Null Pair of planters. China, pps. S.XX.
In jade, hard stone flowers.
Measures: …
Description

Pair of planters. China, pps. s.XX. In jade, hard stone flowers. Measures: 35 x 25 x 20 cm. Pair of decorative planters, combining jade and hard stones. The leaves have been meticulously recreated with sheets of jade, the same as each of the petals simulate with a variety of hard stones various types of flowers, contrasted in shape and color.

Pair of planters. China, pps. s.XX. In jade, hard stone flowers. Measures: 35 x 25 x 20 cm. Pair of decorative planters, combining jade and hard stones. The leaves have been meticulously recreated with sheets of jade, the same as each of the petals simulate with a variety of hard stones various types of flowers, contrasted in shape and color.

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DAMIEN HIRST (Bristol, Royaume-Uni, 1965). " Shark ", New York, 20.07.2007. Encre sur papier. Signé, daté et situé dans la marge inférieure. Le papier est endommagé. Le verre est manquant. Taille : 17 x 28 cm ; 33 x 44 cm (cadre). Si Damien Hirst est connu pour quelque chose, c'est pour son œuvre " The physical impossibility of death in the mind of someone alive " (L'impossibilité physique de la mort dans l'esprit de quelqu'un de vivant), qui représente un requin tigre de plus de quatre mètres de long suspendu dans une piscine transparente contenant une solution d'aldéhyde formique à 5%. Cette œuvre controversée et transgressive a été évaluée à 9,5 millions d'euros, payés par un milliardaire américain. Damien Hirst est né à Bristol le 7 juin 1965, dans un environnement de banlieue en difficulté financière. Il n'a jamais connu son père biologique et sa mère a épousé un vendeur de voitures, qui les a quittés lorsque Hirst avait 13 ans. Sa mère, artiste amateur et chrétienne fervente, s'est occupée de lui, mais en raison de l'abandon de son père, il a dû s'éduquer à partir de rien, ce qui est peut-être la principale raison pour laquelle Damien Hirst affirme que l'art n'a pas de classe. Il a suivi une formation à l'université de Leed tout en combinant ses études avec un emploi à la morgue locale, qu'il a quittée plus tard pour s'installer à Londres. Pendant ce temps, il travaille dans la construction tout en postulant à diverses écoles d'art telles que St Martins et le Welsh College. Il est finalement accepté au Golsdmiths College, qui à l'époque, en raison de la récession économique en Angleterre, est une école qui attire des étudiants brillants et des tuteurs créatifs. Pendant ses études, Hirst a financé ses dépenses en travaillant sur des enquêtes téléphoniques, une cause directe de sa capacité à simuler n'importe quelle émotion au téléphone. Pendant ses études, il a également travaillé chez McDonald's, et à temps partiel à la galerie Anthony D'Ofray, où il a appris les mécanismes du marché de l'art. Dès sa deuxième année, Hirst endosse le rôle d'artiste et de commissaire d'exposition, et parvient à mettre en scène une exposition qui changera le cours de l'art britannique, sa première exposition personnelle à l'âge de 26 ans. Quatre ans plus tard, en 1995, il obtient sa deuxième nomination au Turner Prize pour Mother and Child. À 32 ans, la galerie Larry Gagosian lui offre une grande rétrospective, à l'issue de laquelle il déclare qu'il est à court d'endroits où exposer, qu'il a tout fait et trop vite. En conséquence, il est rapidement surnommé "Hooligan Genius" par les médias. Bien qu'il soit devenu millionnaire à l'âge de 40 ans, l'hypersensibilité de Hirst est devenue suspecte : enveloppé d'une aura de romantisme, il a donné l'impression de révolutionner facilement le monde de l'art. À plusieurs reprises, il a reconnu son désir d'être célèbre et, face aux critiques, il s'est défendu avec des phrases telles que "ils ne pouvaient pas admettre qu'ils voulaient être célèbres et qu'ils n'aimaient pas ne pas l'être" ou "Je pense que mon désir était d'être plus célèbre que riche, je pense que le désir de créer de l'art et d'être célèbre est comme le désir de vivre pour toujours avec deux obsessions : la mort et la célébrité".

École vénitienne, fin du XVIe siècle. Cercle de PARRASIO MICHELI (Venise, ca.1516-1578). "Femme avec un luth". Huile sur toile. Ré-encadré. Le cadre a été changé au milieu du XIXe siècle. Mesures : 101 x 86 cm ; 111 x 98 cm (cadre). Importante peinture appartenant à la Haute Renaissance vénitienne, une période de splendeur artistique dans la capitale de la Vénétie. Les figures de Giorgione et du Titien ont laissé une marque importante jusqu'à la fin du siècle. Dans le présent tableau, c'est surtout l'influence du Titien qui est la plus notable : le cadrage, avec la fenêtre rectangulaire ouverte sur le paysage, et la courtisane représentée de trois quarts, ainsi que le type de femme rêveuse mais de caractère (voir la Roxelana du Titien, par exemple), sont ici assimilés et résolus de façon magistrale. Le thème de la Jeune femme au luth s'est popularisé au XVIe siècle, d'abord à Venise, puis dans d'autres localités d'Italie et d'Europe du Nord. Dans le contexte vénitien, il était commandé par des aristocrates à leurs épouses et à leurs filles, mais aussi à des courtisanes et à des muses. Dans tous les cas, comme les traits étaient idéalisés, il était souvent difficile d'identifier les sitters. Jusqu'alors, les portraits somptueux étaient réservés à la royauté et aux célébrités. Cette toile présente des similitudes remarquables avec une œuvre du même nom de Parrasio Micheli, "Une jeune femme jouant du luth" (aujourd'hui au Museum of Fine Arts, Houston), peinte à la même époque, dans le dernier tiers du XVIe siècle. Les yeux noirs en amande, la lèvre carmin finement soulignée, la turgescence des carnations, les cheveux bouclés et attachés de la même manière, le collier de perles, la position des doigts de la main droite pinçant les cordes du luth, l'ouverture sur un paysage crépusculaire à la droite de la dame... tout apparaît de manière similaire. Il est tentant de penser que nous sommes en présence d'une œuvre de Micheli, ou du moins de son atelier. La sensualité des couleurs, les voiles de gaze, les brocarts et le damas magistralement résolus entre les passementeries de soie, ainsi que les larges manches qui laissent apparaître les bras, sont des éléments qui ressortent des deux tableaux. Les grands apports de l'école vénitienne s'incarnent dans cette composition délicate. La séduction de la joueuse de luth de Micheli est à peine esquissée (contrairement à d'autres portraits féminins de l'artiste, dans lesquels il recherchait un érotisme plus évident), et cette caractéristique se reflète également dans l'idéal féminin représenté ici. Ces peintres s'inspirent de l'idéal poétique de la féminité établi par Pétrarque, qui connaît un regain de popularité à l'époque du Titien et de Micheli. Fils d'un patricien vénitien, Michele Parrasio se forme dans l'atelier du Titien, comme le corroborent des sources documentaires indirectes telles qu'une lettre de Micheli lui-même au roi d'Espagne Philippe II, dans laquelle le peintre déclare avoir le Titien comme référence pour toutes ses études. Il s'associe ensuite à Véronèse, dont il utilise régulièrement les dessins pour ses propres compositions. On sait qu'en 1563, il reçoit une importante commande : la réalisation d'une grande toile dédiée au doge Lorenzo Priuli avec le Sénat et les allégories de la Fortune et de Venise pour la Salle du Collège du Palais des Doges, probablement détruite dans l'incendie de 1577. On sait que le tableau, dont il existe une esquisse à Berlin, fut installé à sa place en 1569 et que l'artiste reçut pour cela une somme considérable, signe du prestige qu'il avait atteint. Il fut également bien récompensé pour deux huiles représentant deux paires de saints - les saints Prosdocimus et Justine et les saints Antoine et Daniel - commandées en 1565 par les chanoines de la cathédrale de Padoue et conservées dans la sacristie des chanoines de la cathédrale. Deux des œuvres de Parrasio se trouvent au Museo del Prado.