128 - KENNY SCHARF. "Pipe dream". Tecnica mista su tela, dimensioni (compresa la cornice) indicate dall’artista: 232 x 265 cm. Firmata Kenny Scharf e datata -83.

KENNY SCHARF. "Pipe dream". Tecnica mista su tela, dimensioni (compresa la cornice) indicate dall’artista: 232 x 265 cm. Firmata Kenny Scharf e datata -83. PROVENIENZA Tony Shafrazi Gallery, New York. Collezione di Birgitta Crafoord – Duveke säteri. Reca un’etichetta del Rooseum, mostra non identificata. Kenny Scharf è nato a Los Angeles e si è trasferito a New York alla fine degli anni ’70 per studiare alla School of Visual Arts, dove ha conseguito la laurea in Belle Arti (BFA) in pittura nel 1980. Dopo la laurea, negli anni ’80 entrò a far parte della scena artistica dell’East Village di New York, dove operavano anche futuri artisti di spicco come Jean-Michel Basquiat e Keith Haring. Intorno al 1981, Scharf e Haring condivisero un appartamento nella zona di Times Square a Manhattan, dove entrambi gli artisti sperimentarono e svilupparono i propri linguaggi visivi caratteristici. Haring incoraggiò Scharf a iniziare a dipingere per le strade e nella metropolitana e a esplorare i graffiti e l’arte di strada, che negli anni ’80 ottennero sempre maggiore attenzione e raggiunsero un pubblico più ampio. All’inizio degli anni ’80 Scharf iniziò a creare le sue caratteristiche «Cosmic Caverns», installazioni con luci ultraviolette e colori Day-Glo fosforescenti. La prima, «Cosmic Closet», fu allestita nell’appartamento che condivideva con Haring. Le installazioni suscitarono grande interesse, sia in mostre di grande rilievo come la rivoluzionaria “The Times Square Show”, organizzata da Collaborative Projects nel 1980, sia nella mostra collettiva “Space Invaders” al P.S. 1 di New York nel 1982, nonché nei locali notturni di Manhattan durante il periodo d’oro degli anni ’80 e ’90. Tra questi figuravano il Club 57 nell’East Village, il Mudd Club a Tribeca, il Palladium di Steve Rubell e Ian Schrager a Union Square e il Tunnel a Chelsea. Al Tunnel, nel 1986, Scharf creò uno spazio chiamato “Cosmic Cavern”, con una chat room in cui gli utenti potevano scegliere un avatar ed esplorare la “Scharf Galaxy”, dove ogni pianeta era ispirato a uno dei suoi dipinti. Il successo commerciale di Scharf crebbe costantemente nel corso degli anni ’80. Espose in prestigiose gallerie di New York, tra cui la Fun Gallery nel 1981 e la Tony Shafrazi Gallery nel 1983, 1984 e 1985, oltre che a livello internazionale alla Galerie Bruno Bischofberger di Zurigo nel 1985. Allo stesso tempo, le sue opere attirarono l’attenzione dei musei. Il Whitney Museum of American Art di New York, ad esempio, lo incluse nella Biennale del Whitney del 1985. Come Keith Haring, Scharf si ispirò all’omaggio di Andy Warhol alla cultura del consumo e al suo utilizzo di prodotti di uso quotidiano, marchi familiari ben noti e alla cultura mainstream televisiva come punto di partenza per la creazione artistica. Scharf combinava spesso personaggi dei cartoni animati, come quelli de «I Flintstones», con paesaggi spaziali psichedelici. Warhol aveva aperto la strada all’idea dell’artista come marchio, e Haring e Scharf svilupparono ulteriormente questo concetto. Haring aprì il negozio Pop Shop a New York nel 1986, dove venivano venduti oggetti di ogni tipo, dalle radio agli orologi fino ai capi di abbigliamento, tutti decorati con i motivi iconici dell’artista. Nel 1994, a sua volta, Scharf aprì The Scharf Shop a South Beach, Miami, in Florida, per commercializzare prodotti decorati con le sue opere d’arte. Anche nel corso degli anni 2000, Scharf ha riscosso successo con importanti mostre museali. Tra queste si segnalano una mostra personale all’Hammer Museum di Los Angeles nel 2015–2016 e la partecipazione alla mostra di grande risonanza *Fast Forward: Painting from the 1980s* al Whitney Museum of American Art di New York nel 2017. Le opere di Scharf sono oggi presenti nelle collezioni di numerose istituzioni pubbliche, tra cui il Bass Museum of Art di Miami Beach, The Jewish Museum di New York, il Ludwig Museum di Colonia, il Museum of Contemporary Art di Los Angeles, il Museum of Modern Art di New York, il San Francisco Museum of Modern Art, lo Stedelijk Museum di Amsterdam e il Whitney Museum of American Art di New York. Ha inoltre ottenuto grande risonanza grazie alle collaborazioni con la casa di moda Dior nel 2020 e con il gruppo di moda Pangaia nel 2024.