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Peter van Os Antiques & Fine Art

Peter van Os Antiques & Fine Art - +31 (0) 6 53 10 65 41 - Email

5688 AJ Oirschot, Pays-Bas
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23016 - Scagliola Table Top with base ▫️ Scagliola sur marbre noir ▫️ Plateau : Ø 80 cm ▫️ Base : hauteur 47 x Ø 80 cm ▫️ 2014, Italie ▫️ Parfait état _______________________ À PROPOS DE L'OBJET Un savoir-faire exceptionnel La fabrication de la scagliola de nos jours est la même technique que celle utilisée par les artisans il y a des siècles. Les matériaux et les outils sont fondamentalement les mêmes, à l'exception de quelques mises à jour essentielles, comme le papier abrasif au lieu de la plume d'oie. Le terme scagliola fait référence à une variété de gypse que l'on trouve dans la nature sous forme de lamelles ou d'éclats. Il s'agit d'une technique d'incrustation particulière qui utilise la scagliola elle-même avec d'autres matériaux tels que des pigments colorés et de la colle naturelle mélangés. - Chefs-d'œuvre Au XVIe siècle, la scagliola était surtout utilisée pour imiter les veines du marbre et la marqueterie. Par la suite, la souplesse du mélange a été découverte en tant que technique éloborative. Au XVIIe siècle, la scagliola est devenue une véritable expression artistique. Elle s'est révélée capable de figurer une plus large gamme de couleurs pour construire des chefs-d'œuvre de grand impact. - Matériaux Les œuvres d'art de la scagliola sont produites en : la pierre dure, également appelée ardoise, qui est plus durable et plus légère le marbre, légèrement plus léger, mais plus difficile à travailler. La technique de la scagliola en pierre dure est un peu moins longue, car le matériau est moins dur. La réalisation d'une scagliola en marbre est donc plus longue. Comme la pierre dure est plus chère que le marbre, mais plus facile à travailler, il n'y a pratiquement pas de différence de prix. La différence de prix des plateaux de table en scagliola est due à la complexité des motifs de décoration. - Cadre Le cadre en bois de frêne, de couleur vert clair, est recouvert d'une feuille d'or 22 carats. Dimensions, y compris le cadre : 38,5 x 33 cm. - Plateau de table Le plateau s'inspire d'un motif floral. La pierre dure est incrustée de scagliola. Le plateau est doté d'une dalle de verre. - Socle Une base en métal noir complète le plateau de la table scagliola. Il a le même diamètre de 80 cm. Hauteur : 47 cm.

3 700 EUR

23242 - Oiseau de Scagliola dans un décor de baies rouges, de fleurs et de ruban rouge ▫️ Scagliola sur marbre noir ▫️ 28 x 22 x 4 cm ▫️ Cadre compris : 38 x 32,5 cm ▫️ 2015, Italie ▫️ Parfait état _______________________ À PROPOS DE L'OBJET Un savoir-faire exceptionnel La fabrication de la scagliola de nos jours est la même technique que celle utilisée par les artisans il y a des siècles. Les matériaux et les outils sont fondamentalement les mêmes, à l'exception de quelques mises à jour essentielles, comme le papier abrasif au lieu de la plume d'oie. Le terme scagliola fait référence à une variété de gypse que l'on trouve dans la nature sous forme de lamelles ou d'éclats. Il s'agit d'une technique d'incrustation particulière qui utilise la scagliola elle-même avec d'autres matériaux tels que des pigments colorés et de la colle naturelle mélangés. - Chefs-d'œuvre Au XVIe siècle, la scagliola était surtout utilisée pour imiter les veines du marbre et la marqueterie. Par la suite, la souplesse du mélange a été découverte en tant que technique éloborative. Au XVIIe siècle, la scagliola est devenue une véritable expression artistique. Elle s'est révélée capable de figurer une plus large gamme de couleurs pour construire des chefs-d'œuvre de grand impact. - Matériaux Les œuvres d'art de la scagliola sont produites en : la pierre dure, également appelée ardoise, qui est plus durable et plus légère le marbre, légèrement plus léger, mais plus difficile à travailler. La technique de la scagliola en pierre dure est un peu moins longue, car le matériau est moins dur. La réalisation d'une scagliola en marbre est donc plus longue. Comme la pierre dure est plus chère que le marbre, mais plus facile à travailler, il n'y a guère de différence de prix. La différence de prix des plateaux de table en scagliola est due à la complexité des motifs de décoration. - Cadre Le cadre en bois de frêne, de couleur vert clair, est recouvert d'une feuille d'or 22 carats. Dimensions, y compris le cadre : 38 x 32,5 cm.

3 000 EUR

23243 - Oiseau de Scagliola dans un décor de poires, de fleurs et de ruban bleu ▫️ Scagliola sur marbre noir ▫️ 28 x 22 cm ▫️ Cadre compris : 38 x 32,5 cm ▫️ 2015, Italie ▫️ Parfait état _______________________ À PROPOS DE L'OBJET Un savoir-faire exceptionnel La fabrication de la scagliola de nos jours est la même technique que celle utilisée par les artisans il y a des siècles. Les matériaux et les outils sont fondamentalement les mêmes, à l'exception de quelques mises à jour essentielles, comme le papier abrasif au lieu de la plume d'oie. Le terme scagliola fait référence à une variété de gypse que l'on trouve dans la nature sous forme de lamelles ou d'éclats. Il s'agit d'une technique d'incrustation particulière qui utilise la scagliola elle-même avec d'autres matériaux tels que des pigments colorés et de la colle naturelle mélangés. - Chefs-d'œuvre Au XVIe siècle, la scagliola était surtout utilisée pour imiter les veines du marbre et la marqueterie. Par la suite, la souplesse du mélange a été découverte en tant que technique éloborative. Au XVIIe siècle, la scagliola est devenue une véritable expression artistique. Elle s'est révélée capable de figurer une plus large gamme de couleurs pour construire des chefs-d'œuvre de grand impact. - Matériaux Les œuvres d'art de la scagliola sont produites en : la pierre dure, également appelée ardoise, qui est plus durable et plus légère le marbre, légèrement plus léger, mais plus difficile à travailler. La technique de la scagliola en pierre dure est un peu moins longue, car le matériau est moins dur. La réalisation d'une scagliola en marbre est donc plus longue. Comme la pierre dure est plus chère que le marbre, mais plus facile à travailler, il n'y a guère de différence de prix. La différence de prix des plateaux de table en scagliola est due à la complexité des motifs de décoration. - Cadre Le cadre en bois de frêne, de couleur vert clair, est recouvert d'une feuille d'or 22 carats. Dimensions, y compris le cadre : 38 x 32,5 cm.

3 000 EUR

23372 - Ad Snijders - Ad Snijders (1929 - Pays-Bas - 2010) FALAISES BLANCHES ▫️ Huile sur carton ▫️ 54 x 94 cm ▫️ Encadré : 66 x 97 cm ▫️ 1962, Pays-Bas ▫️ Signé en bas à droite ▫️ Collection privée, Pays-Bas ▫️ Excellent état _______________________ À PROPOS DE L'ARTISTE Adrianus Cornelis Snijders a principalement vécu et travaillé à Eindhoven et à Paris. Dès son plus jeune âge, il réalise des dessins. Plus tard, en 1947, il est devenu membre d'un groupe d'artistes appelé "Art Society De Kempen". - Inspirations étrangères En 1949, il travaille à Paris pendant quelques années. La même année, sa première exposition est organisée au Musée Van Abbe et dans une galerie d'art à Eindhoven. En 1955, Ad Snijders réalise ses premières peintures à l'huile. Ses peintures connaissent un succès immédiat. Des expositions sont organisées et en 1959, il rencontre son premier collectionneur. À partir de 1960, il est également connu en Italie et à Paris. En 1962, il reçoit une bourse du gouvernement français. Cela lui donne l'occasion d'expérimenter de plus en plus son talent, qui marque l'expressionnisme abstrait de la période 1960-1965. De 1964 à 1984, Snijders utilise des techniques où il combine des photographies, des textes, de la peinture à l'huile et de l'aquarelle. Pour lui, il s'agissait d'une nouvelle façon de s'exprimer et d'introduire des éléments plus figuratifs dans son travail. Plus tard, il s'est tourné vers les dessins au crayon et les peintures à l'huile. De 1985 à 1990, c'est sur cette technique qu'il s'est concentré. Ad Snijders lui-même considère sa carrière comme une expédition exploratoire. - Peintures à l'huile Dans la phase suivante de sa carrière, le peintre a choisi inconditionnellement de faire des peintures à l'huile. Ses peintures récentes sont liées à ses premières œuvres de la même manière que ses dessins aux crayons de couleur. Bien que la même main soit à l'oeuvre, ses peintures actuelles font preuve d'une désinvolture supérieure à l'oeuvre des années cinquante. Mais ce n'est qu'une apparente désinvolture qui est à l'origine de ces peintures. Il s'agit toujours d'une lutte sans fin où rien n'est évident et où chaque tableau est une conquête durement gagnée. - Expositions Les œuvres d'Ad Snijders ont fait l'objet d'expositions internationales et sont exposées dans les musées des Pays-Bas. Ses œuvres sont collectionnées par des collectionneurs d'art internationaux. - Littérature Peintres néerlandais 1750 - 1950 Par Pieter A. Scheen Ad Snijders Par Tjeu - Musées Van Abbemuseum, Eindhoven, Pays-Bas

Prix sur demande

23677 - Herman Frederik Karel ten Kate - Herman Frederik Karel ten Kate (1822 - Pays-Bas - 1891) LE NOTAIRE ▫️ Huile sur panneau ▫️ 17 x 23,5 cm ▫️ Cadre original en bois ▫️ 19e siècle ▫️ Excellent état _______________________ À PROPOS DE L'OBJET Une visite du notaire, expliquant les papiers importants. Le notaire, une personne sage et cultivée, savait bien sûr lire et écrire. Les trois hommes à gauche sont très intéressés par le contenu des papiers. Le couple de droite semble plus intéressé par l'autre ! La scène est un cadre historique, le peintre Ten Kate du 19e siècle remonte au 17e siècle, deux siècles avant son époque. C'était son cadre préféré car il s'intéressait beaucoup aux événements historiques, aux coutumes, à l'apparence et aux vêtements. _______________________ À PROPOS DE L'ARTISTE Herman Frederik Karel ten Kate était un peintre, aquarelliste et graphiste du XIXe siècle. Ses œuvres sont typiques de l'art de genre historique. Il a peint des groupes de personnes autour d'un thème particulier. Des soldats qui boivent dans un pub, une scène de ménage, des gens qui ont des intérêts communs. Les bases de sa carrière ont été posées à la fois dans le milieu artistique dans lequel il a grandi et dans ses études chez le peintre Cornelis Kruseman à Amsterdam. Après ses études, il a voyagé dans plusieurs pays d'Europe occidentale. Son intérêt pour l'histoire, en particulier pour la guerre de 80 ans, l'incite à peindre des sujets historiques. En 1872, il dessine un timbre-poste représentant le roi de l'époque, Willem III. Il est ensuite chargé de réaliser un portrait de la famille royale. - Musea a.o. Boijmans van Beuningen Rotterdam Rijksmuseum Amsterdam

3 500 EUR

23690 - Kitagawa Utamaro - Attr. à Kitagawa Utamaro (1753- Edo/Tokyo - 1806) GRAVURE SUR BOIS JAPONAISE SHUNGA ▫️ Gravure sur bois sur papier ▫️ 20,5 x 25,5 cm ▫️ Publié en 1822-1823, Edo/Tokyo ▫️ Non signée, attribuée à Kitagawa Utamaro ▫️ Collection privée Pays-Bas ▫️ Bon état _______________________ À PROPOS DE L'OBJET Shunga Les estampes japonaises shunga sont une forme d'art unique et magnifique qui fait partie de la culture japonaise depuis des siècles. Ces œuvres d'art représentent des scènes sexuelles explicites impliquant souvent des couples hétérosexuels et homosexuels. Les shunga, qui se traduisent littéralement par "images de printemps", ont été produites pendant la période Edo (1603-1868) et étaient populaires dans toutes les classes de la société. - Gravure sur bois Les estampes shunga étaient réalisées à partir de blocs de bois sur lesquels étaient gravés des motifs, qui étaient ensuite encrés et pressés sur du papier. Les estampes présentent souvent des couleurs vives et des images détaillées, ce qui en fait une forme d'art populaire. De nombreuses estampes représentaient des scènes sexuelles, avec des couples se livrant à diverses activités sexuelles. Les scènes représentées dans les shunga étaient souvent humoristiques et les estampes représentaient souvent des hommes et des femmes de toutes les classes sociales. - Un art controversé La popularité des gravures sur bois shunga ne s'est pas faite sans controverse. En 1842, le gouvernement japonais a interdit la production de shunga, mais cela n'a pas empêché la poursuite de la production et de la vente des estampes. Malgré l'interdiction, les shunga sont restées populaires et ont continué à être produites tout au long de la période Edo. - Objets de collection Aujourd'hui, les estampes shunga sont très recherchées et appréciées. _______________________ À PROPOS DE L'ARTISTE Utamaro Kitagawa (1753- Edo/Tokyo - 1806) était un artiste de premier plan dans le domaine de la gravure et de la peinture, son sujet de prédilection étant les bijin, les belles femmes. Son nom d'origine était Ichitaro Kitagawa. Les toutes premières œuvres qu'il a produites après avoir étudié avec un artiste renommé consistent en une série de gravures sur bois représentant des scènes du théâtre Kabuki, qu'il a publiées sous le nom d'Utagawa Toyoaki. Ses travaux ultérieurs montrent qu'il idéalise de plus en plus l'image de la femme. Il expérimente de nouvelles techniques pour rendre les couleurs du corps féminin d'une manière particulière. Le résultat est un rendu quelque peu artificiel. Physiquement, il a représenté les femmes comme des figures extrêmement grandes et minces avec des têtes totalement disproportionnées, de longs nez et de petites bouches, de longs cous et des épaules étroites. Les femmes ressemblent davantage à des modèles contemporains. - Shunga À cette époque, se rendre dans une maison close était considéré comme un symbole de statut social. En raison de son succès, cet artiste s'y rendait régulièrement, s'inspirant des images des estampes shunga. Dans ces lieux, il rencontrait également d'autres artistes. La qualité du travail était en partie alimentée par la tension compétitive entre les artistes de shunga. - Musées Les œuvres d'Utamaro Kitagawa sont exposées au Metropolitain Museum of Art de New York et au Britis Museum de Londres, entre autres. Du 27 janvier au 23 avril 2023, des œuvres de cet artiste seront exposées.

2 950 EUR

23691 - Kitagawa Utamaro - Attr. à Kitagawa Utamaro (1753- Edo/Tokyo - 1806) GRAVURE SUR BOIS JAPONAISE SHUNGA ▫️ Gravure sur bois sur papier ▫️ 20,5 x 25,5 cm ▫️ Publié en 1822-1823, Edo/Tokyo ▫️ Non signée, attribuée à Kitagawa Utamaro ▫️ Collection privée Pays-Bas ▫️ Bon état _______________________ À PROPOS DE L'OBJET Shunga Les estampes japonaises shunga sont une forme d'art unique et magnifique qui fait partie de la culture japonaise depuis des siècles. Ces œuvres d'art représentent des scènes sexuelles explicites impliquant souvent des couples hétérosexuels et homosexuels. Les shunga, qui se traduisent littéralement par "images de printemps", ont été produites pendant la période Edo (1603-1868) et étaient populaires dans toutes les classes de la société. - Gravure sur bois Les estampes shunga étaient réalisées à partir de blocs de bois sur lesquels étaient gravés des motifs, qui étaient ensuite encrés et pressés sur du papier. Les estampes présentent souvent des couleurs vives et des images détaillées, ce qui en fait une forme d'art populaire. De nombreuses estampes représentaient des scènes sexuelles, avec des couples se livrant à diverses activités sexuelles. Les scènes représentées dans les shunga étaient souvent humoristiques et les estampes représentaient souvent des hommes et des femmes de toutes les classes sociales. - Un art controversé La popularité des gravures sur bois shunga ne s'est pas faite sans controverse. En 1842, le gouvernement japonais a interdit la production de shunga, mais cela n'a pas empêché la poursuite de la production et de la vente des estampes. Malgré l'interdiction, les shunga sont restées populaires et ont continué à être produites tout au long de la période Edo. - Objets de collection Aujourd'hui, les estampes shunga sont très recherchées et appréciées. _______________________ À PROPOS DE L'ARTISTE Utamaro Kitagawa (1753- Edo/Tokyo - 1806) était un artiste de premier plan dans le domaine de la gravure et de la peinture, son sujet de prédilection étant les bijin, les belles femmes. Son nom d'origine était Ichitaro Kitagawa. Les toutes premières œuvres qu'il a produites après avoir étudié avec un artiste renommé consistent en une série de gravures sur bois représentant des scènes du théâtre Kabuki, qu'il a publiées sous le nom d'Utagawa Toyoaki. Ses travaux ultérieurs montrent qu'il idéalise de plus en plus l'image de la femme. Il expérimente de nouvelles techniques pour rendre les couleurs du corps féminin d'une manière particulière. Le résultat est un rendu quelque peu artificiel. Physiquement, il a représenté les femmes comme des figures extrêmement grandes et minces avec des têtes totalement disproportionnées, de longs nez et de petites bouches, de longs cous et des épaules étroites. Les femmes ressemblent davantage à des modèles contemporains. - Shunga À cette époque, se rendre dans une maison close était considéré comme un symbole de statut social. En raison de son succès, cet artiste s'y rendait régulièrement, s'inspirant des images des estampes shunga. Dans ces lieux, il rencontrait également d'autres artistes. La qualité du travail était en partie alimentée par la tension compétitive entre les artistes de shunga. - Musées Les œuvres d'Utamaro Kitagawa sont exposées au Metropolitain Museum of Art de New York et au Britis Museum de Londres, entre autres. Du 27 janvier au 23 avril 2023, des œuvres de cet artiste seront exposées.

Prix sur demande

23695 - Jan Anton Garemijn - Jan Anton Garemijn (1712-Belgique-1799) Une fête de village" et "L'arrivée d'un hôte". ▫️ Huile sur toile ▫️ 175,3 x 122,8 cm chacun ▫️ Avec cadre en bois décoratif : 190 x 140 cm chacun ▫️ ca 1760, Belgique ▫️ Non signé ▫️ Collection privée Pays-Bas ▫️ Très bon état À PROPOS DES PEINTURES Jan Anton Garemijn était principalement connu pour ses scènes religieuses et ses grands cycles décoratifs. Cette paire de peintures pastorales présente deux scènes : "Une fête de village" et "L'arrivée d'un invité". De nombreux détails soulignés par le peintre illustrent la vie du village au 18e siècle. À PROPOS DE L'ARTISTE Jan Anton Garemijn (1712-1799) est le peintre brugeois le plus important de la période rococo. Dès son enfance, il possède un talent inné pour le dessin. Plus tard, il suivit des cours à l'Académie de Bruges, qui venait d'être fondée. En 1765, il fut nommé directeur de cette académie. Il introduisit de nouvelles règles qui firent de l'Académie une école performante. Après 10 ans, il démissionne. Vers 1771, son collègue Charles-Nicolas Noël réalise un portrait au pastel de Garemijn, le montrant en peintre, avec un chevalet et des attributs. Ce portrait fait partie de la collection du Groeninge Museum de Bruges. Peintures et dessins Garemijn a réalisé des peintures et des dessins dans de nombreux genres, notamment des portraits, des scènes de genre, des paysages ainsi que plusieurs œuvres religieuses - ces dernières étant principalement commandées par les autorités ecclésiastiques locales. Il était également connu pour ses talents de décorateur, notamment en concevant des arcs de triomphe pour les processions locales et les entrées de fête. Cependant, aujourd'hui, il est surtout admiré pour ses qualités de dessinateur, car c'est dans ses dessins que Garemijn excelle véritablement. Sa passion pour le dessin est évidente lorsqu'il ajoute sa devise "Nulla dies sine linea" (Pas de jour sans ligne) à son autoportrait le plus ancien, aujourd'hui perdu. Scènes de genre Après avoir quitté l'académie, il s'est détourné des dessins à la sanguine pour se concentrer sur les scènes de genre. Il est surtout connu pour ses scènes religieuses et ses grands cycles décoratifs. Bien qu'il n'ait jamais voyagé, préférant rester dans sa ville natale de Bruges, il a été stylistiquement très influencé par les grands artistes français du rococco tels que Boucher, Fragonard et Greuze. Garemijn peut être considéré comme l'un des plus importants représentants du classicisme flamand.

Prix sur demande

23702 - A.Fromanteel & C.Clarke - A.Fromanteel & C.Clarke (18e siècle) Horloge hollandaise à long boîtier ▫️ Boîtier en chêne avec placage de noyer, anneau de chapitre en bronze doré et argenté. ▫️ 245 x 50 x 27,5 cm ▫️ ca 1710, Pays-Bas ▫️ Signature sur l'anneau capitulaire ▫️ Provenance Collection privée Pays-Bas ▫️ Parfait état de conservation À PROPOS DE L'OBJET Montre Le mouvement est un échappement à ancre d'une durée d'un mois. Les platines sont reliées par cinq piliers. Le mécanisme de sonnerie à scie frappe les heures pleines sur la grande cloche et les demi-heures sur la petite cloche. Cadran Le cadran, dont le centre est plaqué or et la lunette gravée argentée, indique les heures en chiffres romains et les minutes en chiffres arabes. L'anneau du chapitre est flanqué aux angles de pièces d'angle ajourées en bronze doré. Sous le XII se trouve un second anneau et, au centre, un disque de réveil. Au-dessus du VI se trouve l'indication de la date. La signature est gravée entre V et VII : Fromanteel & Clarke. Armoire L'armoire en chêne est entièrement plaquée de noyer et repose sur quatre pieds boules aplatis surmontés d'un socle concave qui supporte l'armoire à base droite. Au-dessus de l'armoire à pendule se trouve une porte droite avec, au centre, une fenêtre ovale pour le pendule. Le cadran est flanqué de part et d'autre de colonnes, ce qui donne l'impression que la frise au-dessus du cadran n'est soutenue que par les colonnes. La frise est surmontée d'un capuchon décoré de trois boutons tournés en bois doré. Littérature Enrico Morpurgo, Horlogerie néerlandaise à partir de 1300, 1970, p. 44. À PROPOS DE L'ARTISTE Ahasuerus Fromanteel (1607-1693) est le premier d'une famille d'horlogers anglo-néerlandais. Il s'installe à Londres en 1625. De son mariage avec Maria de Bruijne en 1631 naquirent trois fils, qui devinrent tous d'éminents horlogers. Ils s'installent en 1680 sur la Vijgendam à Amsterdam. Avec des bureaux à Londres, Amsterdam et Newcastle, la famille Fromanteel a été la première multinationale dans le domaine de l'horlogerie. Dans les années 80, les trois frères Fromanteel, Johannes, Ahasuerus II et Abraham, ont décidé d'utiliser une signature commune, à savoir Fromanteel, sans initiales ni lieu de résidence. Une collaboration particulière En 1694, Christopher Clarke (1668-vers 1730) épouse la fille unique d'Assuérus II, Anna. Après 1696, Ahasuerus II s'associe avec son gendre Christopher Clarke sous le nom de Fromanteel & Clarke. Après la mort d'Ahasuerus II, Clarke s'associe en 1703 avec le dernier Fromanteel survivant, Abraham. Ils utilisent alors la signature Fromanteel and Clarke, sans localisation. Jusqu'en 1722, des garde-temps ont été fabriqués sous le nom de Fromanteel.

29 500 EUR
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