vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie, est apparu un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude - mais la taille même des affiches rendait leur stockage difficile et souvent impossible. La série des Maitres de l'Affiche est née de ce dilemme. En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les passionnés ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche comptait 256 plaques lithographiques miniatures réalisées par des experts et représentant le meilleur de la Belle Époque. Au cours de ses cinq années d'existence, de la fin 1895 à 1900, la série a connu un énorme succès, et elle continue d'être populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection des Maitres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chéret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et fondateur virtuel de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chéret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chéret a ouvert sa propre imprimerie, qui allait devenir une succursale du grand éditeur français Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix a fourni à Chéret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre premières planches sont publiées en décembre 1895 et présentent des affiches de Chéret, Toulouse-Lautrec, Julius Price et Dudley Hardy. La série se poursuivra pendant soixante mois au total, pour s'achever en novembre 1900, marquant ainsi l'apogée de l'engouement pour les affiches. Au final, il y a eu 240 planches régulières et 16 planches bonus. La série des Maitres de l'Affiche fonctionnait un peu comme un magazine contemporain. L'amateur d'affiches avait la possibilité d'acheter les quatre planches du mois en cours auprès d'un marchand spécialisé ou de s'abonner à la série pour la durée d'un an. En France, un abonnement d'un an coûtait 27,- francs, ce qui correspondait à environ cinq à dix versions originales en taille réelle des affiches présentées dans la série Maitres. La première planche de chaque mois est une affiche de Chéret lui-même, ce qui fait de lui l'artiste le plus fréquemment représenté dans la série. En effet, les 60 planches régulières et les sept planches bonus de Chéret représentent près de 25 % de l'ensemble de la collection. Au total, 97 artistes du monde entier sont représentés dans la série des Maitres de l'Affiche, dont plus de la moitié sont français. En revanche, seuls quatre d'entre eux venaient d'Italie, six d'Allemagne et huit d'Angleterre. Un éventail de styles populaires se dégage de la collection, notamment l'Art nouveau classique d'Alphonse Mucha et de Privat Livemont, les illustrations d'Edward Penfield et d'Adolphe Willette, et les qualités graphiques de Toulouse-Lautrec et de Pierre Bonnard. Les affiches originales en taille réelle et les tirages Maitres qu'elles ont inspirés n'ont jamais été considérés comme concurrents, mais plutôt comme deux entités totalement différentes. Alors que les affiches étaient grandes et audacieuses, les tirages étaient appréciés pour leur taille et leurs détails exquis. En outre, les affiches étaient souvent imprimées sur du papier journal bon marché en raison de leur courte durée de vie prévue. Les estampes, quant à elles, étaient réalisées sur du papier très fin à l'aide de techniques d'impression trop complexes pour des objets plus grands. La collection d'estampes était un passe-temps extrêmement populaire en soi, bien avant que les affiches ne deviennent à la mode. Chéret a introduit l'affiche moderne, mais ce n'est qu'avec le Mou

375 EUR

- Karel Reisner - F. & D. Malý - Karel Reisner, 1895-1900. "F. & D. Malý", lithographie en couleurs de Karel Reisner (1868-1913) publiée à l'origine par Anton Vitek, ici publiée par l'impremerie Chaix entre 1895-1900 pour leur "Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Format (papier) : 40 x 29 cm. Affiche publicitaire Art nouveau pour la bijouterie et l'orfèvrerie F. & D. Malý, située dans la Postovská ulitce à Prague, " vendant un grand choix d'articles de mode de sa propre production ". La série Maitres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui a atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes comme Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. Avec la vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie, est apparu un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude - mais la taille même des affiches rendait leur stockage difficile et souvent impossible. La série des Maitres de l'Affiche est née de ce dilemme. En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les passionnés ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche comptait 256 plaques lithographiques miniatures produites par des experts et représentant le meilleur de la Belle Époque. Au cours de ses cinq années d'existence, de la fin de 1895 à 1900, la série a connu un énorme succès, et elle reste populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection Maitres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chéret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et fondateur virtuel de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chéret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chéret a ouvert sa propre imprimerie, qui allait devenir une succursale du grand éditeur français Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix a fourni à Chéret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre premières planches sont publiées en décembre 1895 et présentent des affiches de Chéret, Toulouse-Lautrec, Julius Price et Dudley Hardy. La série se poursuivra pendant soixante mois au total, pour s'achever en novembre 1900, marquant ainsi l'apogée de l'engouement pour les affiches. Au final, il y a eu 240 planches régulières et 16 planches bonus. La série des Maitres de l'Affiche fonctionnait un peu comme un magazine contemporain. L'amateur d'affiches avait la possibilité d'acheter les quatre planches du mois en cours auprès d'un revendeur spécialisé, ou de s'abonner à la série pour une durée d'un an. En France, un abonnement d'un an coûtait 27,- francs, ce qui correspondait à environ cinq à dix versions originales en taille réelle des affiches présentées dans la série Maitres. La première planche de chaque mois était une affiche de Chéret lui-même, ce qui en fait l'artiste le plus fréquemment représenté dans la série. En effet, les 60 planches régulières et les sept planches bonus de Chéret représentent près de 25 % de l'ensemble de la collection. Au total, 97 artistes du monde entier sont représentés dans la série des Maitres de l'Affiche, dont plus de la moitié sont français. En revanche, seuls quatre d'entre eux venaient d'Italie, six d'Allemagne et huit d'Angleterre. Un éventail de styles populaires se dégage de la collection, notamment l'Art nouveau classique d'Alphonse Mucha et de Privat Livemont, les illustrations d'Edward Penfield et d'Adolphe Willette, et les qualités graphiques de Toulouse-Lautrec et de Pierre Bonnard. Les affiches originales en taille réelle et les tirages Maitres qu'elles ont inspirés n'ont jamais été considérés comme concurrents, mais plutôt comme deux entités totalement différentes. Alors que les affiches étaient grandes et audacieuses, les gravures étaient appréciées pour leur taille et leurs détails exquis. En outre, les affiches étaient souvent imprimées sur du papier journal bon marché en raison de leur courte durée de vie. Les estampes, quant à elles, étaient réalisées sur du papier très fin à l'aide de techniques d'impression trop complexes pour des articles plus grands. La collection d'estampes était un passe-temps extrêmement populaire en soi, bien avant que les affiches ne deviennent à la mode. Chéret a introduit l'affiche moderne, mais ce n'est qu'avec le Moulin Rouge

375 EUR

- Louis John Rhead - Read The Sun - Louis John Rhead, 1895-1900. "Read The Sun", lithographie en couleurs de Louis John Rhead, publiée par l'impremerie Chaix entre 1895-1900 pour leur "Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Format (papier) : 40 x 29 cm. The Sun était un journal londonien du soir publié en Angleterre entre 1893 et 1906. Destiné à être une publication littéraire et explicitement sans allégeance politique, il a été fondé et initialement édité par T. P. O'Connor. La série des Maitres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui a atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes comme Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. La vague de revues, de livres et d'expositions consacrés aux affiches au cours de la décennie s'est accompagnée d'un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude, mais la taille même des affiches rendait leur stockage difficile, voire impossible. La série des Maitres de l'Affiche est née de ce dilemme. En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les passionnés ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche comptait 256 plaques lithographiques miniatures produites par des experts et représentant le meilleur de la Belle Époque. Au cours de ses cinq années d'existence, de la fin de 1895 à 1900, la série a connu un énorme succès, et elle reste populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection des Maitres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chéret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et fondateur virtuel de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chéret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chéret a ouvert sa propre imprimerie, qui allait devenir une succursale du grand éditeur français Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix a fourni à Chéret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre premières planches sont publiées en décembre 1895 et présentent des affiches de Chéret, Toulouse-Lautrec, Julius Price et Dudley Hardy. La série se poursuivra pendant soixante mois au total, pour s'achever en novembre 1900, marquant ainsi l'apogée de l'engouement pour les affiches. Au final, il y a eu 240 planches régulières et 16 planches bonus. La série des Maitres de l'Affiche fonctionne comme un magazine contemporain. L'amateur d'affiches avait la possibilité d'acheter les quatre planches du mois en cours auprès d'un revendeur spécialisé ou de s'abonner à la série pour la durée d'un an. En France, un abonnement d'un an coûtait 27,- francs, ce qui correspondait à environ cinq à dix versions originales en taille réelle des affiches mises en valeur dans la série Maitres. La première planche de chaque mois est une affiche de Chéret lui-même, ce qui fait de lui l'artiste le plus fréquemment représenté dans la série. En effet, les 60 planches régulières et les sept planches bonus de Chéret représentent près de 25 % de l'ensemble de la collection. Au total, 97 artistes du monde entier sont représentés dans la série des Maitres de l'Affiche, dont plus de la moitié sont français. En revanche, seuls quatre d'entre eux venaient d'Italie, six d'Allemagne et huit d'Angleterre. Un éventail de styles populaires se dégage de la collection, notamment l'Art nouveau classique d'Alphonse Mucha et de Privat Livemont, les illustrations d'Edward Penfield et d'Adolphe Willette, et les qualités graphiques de Toulouse-Lautrec et de Pierre Bonnard. Les affiches originales en taille réelle et les tirages Maitres qu'elles ont inspirés n'ont jamais été considérés comme concurrents, mais plutôt comme deux entités totalement différentes. Alors que les affiches étaient grandes et audacieuses, les gravures étaient appréciées pour leur taille et leurs détails exquis. En outre, les affiches étaient souvent imprimées sur du papier journal bon marché en raison de leur courte durée de vie. Les estampes, quant à elles, étaient réalisées sur du papier très fin à l'aide de techniques d'impression trop complexes pour des articles plus grands. La collection d'estampes était un passe-temps extrêmement populaire en soi, bien avant que les affiches ne deviennent à la mode. Chéret a introduit l'affiche moderne, mais ce n'est qu'avec le Moulin R

375 EUR

- Henri Privat-Livemont - Roses - Henri Privat-Livemont, c. 1900. Roses Variées" des "Quatre Planches Fleurs Décoratives - Série 253", lithographie en couleurs dessinée par Henri Privat-Livemont. Publiée vers 1900 par Clément, Tournier & Co. de Genève. Dimensions : 54,5 x 25 cm. Il y a environ 50 millions d'années, les premières roses des Amériques ont été découvertes dans l'actuel Colorado. On pense que les roses étaient cultivées dans de nombreuses civilisations anciennes des latitudes tempérées, il y a au moins 5000 ans. On sait qu'elles étaient cultivées dans l'ancienne Babylone. Des peintures de roses ont été découvertes dans des tombes pyramidales égyptiennes datant du 14e siècle avant Jésus-Christ. On sait qu'elles étaient cultivées dans les jardins chinois et grecs depuis au moins 500 ans avant Jésus-Christ. La sélection importante des temps modernes a commencé lentement en Europe, à partir du 17e siècle environ. Elle a été encouragée par l'introduction de nouvelles espèces, et notamment par l'introduction de la rose de Chine en Europe au XIXe siècle. L'impératrice Joséphine de France, qui a parrainé le développement de la sélection des roses dans ses jardins de Malmaison, a joué un rôle important au début du XIXe siècle. Henri Privat-Livemont (1861-1936) était un artiste Art nouveau originaire de Schaerbeek, à Bruxelles (Belgique). De 1883 à 1889, il travaille et étudie dans les ateliers de Lemaire, Lavastre et Duvignaud. Avec Lemaire, il réalise le décor du Théâtre Français ainsi que celui de l'Hôtel de Ville de Paris. Il retourne ensuite à Bruxelles, où il travaille sur des théâtres et des casinos. Prix : Euro 1.350,- (cadre inclus)

1 350 EUR

- Paul César Helleu - Marguerite Labady - Paul César Helleu, ca. 1900. Actrice Marguerite Labady, assise, avec une moufle, gravure à la pointe sèche réalisée vers 1900 par Paul César Helleu. Dimensions : 57,2 x 34,3 cm. Le nom de Helleu évoque la Belle Époque et la société à la mode de la fin du XIXe siècle à la Première Guerre mondiale. Paul César Helleu (1859-1927) a d'abord été apprenti comme ouvrier céramiste et a également suivi des cours de dessin. En 1876, après la mort de son père, il se rend à Paris contre la volonté de sa mère pour étudier à l'École des Beaux-Arts. Il entre dans le milieu impressionniste et rencontre des artistes célèbres tels que Henri Matisse, Edgar Degas, Robert de Montesquiou, James Jacques Tissot et Giovanni Boldini. En 1884, Helleu reçoit la commande d'un portrait de la belle et jeune aristocrate Alice Guérin. Deux ans plus tard, elle deviendra son épouse. Alice l'introduit alors dans les plus hautes sphères, où il devient l'un des portraitistes les plus populaires du beau monde parisien. Le style d'Helleu, caractérisé par la grâce et la sophistication féminines, était acclamé pour ses portraits de femmes élégantes non seulement à Paris, mais aussi dans la haute société de Londres et de New York. Ses modèles comprenaient Consuelo Vanderbilt, Marchesa Casati, Belle da Costa Greene, Louise Chéruit et Helena Rubinstein et, comme on le voit ici, l'actrice Marguerite Labady. Helleu était un virtuose de la gravure à la pointe sèche, dessinant directement sur une plaque de cuivre avec une pointe de diamant. Il a utilisé la même liberté dynamique et raffinée que pour ses pastels. Prix : Euro 2.850,- (cadre inclus)

2 850 EUR

- Alexandre de Riquer - Napoléon Fotografos - Alexandre de Riquer, 1895-1900. Lithographie A. y E. Napoléon Fotografos réalisée par Alexandre de Riquer en 1895, issue de "Les Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Imprimé en couleurs publié entre 1895-1900. Dimensions (estampe) 33 x 12,5 cm (papier : 40 x 29 cm). Alexandre de Riquer i Ynglada (1856-1920) était un artiste intellectuel polyvalent et un designer catalan, illustrateur, peintre, graveur, écrivain et poète. Il fut l'une des principales figures du Modernisme en Catalogne. De Riquer a conçu cette affiche pour Anaïs Napoleón (1827 ou 1831-1912), l'une des premières femmes à avoir réalisé des daguerréotypes en Espagne. Le studio de photographie qu'elle dirigeait avec son mari à Barcelone a perduré pendant trois générations, de 1853 à 1968. Ils étaient spécialisés dans la photographie de portraits. Après avoir acquis le cinématographe Lumière en 1895, ils ont également exploité un cinéma (jusqu'en 1908) sur la Rambla de Santa Mónica et un autre sur l'Avenida del Parelelo. La série des Maitres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes comme Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. Avec la vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie, est apparu un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude - mais la taille même des affiches rendait leur stockage difficile et souvent impossible. La série des Maitres de l'Affiche est née de ce dilemme. En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les passionnés ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche compte 256 planches lithographiques miniatures réalisées avec soin et représentant le meilleur de la Belle Époque. Au cours de ses cinq années d'existence, de la fin de 1895 à 1900, la série a connu un énorme succès, et elle reste populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection Maitres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chréret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et fondateur virtuel de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chréret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chréret a ouvert sa propre imprimerie, qui allait devenir une succursale du grand éditeur français Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix a fourni à Chréret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre premières planches sont publiées en décembre 1895 et présentent des affiches de Chréret, Toulouse-Lautrec, Julius Price et Dudley Hardy. La série se poursuivra pendant soixante mois au total, pour s'achever en novembre 1900, marquant ainsi l'apogée de l'engouement pour l'affiche. Au final, il y a eu 240 planches régulières et 16 planches bonus. La série des Maitres de l'Affiche fonctionnait un peu comme un magazine contemporain. L'amateur d'affiches avait la possibilité d'acheter les quatre planches du mois en cours auprès d'un revendeur spécialisé, ou de s'abonner à la série pour une durée d'un an. En France, un abonnement d'un an coûtait 27,- francs, ce qui correspondait à environ cinq à dix versions originales en taille réelle des affiches présentées dans la série Maitres. La première planche de chaque mois était une affiche de Chréret lui-même, ce qui en faisait l'artiste le plus fréquemment représenté dans la série. En effet, les 60 planches régulières et les sept planches bonus de Chréret représentent près de 25 % de l'ensemble de la collection. Au total, 97 artistes du monde entier sont représentés dans la série des Maitres de l'Affiche, dont plus de la moitié sont français. En revanche, seuls quatre d'entre eux provenaient d'Italie, six d'Allemagne et huit d'Angleterre. Un éventail de styles populaires se dégage de la collection, notamment l'Art nouveau classique d'Alphonse Mucha et de Privat Livemont, les illustrations d'Edward Penfield et d'Adolphe Willette, et les qualités graphiques de Toulouse-Lautrec et de Pierre Bonnard. Les affiches originales en taille réelle et les tirages Maitres qu'elles ont inspirés n'ont jamais été considérés comme concurrents, mais plutôt comme deux entités totalement différentes. Alors que les affiches étaient grandes et audacieuses

425 EUR

- Johann Georg van Caspel - W. Hoogenstraaten - Johann Georg van Caspel, 1895-1900. “W. Hoogenstraaten Fijne Groenten Huishoudgroenten Soepen & Sausen”, Lithographie en couleurs dessinée par Johann Georg van Caspel, publiée par l'impremerie Chaix entre 1895-1900 pour leur "Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Format (papier) : 40 x 29 cm. W. Hoogenstraaten & Co, fondée à Leyde, était l'une des premières conserveries des Pays-Bas. L'entreprise était dirigée par Willem Hoogenstraaten (1809-1895) et son fils Diederik (1838-1908). Willem a commencé sa carrière comme apprenti boulanger à Leyde et est devenu confiseur et confiseur indépendant. Ils étaient en avance sur leur temps et faisaient de la publicité avec cette belle affiche art nouveau conçue par Johann Georg van Caspel (1870-1928). En 1900, l'entreprise familiale a été transformée en société anonyme et le père et le fils ont continué sous un nouveau nom : Nederlandsche Fabriek van Verduurzaamde Levensmiddelen. L'usine fabriquait et conservait des produits alimentaires tels que des légumes, des sauces et des soupes. Elle a prospéré pendant la Première Guerre mondiale et a finalement fermé ses portes en 1969. La série des Maitres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui a atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes comme Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. La vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie s'est accompagnée d'un désir Lithographie en couleurs dessinée par Johann Georg van Caspel, publiée par l'impremerie Chaix entre 1895-1900 pour leur "Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Format (papier) : 40 x 29 cm. W. Hoogenstraaten & Co, fondée à Leyde, était l'une des premières conserveries des Pays-Bas. L'entreprise était dirigée par Willem Hoogenstraaten (1809-1895) et son fils Diederik (1838-1908). Willem a commencé sa carrière comme apprenti boulanger à Leyde et est devenu confiseur et confiseur indépendant. Ils étaient en avance sur leur temps et faisaient de la publicité avec cette belle affiche art nouveau conçue par Johann Georg van Caspel (1870-1928). En 1900, l'entreprise familiale a été transformée en société anonyme et le père et le fils ont continué sous un nouveau nom : Nederlandsche Fabriek van Verduurzaamde Levensmiddelen. L'usine fabriquait et conservait des produits alimentaires tels que des légumes, des sauces et des soupes. Elle a prospéré pendant la Première Guerre mondiale et a finalement fermé ses portes en 1969. La série des Maitres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui a atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes comme Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. La vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie s'est accompagnée d'un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude, mais la taille même des affiches rendait leur stockage difficile, voire impossible. La série des Maitres de l'Affiche est née de ce dilemme. En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les passionnés ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche comptait 256 plaques lithographiques miniatures produites par des experts et représentant le meilleur de la Belle Époque. Au cours de ses cinq années d'existence, de la fin de 1895 à 1900, la série a connu un énorme succès, et elle reste populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection des Maitres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chéret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et fondateur virtuel de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chéret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chéret a ouvert sa propre imprimerie, qui allait devenir une succursale du grand éditeur français Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix a fourni à Chéret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre p

375 EUR

- Paul Berthon - Automne - Paul Berthon, 1895-1900. Lithographie d'automne de Paul Berthon, issue de "Les Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Imprimé en couleurs publié entre 1895-1900. Taille (papier) : 40 x 29 cm. Paul Berthon (1872 - 1910) était un artiste qui produisait principalement des affiches et des lithographies. L'œuvre de Berthon s'inscrit dans le style de l'Art nouveau, à l'instar de son contemporain Alphonse Mucha. Berthon a fait ses études de peintre à Villefranche-sur-Saône avant de s'installer à Paris. Il s'inscrit ensuite à l'École Normale d'Enseignement de Dessin et reçoit des cours de peinture de Luc-Olivier Merson et des cours d'arts décoratifs d'Eugène Grasset.Grasset a eu une influence bien plus grande sur lui, et il peut être considéré comme son élève. Son étude des arts décoratifs a influencé son travail de graveur, favorisant les lignes fortes et les détails naturels qui ont guidé son art. La grande majorité des affiches lithographiées de Berthon - comme cet "Automne" - ne comportaient pas de publicité et étaient destinées à être utilisées seules. La série des Maitres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes comme Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. Avec la vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie, est apparu un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude - mais la taille même des affiches rendait leur stockage difficile et souvent impossible. La série des Maitres de l'Affiche est née de ce dilemme. En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les passionnés ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche comptait 256 plaques lithographiques miniatures produites par des experts et représentant le meilleur de la Belle Époque. Au cours de ses cinq années d'existence, de la fin de 1895 à 1900, la série a connu un énorme succès, et elle reste populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection Maitres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chréret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et fondateur virtuel de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chréret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chréret a ouvert sa propre imprimerie, qui allait devenir une succursale du grand éditeur français Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix a fourni à Chréret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre premières planches sont publiées en décembre 1895 et présentent des affiches de Chréret, Toulouse-Lautrec, Julius Price et Dudley Hardy. La série se poursuivra pendant soixante mois au total, pour s'achever en novembre 1900, marquant ainsi l'apogée de l'engouement pour l'affiche. Au final, il y a eu 240 planches régulières et 16 planches bonus. La série des Maitres de l'Affiche fonctionnait un peu comme un magazine contemporain. L'amateur d'affiches avait la possibilité d'acheter les quatre planches du mois en cours auprès d'un revendeur spécialisé, ou de s'abonner à la série pour une durée d'un an. En France, un abonnement d'un an coûtait 27,- francs, ce qui correspondait à environ cinq à dix versions originales en taille réelle des affiches présentées dans la série Maitres. La première planche de chaque mois est une affiche de Chréret lui-même, ce qui fait de lui l'artiste le plus représenté dans la série. En effet, les 60 planches régulières et les sept planches supplémentaires de Chréret représentent près de 25 % de l'ensemble de la collection. Au total, 97 artistes du monde entier sont représentés dans la série des Maitres de l'Affiche, dont plus de la moitié sont français. En revanche, seuls quatre d'entre eux venaient d'Italie, six d'Allemagne et huit d'Angleterre. Un éventail de styles populaires se dégage de la collection, notamment l'Art nouveau classique d'Alphonse Mucha et de Privat Livemont, les illustrations d'Edward Penfield et d'Adolphe Willette, et les qualités graphiques de Toulouse-Lautrec et de Pierre Bonnard. Les affiches originales en taille réelle et les tirages Maitres qu'elles ont inspirés n'ont jamais été considérés comme concurrents, mais plutôt comme deux entités totalement différente

275 EUR

- August Roedel - Salon National de la Mode - August Roedel, 1895-1900. "Salon National de la Mode", lithographie en couleurs dessinée par August Roedel, publiée par l'impremerie Chaix entre 1895-1900 pour leur "Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Format (papier) : 40 x 29 cm. Roedel a conçu cette affiche pour promouvoir le salon national de la mode parrainé par le Petit Journal dans la Galerie Rapp du Palais des Beaux-Arts sur le Champ de Mars à Paris. Deux dames sont habillées à la dernière mode de l'époque. L'une, vêtue d'une robe rouge flottante, a les cheveux attachés par l'autre, qui porte un motif floral vert. La dame assise lit un feuillet intitulé "Conseils de Beauté de Lenthéric". August Roedel était un caricaturiste, illustrateur, aquarelliste et lithographe. Il s'associe à Paris à un groupe d'artistes de Montmartre tels qu'Adolphe Willette, Charles Lucien Léandre et Caran d'Ache, fournit des dessins au Courrier Français et réalise des affiches. La série des Maitres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes comme Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. Avec la vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie, est apparu un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude - mais la taille même des affiches rendait leur stockage difficile et souvent impossible. La série des Maitres de l'Affiche est née de ce dilemme. En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les passionnés ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche comptait 256 plaques lithographiques miniatures produites par des experts et représentant le meilleur de la Belle Époque. Au cours de ses cinq années d'existence, de la fin 1895 à 1900, la série a connu un énorme succès, et elle reste populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection Maitres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chéret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et fondateur virtuel de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chéret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chéret a ouvert sa propre imprimerie, qui allait devenir une succursale de la grande maison d'édition française Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix a fourni à Chéret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre premières planches sont publiées en décembre 1895 et présentent des affiches de Chéret, Toulouse-Lautrec, Julius Price et Dudley Hardy. La série se poursuivra pendant soixante mois au total, pour s'achever en novembre 1900, marquant ainsi l'apogée de l'engouement pour les affiches. Au final, il y a eu 240 planches régulières et 16 planches bonus. La série des Maitres de l'Affiche fonctionnait un peu comme un magazine contemporain. L'amateur d'affiches avait la possibilité d'acheter les quatre planches du mois en cours auprès d'un revendeur spécialisé, ou de s'abonner à la série pour une durée d'un an. En France, un abonnement d'un an coûtait 27,- francs, ce qui correspondait à environ cinq à dix versions originales en taille réelle des affiches présentées dans la série Maitres. La première planche de chaque mois est une affiche de Chéret lui-même, ce qui fait de lui l'artiste le plus fréquemment représenté dans la série. En effet, les 60 planches régulières et les sept planches bonus de Chéret représentent près de 25 % de l'ensemble de la collection. Au total, 97 artistes du monde entier sont représentés dans la série des Maitres de l'Affiche, dont plus de la moitié sont français. En revanche, seuls quatre d'entre eux venaient d'Italie, six d'Allemagne et huit d'Angleterre. Un éventail de styles populaires se dégage de la collection, notamment l'Art nouveau classique d'Alphonse Mucha et de Privat Livemont, les illustrations d'Edward Penfield et d'Adolphe Willette, et les qualités graphiques de Toulouse-Lautrec et de Pierre Bonnard. Les affiches originales en taille réelle et les tirages Maitres qu'elles ont inspirés n'ont jamais été considérés comme concurrents, mais plutôt comme deux entités totalement différentes. Alors que les affiches étaient grandes et audacieuses, les gravures étaient appréciées pour leur taille

175 EUR

- Emilio Vilá - Exposition - Emilio Vilá, 1926. Exposition Emilio Vilá. Lithographie en couleurs de 1926 conçue par Emilio Vilá. Dim. : environ 120 x 80 cm. Dès 1912, dans les quartiers de Montmatre et de Montparnasse, Emilio Vilà (1887-1967), originaire de Catalogne, est l'un des premiers affichistes parisiens et l'un des plus reconnus. Il a travaillé pour de prestigieuses sociétés cinématographiques de l'époque, telles que Gaumont, Fox, Pathé, Paramount, Galeries Barbés, Monat Films et a également créé des affiches publicitaires pour une multitude de produits. Les années 1920 ont été ses années d'or. Son atelier est rempli d'affiches et ses œuvres se vendent si bien qu'il peut se permettre de louer un petit palais au 58 Boulevard Voltaire, un appartement avec 12 balcons, un ascenseur privé, plusieurs salles d'exposition et une cour avec des sculptures en bronze. À cette époque, Vilà faisait partie de la crème de la crème de Paris et recevait la visite de célébrités étrangères. La Galerie la Boëtie, située dans la rue du même nom, a été l'une des principales galeries d'Europe entre 1912 et 1941, avec des expositions d'artistes tels que Pablo Picasso, Marcel Duchamp et Fernand Léger. Du 7 au 20 mai 1926, des œuvres d'Emilio Vilá ont été exposées. Prix : 1 450 euros (cadre compris)

1 450 EUR

- Umberto Brunelleschi - Danseuse de Cabaret - Umberto Brunelleschi, c. 1912. Danseuse de Cabaret. Dessin à l'aquarelle, à la gouache, à la plume et à l'encre de Chine réalisé vers 1912 par Umberto Brunelleschi (1879-1949). Signé en bas à droite. Dim. (ovale) c. 32,5 x 24 cm. Le peintre italien Umberto Brunelleschi a travaillé à Paris de 1900 à sa mort. Son travail de peintre et surtout de créateur de costumes et de décors font de lui une figure marquante de l'histoire des costumes de théâtre et de la scénographie du XXe siècle. À partir de 1910, Brunelleschi donne le ton en créant des œuvres inspirées de la Venise du XVIIIe siècle des Fêtes Galantes du poète Paul Verlaine. Ces tableaux étaient remplis d'Arlequins jaloux, de jeunes filles espiègles et de Pierrots trahis, plongés dans une atmosphère de langueur ou de tristesse comique. En choisissant ces sujets, Brunelleschi s'engage dans une voie nouvelle, très différente de celle des différents mouvements d'avant-garde de la peinture, qui, d'une part, tentent de glorifier la technologie moderne et, d'autre part, définissent de nouvelles dimensions spatiales. Mais ce penchant pour les fables et les rêves était le résultat de besoins historiques et spirituels particuliers. L'Europe se déchire à cette époque et il y a de grands troubles sociaux et politiques. Les classes moyennes profitent des dernières chaleurs de la Belle Époque et sont saisies d'un sentiment d'insécurité. Les gens se sont réfugiés dans l'attrait tiède mais divertissant d'un monde irréel de contes de fées. Ce penchant pour l'évasion et la retraite spirituelle convenait à la nature de Brunelleschi, qui en devint l'un des interprètes les plus doués et les plus réussis. Les thèmes de la bravoure, du sentiment et de la grâce du XVIIIe siècle, fusionnent avec un Orient audacieux et imaginatif dans ces années. Ce dessin d'une danseuse en est une belle illustration. En 1928, un critique parisien écrit : "L'art de Brunelleschi n'a rien de réaliste. Il ne saurait pas comment affronter la vie moderne, avec ses énormes usines et ses rues pleines de monde. Mais le monde de la fiction, qui est tellement plus beau que le monde humain, il le rend réel." Prix : 6 500 euros (cadre compris)

6 500 EUR

- Eugène Grasset - La Belle Jardinière - Eugène Grasset, 1894. Les douze mois de l'année, gravure sur bois et chromotypographie en couleurs, conçue par Eugène Grasset en 1894 et publiée séparément sans texte (uniquement avec les noms des mois) comme art graphique décoratif. Taille (chaque scène) : environ 20,5 x 15,5 cm. En 1896, les illustrations ont été utilisées pour un calendrier Art nouveau de la Maison de La Belle Jardinière de Paris, remis aux clients à la caisse. Toutes les figures, conçues pour faire de la publicité pour les vêtements féminins, sont des modèles d'élégance. Chaque mois montre une jeune femme en train de jardiner, dans une robe appropriée à la période de l'année, avec un motif du signe zodiacal correspondant. Eugène Grasset (1845 - 1917) croyait fermement que la modernité devait être solidement ancrée dans l'art du passé tout en "puisant une nouvelle force dans la nature". Ici, la technique ancestrale de la gravure sur bois est combinée à la nouvelle technologie de la chromotypographie. Chaque gravure relie le temps linéaire du calendrier et le cycle des saisons. Les figures féminines s'inspirent à la fois de modèles photographiques et d'allégories tirées des iconologies des XVIe et XVIIIe siècles. La Belle Jardinière était un grand magasin parisien situé sur les rives de la Seine, au Pont Neuf. Il proposait du prêt-à-porter pour une nouvelle clientèle bourgeoise et connut un grand succès pendant des décennies. La société a été rachetée en 1972 par Louis Vuitton Moët Hennessy. Prix : Euro 3.450,-

3 450 EUR

- Alphonse Mucha - Zdenka Cerný - Alphonse Mucha, 1913. Lithographie en couleurs "Zdenka Cerný" conçue par Alphonse Mucha en 1913, imprimée par V. Neubert Smichor à Prague. Signée et datée Mucha 1913 dans l'impression en bas à gauche. Dimensions : (gravure) 104,2 x 104,8 cm. Alphonse Mucha (1860-1939) était un peintre, illustrateur et graphiste tchèque, surtout connu pour ses affiches théâtrales stylisées et décoratives. Il a produit des illustrations, des publicités, des panneaux décoratifs et des dessins, qui comptent parmi les images les plus connues de l'époque. En 1887, Mucha s'installe à Paris, où il commence à acquérir une renommée mondiale grâce à son travail commercial. Il était convaincu que l'art pouvait améliorer la qualité de la vie et devait donc être accessible à tous. Les illustrations de Mucha représentant des femmes élégantes entourées de fleurs stylisées et de lignes tourbillonnantes flamboyantes ont donné de la couleur à la ville de Paris, où chacun pouvait apprécier les affiches de Mucha dans la rue. Le style Mucha est devenu presque synonyme d'Art nouveau, le mouvement artistique moderne qui a fini par définir le look de la capitale française. Au sommet de sa gloire, Alphonse Mucha est chargé de réaliser une affiche pour l'Exposition d'achat de la Louisiane de 1904. Ce projet l'amène à faire un voyage aux États-Unis, où il visite New York, Boston et Chicago. L'année suivante, il retourne à Chicago et séjourne chez son ami Albert Vojtech ?erný, célèbre musicien tchèque qui y a fondé le conservatoire de musique de Bohême. Mucha prospère à Chicago : il enseigne à l'Institut d'art de Chicago, donne des conférences, organise des expositions et est toujours sollicité pour des événements mondains. Il est même chargé de concevoir des récipients pour des savons parfumés, qui sont commercialisés sous son nom : Savon Mucha. L'ami de Mucha, ?erný, a eu trois filles musiciennes. La fille du milieu, Zde?ka ?erný, partageait l'instrument de son père ; dès son plus jeune âge, elle était une violoncelliste prometteuse. À l'âge de sept ans, Mucha lui promit qu'il peindrait son portrait lorsqu'elle deviendrait une véritable virtuose de son instrument. Elle n'a pas eu de mal à tenir sa part du marché. À son seizième anniversaire, elle était devenue connue comme "la plus grande violoncelliste de Bohème" et Mucha a volontiers peint son portrait en 1913. "Mucha a travaillé à partir d'une photographie de Zdenka avec un violoncelle, mais a idéalisé son visage en l'investissant d'une qualité spirituelle, son amour de la musique. Il a créé un portrait-affiche unique en ajustant l'inclinaison de sa tête, en adoucissant son expression, en éclaircissant ses cheveux, en relevant la main qui tourne la partition et en allongeant le corps. Deux cercles, l'un avec des lys symbolisant l'innocence juvénile de Zdenka, l'autre avec les lauriers de ses triomphes passés, complètent le dessin baigné d'une lumière chaude". Le splendide portrait de Zde?ka ?erný réalisé par Mucha devait servir à promouvoir la tournée de Zde?ka en Europe prévue l'année suivante mais, en raison du déclenchement de la première guerre mondiale, la tournée fut annulée. En 1916, elle épouse Otto Vasak (1882-1961). On dit que Vasak lui a interdit de poursuivre sa carrière musicale et même d'enseigner. Bien que Zde?ka ait vécu jusqu'à 102 ans, "la plus grande violoncelliste de Bohême" n'a plus jamais joué du violoncelle. Littérature : J. Rennert & A. Weill, Alphonse Mucha. Toutes les affiches et panneaux, Henri Veyrier, 1984, p. 102 Prix : Euro 7.500,- (y compris le cadre)

7 500 EUR

- Georges Riom - Mimosa and anemone - Georges Riom, ca. 1900. "Mimosa et Anémone", lithographie en couleurs réalisée vers 1900 par Georges Riom. Signé dans l'image au centre gauche. Dim. environ 39 x 18 cm. Cette belle affiche présente une composition asymétrique fringante, typique de l'Art nouveau. Ici, la nature était souvent la principale source d'inspiration, avec des plantes et des fleurs à longues tiges, gracieusement stylisées. Les fleurs gracieuses sont représentées dans un style qui rappelle les estampes japonaises : bidimensionnel et presque abstrait, avec une composition ornée et des couleurs vives. Le célèbre marchand Siegfried Bing a été l'un des moteurs de l'augmentation des influences japonaises dans le monde de l'art occidental. Les impressions importées par Bing ont trouvé une forte demande auprès des artistes à la recherche d'un nouveau style, dont Vincent van Gogh. Bing s'est spécialisé dans l'art japonais dans sa galerie parisienne L'Art Nouveau, d'où le mouvement tire son nom français. Le mimosa (alias : herbe-rue-me-not) avec ses petites boules jaunes symbolise le pouvoir de la féminité et la solidarité féminine. L'anémone représente "Je veux être avec toi", l'attente, l'attention et l'honnêteté, mais aussi le symbole de l'abandon et de l'amour fidèle et si innocent. C'était aussi le symbole des larmes de la femme qui sèchent à nouveau facilement, car elle ne vit que pour un temps très court. Prix : 650 euros (cadre compris).

650 EUR

- Georges Riom - Buttercups and poppies - Georges Riom, ca. 1900. "Bouton d'Or - Coquelicot" [bouton d'or et coquelicot], lithographie en couleurs réalisée vers 1900 par Georges Riom. Signé dans l'image au centre gauche. Dim. environ 39 x 18 cm. Cette belle affiche présente une composition asymétrique fringante, typique de l'Art nouveau. Ici, la nature était souvent la principale source d'inspiration, avec des plantes et des fleurs à longues tiges, gracieusement stylisées. Les fleurs gracieuses sont représentées dans un style qui rappelle les estampes japonaises : bidimensionnel et presque abstrait, avec une composition ornée et des couleurs vives. Le célèbre marchand Siegfried Bing a été l'un des moteurs de la montée des influences japonaises dans le monde de l'art occidental. Les impressions importées par Bing ont été très demandées par les artistes à la recherche d'un nouveau style, notamment Vincent van Gogh. Bing s'est spécialisé dans l'art japonais dans sa galerie parisienne L'Art Nouveau, d'où le mouvement tire son nom français. Le coquelicot, symbole du sommeil et de la consommation d'opium depuis des siècles, figurait fréquemment dans les tableaux d'artistes de la Belle Époque tels que Claude Monet, Robert Vonnoh et Lucien Pissarro à la fin du XIXe siècle. Le bouton d'or symbolise le respect de soi (richesse), l'ouverture d'esprit enfantine et le charme rayonnant. Prix : 650 euros (cadre compris)

650 EUR

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