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Inter-antiquariaat Mefferdt & De Jonge

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143 résultats

- Exotic birds - Diderot et d'Alembert - 1751-1777 - Exotische vogels uit Encyclopedie de Diderot et d'Alembert Kopergravures vervaardigd door Robert Benard, naar ontwerpen door François Nicolas Martinet uit de fameuze encyclopedie van Diderot en d'Alembert Dictionnaire Raisonné des Sciences, des Arts et des Métiers uitgegeven tussen 1751-1777. Plus tard avec la main gekleurd. Afm. elk ca. 20,4 x 35cm. L'ingénieur François Nicolas Martinet (1731- ca. 1790) a conçu des oiseaux pour les plus grands ornithologues français de la fin du XIXe siècle. Plus tard, dans sa ville natale, il a commencé ses propres travaux ornithologiques. L'Encyclopédie de Diderot et d'Alembert n'est pas seulement considérée dans son ensemble (72 000 articles répartis en 17 volumes et 11 volumes illustrés) comme un événement intellectuel et artistique, dont l'origine est la publication de l'ouvrage "De Verlichting" en France au XVIIIe siècle. C'est au début des années 17 que l'on assiste à la création d'un vaste ouvrage encyclopédique. En 1747, Diderot et d'Alembert ont repris la rédaction de cet ouvrage déjà ancien. Mais les rédacteurs ne s'en tiennent pas là : au lieu d'un recueil de toutes les connaissances, ils utilisent l'Encyclopédie pour trouver des idées subversives entre les articles. L'ouvrage connaît un grand succès, grâce à des lemmes simples. Mais lorsque les auteurs ont créé une Encyclopédie fondée sur les faits, ils ont commencé à rédiger des lemmes polémiques en s'appuyant sur les droits de l'homme et l'état, et en 1752, l'Encyclopédie est devenue la première du genre à être publiée. L'Encyclopédie est devenue une publication d'État et une œuvre d'art. D'Alembert a mis en place l'équipe de rédacteurs, mais Diderot n'a pas réussi à faire voter l'Encyclopédie en 1765, avec l'aide d'un censeur britannique. Prix : 375,- euros (par pièce, frais de port inclus)

375 EUR

- A Flower Piece - after Jan van Huysum, 1778 - A Flower Piece, estampe en mezzotinte réalisée par Richard Earlom d'après une peinture de Jan van Huysum, publiée par John Boydell à Londres le 25 juin 1778. Coloriée par une main postérieure. Taille : (environ) 40 x 50,5 cm. Nature morte de fleurs dans un vase baroque décoré de putti. Van Huysum a porté le genre populaire de la nature morte aux fleurs à de nouveaux sommets au 18e siècle. Au lieu du fond sombre habituel, il a utilisé une combinaison de couleurs claires avec un paysage de parc, de sorte que l'on a l'impression que les fleurs se trouvent à l'extérieur, sur une balustrade. Des papillons volent autour du bouquet magnifiquement composé, un nid avec des œufs se trouve sur le bord à côté du vase. L'œuvre est reproduite très fidèlement à la nature, aucune tache, goutte de rosée ou insecte ne manquant. Richard Earlom (1743-1822) était en son temps l'un des principaux graveurs britanniques de mezzotintes. Il a gravé d'après des dessins de Claude Lorrain et réalisé des portraits d'après des maîtres anciens tels que Rembrandt, Poussin, Guercino et Rubens. Outre les œuvres de Van Huijsum, il a reproduit d'autres peintres de fleurs importants tels que Jan van Os et Robert John Thornton. Le tableau de Jan van Huysum d'après lequel a été réalisée cette estampe en mezzotinte appartenait à l'origine à la collection de Sir Robert Walpole (le premier Premier ministre de Grande-Bretagne) et a été vendu à la Grande Catherine en 1779. La peinture se trouve aujourd'hui au musée de l'Ermitage. Prix de vente : Euro 1.950,-

1 950 EUR

- Loggie di Rafaele nel Vaticano - Giovanni Ottaviani, 1772 - RAFAËL INSPIREERT DE NEO-KLASSIEKEN Pilastres décoratifs ornés de fruits, de fleurs et d'ailes (certains à l'époque, d'autres plus tard) avec des gravures peintes à la main, l'une d'entre elles étant tirée de deux plaques de cuivre, réalisées à Rome en 1772. Elle fait partie de la série (publiée dans le livre) "Loggie di Rafaele nel Vaticano" ? et a été réalisée par Giovanni Ottaviani et Giovanni Volpato à partir des dessins de Gaetano Savorelli. Format elk ca. 107,3 x 40,6 cm. (Rafael Sanzio da Urbino (1483 - 1520), plus connu aux Pays-Bas sous le nom de Rafaël, est parti de Florence pour se rendre à Rome après avoir appris qu'au Vatican, sous le règne de Jules II, il y avait des visites privées qui ne pouvaient pas être faites sans l'accord de la communauté internationale. En 1509, il prend l'initiative d'un de ces projets. Avec succès, il s'installe au Vatican, près de Michel-Ange, comme le plus grand sculpteur. Il doit encore vivre le reste de sa longue vie. En 1518-1519, Rafaël et ses assistants réalisent des constructions en bois et en plafonds dans la Loggia du Vatican. Les artistes ont contribué à la décoration de la Loggia en tant qu'élément essentiel de l'architecture des appartements du Vatican. Les décorations sont en fait une combinaison d'éléments de design de Rafaël, alors que les fresques originales n'étaient pas encore très éloignées les unes des autres. Le résultat reflète le style de la publication au début du 18e siècle et constitue une référence pour les œuvres d'art de la période néoclassique. Prix : Euro 1.850,- (par pièce, frais inclus)

1 850 EUR

- Anatomical print - anonymous, 1820 - Gravure ANATOMIQUE grandeur nature Squelette avec musculature, gravure anonyme sur cuivre réalisée vers 1820, coloriée par une main postérieure. Dimensions : (papier) 180 x 67 cm. Cette gravure anatomique grandeur nature a été utilisée à des fins éducatives à une époque où l'art de guérir se transformait en médecine moderne. La cartographie de l'anatomie humaine a été complétée et systématisée à cette époque. Nous voyons ici le squelette humain de dos, avec des détails de la musculature à gauche et de la structure osseuse à droite, au-dessus et au-dessous de la colonne cervicale et du pied. Jusqu'à la fin du 19e siècle, les connaissances en matière de guérison étaient encore limitées et l'habileté du médecin dépendait de son intelligence, de son inventivité et de son courage. La médecine était pratiquée par toutes sortes de personnes : des personnes qui pratiquaient l'art de guérir avec sincérité, prudence et esprit critique, des personnes qui expérimentaient des idées farfelues et obtenaient des résultats surprenants, ainsi que des personnes qui croyaient en leurs propres méthodes et moyens, mais obtenaient des résultats discutables : les charlatans. Aux Pays-Bas, ce n'est qu'en 1865, sous la direction du premier ministre Thorbecke, que la médecine a reçu un statut scientifique et que la formation a été institutionnalisée. Les cours d'anatomie ne se déroulent plus dans des théâtres d'anatomie, mais dans des salles de classe et sur la base de collections médicales. Prix de l'exposition : Euro 1.950,- (cadre inclus)

1 950 EUR

- Lode Sebregs - Winter Hat Fashion - Lode Sebregs, 1930s. COLLECTION D'HIVER AU GRAND BAZAR "Hiver au Grand Bazar". Gouache sur papier, dessin pour une affiche publicitaire de Lode Sebregts. Début des années 30. Signé en haut à gauche. Dim. : environ 70 x 53 cm. Ouvert dans la Groenplaats d'Anvers en 1885, le Grand Bazar du Bon Marché est devenu un nom connu bien au-delà de la ville. L'ouverture du grand magasin de luxe a également marqué les débuts de la place en tant que centre de la mode. Un an à peine après le Grand Bazar, Vaxelaire-Claes ouvre un grand magasin tout aussi luxueux au coin de la Nationalestraat. Les beaux chapeaux et les costumes coquets avec lesquels les Anversoises du début du vingtième siècle défilaient dans les rues étaient souvent achetés dans l'un de ces grands magasins calqués sur le modèle parisien. Il reste peu de choses des deux grands magasins aujourd'hui. Vaxelaire-Claes a fait place à un centre commercial en faillite. Le Grand Bazar a été transformé en hôtel Hilton. Ce projet d'affiche pour la collection d'hiver a dû voir le jour au début des années 1930. Le béret des années 1920 avait pris de l'ampleur. Asymétrique, haut à l'arrière et bas à l'avant. Le feutre a été amidonné pour qu'il ne pende pas mollement. Lode Sebregts (1906-2002), originaire d'Anvers, était peintre, écrivain, illustrateur, enseignant, affichiste, décorateur et costumier. Sebregts compte 85 expositions à son actif et une œuvre variée d'environ 1 000 peintures. Prix : 1 350 euros (cadre compris)

1 350 EUR

- Jules David - Belle Epoque fashion - Jules David, 1877. DAMES ELEGANTES AU BOIS DE BOULOGNE Dessin de mode à la plume et à l'aquarelle sur carton de Jules David (1808 - Paris - 1892). Signé en bas à gauche. Verso daté/inscrit : "1877 / 3ème No d'Avril / No 16" ? Dimensions : 29,1 x 23,5 cm. Cette aquarelle fait partie d'une série de dessins de mode créés par David pour le magazine parisien Le Moniteur de la Mode ("Journal du Grand Monde"). Modes, Illustrations, Patrons, Littérature, Beaux-Arts, Théâtres" ?). Plusieurs exemplaires sont conservés au Musée des Arts Décoratifs (Pavillon de Marsan/Louvre). David a été l'élève de Duval le Camus et a reçu une Mention Honorable du Salon en 1885. Cette œuvre provient de la collection de Charlotte von Prybram-Gladona. Charlotte, habituée du Beau Monde, est née à Munich en 1910 et a épousé le noble viennois Albin von Prybram-Gladona à l'âge de vingt-quatre ans. Le couple s'est rencontré en prenant des cours de danse qu'Albin, de vingt ans son aîné, prenait pour garder la forme ( !). Sa famille a entretenu des liens étroits avec Einstein, Schweitzer, Rilke et Thomas Mann, tandis qu'il connaissait Johannes Brahms comme "˜uncle Jo'". Lorsque Charlotte et Albin se sont installés à Paris juste avant le début de la Seconde Guerre mondiale, ils ont été contraints de vendre la majeure partie de leur collection de meubles. Cependant, cela leur a permis de s'adonner à leur passion pour les dessins, qui prenaient beaucoup moins de place. Le couple retourne en Autriche en 1969 et s'installe à Salzbourg. Albin meurt cinq ans plus tard, tandis que Charlotte y atteint l'âge avancé de 92 ans. Prix : 985 euros (TVA de 21% incluse)

985 EUR

- Eugène Grasset - Jalousie - Eugène Grasset, 1897. Jalousie [Jealousy], lithographie dessinée par Eugène Grasset en 1897, publiée par G. de Malherbe. Taille : Ø 68,5 cm. De la série Dix Estampes Décoratives (caracteres de femmes, fleurs emblematiques) publiée dans une édition 750. Eugène Samuel Grasset (1841 -1917) était un artiste décorateur franco-suisse qui a travaillé à Paris, en France, dans divers domaines de la création à la Belle Époque. Il est considéré comme un pionnier du design Art nouveau. Fils d'un ébéniste et d'un sculpteur, il est élevé dans un environnement artistique. Il a étudié le dessin avec François Bocion (1828-1890) et est allé à Zürich en 1861 pour étudier l'architecture. Il devient un admirateur de l'art japonais, qui influence certaines de ses créations. Entre 1869 et 1870, Grasset travaille comme peintre et sculpteur à Lausanne. Il s'installe à Paris en 1871 où il conçoit des meubles, des tissus et des tapisseries, ainsi que des céramiques et des bijoux. Ses pièces d'art décoratif étaient fabriquées à partir d'ivoire, d'or et d'autres matériaux précieux dans des combinaisons uniques et ses créations sont considérées comme la pierre angulaire des motifs et des dessins de l'Art nouveau. En 1877, Eugène Grasset s'est tourné vers le graphisme, produisant des produits générateurs de revenus tels que des cartes postales et éventuellement des timbres-poste pour la France et la Suisse. Cependant, c'est l'art de l'affiche qui devient rapidement son point fort. Certaines de ses œuvres font partie des Maîtres de l'Affiche. Grasset a passé la majeure partie de ses dernières années à enseigner dans diverses écoles de Paris. Nombre de ses élèves deviendront eux-mêmes d'éminents artistes, sans surprise, dont beaucoup au sein du mouvement Art nouveau. Sa polyvalence, ses instincts et ses capacités n'ont pas seulement influencé ceux à qui il a enseigné, mais aussi des artistes éminents comme Alphonse Mucha, et ont laissé une marque bouleversante sur les arts et les artistes qui ont suivi. Prix : Euro 1.850,- (incl. lijst)

1 850 EUR

- Eugène Grasset - Froideur - Eugène Grasset, 1897. Froideur [coldness], lithographie dessinée par Eugène Grasset en 1897, publiée par G. de Malherbe. Taille : Ø 68,5 cm. De la série Dix Estampes Décoratives (caracteres de femmes, fleurs emblématiques) publiée dans une édition 750. Eugène Samuel Grasset (1841 -1917) était un artiste décorateur franco-suisse qui a travaillé à Paris, en France, dans divers domaines de la création à la Belle Époque. Il est considéré comme un pionnier du design Art nouveau. Fils d'un ébéniste et d'un sculpteur, il est élevé dans un environnement artistique. Il a étudié le dessin avec François Bocion (1828-1890) et est allé à Zürich en 1861 pour étudier l'architecture. Il devient un admirateur de l'art japonais, qui influence certaines de ses créations. Entre 1869 et 1870, Grasset travaille comme peintre et sculpteur à Lausanne. Il s'installe à Paris en 1871 où il conçoit des meubles, des tissus et des tapisseries, ainsi que des céramiques et des bijoux. Ses pièces d'art décoratif étaient fabriquées à partir d'ivoire, d'or et d'autres matériaux précieux dans des combinaisons uniques et ses créations sont considérées comme la pierre angulaire des motifs et des dessins de l'Art nouveau. En 1877, Eugène Grasset s'est tourné vers le graphisme, produisant des produits générateurs de revenus tels que des cartes postales et éventuellement des timbres-poste pour la France et la Suisse. Cependant, c'est l'art de l'affiche qui devient rapidement son point fort. Certaines de ses œuvres font partie des Maîtres de l'Affiche. Grasset a passé la majeure partie de ses dernières années à enseigner dans diverses écoles de Paris. Nombre de ses élèves deviendront eux-mêmes d'éminents artistes, sans surprise, dont beaucoup au sein du mouvement Art nouveau. Sa polyvalence, ses instincts et ses capacités n'ont pas seulement influencé ceux à qui il a enseigné, mais aussi des artistes éminents comme Alphonse Mucha, et ont laissé une marque émouvante sur les arts et les artistes qui ont suivi. Prix : Euro 1.850,- (Cadre inclus)

1 850 EUR

- The cyclist - Ackermann/Burckhardt (Weissenburg), 1906 - FIETSEND DOOR DE BELLE ÉPOQUE Volksprent, lithografie bestaande uit drie gemonteerde bladen, vervaardigd in 1906 door René Ackermann te Weissenburg. Dimensions : 163 x 75 cm. En 1885, il a été créé en Angleterre un disque qui est plus voilé et plus beau que tous les autres disques. En 1888, John Dunlop introduit des bandes de luchon. Le jeu de dames, avec un cadre en forme de porte, est apparu au milieu du mois de juillet 1890. L'écart de prix entre les deux modèles se creuse, ce qui durera jusqu'à ce que la popularité des autres moyens de transport s'accroisse en raison de l'essor de l'automobile. En 1835, le dessinateur Jean-Frédéric Wentzel de Weissenburg (Elzas) a obtenu le brevet d'imprimeur lithographe qui lui permettait d'obtenir des brevets dans le domaine de la lithographie. Grâce aux nouvelles techniques de reproduction modernes et aux techniques d'impression de qualité que les artistes utilisent, Wentzel est devenu une entreprise prospère qui fabrique des produits dans toute l'Europe. On sait que l'entreprise a mis sur le marché, dans les années 1860-1861, deux séries de produits différents, grands et petits. En 1869, Wentzel a mis au point 18 machines à fabriquer de la viande, ce qui lui a permis de fabriquer jusqu'à 400 pièces par jour. Les 35 ouvriers qui travaillaient (pendant une semaine de travail de 69 heures) avaient, en 1870, une production de près de 107 000 pièces. Il s'agissait de la plus grande fabrique de vêtements de l'Europe médiane. L'entreprise a été reprise en 1877 par Charles Burckhardt et en 1906 par René Ackermann. Grâce à la concurrence et à l'utilisation de nouvelles techniques, telles que la photographie, la production s'étend jusqu'à la première horloge du monde, et l'entreprise disparaît au début de l'année 1930. L'exposition de la jeune femme fait partie d'une série d'affiches à succès qui ont été placées dans des endroits publics ou sur des murs. Il s'agit d'un graphisme dont la couleur a été modifiée en fonction de l'évolution de la situation. Terwijl kleinere zgn. centsprenten vanaf medio 19e-eeuw verzameld werden, zijn er van de grote volksprenten zeer weinig bewaard gebleven. Prix : 950 euros

950 EUR

- Chinese fishing bird - after William Alexander, 1796 - "Le Pelicanus Sinensis, ou Corovant pêcheur de Chine. Gravure sur cuivre de W. Skelton d'après un dessin de William Alexander (1767-1816) d'après l'"Authentic account of an embassy from the King of Great Britain to the Emperor of China ; including cursory observations made, and information obtained, in travelling through that ancient empire" écrit par Sir George Leonard Staunton et publié le 12 avril 1796 à Londres par G. Nicol. Coloré par une main postérieure. Taille (image) : 24,3 x 31 cm. L'ambassade était dirigée par le comte George Macartney (1737-1806), qui fut envoyé à Pékin en 1792. Il était accompagné de Staunton, un médecin, en tant que secrétaire, et d'une suite de taille impressionnante, dont le fils de Staunton, âgé de 11 ans, qui était nominalement le page de l'ambassadeur. À l'arrivée de l'ambassade en Chine, il s'est avéré que l'enfant de 11 ans était le seul membre européen de l'ambassade capable de parler le mandarin, et donc le seul à pouvoir converser avec l'empereur. L'ambassade de Lord Macartney n'a pas abouti, les Chinois résistant aux offres britanniques d'établir des relations diplomatiques en vue d'ouvrir les vastes domaines chinois au libre-échange, mais elle a ouvert la voie à d'autres missions britanniques, qui allaient finalement conduire à la première guerre de l'opium et à la cession de Hong Kong à la Grande-Bretagne en 1842. Elle a également donné lieu à cet inestimable compte rendu, préparé aux frais du gouvernement, en grande partie à partir des notes de Lord Macartney, par Staunton, sur les manières, les coutumes et les objets chinois à l'apogée de la dynastie des Qing. Les gravures présentent un intérêt particulier car elles décrivent des sujets dont très peu d'Européens avaient entendu parler ou qu'ils avaient vus, ce qui montre à quel point la civilisation chinoise était avancée sur le plan technique, artistique et organisationnel. Staunton écrit à propos du Cormoran pêcheur : "L'ambassade n'avait pas beaucoup avancé sur la branche sud du canal lorsqu'elle arriva à proximité de l'endroit où le Leu-tze, ou célèbre oiseau pêcheur de Chine, est élevé et instruit dans l'art et la pratique de fournir à son propriétaire du poisson en grande abondance. Il s'agit d'une espèce de pélican, ressemblant au corvorant commun, mais qui se distingue ... comme : pélican brun ou corvorant, avec la gorge blanche, 'le corps blanchâtre en dessous et tacheté de brun' ; 'la queue arrondie ; les iris bleus ; le bec jaune'". Prix : Euro 195,-

195 EUR

- Pheasant of Java - after William Alexander, 1796 - "The Fire-Back Pheasant of Java" Gravure sur cuivre de William Skelton d'après un dessin de William Alexander (1767-1816) tirée de l'"Authentic account of an embassy from the King of Great Britain to the Emperor of China ; including cursory observations made, and information obtained, in travelling through that ancient empire" écrit par Sir George Leonard Staunton et publié le 12 avril 1796 à Londres par G. Nicol. Coloré par une main postérieure. Taille (image) : 31 x 24,2 cm. L'ambassade était dirigée par le comte George Macartney (1737-1806), qui fut envoyé à Pékin en 1792. Il était accompagné de Staunton, un médecin, en tant que secrétaire, et d'une suite de taille impressionnante, dont le fils de Staunton, âgé de 11 ans, qui était nominalement le page de l'ambassadeur. À l'arrivée de l'ambassade en Chine, il s'est avéré que l'enfant de 11 ans était le seul membre européen de l'ambassade capable de parler le mandarin, et donc le seul à pouvoir converser avec l'empereur. L'ambassade de Lord Macartney n'a pas abouti, les Chinois résistant aux offres britanniques d'établir des relations diplomatiques en vue d'ouvrir les vastes domaines chinois au libre-échange, mais elle a ouvert la voie à d'autres missions britanniques, qui allaient finalement conduire à la première guerre de l'opium et à la cession de Hong Kong à la Grande-Bretagne en 1842. Elle a également donné lieu à cet inestimable compte rendu, préparé aux frais du gouvernement, en grande partie à partir des notes de Lord Macartney, par Staunton, sur les manières, les coutumes et les objets chinois à l'apogée de la dynastie des Qing. Les gravures présentent un intérêt particulier car elles décrivent des sujets dont très peu d'Européens avaient entendu parler ou qu'ils avaient vus, ce qui montre à quel point la civilisation chinoise était avancée sur le plan technique, artistique et organisationnel. Prix de l'exposition : Euro 195,-

195 EUR

- Chinese water wheel - after William Alexander, 1796 - "Section et élévation d'une roue utilisée par les Chinois pour élever l'eau" Gravure sur cuivre de William Skelton d'après un dessin de William Alexander (1767-1816) tirée de l'"Authentic account of an embassy from the King of Great Britain to the Emperor of China ; including cursory observations made, and information obtained, in travelling through that ancient empire" écrit par Sir George Leonard Staunton et publié le 12 avril 1796 à Londres par G. Nicol. Coloré par une main postérieure. Taille (image) : 26,5 x 45 cm. L'ambassade était dirigée par le comte George Macartney (1737-1806), qui fut envoyé à Pékin en 1792. Il était accompagné de Staunton, un médecin, en tant que secrétaire, et d'une suite de taille impressionnante, dont le fils de Staunton, âgé de 11 ans, qui était nominalement le page de l'ambassadeur. À l'arrivée de l'ambassade en Chine, il s'est avéré que l'enfant de 11 ans était le seul membre européen de l'ambassade capable de parler le mandarin, et donc le seul à pouvoir converser avec l'empereur. L'ambassade de Lord Macartney n'a pas abouti, les Chinois résistant aux offres britanniques d'établir des relations diplomatiques en vue d'ouvrir les vastes domaines chinois au libre-échange, mais elle a ouvert la voie à d'autres missions britanniques, qui allaient finalement conduire à la première guerre de l'opium et à la cession de Hong Kong à la Grande-Bretagne en 1842. Elle a également donné lieu à ce précieux compte rendu, préparé aux frais du gouvernement, en grande partie à partir des notes de Lord Macartney, par Staunton, sur les mœurs, les coutumes et les objets chinois à l'apogée de la dynastie des Qing. Les gravures présentent un intérêt particulier car elles décrivent des sujets dont très peu d'Européens avaient entendu parler ou qu'ils avaient vus, montrant à quel point la civilisation chinoise était avancée sur le plan technique, artistique et organisationnel. Staunton décrit l'irrigation à l'aide d'une roue hydraulique comme suit : "Pour appliquer le système d'irrigation à ces plantations, qui se trouvaient sur un sol sablonneux situé loin au-dessus de la rivière, il était nécessaire d'élever l'eau à des hauteurs qui ne pouvaient être atteintes par les moyens mentionnés jusqu'à présent comme étant pratiqués par les Chinois. Mais le besoin a suggéré la ressource, et ils ont inventé une machine aussi ingénieuse dans sa conception que peu coûteuse dans ses matériaux, facile dans son fonctionnement et efficace dans son but. Deux poteaux ou montants en bois dur étaient solidement fixés dans le lit de la rivière, dans une ligne perpendiculaire à sa rive. Ces poteaux supportaient l'axe, d'une longueur d'environ dix pieds, d'une grande roue durable, composée de deux jantes inégales, dont le diamètre de l'une, la plus proche de la rive, est d'environ quinze pouces plus court que celui de la jante extérieure ; mais les deux plongent dans le courant, tandis que le segment opposé de la roue s'élève au-dessus de la rive surélevée. Cette double roue est reliée à l'axe et soutenue par seize ou dix-huit rayons insérés obliquement près de chaque extrémité de l'axe et se croisant à environ deux tiers de leur longueur. Ils sont ensuite renforcés par un cercle concentrique et fixés aux jantes : les rayons insérés à l'extrémité intérieure de l'axe atteignent la jante extérieure, et ceux qui partent de l'extrémité extérieure du même axe atteignent la jante intérieure et la jante plus petite. Entre les jantes et les croisements des rayons, est tissée une sorte de vannerie serrée, servant de louches ou de flotteurs, qui rencontrant successivement le courant du ruisseau, obéissent à son impulsion, et tournent autour de la roue. Aux deux jantes sont attachés de petits tubes ou becs de bois, avec une inclinaison d'environ vingt-cinq degrés par rapport à l'horizon ou à l'axe de la roue. Les tubes sont fermés à leur extrémité extérieure et ouverts à l'extrémité opposée. Grâce à cette position, les tubes qui, dans le mouvement de la roue, se trouvent dans le courant avec leur embouchure ou leur extrémité ouverte en haut, se remplissent d'eau. Au fur et à mesure que ce segment de la roue s'élève, les embouchures des tubes qui y sont attachés modifient leur inclinaison relative, mais pas au point de laisser leur contenu s'écouler, jusqu'à ce que ce segment de la roue devienne le sommet. Les embouchures de ces tubes sont alors relativement abaissées et versent l'eau dans une large auge placée sur des poteaux, d'où elle est acheminée selon les besoins parmi les cannes". Prix : Euro 195,-

195 EUR

- Cochinchina (Vietnam), Magistrate of Turon (Da Nang) - after William Alexander, 1796 - "A Mandarin or Magistrate of Turon [Dà Nang] attended by his pipe bearer" Gravure sur cuivre de J. Caldwall d'après un dessin de William Alexander (1767-1816 ) tirée de l'"Authentic account of an embassy from the King of Great Britain to the Emperor of China ; including cursory observations made, and information obtained, in travelling through that ancient empire" écrit par Sir George Leonard Staunton et publié le 12 avril 1796 à Londres par G. Nicol. Coloré par une main postérieure. Taille (image) : 22,2 x 17 cm. L'ambassade était dirigée par le comte George Macartney (1737-1806), qui fut envoyé à Pékin en 1792. Il était accompagné de Staunton, un médecin, en tant que secrétaire, et d'une suite de taille impressionnante, dont le fils de Staunton, âgé de 11 ans, qui était nominalement le page de l'ambassadeur. À l'arrivée de l'ambassade en Chine, il s'est avéré que l'enfant de 11 ans était le seul membre européen de l'ambassade capable de parler le mandarin, et donc le seul à pouvoir converser avec l'empereur. L'ambassade de Lord Macartney n'a pas abouti, les Chinois résistant aux offres britanniques d'établir des relations diplomatiques en vue d'ouvrir les vastes domaines chinois au libre-échange, mais elle a ouvert la voie à d'autres missions britanniques, qui allaient finalement conduire à la première guerre de l'opium et à la cession de Hong Kong à la Grande-Bretagne en 1842. Elle a également donné lieu à ce précieux compte rendu, préparé aux frais du gouvernement, en grande partie à partir des notes de Lord Macartney, par Staunton, sur les mœurs, les coutumes et les objets chinois à l'apogée de la dynastie des Qing. Les gravures présentent un intérêt particulier car elles décrivent des sujets dont très peu d'Européens avaient entendu parler ou qu'ils avaient vus, ce qui montre à quel point la civilisation chinoise était avancée sur le plan technique, artistique et organisationnel. Prix de l'exposition : Euro 195,-

195 EUR

- Madame Bruyère - Fashion design, "Diner au Cabaret" - Madame Bruyère, 1930s. DAMES ELEGANTES AU BOIS DE BOULOGNE Dessin de mode à la plume et à l'aquarelle sur carton de Jules David (1808 - Paris - 1892). Signé en bas à gauche. Verso daté/inscrit : "1877 / 3ème No d'Avril / No 16" ? Dimensions : 29,1 x 23,5 cm. Cette aquarelle fait partie d'une série de dessins de mode créés par David pour le magazine parisien Le Moniteur de la Mode ("Journal du Grand Monde"). Modes, Illustrations, Patrons, Littérature, Beaux-Arts, Théâtres" ?). Plusieurs exemplaires sont conservés au Musée des Arts Décoratifs (Pavillon de Marsan/Louvre). David a été l'élève de Duval le Camus et a reçu une Mention Honorable du Salon en 1885. Cette œuvre provient de la collection de Charlotte von Prybram-Gladona. Charlotte, habituée du Beau Monde, est née à Munich en 1910 et a épousé le noble viennois Albin von Prybram-Gladona à l'âge de vingt-quatre ans. Le couple s'est rencontré en prenant des cours de danse qu'Albin, de vingt ans son aîné, prenait pour garder la forme ( !). Sa famille a entretenu des liens étroits avec Einstein, Schweitzer, Rilke et Thomas Mann, tandis qu'il connaissait Johannes Brahms comme "˜uncle Jo'". Lorsque Charlotte et Albin se sont installés à Paris juste avant le début de la Seconde Guerre mondiale, ils ont été contraints de vendre la majeure partie de leur collection de meubles. Cependant, cela leur a permis de s'adonner à leur passion pour les dessins, qui prenaient beaucoup moins de place. Le couple retourne en Autriche en 1969 et s'installe à Salzbourg. Albin meurt cinq ans plus tard, tandis que Charlotte y atteint l'âge avancé de 92 ans. Prix : 985 euros (TVA de 21% incluse)

750 EUR

- Marie-Louise Bruyère - Fashion design, "Nymphéas" - Marie-Louise Bruyère, 1930s. Nymphéas, dessin de mode des années 1930 pour la collection de Marie-Louise Bruyère. Aquarelle sur papier gris. Mme Bruyère (1884 - après 1959) est née dans la campagne française, mais ses parents ambitieux se sont installés dans la banlieue parisienne en pleine expansion, où ils ont prospéré. Ils habitaient le quartier chic de Saint Gratien, où vivait également la princesse Mathilde (nièce de Napoléon Ier). Elle se forme auprès de Louise Cheruit puis de Jeanne Lanvin. En 1928, elle ouvre sa propre maison "Bruyère Couture" et, avec ses collections du début des années 1930, elle se place parmi les jeunes créateurs de son temps tels que Schiaparelli, Alix, Rochas et Mainbocher. Sa renommée s'étend au niveau international, ce qui lui permet d'ouvrir un grand salon sur la place Vendôme en 1937. Ses créations sont également exportées aux États-Unis. En 1932, le nom de Bruyère est le troisième plus connu dans les magasins de Manhattan (derrière Vionnet et Lanvin). Ses vêtements sont chics, très faciles à porter et surtout à la mode, avec des éléments de design subtils et inhabituels. Avec deux défilés par an de 200 modèles chacun, sa production est énorme et en 1947, elle compte 328 employés. Son entreprise se développe jusqu'au milieu des années 1950, lorsque la mode passe au prêt-à-porter, et la société ferme ses portes après quelques années. Prix : Euro 750,- (cadre inclus)

750 EUR

- Dance, "Cake Walk" - Ferdinand von Reznicek, ca. 1906 - "Cake Walk", kopergravure vervaardigd rond 1906 naar het ontwerp van Ferdinand von Reznicek, in de tijd met hand gekleurd. Afm. (prent) : 23,6 x 17,7 cm. Ferdinand Freiherr von Reznicek (1868 Wenen - 1909 München) était un célèbre dessinateur et illustrateur de la Belle Époque. Il a participé, à partir de 1896, à l'édition du journal satirique "Simplicissimus", où il s'est fait remarquer par le succès de ce livre. Il a également illustré les livres "Jugend" et "Fliegende Blätter". Il s'est spécialisé dans les techniques romantiques, mais aussi dans les techniques de la géométrie, ce qui lui a valu de se voir attribuer le nom de "haute volée" sur le papier. Les femmes des spectacles de von Reznicek sont toujours aussi jeunes et élégantes et se distinguent par leur élégance. Avec le nom, les décorations des danses sont d'une grande gélivité. De cakewalk est une danse qui a été créée à l'origine par des femmes américaines. La danse est une imitation satirique des danses européennes traditionnelles et est influencée par les mouvements excessifs des danseurs. Le nom de la danse [cake-loopje] vient du fait que, lors de l'inauguration de la danse d'origine à l'occasion de l'exposition du centenaire à Philadelphie en 1876, un gâteau a été ajouté au prix de la danse la plus réussie. Depuis 1900, ce gâteau est également très populaire dans les salles de danse européennes. Prix : Euro 495,- (prix inclus)

495 EUR

- The four seasons - Sébastien Leclerc after Charles Le Brun, 1679 - DEPICTIONS ALLEGORIQUES DES QUATRE SAISONS Eaux-fortes avec gravure réalisées par Sébastien Leclerc en 1679, d'après les tapisseries de Charles Le Brun. Dimensions (chacune) : environ 36 x 44 cm. Au printemps, nous voyons Mars, dieu de la guerre, assis sur un nuage devant les jardins de Versailles, et Vénus, déesse de l'amour. Ensemble, ils tiennent une couronne représentant Louis XIV à cheval. Au premier plan, une charrue, une herse, une pelle et d'autres outils agricoles. En été, nous voyons Apollon, dieu des arts, avec Minerve, déesse de la sagesse, sur leur nuage dans les jardins de Fontaineblaeu. Dans la couronne qu'ils tiennent, le dôme du Palais des Tuileries. Au premier plan, une riche récolte de blé, de citrouilles, de poires, de prunes, de melons et d'autres fruits. En automne, nous voyons Bacchus, le dieu du vin, et Diane, la déesse de la chasse, tenant une couronne représentant une chasse au cerf. À l'arrière-plan, le paysage autour du château de Saint-Germain-en-Laye. Devant eux s'étend une récolte de raisins, de grenades, de pastèques. En hiver, nous voyons un Saturne ailé, père de Jupiter et dieu du temps, ainsi qu'une Hébé, déesse de la jeunesse, tenant à la main une coupe pour le breuvage qui rajeunit les dieux. Ensemble, ils tiennent une couronne contenant l'un des grands ballets présentés au roi. En arrière-plan, la Porte de la Conférence, l'une des (anciennes) portes de Paris. Sébastien Leclerc (1637 - 1714) était un artiste lorrain spécialisé dans la gravure de reproduction. Il réalise de beaux dessins, des eaux-fortes et des gravures de tableaux et travaille souvent à Paris pour Charles Le Brun (1619-1690), premier peintre de la cour du roi Louis XIV. Charles Le Brun était également directeur de la Manufacture des Gobelins où l'on fabriquait des tapisseries et des meubles pour les palais royaux. Prix de vente : Euro 1.250 (ensemble de quatre)

1 250 EUR

- Absinthe Gempp Pernod - Leonetto Cappiello, c. 1908 - "Absinthe Gempp Pernod - Lunel", affiche publicitaire de 1908, lithographie dessinée par Leonetto Cappiello imprimée en couleur sur deux feuilles montées par P. Vercasson & Cie. à Paris. Dimensions : environ 183 x 127 cm. Leonetto Cappiello (1875-1942) est considéré comme le père de l'affiche moderne. Il a rompu avec le style élégant des artistes de l'Art nouveau tels qu'Alphonse Mucha et a dominé l'art de l'affiche parisienne pendant 20 ans. Cappiello a été influencé par d'autres affichistes tels que Jules Chéret et Toulouse-Lautrec. Ce qui caractérise Cappiello, c'est l'attention qu'il porte à un sujet accrocheur, généralement humoristique, avec des couleurs exubérantes, une image que l'on comprend immédiatement et que l'on n'oubliera jamais. Cappiello a réalisé des publicités pour divers secteurs : boissons, voyages, sports, cigarettes, cigares et théâtres, tant en France qu'en Italie. Nombre de ses images ont non seulement influencé les générations suivantes d'artistes, mais sont également devenues des icônes recherchées aujourd'hui. L'âge d'or de l'absinthe se situe entre 1880 et 1910, elle devient accessible à toutes les classes sociales et devient presque aussi populaire que le vin. L'heure verte se situait entre 17 et 19 heures, lorsque les cafés étaient pleins de monde et que toutes les chaises et tables des grands boulevards débordaient. L'engouement pour l'absinthe est général, les publicités sont nombreuses et les artistes affirment avoir trouvé leur inspiration en buvant de l'absinthe. "La fée verte est également présente dans toutes les maisons privées et représente 90% des apéritifs consommés. Les distilleries se succèdent et créent des milliers d'emplois en France et en Europe. Au cours de ces années, l'absinthe est devenue la boisson nationale de la France. A son apogée, la distillerie Pernod Fils de Lunel produisait jusqu'à 30.000 litres d'absinthe par jour et exportait son produit dans le monde entier. L'absinthe Gempp Pernod était largement connue pour son goût particulier. En 1910, la consommation d'absinthe en France atteignait 36 millions de litres par an. Avec le mouvement de tempérance qui se développe dans le monde entier, de nombreux politiciens et scientifiques français de premier plan s'intéressent à la "boisson nationale", ce qui aboutit à son interdiction en 1914. Prix de vente : Euro 1.950,-

1 950 EUR

- The Twelve Months - Izaak de Wit Jansz. after Jacob Cats, 1805-1807 - Magnifique série complète des douze mois, gravures réalisées en 1805-1807 par Izaak de Wit Jansz. d'après des dessins de Jacob Cats de 1791-1793. Dimensions (scènes) : chacune 12,5 x 17,7 cm. Jacob Cats (1741-1799) était un excellent dessinateur néerlandais, qui gravait et peignait également. Il a étudié avec Abraham Starre et Pieter Louw. Il travailla d'abord pour l'entreprise de peintures murales de Troost van Groenendoelen, puis créa sa propre entreprise où il collabora notamment avec Egbert van Drielst. Lorsque le marché des papiers peints décline dans les années 1780, Jacob Cats se consacre entièrement au dessin. Il était célèbre pour ses dessins de villes et de paysages avec des personnages et des animaux rendus de manière réaliste. Ses œuvres avaient une originalité distincte et étaient marquées par un rendu poétique des caractéristiques de la nature, ainsi que par une manipulation minutieuse. Il a également créé une bonne impression de profondeur dans ses œuvres. Elles évoquent souvent des artistes du XVIIe siècle tels qu'Adriaan van de Velde et Berchem, et sont très appréciées. Outre la copie de quelques tableaux célèbres, tels que la Ronde de nuit de Rembrandt et le Banquet de la garde civique d'Amsterdam de Bartholomeus van der Helst, il a peint de nombreux paysages avec des personnages et des animaux. Il était réputé pour sa capacité à rendre les personnages de manière très réaliste et à créer une grande profondeur dans ses dessins. Cats s'est spécialisé dans les pendentifs (par exemple, le même paysage en été et en hiver), les séries de saisons ou de mois. Son œuvre est représentée dans presque toutes les grandes collections publiques des Pays-Bas. Izaak de Wit Jansz. (1744-1809) était un graveur hollandais, élève de Jacques-Philippe Le Bas et qui a travaillé pour Reinier Vinkeles, entre autres. Il a enseigné pendant un certain temps à la Fundatie van Renswoude à Utrecht. La série de dessins de Jacob Cats, d'après lesquels De Wit Jansz. a réalisé ses gravures, faisait partie de la collection de Jacob Helmolt, collecteur d'impôts à Haarlem. Prix de vente : Euro 3.500,- (incl. 12 cadres)

3 500 EUR

- Bouquet of tulips - Johanna Helena Buyskes, c. 1865 - Bouquet de tulipes, aquarelle réalisée par la peintre de fleurs Johanna Helena Buyskes (1840-1869). Dimensions (papier) 47 x 33,5 cm. (Cadre : 77 x 58 cm.) La tulipe, originaire de l'Empire ottoman, a été introduite en Europe au XVIe siècle. La tulipe était populaire en France, entre autres, mais a provoqué l'hystérie dans la République néerlandaise. En 1593, Ogier Ghiselin de Busbecq, diplomate flamand à la cour de Turquie, envoie des graines de tulipe à son ami Carolus Clusius, botaniste à Leyde. Six récoltes plus tard - une tulipe fleurit au bout de sept ans - la collection de tulipes est devenue un véritable engouement. Aux XVe et XVIe siècles, les illustrateurs botaniques se consacrent aux propriétés médicinales des fleurs et des plantes et les déterminent avec le plus de précision possible. Plus tard, lorsque les explorateurs européens ont importé des spécimens de lieux exotiques, ceux-ci ont été soigneusement reproduits par des artistes pour un public fasciné par les nouvelles découvertes. Au cours des XVIIIe et XIXe siècles, la représentation scientifique a cédé la place à la mise en valeur de la beauté des plantes et des fleurs. Johanna Helena Buyskes était la petite-fille de l'amiral Arnold Adriaan Buyskes, gouverneur général des anciennes Indes orientales néerlandaises. Le musée Teylers de Haarlem possède également un certain nombre de compositions florales à l'aquarelle de Johanna Helena Buyskes. Prix de vente : Euro 1.250,- (cadre inclus)

1 250 EUR

- Seven Planets - Georg Balthasar Probst, ca. 1760 - DE ZEVEN PLANETEN Série complète de 7 kopergravures datant d'environ 1760 et réalisée à Augsbourg par Georg Balthasar Probst. Dans le temps avec la main gekleurd. Afm. elk 28 x 41 cm. In de Klassieke Oudheid werden alle hemellichamen die niet met de sterrenhemel meebewogen, als planeet geclassificeerd. Outre les planètes connues Mercure, Vénus, Mars, Jupiter et Saturne, la zone et la mer sont également classées en tant que planètes. Ces sept planètes sont ici symboliquement considérées comme des dieux de la Terre Sainte. La lune est représentée par le dieu Apollon, jeune, fort et puissant, à la tête majestueuse et à l'épine dorsale. Comme attributs, il a une langue, une paume et un corps. Il a été remplacé par Leeuw, un homme d'une grande beauté. La terre - représentée par la déesse Luna, avec la terre lavée et la pierre Kreeft. Mars - dieu de la terre, souvent associé à la protection de l'environnement, associé à l'emblème Ram, à l'armée, à la marine et à l'industrie. Mercure - dieu de la main, du travail et de l'argent, doté des symboles qui font la différence : des sandales à talon, un casque à talon et un bâton à talon en argot, il est associé à l'image de marque Tweeling. Jupiter - le dieu du ciel, avec une couronne et des livres dans sa main, qui lui a donné le nom de Vissen. Vénus - dieu de la vie, de la santé, de l'amour et de la protection des enfants et des plantes, associée à Cupido et appelée Weegschaal dans son entourage. Saturnus - dieu de la terre et de la vénération, doté d'un corps et d'un esprit, accompagné de Steenbok, dans le cadre d'un spectacle, il fait tout basculer dans une situation délicate. À la suite de la découverte du géocentrisme (au XVIe siècle) et de l'adoption de la théorie de l'héliocentrisme, l'Aarde a été agrandie et la zone a été modifiée. Lorsque les hommes de Galilée se sont tournés vers Jupiter, la forme de l'aube n'a pas été plus longue que la forme plane. Le modèle géocentriste a été longuement modifié pour tenir compte du fait que l'homme sur la planète n'est pas encore en état de marche, et que la zone et les autres hémisphères se déplacent tous les jours sur la planète. À l'époque où ces gravures ont été réalisées, tout ce qui est naturel était déjà connu, mais grâce à des méthodes classiques, il est possible d'obtenir de bons résultats. Georg Balthasar Probst (1732-1801) a obtenu ce privilège. Prix : Euro 1.450,- (série de 7)

1 450 EUR

- Europe, WWI propaganda map - Fritz Elsner, 1914 - CARTE DE PROPAGANDE DE L'EUROPE DE LA PREMIÈRE GUERRE "Karikatur des deutschen Kriegsschauplatzes" [Charicature du théâtre de guerre allemand]. Lithographie en couleurs réalisée par Fritz Elsner en 1914, publiée à Cologne par F. Klotz et G. Cremer. Avec le cachet de collection d'un certain H.J. Francken d'Arnhem (NL). Tandis que les soldats de la Première Guerre mondiale se battaient sur différents fronts à travers l'Europe, les artistes et les services gouvernementaux sur le front intérieur se livraient à leur propre bataille de propagande par le biais d'affiches, de cartes postales et de souvenirs patriotiques. Les cartes comportant des éléments de propagande étaient très populaires. Elles étaient destinées à convaincre le public des mauvaises tendances d'un ennemi ou du fait qu'un conflit pouvait être gagné et valait la peine d'être sacrifié. Pendant la guerre, des deux côtés du front, elles ont été distribuées comme matériel d'agitation pour tenter d'élever l'esprit de combat des soldats et de la population à la maison. Elles étaient généralement vendues séparément et, comme c'est le cas ici, parfois montées sur du lin pour être renforcées. Le texte allemand situé sous la carte explique de manière peu subtile les différentes nations présentes sur ce théâtre de guerre [veuillez pardonner au traducteur de ne pas avoir trouvé de mots qui riment] : L'Allemagne : Allez-y ! Beaucoup d'ennemis, beaucoup d'honneur ! La France : Qu'est-ce que tu crois, espèce de coq préromain, Qui a commencé avec une poitrine pleine de haine, Tu voulais dévorer l'Allemagne, Pas moyen que tu réussisses ! Belgique : Pays stupide, tu aurais dû te décider plus tôt, Tu aurais dû faire de la place aux Allemands, Comme les choses seraient différentes pour toi maintenant, Tu aurais économisé beaucoup de sang et d'argent. La Russie : Vous pensiez mettre à sac ces guerriers allemands, Mais au lieu de cela, l'ours russe est battu avec un coin, de plus en plus. Angleterre : Garçon à la double langue, Tu voulais te cacher, Zeppelin va te réveiller. Serbie : Toi, l'origine de cette conspiration, La vague allemande ne t'épargnera pas, Horrible misérable, Souviens-toi de cela et n'oublie pas, Toi et tous les autres voleurs de moutons, Cela te coûtera des coups de fouet allemands. Le prix : Euro 975,-

975 EUR

- Jewish pidyon haben ceremony - Bernard Picard, 1725 - "Le rachat du premier né, gravure sur cuivre réalisée en 1725 par Bernard Picard pour ses Cérémonies et coutumes religieuses de tous les peuples du monde. Coloriée par une main postérieure. Dimensions : (plaque) : 16,5 x 21,5 cm. Selon la tradition juive, chaque premier-né (fils) appartient à Dieu parce que Dieu a protégé les Juifs de la dixième peste au cours de laquelle tous les premiers-nés sont morts. Parce que les premiers-nés appartenaient à Dieu, ils étaient obligés de servir en tant que prêtres. Depuis que les descendants du grand prêtre Aaron ont repris la fonction de kohen, les premiers-nés ont dû se racheter de cette obligation. Cela se fait lors de la cérémonie du pidyon haben (hébreu : ? ???? ? ???). Le rachat s'effectue en payant cinq pièces d'argent à un kohen, au nom de son fils premier-né. Le père apporte l'enfant au kohen. Indiquant qu'il s'agit du fils premier-né de la mère israélite, il vient le racheter comme l'ordonne la Torah. Le kohen demande au père ce qu'il préfère, l'enfant ou les cinq sicles d'argent qu'il doit payer. Le père répond qu'il préfère l'enfant à l'argent, récite une bénédiction et donne cinq pièces d'argent (ou une quantité équivalente d'argent total). Le kohen tient les pièces au-dessus de l'enfant et déclare que le prix de rachat est reçu et accepté à la place de l'enfant. Il bénit ensuite l'enfant. La gravure nous montre une cérémonie domestique entre amis et famille. Le prêtre porte l'enfant sur son bras. Le père lui offre un bol de pièces de monnaie. (Détail : le bol est tenu par un serviteur de couleur, encore enfant lui-même.) La mère de l'enfant est assise dans le fauteuil de gauche, à côté d'elle une vieille femme sage. À l'arrière-plan, la nounou de l'enfant peut fermer la porte. Le prix : Euro 325,-

325 EUR

- Jewish circumcision (brit milah) - Bernard Picard, 1725 - "Instrumens qui servant à la circoncision" [Werktuigen die tot de Besnydenis dienen], kopergravure vervaardigd door Bernard Picard in 1725 voor "Cérémonies et coutumes religieuses de tous les peuples du monde". Plus tard, elle a été gommée à la main. Afm. : (plaatrand) 32 x 21 cm. L'interprétation néerlandaise de l'œuvre de Picard (versée en 1727) nous donne la description suivante de ce que l'on peut lire sur la gravure, à savoir que l'œuvre est destinée à une femme juive (briet mila) : In 't Bovendeel van deeze Afbeelding, vind men dit volgende verbeeldt : 1. Een kleine Schotel waarin de pleisters leggen. 2. Een andere Schotel waarin een weinig sant is, om 'er de Voorhuidt in te leggen. 3. Een Pleister. 4. Een Flesje waarin de t'samentrekkende pouders zyn. 5. Het Mes 't welk tot de Besnydenis dient. 6. Het Werktuig 't welk dient om de Voorhuidt te houden. 7. Een Windzel dienende om de pleisters te bewinden. 8. Une petite roue argentée sur laquelle souffle le vent de Voorhuidt. In 't Onderdeel word verbeeldt ; al wat de Wet Boeken aangaat. A. est une petite maison où les noms de tous les dirigeants de la synagogue sont inscrits, et où les noms de sept personnes sont inscrits, pour que l'on puisse s'occuper de l'entretien de la salle de bain. Cette offrande est divisée en trois parties ; la première partie, qui se trouve au point 1, concerne les noms des Lévites. 2. c'est la partie où les noms des Lévites sont indiqués, à savoir le nom de l'homme et le nom de la femme. 3. Il s'agit de l'endroit où les noms des autres chefs de file du Synagogue sont inscrits. 4. le lieu où sont inscrits les noms des autres chefs d'État, qui ont été supprimés par la force des choses. B. Is de Sepher Tora, of het Rolboek van de Wet, geopent. C. Le livre d'or de Wet a été placé dans une bande d'élevage. D. Le livre de la Loi, avec des versements de zyne. E. De Rimonim of het zilver versierzel met schelletjes, die op beide de einden boven op het Rolboek worden gezet. F. Une pièce d'identité pour laquelle il n'y a pas de pièce d'identité, mais des pièces d'identité. Prix : 175 euros

175 EUR

- Jules Chéret - La Bodinière - Jules Chéret, 1895-1900. "La Bodinière", lithographie en couleurs dessinée par Jules Chéret, publiée par l'impremerie Chaix entre 1895-1900 pour leurs "Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers"...Format (papier) : 40 x 29 cm. Le Théâtre La Bodinière était un théâtre à Paris dirigé par Charles Bodinier entre 1890 et 1902. Il présentait des conférences et des spectacles pour un public distingué d'aristocrates, de grands bourgeois et d'intellectuels. La série des Maitres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui a atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes comme Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. Avec la vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie, est apparu un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude - mais la taille même des affiches rendait leur stockage difficile et souvent impossible. La série des Maitres de l'Affiche est née de ce dilemme. En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les passionnés ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche comptait 256 plaques lithographiques miniatures réalisées par des experts et représentant le meilleur de la Belle Époque. Au cours de ses cinq années d'existence, de la fin 1895 à 1900, la série a connu un énorme succès, et elle continue d'être populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection des Maitres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chéret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et fondateur virtuel de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chéret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chéret a ouvert sa propre imprimerie, qui allait devenir une succursale du grand éditeur français Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix a fourni à Chéret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre premières planches sont publiées en décembre 1895 et présentent des affiches de Chéret, Toulouse-Lautrec, Julius Price et Dudley Hardy. La série se poursuivra pendant soixante mois au total, pour s'achever en novembre 1900, marquant ainsi l'apogée de l'engouement pour les affiches. Au final, il y a eu 240 planches régulières et 16 planches bonus. La série des Maitres de l'Affiche fonctionnait un peu comme un magazine contemporain. L'amateur d'affiches avait la possibilité d'acheter les quatre planches du mois en cours auprès d'un marchand spécialisé ou de s'abonner à la série pour la durée d'un an. En France, un abonnement d'un an coûtait 27,- francs, ce qui correspondait à environ cinq à dix versions originales en taille réelle des affiches présentées dans la série Maitres. La première planche de chaque mois est une affiche de Chéret lui-même, ce qui fait de lui l'artiste le plus fréquemment représenté dans la série. En effet, les 60 planches régulières et les sept planches bonus de Chéret représentent près de 25 % de l'ensemble de la collection. Au total, 97 artistes du monde entier sont représentés dans la série des Maitres de l'Affiche, dont plus de la moitié sont français. En revanche, seuls quatre d'entre eux venaient d'Italie, six d'Allemagne et huit d'Angleterre. Un éventail de styles populaires se dégage de la collection, notamment l'Art nouveau classique d'Alphonse Mucha et de Privat Livemont, les illustrations d'Edward Penfield et d'Adolphe Willette, et les qualités graphiques de Toulouse-Lautrec et de Pierre Bonnard. Les affiches originales en taille réelle et les tirages Maitres qu'elles ont inspirés n'ont jamais été considérés comme concurrents, mais plutôt comme deux entités totalement différentes. Alors que les affiches étaient grandes et audacieuses, les tirages étaient appréciés pour leur taille et leurs détails exquis. En outre, les affiches étaient souvent imprimées sur du papier journal bon marché en raison de leur courte durée de vie prévue. Les estampes, quant à elles, étaient réalisées sur du papier très fin à l'aide de techniques d'impression trop complexes pour des objets plus grands. La collection d'estampes était un passe-temps extrêmement populaire en soi, bien avant que les affiches ne deviennent à la mode. Chéret a introduit l'affiche moderne, mais ce n'est qu'avec le Mou

375 EUR

- l'Aureole du Midi - Jules Chéret, 1895-1900 - "L'Aureole du Midi, Pétrole de Sûrete", lithographie en couleur dessinée par Jules Chéret, publiée par l'imprimerie Chaix entre 1895-1900 pour ses "Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers" : 40 x 29 cm. L'Auréole du Midi était une huile de lampe. "Sûre, extra claire et sans odeur. Vendue en bidons de plomb de 5 litres". La série des Maîtres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui a atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes tels que Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. Avec la vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie est apparu un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude - mais la taille même des affiches rendait le stockage difficile et souvent impossible. C'est de ce dilemme qu'est née la série "Maitres de l'Affiche". En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les amateurs ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche comprenait 256 planches lithographiques miniatures produites par des experts et représentant le meilleur de la Belle Époque. Pendant ses cinq années d'existence, de fin 1895 à 1900, la série a connu un énorme succès et continue d'être populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations dans le domaine de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection des Maîtres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chéret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et quasi-fondateur de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chéret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chéret ouvre sa propre imprimerie, qui deviendra par la suite une succursale de la grande maison d'édition française Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix fournit à Chéret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre premières planches paraissent en décembre 1895 et présentent des affiches de Chéret, Toulouse-Lautrec, Julius Price et Dudley Hardy. La série se poursuivra pendant soixante mois au total, jusqu'en novembre 1900, marquant véritablement l'apogée de l'engouement pour les affiches. Au final, il y aura 240 planches normales et 16 planches bonus. La série Maitres de l'Affiche fonctionnait un peu comme un magazine contemporain. L'amateur d'affiches avait la possibilité d'acheter les quatre planches du mois auprès d'un marchand spécialisé ou de s'abonner à la série pour une durée d'un an. En France, un abonnement d'un an coûte 27,- francs, ce qui équivaut à environ cinq à dix affiches originales en taille réelle de la série Maitres. La première planche de chaque mois est une affiche de Chéret lui-même, ce qui en fait l'artiste le plus représenté dans la série. En effet, les 60 planches régulières et les sept planches bonus de Chéret représentent près de 25 % de l'ensemble de la collection. Au total, 97 artistes du monde entier sont représentés dans la série des Maîtres de l'Affiche, dont plus de la moitié sont français. En revanche, seuls quatre artistes viennent d'Italie, six d'Allemagne et huit d'Angleterre. La collection présente un large éventail de styles populaires, dont l'Art nouveau classique d'Alphonse Mucha et de Privat Livemont, les illustrations d'Edward Penfield et d'Adolphe Willette, et les qualités graphiques de Toulouse-Lautrec et de Pierre Bonnard. Les affiches originales de grand format et les estampes des Maitres qu'elles ont inspirées n'ont jamais été considérées comme concurrentes, mais plutôt comme deux entités entièrement différentes. Alors que les affiches étaient grandes et audacieuses, les estampes étaient appréciées pour leur taille et leurs détails exquis. En outre, les affiches étaient souvent imprimées sur du papier journal bon marché en raison de leur courte durée de vie. Les estampes, quant à elles, étaient réalisées sur du papier très fin à l'aide de techniques d'impression trop complexes pour des objets plus grands. Bien avant que les affiches ne deviennent à la mode, la collection d'estampes était un hobby à part entière extrêmement populaire. Chéret a introduit l'affiche moderne, mais ce n'est qu'avec le Moulin Rouge de Toulouse-Lautrec en 1891 que les affiches sont devenues une forme d'art que les collectionneurs d'estampes ont jugée digne de leur attention. À bien des égards, la séri

375 EUR

- Grand Théâtre de l'Exposition - Jules Chéret, 1895-1900 - "Grand Théâtre de l'Exposition", lithographie en couleurs dessinée par Jules Chéret, publiée par l'imprimerie Chaix entre 1895 et 1900 pour ses "Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Format (papier) : 40 x 29 cm. L'Exposition universelle de 1889 à Paris consacre un palais entier aux enfants (et à leurs parents) conçu par Emile Ulmann, qui en fait "une merveille d'élégance et d'ingéniosité". Au centre du Palais des enfants, une grande salle pouvait accueillir 800 personnes assises, plus celles qui se tenaient debout dans les allées. À l'extrémité de cette salle, une très grande scène est aménagée pour accueillir toutes sortes d'exhibitions, des acrobates, des spectacles divers comme les Folies-Bergère, et d'autres représentations théâtrales ; c'est le Grand Théâtre de l'Exposition. La série des Maîtres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui a atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes tels que Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. Avec la vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie est apparu un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude - mais la taille même des affiches rendait le stockage difficile et souvent impossible. C'est de ce dilemme qu'est née la série "Maitres de l'Affiche". En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les amateurs ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche comprenait 256 planches lithographiques miniatures produites par des experts et représentant le meilleur de la Belle Époque. Pendant ses cinq années d'existence, de fin 1895 à 1900, la série a connu un énorme succès et continue d'être populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations dans le domaine de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection des Maîtres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chéret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et quasi-fondateur de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chéret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chéret ouvre sa propre imprimerie, qui deviendra par la suite une succursale de la grande maison d'édition française Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix fournit à Chéret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre premières planches paraissent en décembre 1895 et présentent des affiches de Chéret, Toulouse-Lautrec, Julius Price et Dudley Hardy. La série se poursuivra pendant soixante mois au total, jusqu'en novembre 1900, marquant véritablement l'apogée de l'engouement pour les affiches. Au final, il y aura 240 planches normales et 16 planches bonus. La série des Maîtres de l'Affiche fonctionnait un peu comme un magazine contemporain. L'amateur d'affiches avait la possibilité d'acheter les quatre planches du mois auprès d'un marchand spécialisé ou de s'abonner à la série pour une durée d'un an. En France, un abonnement d'un an coûte 27,- francs, ce qui équivaut à environ cinq à dix affiches originales en taille réelle de la série Maitres. La première planche de chaque mois est une affiche de Chéret lui-même, ce qui en fait l'artiste le plus représenté dans la série. En effet, les 60 planches régulières et les sept planches bonus de Chéret représentent près de 25 % de l'ensemble de la collection. Au total, 97 artistes du monde entier sont représentés dans la série des Maîtres de l'Affiche, dont plus de la moitié sont français. En revanche, seuls quatre artistes viennent d'Italie, six d'Allemagne et huit d'Angleterre. La collection présente un large éventail de styles populaires, dont l'Art nouveau classique d'Alphonse Mucha et de Privat Livemont, les illustrations d'Edward Penfield et d'Adolphe Willette, et les qualités graphiques de Toulouse-Lautrec et de Pierre Bonnard. Les affiches originales de grand format et les estampes des Maitres qu'elles ont inspirées n'ont jamais été considérées comme concurrentes, mais plutôt comme deux entités entièrement différentes. Alors que les affiches étaient grandes et audacieuses, les estampes étaient appréciées pour leur taille et leurs détails exquis. En outre, les affiches étaient souvent imprimées sur du papier journal bon marché en raison de leur courte durée de vie. Les estampes, quant à elles, étaient réalisées sur

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- La Gomme - Jules Chéret, 1895-1900 - "La Gomme", lithographie en couleurs dessinée par Jules Chéret, publiée par l'imprimerie Chaix entre 1895-1900 pour ses "Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Taille (papier) : 40 x 29 cm. La Gomme est une pièce de théâtre de 1889 en trois actes du dramaturge français Félicien Champsaur (1858-1934), aujourd'hui en partie oublié, l'un des écrivains les plus productifs de la fin du XIXe siècle et de la première moitié du XXe siècle. La série des Maitres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui a atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes tels que Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. Avec la vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie est apparu un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude - mais la taille même des affiches rendait le stockage difficile et souvent impossible. C'est de ce dilemme qu'est née la série "Maitres de l'Affiche". En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les amateurs ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche comprenait 256 planches lithographiques miniatures produites par des experts et représentant le meilleur de la Belle Époque. Pendant ses cinq années d'existence, de fin 1895 à 1900, la série a connu un immense succès et continue d'être populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations dans le domaine de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection des Maîtres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chéret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et quasi-fondateur de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chéret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chéret ouvre sa propre imprimerie, qui deviendra par la suite une succursale de la grande maison d'édition française Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix fournit à Chéret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre premières planches paraissent en décembre 1895 et présentent des affiches de Chéret, Toulouse-Lautrec, Julius Price et Dudley Hardy. La série se poursuivra pendant soixante mois au total, jusqu'en novembre 1900, marquant véritablement l'apogée de l'engouement pour les affiches. Au final, il y aura 240 planches normales et 16 planches bonus. La série Maitres de l'Affiche fonctionnait un peu comme un magazine contemporain. L'amateur d'affiches avait la possibilité d'acheter les quatre planches du mois auprès d'un marchand spécialisé ou de s'abonner à la série pour une durée d'un an. En France, un abonnement d'un an coûte 27,- francs, ce qui équivaut à environ cinq à dix affiches originales en taille réelle de la série Maitres. La première planche de chaque mois est une affiche de Chéret lui-même, ce qui en fait l'artiste le plus représenté dans la série. En effet, les 60 planches régulières et les sept planches bonus de Chéret représentent près de 25 % de l'ensemble de la collection. Au total, 97 artistes du monde entier sont représentés dans la série des Maîtres de l'Affiche, dont plus de la moitié sont français. En revanche, seuls quatre artistes viennent d'Italie, six d'Allemagne et huit d'Angleterre. La collection présente un large éventail de styles populaires, dont l'Art nouveau classique d'Alphonse Mucha et de Privat Livemont, les illustrations d'Edward Penfield et d'Adolphe Willette, et les qualités graphiques de Toulouse-Lautrec et de Pierre Bonnard. Les affiches originales de grand format et les estampes des Maitres qu'elles ont inspirées n'ont jamais été considérées comme concurrentes, mais plutôt comme deux entités entièrement différentes. Alors que les affiches étaient grandes et audacieuses, les estampes étaient appréciées pour leur taille et leurs détails exquis. En outre, les affiches étaient souvent imprimées sur du papier journal bon marché en raison de leur courte durée de vie. Les estampes, quant à elles, étaient réalisées sur du papier très fin à l'aide de techniques d'impression trop complexes pour des objets plus grands. Bien avant que les affiches ne deviennent à la mode, la collection d'estampes était un hobby à part entière extrêmement populaire. Chéret a introduit l'affiche moderne, mais ce n'est qu'avec le Moulin Rouge de Toulouse-Lautrec en 1891 que les affiches sont d

275 EUR

- Karel Reisner - F. & D. Malý - Karel Reisner, 1895-1900. "F. & D. Malý", lithographie en couleurs de Karel Reisner (1868-1913) publiée à l'origine par Anton Vitek, ici publiée par l'impremerie Chaix entre 1895-1900 pour leur "Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Format (papier) : 40 x 29 cm. Affiche publicitaire Art nouveau pour la bijouterie et l'orfèvrerie F. & D. Malý, située dans la Postovská ulitce à Prague, " vendant un grand choix d'articles de mode de sa propre production ". La série Maitres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui a atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes comme Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. Avec la vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie, est apparu un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude - mais la taille même des affiches rendait leur stockage difficile et souvent impossible. La série des Maitres de l'Affiche est née de ce dilemme. En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les passionnés ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche comptait 256 plaques lithographiques miniatures produites par des experts et représentant le meilleur de la Belle Époque. Au cours de ses cinq années d'existence, de la fin de 1895 à 1900, la série a connu un énorme succès, et elle reste populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection Maitres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chéret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et fondateur virtuel de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chéret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chéret a ouvert sa propre imprimerie, qui allait devenir une succursale du grand éditeur français Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix a fourni à Chéret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre premières planches sont publiées en décembre 1895 et présentent des affiches de Chéret, Toulouse-Lautrec, Julius Price et Dudley Hardy. La série se poursuivra pendant soixante mois au total, pour s'achever en novembre 1900, marquant ainsi l'apogée de l'engouement pour les affiches. Au final, il y a eu 240 planches régulières et 16 planches bonus. La série des Maitres de l'Affiche fonctionnait un peu comme un magazine contemporain. L'amateur d'affiches avait la possibilité d'acheter les quatre planches du mois en cours auprès d'un revendeur spécialisé, ou de s'abonner à la série pour une durée d'un an. En France, un abonnement d'un an coûtait 27,- francs, ce qui correspondait à environ cinq à dix versions originales en taille réelle des affiches présentées dans la série Maitres. La première planche de chaque mois était une affiche de Chéret lui-même, ce qui en fait l'artiste le plus fréquemment représenté dans la série. En effet, les 60 planches régulières et les sept planches bonus de Chéret représentent près de 25 % de l'ensemble de la collection. Au total, 97 artistes du monde entier sont représentés dans la série des Maitres de l'Affiche, dont plus de la moitié sont français. En revanche, seuls quatre d'entre eux venaient d'Italie, six d'Allemagne et huit d'Angleterre. Un éventail de styles populaires se dégage de la collection, notamment l'Art nouveau classique d'Alphonse Mucha et de Privat Livemont, les illustrations d'Edward Penfield et d'Adolphe Willette, et les qualités graphiques de Toulouse-Lautrec et de Pierre Bonnard. Les affiches originales en taille réelle et les tirages Maitres qu'elles ont inspirés n'ont jamais été considérés comme concurrents, mais plutôt comme deux entités totalement différentes. Alors que les affiches étaient grandes et audacieuses, les gravures étaient appréciées pour leur taille et leurs détails exquis. En outre, les affiches étaient souvent imprimées sur du papier journal bon marché en raison de leur courte durée de vie. Les estampes, quant à elles, étaient réalisées sur du papier très fin à l'aide de techniques d'impression trop complexes pour des articles plus grands. La collection d'estampes était un passe-temps extrêmement populaire en soi, bien avant que les affiches ne deviennent à la mode. Chéret a introduit l'affiche moderne, mais ce n'est qu'avec le Moulin Rouge

375 EUR

- To-Day - Dudley Hardey, 1895-1900 - "To-day", lithographie en couleurs de Dudley Hardey, publiée par l'imprimerie Chaix entre 1895 et 1900 pour ses "Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Taille (papier) : 40 x 29 cm. La publicité Yellow Girl pour le magazine Today est l'une des œuvres les plus emblématiques de Dudley Hardey. La série des Maîtres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui a atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes tels que Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. Avec la vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie est apparu un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude - mais la taille même des affiches rendait le stockage difficile et souvent impossible. C'est de ce dilemme qu'est née la série "Maitres de l'Affiche". En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les amateurs ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche comprenait 256 planches lithographiques miniatures produites par des experts et représentant le meilleur de la Belle Époque. Pendant ses cinq années d'existence, de fin 1895 à 1900, la série a connu un immense succès et continue d'être populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations dans le domaine de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection des Maîtres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chéret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et quasi-fondateur de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chéret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chéret ouvre sa propre imprimerie, qui deviendra par la suite une succursale de la grande maison d'édition française Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix fournit à Chéret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre premières planches paraissent en décembre 1895 et présentent des affiches de Chéret, Toulouse-Lautrec, Julius Price et Dudley Hardy. La série se poursuivra pendant soixante mois au total, jusqu'en novembre 1900, marquant véritablement l'apogée de l'engouement pour les affiches. Au final, il y aura 240 planches normales et 16 planches bonus. La série Maitres de l'Affiche fonctionnait un peu comme un magazine contemporain. L'amateur d'affiches avait la possibilité d'acheter les quatre planches du mois auprès d'un marchand spécialisé ou de s'abonner à la série pour une durée d'un an. En France, un abonnement d'un an coûte 27,- francs, ce qui équivaut à environ cinq à dix affiches originales en taille réelle de la série Maitres. La première planche de chaque mois est une affiche de Chéret lui-même, ce qui en fait l'artiste le plus représenté dans la série. En effet, les 60 planches régulières et les sept planches bonus de Chéret représentent près de 25 % de l'ensemble de la collection. Au total, 97 artistes du monde entier sont représentés dans la série des Maîtres de l'Affiche, dont plus de la moitié sont français. En revanche, seuls quatre artistes viennent d'Italie, six d'Allemagne et huit d'Angleterre. La collection présente un large éventail de styles populaires, dont l'Art nouveau classique d'Alphonse Mucha et de Privat Livemont, les illustrations d'Edward Penfield et d'Adolphe Willette, ainsi que les qualités graphiques de Toulouse-Lautrec et de Pierre Bonnard. Les affiches originales de grand format et les estampes des Maitres qu'elles ont inspirées n'ont jamais été considérées comme concurrentes, mais plutôt comme deux entités entièrement différentes. Alors que les affiches étaient grandes et audacieuses, les estampes étaient appréciées pour leur taille et leurs détails exquis. En outre, les affiches étaient souvent imprimées sur du papier journal bon marché en raison de leur courte durée de vie. Les estampes, quant à elles, étaient réalisées sur du papier très fin à l'aide de techniques d'impression trop complexes pour des objets plus grands. Bien avant que les affiches ne deviennent à la mode, la collection d'estampes était un hobby à part entière extrêmement populaire. Chéret a introduit l'affiche moderne, mais ce n'est qu'avec le Moulin Rouge de Toulouse-Lautrec en 1891 que les affiches sont devenues une forme d'art que les collectionneurs d'estampes ont jugée digne de leur attention. À bien des égards, la série des Maitres peut

275 EUR

- Louis John Rhead - Read The Sun - Louis John Rhead, 1895-1900. "Read The Sun", lithographie en couleurs de Louis John Rhead, publiée par l'impremerie Chaix entre 1895-1900 pour leur "Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Format (papier) : 40 x 29 cm. The Sun était un journal londonien du soir publié en Angleterre entre 1893 et 1906. Destiné à être une publication littéraire et explicitement sans allégeance politique, il a été fondé et initialement édité par T. P. O'Connor. La série des Maitres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui a atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes comme Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. La vague de revues, de livres et d'expositions consacrés aux affiches au cours de la décennie s'est accompagnée d'un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude, mais la taille même des affiches rendait leur stockage difficile, voire impossible. La série des Maitres de l'Affiche est née de ce dilemme. En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les passionnés ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche comptait 256 plaques lithographiques miniatures produites par des experts et représentant le meilleur de la Belle Époque. Au cours de ses cinq années d'existence, de la fin de 1895 à 1900, la série a connu un énorme succès, et elle reste populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection des Maitres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chéret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et fondateur virtuel de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chéret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chéret a ouvert sa propre imprimerie, qui allait devenir une succursale du grand éditeur français Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix a fourni à Chéret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre premières planches sont publiées en décembre 1895 et présentent des affiches de Chéret, Toulouse-Lautrec, Julius Price et Dudley Hardy. La série se poursuivra pendant soixante mois au total, pour s'achever en novembre 1900, marquant ainsi l'apogée de l'engouement pour les affiches. Au final, il y a eu 240 planches régulières et 16 planches bonus. La série des Maitres de l'Affiche fonctionne comme un magazine contemporain. L'amateur d'affiches avait la possibilité d'acheter les quatre planches du mois en cours auprès d'un revendeur spécialisé ou de s'abonner à la série pour la durée d'un an. En France, un abonnement d'un an coûtait 27,- francs, ce qui correspondait à environ cinq à dix versions originales en taille réelle des affiches mises en valeur dans la série Maitres. La première planche de chaque mois est une affiche de Chéret lui-même, ce qui fait de lui l'artiste le plus fréquemment représenté dans la série. En effet, les 60 planches régulières et les sept planches bonus de Chéret représentent près de 25 % de l'ensemble de la collection. Au total, 97 artistes du monde entier sont représentés dans la série des Maitres de l'Affiche, dont plus de la moitié sont français. En revanche, seuls quatre d'entre eux venaient d'Italie, six d'Allemagne et huit d'Angleterre. Un éventail de styles populaires se dégage de la collection, notamment l'Art nouveau classique d'Alphonse Mucha et de Privat Livemont, les illustrations d'Edward Penfield et d'Adolphe Willette, et les qualités graphiques de Toulouse-Lautrec et de Pierre Bonnard. Les affiches originales en taille réelle et les tirages Maitres qu'elles ont inspirés n'ont jamais été considérés comme concurrents, mais plutôt comme deux entités totalement différentes. Alors que les affiches étaient grandes et audacieuses, les gravures étaient appréciées pour leur taille et leurs détails exquis. En outre, les affiches étaient souvent imprimées sur du papier journal bon marché en raison de leur courte durée de vie. Les estampes, quant à elles, étaient réalisées sur du papier très fin à l'aide de techniques d'impression trop complexes pour des articles plus grands. La collection d'estampes était un passe-temps extrêmement populaire en soi, bien avant que les affiches ne deviennent à la mode. Chéret a introduit l'affiche moderne, mais ce n'est qu'avec le Moulin R

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- Théâtre de l’Opéra - Jules Chéret, 1897 - Affiche publicitaire pour le bal du théâtre de l'Opéra à Paris, lithographie en couleurs dessinée par Jules Chéret, imprimée par Chaix en 1897. Dos en lin. Dimensions : environ 124 x 89 cm. À partir de 1892, Chéret est chargé d'annoncer les bals masqués qui ont lieu chaque saison au Théâtre de l'Opéra. Jusqu'en 1898, il réalise presque chaque année une affiche différente pour ces bals. Ces images étaient souvent imprimées sans texte, ce qui permettait d'ajouter aux affiches, tout au long de la saison, des empreintes distinctes (portant des dates et des lieux différents, puisque quatre bals avaient lieu chaque année). L'image est parfaitement présentée, combinant l'élégance, le romantisme, le charme, la beauté et le sex-appeal d'une manière légère et vivante. Le masque oculaire ne cache en rien le charme de cette ravissante fêtarde dont l'éblouissement fait oublier tous les autres participants. Jules Chéret (1836-1932) a été le premier à créer des affiches en couleur, des dessins vibrants pour les cabarets, les variétés et les théâtres tels que l'Olympia, les Folies Bergères et le Moulin Rouge. Plus tard, il a étendu son travail à la création de publicités pour toutes sortes de produits. Il est considéré comme le père de la lithographie moderne et des affiches publicitaires. En privilégiant l'image plutôt que le texte, Chéret a révolutionné la conception des affiches. Pour lui, une affiche ne doit pas nécessairement montrer un produit, il est simplement important qu'elle suscite une réaction positive de la part du spectateur. Avec ses grandes affiches représentant des femmes libres d'esprit, il a favorisé l'émancipation des femmes. Avant Chéret, les femmes étaient généralement représentées comme des prostituées ou comme des puritaines. Les "Chrérettes" de Chéret ne sont ni l'une ni l'autre. L'émancipation des femmes de Paris est notable : elles peuvent désormais porter des décolletés et fumer en public. Aujourd'hui, Chéret est l'un des artistes les plus collectionnés de la Belle Époque. Prix de vente : Euro 2.150,-

2 150 EUR

- Stock trading satire - anonymous, 1720 - "Graf kelder der Verongelukte Actionisten. (Tombeau des négociants en bourse ruinés.) Gravure et engrangementpubliés à Amsterdam en 1720 ou après, dans le cadre de "Het Groote Tafereel der Dwaasheid" (le tableau de la stupidité). Coloriée par une main postérieure. Dimensions : 29,3 x 18,2 cm. En 1720, à Amsterdam, une bourse animée s'est révélée être un commerce de vent. Les investisseurs se sont largement laissés séduire par les promesses vides qui leur ont été faites. Cette situation a conduit à une émeute dans la capitale et a fait l'objet de cette estampe satirique. L'instigateur de la crise est le spéculateur John Law (1671-1729), fils d'un riche orfèvre et banquier écossais. Law s'était forgé une formidable réputation de coureur de jupons et de joueur à Londres. Il a dû fuir la ville et s'est ensuite rendu à Amsterdam et dans d'autres villes européennes, où il a étudié la banque et l'assurance. Outre son apparence charmante, Law avait le sens des chiffres. En France, il réussit à gagner la confiance de la cour. En 1717, il obtient l'autorisation de fonder la Mississippi Company, qui émet des actions dans des sociétés sans valeur à l'étranger en promettant des rendements élevés. Après plusieurs fusions avec d'autres sociétés, une nouvelle série d'actions est émise en 1719, dont le prix ne cesse d'augmenter. À la suite de ce succès rapide, des spéculateurs avides ont également créé aux Pays-Bas des sociétés aux promesses les plus fantastiques. Riches et pauvres spéculent vigoureusement sur les actions de ces sociétés. Jusqu'à ce que la méfiance en France et aux Pays-Bas augmente, la panique s'installe et les prix chutent de façon vertigineuse. Des faillites s'ensuivent et de nombreuses personnes se retrouvent au chômage. À Amsterdam, le commerce du vent provoque une émeute en 1720. Des ouvriers furieux, devenus chômeurs à cause des faillites, se rendirent sur la place du Dam et firent tomber les perruques et les chapeaux majestueux des négociants en bourse. Ils prirent ensuite d'assaut le lieu de rencontre des négociants, le café Quincampoix dans la Kalverstraat, ainsi nommé d'après la rue Quincampoix à Paris, centre du commerce spéculatif. Cette gravure du "tombeau des boursicoteurs ruinés" se moque des opérations boursières et de leurs acteurs. Au centre, on voit un négociant dans sa boutique (qui vend des actions en blanc). La boutique est vendue, dit-on, et la propriété est immédiatement mise en location. Un ange terrestre tend un miroir au "vendeur de vent". Le commerçant montre le globe du "monde agi" en disant : "Je vois tout de travers". Un serpent s'enroule autour du monde et se mord la queue : "le vendeur de vent imite cet animal qui se consume lui-même". John Law échappe de peu à l'émeute d'Amsterdam en 1720. Quelques années plus tard, il mourra à Venise, sans le sou : Euro 350,-

350 EUR

- Danube Salmon - Markus Elieser Bloch, 1782-1795 - SALMON DANUBE "Salmo Hucho/Der Heuch/Le Heuch" (planche 100), gravure sur cuivre réalisée par Gabriel Bodenehr d'après le dessin de Krüger jr, pour l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" de Markus Elieser Bloch, publiée à Berlin entre 1782 et 1795. Avec coloriage original à la main. Dimensions : 19 x 38 cm. Dans les étangs tranquilles de Bavière et dans les cours d'eau plus calmes, nage un poisson appelé Huchen. Il rôde sous les lashers, cherchant dans l'écume des truites, des naseux ou des insectes imprudents et, à en juger par les rapports qui ont été faits à son sujet, il pourrait être considéré comme capable de dévorer tout ce qui n'est pas de la taille d'un bon enfant... Le travail de Bloch sur l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" a occupé une grande partie de sa vie et est considéré comme ayant jeté les bases de la science de l'ichthyologie. La publication a été encouragée par une souscription importante et a connu rapidement cinq éditions en allemand et en français. Bloch n'apporta que peu ou pas de modifications à l'arrangement systématique de Peter Artedi et Carl Linnaeus, bien qu'il ait été disposé à introduire dans la classification certaines modifications dépendant de la structure des branchies. Au nombre de genres déjà établis, il a jugé nécessaire d'en ajouter dix-neuf nouveaux, et il a décrit 276 espèces nouvelles pour la science, dont beaucoup habitent les parties les plus reculées de l'océan et sont, par l'éclat de leurs couleurs ou la singularité de leurs formes, autant d'objets d'admiration populaire que de curiosité scientifique. Bloch est considéré comme l'ichtyologiste le plus important du 18e siècle. Prix de vente : VENDU

275 EUR

- Zingel - Markus Elieser Bloch, 1782-1795 - LE ZINGEL "Perca Zingel/Der Zingel/Le Cingle/The Singel" (planche 106), gravure sur cuivre réalisée par Ludwig Schmidt d'après le dessin de Krüger jr, pour l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" de Markus Elieser Bloch publiée à Berlin entre 1782 et 1795. Avec coloriage original à la main. Dimensions : 19 x 38 cm. Selon Bloch dans son Allgemeine Naturgeschichte der Fische, un ouvrage complet en 12 volumes, magnifiquement illustré, sur les poissons : "Ce poisson est chez lui dans le sud de l'Allemagne et on le trouve dans divers lacs et rivières de Bavière et d'Autriche, ainsi que dans le Danube. Il atteint une taille de 14 à 16 pouces, pèse de 2 à 3 livres et a une chair blanche, ferme et facile à digérer qui ne peut être refusée même aux faibles et aux malades. Il figure donc sur les tables des nobles et se déguste après avoir été bouilli dans de l'eau salée avec un bouillon de vin ou d'anchois. Il aime l'eau pure et pond ses œufs en mars et avril dans des endroits accidentés à cause de petits cailloux. Comme on peut le voir à sa bouche lourdement armée, il fait partie des poissons prédateurs. Aucun autre poisson que le brochet ne l'attaque à cause de ses écailles rugueuses et dures et de ses rayons sur le dos. Il n'est donc pas étonnant qu'il se multiplie facilement malgré la traque de l'homme. Il a une vie rude et peut donc facilement être déplacé d'un plan d'eau à l'autre. On l'attrape avec une canne à pêche, mais aussi avec des pièges à poissons pendant la période de frai". Le travail de Bloch sur l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" a occupé une grande partie de sa vie et est considéré comme ayant jeté les bases de la science de l'ichtyologie. La publication a été encouragée par une souscription importante et a connu rapidement cinq éditions en allemand et en français. Bloch n'apporta que peu ou pas de modifications à l'arrangement systématique de Peter Artedi et Carl Linnaeus, bien qu'il ait été disposé à introduire dans la classification certaines modifications dépendant de la structure des branchies. Au nombre de genres déjà établis, il a jugé nécessaire d'en ajouter dix-neuf nouveaux, et il a décrit 276 espèces nouvelles pour la science, dont beaucoup habitent les parties les plus reculées de l'océan et sont, par l'éclat de leurs couleurs ou la singularité de leurs formes, autant d'objets d'admiration populaire que de curiosité scientifique. Bloch est considéré comme l'ichtyologiste le plus important du 18e siècle. Prix de vente : Euro 275,-

275 EUR

- Sea Trout - Markus Elieser Bloch, 1782-1795 - SEA TROUT "Salomo Goedenii/Die See-Forelle/La Truite de Mer/The Goeden's Salmon" (planche 102), gravure sur cuivre réalisée par Ludwig Schmidt d'après le dessin de Krüger jr, pour l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" de Markus Elieser Bloch, publiée à Berlin entre 1782 et 1795. Avec coloriage original à la main. Dimensions : 19 x 38 cm. Selon Bloch (1723-1799) dans son Allgemeine Naturgeschichte der Fische, un ouvrage complet en 12 volumes, magnifiquement illustré, sur les poissons : "La petite tête et les taches rouges sur les côtés, qui sont dans un anneau blanc, distinguent ce poisson du reste de son espèce. La membrane branchiale compte dix rayons, la nageoire pectorale quinze, la nageoire ventrale dix, la nageoire dorsale onze, la nageoire caudale dix-huit et la nageoire dorsale douze. Le corps est allongé et incomparablement plus fin que chez les autres types de truites. La bouche est largement ouverte aux deux mâchoires et le palais est armé de dents acérées. Les yeux sont grands et comportent une étoile noire dans un anneau argenté. Les joues, les opercules, les flancs et le ventre sont de couleur argentée. L'ouverture branchiale est large, le dos, le front, la nageoire adipeuse et la nageoire caudale sont brunâtres, les autres zones sont jaunâtres, le dos est couvert de taches brunes et la nageoire caudale est en forme de fourche. La ligne latérale est droite et plus proche du dos que de l'abdomen. L'anus, comme pour le reste des espèces de truites, est situé à proximité de la nageoire caudale et un appendice est visible sur la nageoire ventrale. On trouve cette truite dans la mer Baltique et j'en ai reçu plusieurs de mon ami, le conseiller municipal Göden, de Rügenwalde (Poméranie occidentale) (d'où le nom de Bloch donné à ce poisson). Il atteint une longueur d'un pied et demi et pèse une livre ou deux. Sa chair est blanche, maigre mais savoureuse. Elle est généralement consommée avec de l'huile et du vinaigre après avoir été bouillie dans de l'eau salée avec de la sauge. Dans la région où je l'ai reçue, elle est connue sous le nom de truite argentée". Le travail de Bloch sur l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" a occupé une grande partie de sa vie et est considéré comme ayant jeté les bases de la science de l'ichtyologie. La publication a été encouragée par une souscription importante et a connu rapidement cinq éditions en allemand et en français. Bloch n'apporta que peu ou pas de modifications à l'arrangement systématique de Peter Artedi et Carl Linnaeus, bien qu'il ait été disposé à introduire dans la classification certaines modifications dépendant de la structure des branchies. Au nombre de genres déjà établis, il a jugé nécessaire d'en ajouter dix-neuf nouveaux, et il a décrit 276 espèces nouvelles pour la science, dont beaucoup habitent les parties les plus reculées de l'océan et sont, par l'éclat de leurs couleurs ou la singularité de leurs formes, autant d'objets d'admiration populaire que de curiosité scientifique. Bloch est considéré comme l'ichtyologiste le plus important du 18e siècle. Prix de vente : Euro 275,-

275 EUR

- Burbot (fish) - Markus Elieser Bloch, 1782-1795 - LA BOURBE "Gadus Lota/Die Quappe/La Lote/La lotte". (planche 70), gravure sur cuivre réalisée par Ludwig Schmidt d'après le dessin de Krüger jr, pour l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" de Markus Elieser Bloch, publiée à Berlin entre 1782 et 1795. Avec coloriage original à la main. Dimensions : 19 x 38 cm. Selon Bloch dans son Allgemeine Naturgeschichte der Fische, un ouvrage complet sur les poissons en 12 volumes magnifiquement illustrés : la lotte "a une chair blanche, non osseuse, savoureuse qui, n'étant pas grasse, donne aussi une bonne nourriture aux personnes faibles. Le foie est surtout considéré comme un excellent mets, et la comtesse von Beuchlingen, en Thuringe, était si satisfaite de ce plat qu'elle y consacrait la plus grande partie de ses revenus. Le foie, suspendu dans un bocal et placé sur le poêle chaud ou au soleil, donne une huile qui est un remède efficace pour retenir les taches sur la cornée. Ce poisson peut être dégusté soit dans un bouillon au beurre ou au vin, soit bouilli dans de l'eau salée, frit avec du vinaigre ou de l'acide citrique et du persil finement haché, dans du beurre et accompagné d'une salade. Le foie est mélangé avec du vin, du beurre, des fleurs de muscade et du zeste de citron, le jus de citron étant ajouté à la fin. Ce plat est encore plus savoureux si vous laissez le foie bouillir très lentement et si vous le dégustez avec le bouillon suivant : prenez du foie, du beurre et de la chapelure, mettez-les ensemble dans un mortier, portez-les à ébullition avec du vin et de l'eau et frottez-les à travers une serviette à cheveux". Le travail de Bloch sur l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" a occupé une grande partie de sa vie et est considéré comme ayant jeté les bases de la science de l'ichtyologie. La publication a été encouragée par une souscription importante et a connu rapidement cinq éditions en allemand et en français. Bloch n'apporta que peu ou pas de modifications à l'arrangement systématique de Peter Artedi et Carl Linnaeus, bien qu'il ait été disposé à introduire dans la classification certaines modifications dépendant de la structure des branchies. Au nombre de genres déjà établis, il a jugé nécessaire d'en ajouter dix-neuf nouveaux, et il a décrit 276 espèces nouvelles pour la science, dont beaucoup habitent les parties les plus reculées de l'océan et sont, par l'éclat de leurs couleurs ou la singularité de leurs formes, autant d'objets d'admiration populaire que de curiosité scientifique. Bloch est considéré comme l'ichtyologiste le plus important du 18e siècle. Prix de vente : Euro 275,-

275 EUR

- Cod Fish - Markus Elieser Bloch, 1782-1795 - POISSON DE MORUE "Gadus Morhua/Der Kabeljau/La Morue/The Cod." (planche 64), gravure sur cuivre réalisée par Ludwig Schmidt d'après le dessin de Krüger jr. (planche 64), gravure sur cuivre réalisée par Ludwig Schmidt d'après le dessin de Krüger jr, pour l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" de Markus Elieser Bloch, publiée à Berlin entre 1782 et 1795. Avec coloriage original à la main. Dimensions : 19 x 38 cm. Selon Bloch, dans son Allgemeine Naturgeschichte der Fische, un ouvrage complet sur les poissons en 12 volumes magnifiquement illustrés, la morue "habite tous les océans du monde où elle se trouve entre le 40e et le 66e degré de latitude nord. On peut encore en trouver à des latitudes plus élevées qu'au Groenland, mais de mauvaise qualité et en moins grand nombre. On la trouve très souvent en Terreneuve, à Capbreton, en Nouvelle-Écosse, en Nouvelle-Angleterre, sur les côtes norvégiennes et islandaises, ainsi que sur le Doggersbank et autour des îles Orcadiennes. Pour de nombreux pays, elle constitue un élément extrêmement important de l'industrie alimentaire et du commerce, en particulier une source de richesse pour les Anglais ; elle nourrit les Islandais, rapporte chaque année quelques tonnes d'or aux Norvégiens et emploie un grand nombre de marins anglais, hollandais et français. La morue mesure généralement de deux à trois pieds de long et pèse de quatorze à vingt livres, mais on en trouve aussi de beaucoup plus grandes : en Angleterre, on en a longtemps pêché une qui mesurait cinq pieds huit pouces de long, cinq pieds de circonférence et pesait soixante-dix-huit livres. Il réside généralement dans les profondeurs de la haute mer et apparaît sur les côtes et les bancs au moment du frai. Il se nourrit de crabes, de calmars, de harengs et d'autres poissons, et il est si gourmand qu'il n'épargne même pas sa propre espèce. Il possède la caractéristique des oiseaux de proie de pouvoir se débarrasser d'aliments indigestes en vomissant". Le travail de Bloch sur l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" a occupé une grande partie de sa vie et est considéré comme ayant jeté les bases de la science de l'ichtyologie. La publication a été encouragée par une souscription importante et a connu rapidement cinq éditions en allemand et en français. Bloch n'apporta que peu ou pas de modifications à l'arrangement systématique de Peter Artedi et Carl Linnaeus, bien qu'il ait été disposé à introduire dans la classification certaines modifications dépendant de la structure des branchies. Au nombre de genres déjà établis, il a jugé nécessaire d'en ajouter dix-neuf nouveaux, et il a décrit 276 espèces nouvelles pour la science, dont beaucoup habitent les parties les plus reculées de l'océan et sont, par l'éclat de leurs couleurs ou la singularité de leurs formes, autant d'objets d'admiration populaire que de curiosité scientifique. Bloch est considéré comme l'ichtyologiste le plus important du 18e siècle. Prix de vente : Euro 350,-

350 EUR

- Baltic Cod (Gadus Callarias) - Markus Elieser Bloch, 1782-1795 - POISSON BALTIQUE "Gadus Callarias/Der Dorsch/La Dorse/The Dorsch." (planche 63), gravure sur cuivre réalisée par Ludwig Schmidt d'après le dessin de Krüger jr. (planche 63), gravure sur cuivre réalisée par Ludwig Schmidt d'après le dessin de Krüger jr, pour l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" de Markus Elieser Bloch, publiée à Berlin entre 1782 et 1795. Avec coloriage original à la main. Dimensions : 19 x 38 cm. Selon Bloch dans son Allgemeine Naturgeschichte der Fische, un ouvrage complet en 12 volumes, magnifiquement illustré, sur les poissons : "nous trouvons régulièrement ce poisson dans la mer Baltique, où il a parfaitement sa place. Il se rend dans les rivières tant que l'eau est encore mélangée à l'eau de mer. On le pêche en Poméranie près de Rügenwalde toute l'année, mais plus fréquemment en juin, de même près de Travemünde, Öland, Götaland, Bornholm, non loin de Lübeck, en Prusse et en Livonie où il apparaît en abondance ; au Groenland, l'automne et le printemps sont les meilleures saisons pour la pêche ; plus au nord, vers le golfe de Finlande, et vers Saint-Pétersbourg, il a presque entièrement disparu. La morue est pêchée dans les baies, sur les côtes et dans les embouchures des rivières, non seulement avec des lignes de pêche, qui sont généralement lancées le soir, mais aussi avec la pluie, et attirée par toutes sortes de petits poissons. Les Groenlandais utilisent pour cela le scorpion de mer en automne et au printemps ; en hiver, ils percent des trous dans la glace et attirent le poisson avec des morceaux de plomb brillants et des billes de verre. Ils fabriquent leurs lignes de pêche avec des os de baleine fendus ou avec la fourrure du veau marin barbu. Ce poisson a une chair blanche et extrêmement tendre, plus savoureuse que celle de tous les autres poissons de cette espèce, et il est apprécié sans problème par les personnes malades ou affaiblies. La morue est bouillie dans de l'eau salée et consommée avec de la moutarde et du beurre brun, ainsi qu'avec du vinaigre, de l'acide citrique et de l'huile de Provence ; de la même manière, elle donne de bons résultats lorsqu'elle est frite. Chez les Islandais, il est salé, séché et appelé Titteling". Le travail de Bloch sur l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" a occupé une grande partie de sa vie et est considéré comme ayant jeté les bases de la science de l'ichtyologie. La publication a été encouragée par une souscription importante et a connu rapidement cinq éditions en allemand et en français. Bloch n'apporta que peu ou pas de modifications à l'arrangement systématique de Peter Artedi et Carl Linnaeus, bien qu'il ait été disposé à introduire dans la classification certaines modifications dépendant de la structure des branchies. Au nombre de genres déjà établis, il a jugé nécessaire d'en ajouter dix-neuf nouveaux, et il a décrit 276 espèces nouvelles pour la science, dont beaucoup habitent les parties les plus reculées de l'océan et sont, par l'éclat de leurs couleurs ou la singularité de leurs formes, autant d'objets d'admiration populaire que de curiosité scientifique. Bloch est considéré comme l'ichtyologiste le plus important du 18e siècle. Prix de vente : Euro 275,-

275 EUR

- Hadock - Markus Elieser Bloch, 1782-1795 - LE HADOCK "Gadus Aeglefinus/Der Schelfisch/L'Aigrefin/L'Hadock". (planche 62), gravure sur cuivre réalisée par Ludwig Schmidt d'après le dessin de Krüger jr, pour l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" de Markus Elieser Bloch, publiée à Berlin entre 1782 et 1795. Avec coloriage original à la main. Dimensions : 19 x 38 cm. Selon Bloch dans son Allgemeine Naturgeschichte der Fische, un ouvrage complet en 12 volumes, magnifiquement illustré, sur les poissons : "Le hadock vit dans la mer du Nord, où il est pêché en grande quantité, surtout en automne, non loin de Heiligeland, et transporté jusqu'à Hambourg. Il est remarquable que ce mollusque traverse le détroit vers la mer Baltique aussi peu que le cabillaud le fait de l'autre côté, car on le trouve souvent dans ces mers. L'églefin se trouve également en Hollande, en Frise orientale et dans la Manche, mais le plus souvent en Angleterre, où il apparaît en masse et visite généralement une côte après l'autre. Il apparaît souvent en si grand nombre que, dit-on, trois pêcheurs dans une zone d'un mile anglais en remplissent leurs bateaux deux fois par jour. C'est pour cette raison qu'ils sont si bon marché que l'on peut acheter vingt des plus gros pour cinq à huit groschen et les plus petits pour huit pfennigs, parfois pour la moitié de ce prix. Les plus gros sont généralement observés de novembre à janvier, et les plus petits de novembre à mai. Au Groenland, ils vivent principalement dans les profondeurs et remontent à la surface vers le soir, surtout lorsque les eaux sont agitées, où les pêcheurs les attrapent ; ils sautent parfois au-dessus de l'eau et sont souvent la proie des phoques qui les traquent. Ils les tirent aussi souvent des crevasses avec leurs pattes, où ils ont tendance à apparaître pour prendre l'air". Le travail de Bloch sur l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" a occupé une grande partie de sa vie et est considéré comme ayant jeté les bases de la science de l'ichtyologie. La publication a été encouragée par une souscription importante et a connu rapidement cinq éditions en allemand et en français. Bloch n'apporta que peu ou pas de modifications à l'arrangement systématique de Peter Artedi et Carl Linnaeus, bien qu'il ait été disposé à introduire dans la classification certaines modifications dépendant de la structure des branchies. Au nombre de genres déjà établis, il a jugé nécessaire d'en ajouter dix-neuf nouveaux, et il a décrit 276 espèces nouvelles pour la science, dont beaucoup habitent les parties les plus reculées de l'océan et sont, par l'éclat de leurs couleurs ou la singularité de leurs formes, autant d'objets d'admiration populaire que de curiosité scientifique. Bloch est considéré comme l'ichtyologiste le plus important du 18e siècle. Prix de vente : Euro 275,-

275 EUR

- The wedding - Frederik Hendrik Kaemmerer, 1877 - "Un noce sous le Directoire", photogravure réalisée par Goupil & Co. d'après le tableau de Frederik Hendrik Kaemmerer, publiée par M. Knoedler & Co. en 1877, avec coloriage original à la main. Taille (paltemark) : 69,2 x 46,6 cm. Nous assistons à un mariage sous le Directoire français, la période qui a suivi la Révolution française entre 1795 et 1799. Un couple de jeunes mariés se tient en haut d'un escalier, le marié portant un bicorne a sa jeune épouse à son bras, un bouquet dans une main, son sac à main dans l'autre, derrière eux une joyeuse compagnie d'invités au mariage. La vie leur sourit. Ces scènes classiques nous ramènent à la période de la fin du XVIIIe siècle. La société parisienne était représentée dans toute sa frivolité, avec ses robes élégantes et ses costumes extravagants. Elles étaient très prisées par les riches collectionneurs américains et européens de l'époque. Kaemmerer a rassemblé une impressionnante collection de robes et d'accessoires d'époque du XVIIIe siècle, qu'il a utilisés comme accessoires pour ses peintures. Avec le soutien et les encouragements du marchand d'art Goupil, Kaemmerer est devenu l'un des peintres de costumes les plus célèbres de l'époque à Paris. Une aquarelle de cette scène réalisée par Kaemmerer faisait partie (jusqu'en 2011) de la collection de la famille royale néerlandaise. Frederik Hendrik Kaemmerer (1839-1902) a grandi à La Haye. Il a étudié à l'Académie royale des arts et a été l'élève de Salomon Verveer, qui l'a formé à la tradition romantique. En 1865, Kaemmerer quitte La Haye pour Paris, attiré par les innovations artistiques qui s'y produisent. Il reçoit une formation classique à l'Académie des Beaux-Arts. Il étudie avec Jean-Léon Gérôme et passe à l'académisme, tout en conservant des racines romantiques. Pendant un certain temps, il se spécialise dans les œuvres de genre dans un cadre français du dix-huitième siècle. Il réussit à peindre des dames élégantes dans des robes de soie frivoles avec des nœuds et des rubans, accompagnées d'hommes courtois portant des bicornes sur la tête. En 1870, il expose pour la première fois au Salon de Paris et obtient une médaille en 1874. Kaemmerer possède un atelier à Paris, mais fait régulièrement des allers-retours à La Haye tout au long de sa vie. Il est productif, plus tard dans un style impressionniste, vend bien et organise des expositions à succès, à Paris mais aussi aux Pays-Bas, notamment à Arnhem en 1893. En 1889, il remporte une médaille d'argent à l'exposition universelle de Paris. En 1902, il est intronisé dans la prestigieuse Légion d'honneur. Prix de vente : Euro 350,-

350 EUR

- The Baptism - Frederik Hendrik Kaemmerer, 1879 - "Un babtême sous le Directoire", photogravure réalisée par Goupil & Co. d'après le tableau de Frederik Hendrik Kaemmerer, publiée par M. Knoedler & Co. en 1879, avec coloriage original à la main. Taille (paltemark) : 69,2 x 46,6 cm. Nous voyons un jeune couple pendant le Directoire, la période qui a suivi la Révolution française entre 1795 et 1799. Ils sortent de l'église tandis que la mère tient l'enfant nouvellement baptisé en robe de baptême, elle le regarde avec tendresse, le père (coiffé d'un bicorne) semble encore mal à l'aise. La jeune femme à la droite de la mère la regarde avec admiration. Derrière eux, un groupe d'invités bien habillés a été convié à la cérémonie. Les scènes classiques comme celle-ci renvoient à l'époque de la fin du XVIIIe siècle. La société parisienne y est représentée dans toute sa frivolité, avec ses robes élégantes et ses costumes extravagants. Elles étaient très prisées par les riches collectionneurs américains et européens de l'époque. Kaemmerer a rassemblé une impressionnante collection de robes et d'accessoires d'époque du XVIIIe siècle, qu'il a utilisés comme accessoires pour ses peintures. Avec le soutien et les encouragements du marchand d'art Goupil, Kaemmerer est devenu l'un des peintres de costumes les plus célèbres de l'époque à Paris. Frederik Hendrik Kaemmerer (1839-1902) grandit à La Haye. Il étudie à l'Académie royale des arts et est l'élève de Salomon Verveer, qui le forme à la tradition romantique. En 1865, Kaemmerer quitte La Haye pour Paris, attiré par les innovations artistiques qui s'y produisent. Il reçoit une formation classique à l'Académie des Beaux-Arts. Il étudie avec Jean-Léon Gérôme et passe à l'académisme, tout en conservant des racines romantiques. Pendant un certain temps, il se spécialise dans les œuvres de genre dans un cadre français du dix-huitième siècle. Il réussit à peindre des dames élégantes dans des robes de soie frivoles avec des nœuds et des rubans, accompagnées d'hommes courtois portant des bicornes sur la tête. En 1870, il expose pour la première fois au Salon de Paris et obtient une médaille en 1874. Kaemmerer possède un atelier à Paris, mais fait régulièrement des allers-retours à La Haye tout au long de sa vie. Il est productif, plus tard dans un style impressionniste, vend bien et expose avec succès, à Paris mais aussi aux Pays-Bas, notamment à Arnhem en 1893. En 1889, il remporte une médaille d'argent à l'exposition universelle de Paris. En 1902, il est intronisé dans la prestigieuse Légion d'honneur. Prix de vente : Euro 350,-

350 EUR

- White bream - Markus Elieser Bloch, 1782-1795 - LE BRAS BLANC "Tracinus Drago/Das Petermännchen/La Vive/The Common Weever" (planche 10), gravure sur cuivre réalisée par Ludwig Schmidt d'après le dessin de Krüger jr, pour l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" de Markus Elieser Bloch, publiée à Berlin entre 1782 et 1795. Avec coloriage original à la main. Dimensions : 19 x 38 cm. Selon Bloch dans son Allgemeine Naturgeschichte der Fische, un ouvrage complet en 12 volumes, magnifiquement illustré, sur les poissons : "La brème blanche se reconnaît facilement à son corps large et mince et aux vingt-cinq rayons de la nageoire anale. La tête de ce poisson est petite et effilée. Lorsque la bouche est fermée, la mâchoire supérieure dépasse légèrement la mâchoire inférieure. L'ouverture de la bouche est si petite que même avec un poisson de huit pouces de long, je ne pouvais pas y introduire mon petit doigt sans blesser le poisson. La dorade blanche est l'un de nos poissons les plus communs ; on la trouve toute l'année dans tous nos lacs et rivières à faible courant, dont le fond est sablonneux ou marbré : mais comme elle n'est pas charnue et qu'elle a aussi beaucoup de petites arêtes, elle n'est pas appréciée et ne sert donc qu'au commun des mortels comme aliment, qu'ils mangent avec un bouillon aigre ou avec du knödel et du lard. Bouillie avec du lait ou de la crème, elle devrait être aussi savoureuse que la carpe. Elle se reproduit dans l'herbe sur les berges plates en mai et juin et est alors tellement occupée qu'on peut la saisir avec les mains". Le travail de Bloch sur l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" a occupé une grande partie de sa vie et est considéré comme ayant jeté les bases de la science de l'ichtyologie. La publication a été encouragée par une souscription importante et a connu rapidement cinq éditions en allemand et en français. Bloch n'apporta que peu ou pas de modifications à l'arrangement systématique de Peter Artedi et Carl Linnaeus, bien qu'il ait été disposé à introduire dans la classification certaines modifications dépendant de la structure des branchies. Au nombre de genres déjà établis, il a jugé nécessaire d'en ajouter dix-neuf nouveaux, et il a décrit 276 espèces nouvelles pour la science, dont beaucoup habitent les parties les plus reculées de l'océan et sont, par l'éclat de leurs couleurs ou la singularité de leurs formes, autant d'objets d'admiration populaire que de curiosité scientifique. Bloch est considéré comme l'ichtyologiste le plus important du 18e siècle. Prix de vente : Euro 275,-

275 EUR

- Asp (fish) - Markus Elieser Bloch, 1782-1795 - L'ASP "Cyprinus Aspius/Der Raapfe/La Raphe" (planche 7), gravure sur cuivre réalisée par Ludwig Schmidt d'après le dessin de Krüger jr, pour l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" de Markus Elieser Bloch publiée à Berlin entre 1782 et 1795. Avec coloriage original à la main. Dimensions : 19 x 38 cm. Selon Bloch dans son Allgemeine Naturgeschichte der Fische, un ouvrage complet en 12 volumes, magnifiquement illustré, sur les poissons : "L'aspe est l'un de ces poissons de rivière qui atteignent une taille considérable : il n'est pas rare, du moins dans cette région, d'en trouver un de dix à douze livres. Il fait en quelque sorte la transition entre le poisson terrestre et le poisson carnassier, car, comme le premier, il se nourrit d'herbes et de vers, mais il mange aussi du poisson, comme le second. Mais comme il n'est pas doté de mâchoires aussi grandes que les prédateurs privilégiés parmi les habitants de l'eau, il doit se contenter de petits poissons. Il aime les terrains clairs, se plaît dans les rivières qui n'ont pas de courant rapide, et laisse son frai sur les pierres du fond vers la fin du mois de mars. Il a une chair blanche et savoureuse, qui est grasse en dehors de la période de frai, et qui a la particularité de se désagréger à la cuisson, au grand dam des cuisiniers. En outre, sa chair est pleine de petits os et, comme elle est molle et grasse, elle ne constitue pas le meilleur aliment pour un estomac fragile". Le travail de Bloch sur l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" a occupé une grande partie de sa vie et est considéré comme ayant jeté les bases de la science de l'ichtyologie. La publication a été encouragée par une souscription importante et a connu rapidement cinq éditions en allemand et en français. Bloch n'apporta que peu ou pas de modifications à l'arrangement systématique de Peter Artedi et Carl Linnaeus, bien qu'il ait été disposé à introduire dans la classification certaines modifications dépendant de la structure des branchies. Au nombre de genres déjà établis, il a jugé nécessaire d'en ajouter dix-neuf nouveaux, et il a décrit 276 espèces nouvelles pour la science, dont beaucoup habitent les parties les plus reculées de l'océan et sont, par l'éclat de leurs couleurs ou la singularité de leurs formes, autant d'objets d'admiration populaire que de curiosité scientifique. Bloch est considéré comme l'ichtyologiste le plus important du 18e siècle. Prix de vente : Euro 275,-

275 EUR

- Atlantic Salmon - Markus Elieser Bloch, 1782-1795 - LE SAUMON DE L'ATLANTIQUE "Salmo Salar Foem/Der Lachs/Le Saumon/The Salmon" (planche 20), gravure sur cuivre réalisée par Ludwig Schmidt d'après le dessin de Krüger jr, pour l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" de Markus Elieser Bloch, publiée à Berlin entre 1782 et 1795. Avec coloriage original à la main. Dimensions : 19 x 38 cm. Selon Bloch dans son Allgemeine Naturgeschichte der Fische, un ouvrage complet en 12 volumes, magnifiquement illustré, sur les poissons : "Ce saumon est particulièrement bien adapté à l'océan septentrional, à partir duquel il se rend le plus souvent dans les ruisseaux et les rivières qui y sont reliés, pour y déposer son frai. On le trouve donc non seulement dans tous les pays européens reliés à l'océan par des rivières, mais aussi au Kamtchatka, au Groenland, à Terre-Neuve et dans les régions septentrionales de l'Amérique. La force des instincts implantés chez les animaux pour la reproduction de leur espèce est également visible chez ce poisson. Il quitte la mer, qui regorge de créatures, où il trouve une nourriture abondante, s'enfonce dans les rivières laissées à l'abandon par l'homme, tente d'éviter les nombreuses et ingénieuses mises en scène des pêcheurs (combien de pièges rencontre-t-il, par exemple, dans le Rhin, de la mer du Nord à Bâle !) et sait surmonter mille obstacles au cours de son long périple afin de pondre ses œufs dans des endroits propices. Sa période de frai, qui dure six à huit jours, tombe dans les régions méridionales, comme en Bretagne, dès le mois de mai, dans les régions septentrionales en revanche, comme en Suède, au mois de juillet. Il est remarquable que le saumon trouve l'eau dans laquelle il se reproduit aussi bien que l'hirondelle trouve le bâtiment sur lequel elle fait son nid". Le travail de Bloch sur l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" a occupé une grande partie de sa vie et est considéré comme ayant jeté les bases de la science de l'ichtyologie. La publication a été encouragée par une souscription importante et a connu rapidement cinq éditions en allemand et en français. Bloch n'apporta que peu ou pas de modifications à l'arrangement systématique de Peter Artedi et Carl Linnaeus, bien qu'il ait été disposé à introduire dans la classification certaines modifications dépendant de la structure des branchies. Au nombre de genres déjà établis, il a jugé nécessaire d'en ajouter dix-neuf nouveaux, et il a décrit 276 espèces nouvelles pour la science, dont beaucoup habitent les parties les plus reculées de l'océan et sont, par l'éclat de leurs couleurs ou la singularité de leurs formes, autant d'objets d'admiration populaire que de curiosité scientifique. Bloch est considéré comme l'ichtyologiste le plus important du 18e siècle. Prix de vente : Euro 350,-

350 EUR

- Henri Privat-Livemont - Roses - Henri Privat-Livemont, c. 1900. Roses Variées" des "Quatre Planches Fleurs Décoratives - Série 253", lithographie en couleurs dessinée par Henri Privat-Livemont. Publiée vers 1900 par Clément, Tournier & Co. de Genève. Dimensions : 54,5 x 25 cm. Il y a environ 50 millions d'années, les premières roses des Amériques ont été découvertes dans l'actuel Colorado. On pense que les roses étaient cultivées dans de nombreuses civilisations anciennes des latitudes tempérées, il y a au moins 5000 ans. On sait qu'elles étaient cultivées dans l'ancienne Babylone. Des peintures de roses ont été découvertes dans des tombes pyramidales égyptiennes datant du 14e siècle avant Jésus-Christ. On sait qu'elles étaient cultivées dans les jardins chinois et grecs depuis au moins 500 ans avant Jésus-Christ. La sélection importante des temps modernes a commencé lentement en Europe, à partir du 17e siècle environ. Elle a été encouragée par l'introduction de nouvelles espèces, et notamment par l'introduction de la rose de Chine en Europe au XIXe siècle. L'impératrice Joséphine de France, qui a parrainé le développement de la sélection des roses dans ses jardins de Malmaison, a joué un rôle important au début du XIXe siècle. Henri Privat-Livemont (1861-1936) était un artiste Art nouveau originaire de Schaerbeek, à Bruxelles (Belgique). De 1883 à 1889, il travaille et étudie dans les ateliers de Lemaire, Lavastre et Duvignaud. Avec Lemaire, il réalise le décor du Théâtre Français ainsi que celui de l'Hôtel de Ville de Paris. Il retourne ensuite à Bruxelles, où il travaille sur des théâtres et des casinos. Prix : Euro 1.350,- (cadre inclus)

1 350 EUR

- Paul César Helleu - Marguerite Labady - Paul César Helleu, ca. 1900. Actrice Marguerite Labady, assise, avec une moufle, gravure à la pointe sèche réalisée vers 1900 par Paul César Helleu. Dimensions : 57,2 x 34,3 cm. Le nom de Helleu évoque la Belle Époque et la société à la mode de la fin du XIXe siècle à la Première Guerre mondiale. Paul César Helleu (1859-1927) a d'abord été apprenti comme ouvrier céramiste et a également suivi des cours de dessin. En 1876, après la mort de son père, il se rend à Paris contre la volonté de sa mère pour étudier à l'École des Beaux-Arts. Il entre dans le milieu impressionniste et rencontre des artistes célèbres tels que Henri Matisse, Edgar Degas, Robert de Montesquiou, James Jacques Tissot et Giovanni Boldini. En 1884, Helleu reçoit la commande d'un portrait de la belle et jeune aristocrate Alice Guérin. Deux ans plus tard, elle deviendra son épouse. Alice l'introduit alors dans les plus hautes sphères, où il devient l'un des portraitistes les plus populaires du beau monde parisien. Le style d'Helleu, caractérisé par la grâce et la sophistication féminines, était acclamé pour ses portraits de femmes élégantes non seulement à Paris, mais aussi dans la haute société de Londres et de New York. Ses modèles comprenaient Consuelo Vanderbilt, Marchesa Casati, Belle da Costa Greene, Louise Chéruit et Helena Rubinstein et, comme on le voit ici, l'actrice Marguerite Labady. Helleu était un virtuose de la gravure à la pointe sèche, dessinant directement sur une plaque de cuivre avec une pointe de diamant. Il a utilisé la même liberté dynamique et raffinée que pour ses pastels. Prix : Euro 2.850,- (cadre inclus)

2 850 EUR

- Anemone - Gerard van Spaendonck, 1799-1801 - Anémone double - Anemone coronaria , gravure au pointillé réalisée par P.F. le Grand d'après un dessin de Gerard(us) van Spaendonck tiré des "Fleurs dessinées d'après nature", publiées entre 1799 et 1801. Avec coloriage original à la main. Taille (impression) environ 50 x 33 cm. Anemone coronaria signifie anémone couronne, en référence à la couronne centrale de la fleur, évoquant des associations royales. Le nom arabe est shaqa'iq An-Nu'man, qui se traduit littéralement par les blessures ou "morceaux" de Nu'man. L'une des sources possibles du nom remonte au dieu sumérien de la nourriture et de la végétation, Tammuz, dont l'épithète phénicien était "Nea'man". On considère généralement que Tammuz a été introduit dans le panthéon grec sous la forme d'Adonis, qui est mort de ses blessures en chassant le sanglier. La divinité est transformée en une fleur, tachée du sang d'Adonis. L'épithète phénicienne de Tammuz, "Nea'man", serait à la fois la source de "an-Nu'man" en arabe, venu du syriaque, et de "anémone", venu du grec. En hébreu, l'anémone est kalanit metzuya. "Kalanit" vient du mot hébreu "kala ? ??" qui signifie "mariée", "metzuya" signifie "commune". Le kalanit doit son nom à sa beauté et à sa majesté, qui évoquent une mariée le jour de ses noces. En 2013, l'anémone coronaire a été élue fleur nationale de l'État d'Israël. Chaque année, un festival d'un mois est organisé en Israël pour célébrer la floraison des anémones rouges. Gerard van Spaendonck (1756-1842) a étudié avec le peintre décorateur Willem Jacob Herreyns à Anvers. En 1769, il s'installe à Paris, où il est nommé en 1774 peintre en miniature à la cour de Louis XVI. En 1780, il succède à Madeleine Françoise Basseporte comme professeur de peinture florale au Jardin des Plantes et est élu peu après membre de l'Académie des beaux-arts. Van Spaendonck a contribué à plus de cinquante œuvres des Vélins du Roi, une célèbre collection d'aquarelles botaniques appartenant à la royauté française. De 1799 à 1801, il publia vingt-quatre planches dans le cadre de ses Fleurs dessinées d'après nature, des gravures de grande qualité destinées aux étudiants en peinture florale. Aujourd'hui, les Fleurs dessinées d'après nature sont considérées comme l'une des meilleures gravures botaniques au monde. Les gravures au pointillé, qui permettent de différencier les différents tons de gris, se sont avérées très adaptées à la représentation des détails botaniques, une méthode que Van Spaendonck a également enseignée à son élève Pierre-Joseph Redouté. Comme d'autres peintres de fleurs célèbres, Van Spaendonck était également parfait sur le plan technique : à l'huile, à l'aquarelle, à la plume ou au crayon, à n'importe quelle échelle. Avec l'attention portée à chaque détail, l'élégance et la sophistication de la composition, il démontre sa maîtrise. Comme Jan van Huysum, Van Spaendonck a compris l'air du temps et a créé des compositions florales qui correspondaient au goût du public vers 1800. Il a combiné la manière traditionnelle hollandaise de représenter les fleurs avec la sophistication et le bon goût français. Prix de vente : Euro 950,-

950 EUR

- Dutch hyacinth - Gerard van Spaendonck, 1799-1801 - "Jacinthe double - Hyacinthus orientalis", gravure au pointillé réalisée par P.F. le Grand d'après un dessin de Gerard(us) van Spaendonck tiré des "Fleurs dessinées d'après nature", publiées entre 1799 et 1801. Avec coloriage original à la main. Taille (impression) environ 50 x 33 cm. Dans la mythologie grecque, Hyacinthe était un très beau prince spartiate et l'amant du dieu Apollon. Hyacinthe était également admiré par le dieu du vent d'Occident, Zephyrus. Mais Hyacinthe choisit Apollon. Avec Apollon, Hyacinthe visita toutes les terres sacrées d'Apollon dans un char tiré par des cygnes. Apollon enseigna à son amant le maniement de l'arc, de la musique et de la lyre, l'art de la prophétie et les exercices de gymnastique. Un jour, Apollon lui enseignait le jeu de quoit. Ils décidèrent de se livrer à une compétition amicale en lançant le disque à tour de rôle. Apollon lança le premier, avec une telle force que le disque fendit les nuages dans le ciel. Hyacinthe courut derrière lui pour l'attraper et impressionner Apollon, mais lorsque le disque toucha le sol, il rebondit, frappant la tête de Hyacinthe et le blessant mortellement. Zephyrus est également tenu pour responsable de la mort de Hyacinthe ; jaloux que Hyacinthe préfère le radieux Apollon, Zephyrus a fait dévier la trajectoire de la charrette d'Apollon de manière turbulente pour tuer Hyacinthe. Le visage d'Apollon pâlit lorsqu'il tient son amante mourante dans ses bras. Il utilisa tous ses talents de médecin et tenta même de donner de l'ambroisie pour guérir la blessure de Hyacinthe, mais en vain, car il ne parvint pas à soigner la blessure. Lorsque Hyacinthe mourut, Apollon pleura et s'en voulut. Il souhaitait devenir un mortel et rejoindre son amant dans la mort. Mais comme cela n'était pas possible, Apollon promit qu'il se souviendrait toujours de Hyacinthe dans ses chants et dans la musique de sa lyre. Du sang versé de Hyacinthe, il créa une fleur, la jacinthe, et inscrivit sur ses pétales les mots du désespoir, "AI AI" - "hélas" Gerard van Spaendonck (1756-1842) a étudié avec le peintre décorateur Willem Jacob Herreyns à Anvers. En 1769, il s'installe à Paris, où il est nommé en 1774 peintre en miniature à la cour de Louis XVI. En 1780, il succède à Madeleine Françoise Basseporte comme professeur de peinture florale au Jardin des Plantes et est élu peu après membre de l'Académie des beaux-arts. Van Spaendonck a contribué à plus de cinquante œuvres des Vélins du Roi, une célèbre collection d'aquarelles botaniques appartenant à la royauté française. De 1799 à 1801, il publie vingt-quatre planches dans le cadre de ses Fleurs dessinées d'après nature, des gravures de grande qualité destinées aux étudiants en peinture florale. Aujourd'hui, les Fleurs dessinées d'après nature sont considérées comme l'une des meilleures gravures botaniques au monde. Les gravures au pointillé, qui permettent de différencier les différents tons de gris, se sont avérées très adaptées à la représentation des détails botaniques, une méthode que Van Spaendonck a également enseignée à son élève Pierre-Joseph Redouté. Comme d'autres peintres de fleurs célèbres, Van Spaendonck était également parfait sur le plan technique : à l'huile, à l'aquarelle, à la plume ou au crayon, à n'importe quelle échelle. Avec l'attention portée à chaque détail, l'élégance et la sophistication de la composition, il démontre sa maîtrise. Comme Jan van Huysum, Van Spaendonck a compris l'air du temps et a créé des compositions florales qui correspondaient au goût du public vers 1800. Il a combiné la manière traditionnelle hollandaise de représenter les fleurs avec la sophistication et le bon goût français. Prix de vente : Euro 1.250,-

1 250 EUR

- Mock orange - Gerard van Spaendonck, 1799-1801 - Seringat odorant - Philadephus coronarius, gravure au pointillé réalisée par P.F. le Grand d'après un dessin de Gerard(us) van Spaendonck tiré des "Fleurs dessinées d'après nature", publiées entre 1799 et 1801. Avec coloriage original à la main. Taille (impression) environ 50 x 33 cm. Le faux oranger est un arbuste à feuilles caduques (il perd ses feuilles à l'automne). Il se caractérise par des fleurs très odorantes, en forme de coupe, à quatre pétales. On dit que les fleurs ressemblent à des fleurs d'oranger, d'où le nom commun de l'arbuste. Le nom botanique Philadelphus coronarius fait référence au roi égyptien Ptolémée II Philadelphe qui aimait les bonnes odeurs. Selon la légende, il organisait chaque année une fête dans son palais pour commémorer la mort d'Adonis. Des traces d'huiles parfumées ont été retrouvées dans des pots fouillés. Les tables étaient décorées de vases en argent remplis de fleurs odorantes. L'orange fantaisie a donc un nom royal. Gerard van Spaendonck (1756-1842) a étudié à Anvers avec le peintre décorateur Willem Jacob Herreyns. En 1769, il s'installe à Paris, où il est nommé en 1774 peintre en miniature à la cour de Louis XVI. En 1780, il succède à Madeleine Françoise Basseporte comme professeur de peinture florale au Jardin des Plantes et est élu peu après membre de l'Académie des beaux-arts. Van Spaendonck a contribué à plus de cinquante œuvres des Vélins du Roi, une célèbre collection d'aquarelles botaniques appartenant à la royauté française. De 1799 à 1801, il publia vingt-quatre planches dans le cadre de ses Fleurs dessinées d'après nature, des gravures de grande qualité destinées aux étudiants en peinture florale. Aujourd'hui, les Fleurs dessinées d'après nature sont considérées comme l'une des meilleures gravures botaniques au monde. Les gravures au pointillé, qui permettent de différencier les différents tons de gris, se sont avérées très adaptées à la représentation des détails botaniques, une méthode que Van Spaendonck a également enseignée à son élève Pierre-Joseph Redouté. Comme d'autres peintres de fleurs célèbres, Van Spaendonck était également parfait sur le plan technique : à l'huile, à l'aquarelle, à la plume ou au crayon, à n'importe quelle échelle. Avec l'attention portée à chaque détail, l'élégance et la sophistication de la composition, il démontre sa maîtrise. Comme Jan van Huysum, Van Spaendonck a compris l'air du temps et a créé des compositions florales qui correspondaient au goût du public vers 1800. Il a combiné la manière traditionnelle hollandaise de représenter les fleurs avec la sophistication et le bon goût français. Prix de vente : Euro 950,-

950 EUR

- Roach (fish) - Markus Elieser Bloch, 1782-1795 - LE CHARDON COMMUN "Cyprinus rutilus / Das Rothauge / The Roach", gravure sur cuivre réalisée par Ludwig Schmidt d'après le dessin de Krüger jr, pour l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" de Markus Elieser Bloch, publiée à Berlin entre 1782 et 1795. Avec coloriage original à la main. Dimensions : 19 x 38 cm. Le gardon est un petit poisson qui n'atteint souvent pas plus de 35 centimètres. Son corps est bleu-argenté et devient blanc au niveau du ventre. Les nageoires sont rouges. Le nombre d'écailles le long de la ligne latérale est compris entre 39 et 48. Les nageoires dorsale et anale ont 12 à 14 rayons. Les jeunes spécimens ont un corps élancé ; les spécimens plus âgés ont un corps plus haut et plus large. Le gardon est souvent reconnaissable à la grande tache rouge dans l'iris, au-dessus et à côté de la pupille. Les couleurs de l'œil et des nageoires peuvent cependant être très pâles dans certains environnements. Le gardon commun peut être facilement confondu avec le chevesne commun, le naseux (Leuciscus leuciscus) ou l'ide (Leuciscus idus). Ils se distinguent par les caractéristiques suivantes : Le rudd commun a une couleur plus jaune/verdâtre ou dorée. La nageoire dorsale est placée plus en arrière et entre la pointe des écailles ventrales et le premier rayon de la nageoire anale, il n'y a qu'une ou deux écailles. Le gardon a quatre ou cinq écailles à cet endroit. La bouche du rudd est plus relevée et la tête semble plus pointue. Le travail de Bloch sur l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" a occupé une grande partie de sa vie et est considéré comme ayant jeté les bases de la science de l'ichtyologie. La publication a été encouragée par une souscription importante et a connu rapidement cinq éditions en allemand et en français. Bloch n'apporta que peu ou pas de modifications à l'arrangement systématique de Peter Artedi et Carl Linnaeus, bien qu'il ait été disposé à introduire dans la classification certaines modifications dépendant de la structure des branchies. Au nombre de genres déjà établis, il a jugé nécessaire d'en ajouter dix-neuf nouveaux, et il a décrit 276 espèces nouvelles pour la science, dont beaucoup habitent les parties les plus reculées de l'océan et sont, par l'éclat de leurs couleurs ou la singularité de leurs formes, autant d'objets d'admiration populaire que de curiosité scientifique. Bloch est considéré comme l'ichtyologiste le plus important du 18e siècle. Prix de vente : Euro 350,-

350 EUR

- Rudd (fish) - Markus Elieser Bloch, 1782-1795 - LE RUDD COMMUN "Cyprinus erithrophtalmus / Die Plötze / The Rud / Rotengle" (planche 70), gravure sur cuivre réalisée par Ludwig Schmidt d'après le dessin de Krüger jr, pour l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" de Markus Elieser Bloch, publiée à Berlin entre 1782 et 1795. Avec coloriage original à la main. Taille : 19 x 38 cm. Cette espèce est très proche du gardon, avec lequel elle peut être facilement confondue. Elle se reconnaît à la couleur jaune de son œil. L'œil du gardon a une grosse tache rouge au-dessus de la pupille, qui peut être plus ou moins visible. Le rudd a une bouche retournée qui lui permet de se nourrir facilement à la surface de l'eau. La nageoire dorsale est placée plus à l'arrière, ce qui est visible même chez les très jeunes poissons. Il n'y a normalement qu'une ou deux écailles entre l'extrémité des nageoires pelviennes et les nageoires anales, alors que chez le gardon, il y en a cinq. Le rudd préfère les eaux claires et riches en plantes. Il se nourrit également de végétation aquatique lorsque la température dépasse 18 °C. Il chasse les proies vivantes dans les niveaux supérieurs. Il préfère les zones herbacées peu profondes des lacs et des cours d'eau, où les femelles adultes pondent jusqu'à 200 000 œufs sur la végétation submergée. Les jeunes rudd se nourrissent de zooplancton, d'insectes aquatiques et parfois d'autres petits poissons. Les rudd adultes se nourrissent principalement de végétation aquatique. Le rudd peut consommer jusqu'à 40 % de son poids corporel en végétation par jour, dont 80 % sont rejetés sous forme de déchets, libérant ainsi des nutriments dans la colonne d'eau. Le travail de Bloch sur l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" a occupé une grande partie de sa vie et est considéré comme ayant jeté les bases de la science de l'ichtyologie. La publication a été encouragée par une souscription importante et a connu rapidement cinq éditions en allemand et en français. Bloch n'apporta que peu ou pas de modifications à l'arrangement systématique de Peter Artedi et Carl Linnaeus, bien qu'il ait été disposé à introduire dans la classification certaines modifications dépendant de la structure des branchies. Au nombre de genres déjà établis, il a jugé nécessaire d'en ajouter dix-neuf nouveaux, et il a décrit 276 espèces nouvelles pour la science, dont beaucoup habitent les parties les plus reculées de l'océan et sont, par l'éclat de leurs couleurs ou la singularité de leurs formes, autant d'objets d'admiration populaire que de curiosité scientifique. Bloch est considéré comme l'ichtyologiste le plus important du 18e siècle. Prix de vente : Euro 275,- Prijs Euro 350,-

350 EUR

- Tulips - Johann Wilhelm Weinmann, 1737-1745 - Tulipes, eau-forte avec mezzotinte tirée du "Phytanthoza iconographia", un florilège publié par Johann Wilhelm Weinmann entre 1737 et 1745. Imprimé en couleurs avec finition à la main. Dimensions : 33,5 x 21,5 cm. (Cadre : 42 x 55 cm.) Johann Wilhelm Weinmann (1683-1741) était un apothicaire de Ratisbonne dont le succès dans les affaires a financé son intérêt pour la botanique. Il créa un jardin botanique avec une collection de plantes qui constitua la base de la Phytanthoza iconographia, une iconographie complète de "plusieurs milliers de plantes, arbres, plantes vivaces, herbes, fleurs, fruits et éponges, domestiques et étrangères, des quatre parties du monde, collectées avec une diligence infatigable au cours de nombreuses années, qui sont gravées de la plus belle manière sur le cuivre, et en même temps, par un moyen nouvellement inventé, d'après nature avec des couleurs vives dans les illustrations les plus gracieuses". Pour illustrer son florilège, Weinmann engagea le jeune et brillant artiste botanique Georg Dionysius Ehret (1708-70), qui, dans son inexpérience, accepta des conditions très défavorables pour lui-même. Dégoûté par le salaire dérisoire, Ehret quitta le projet après avoir réalisé 500 dessins, et sa contribution essentielle à l'œuvre n'est nulle part reconnue dans la publication. Les planches ont eu un impact considérable sur d'autres artistes, botanistes et imprimeurs, inspirant notamment Christoph Trew, qui voyait dans ses "Plantae Selectae" un prolongement du travail de Weinmann (Ehret, correctement payé, a réalisé les illustrations pour Trew). Le procédé de mezzotinte utilisé pour les Phytanthoza a été inventé par Johan Teyler aux Pays-Bas vers 1688. Cette planche a été réalisée par Johann Jakob Haid (1704-67), qui a combiné l'eau-forte et la mezzotinte, ce qui a permis d'obtenir des lignes délicates et un grain très fin. L'ajout de teintes à la main a permis d'obtenir des effets inhabituels et subtils. Prix de vente : Euro 1.250,- (cadre inclus)

1 250 EUR

- Steps of Life - Dirk van Lubeek, ca. 1800 - CARPE DIEM ! "Trap des ouderdoms", houtsnede vervaardigd door Dirk van Lubeek (1747-1819). Dans la partie droite de l'ouvrage, le dessin a été modifié en fonction de l'évolution de la situation. Dans le temps avec la main gekleurd. Afm. 32,5 × breedte 39,4 cm. In dit belerende beeldverhaal in de vorm van een centsprent zien we "Van de wieg tot aan 't graf legt den mensch dees loopbaan af." Sur les 10 premiers rangs du tableau des ordres, sous la forme d'une case, figurent des hommes dont la durée de vie est comprise entre 0 et 100 ans. Sous le panneau, on trouve un wieg, Vadertje Tijd et un grafmonument. De plus, nous avons un verset qui s'applique à tous les cas de figure. Als volgt hertaald : Mens, u zult wel merken : de tijd heeft vlerken. Regardez ici, jeune homme, le piège de la vie des hommes : L'humanité s'en prend à l'âme de l'homme, le peuple s'en va et s'en va vers la mort, mais l'homme s'en prend à l'âme de l'homme, à l'âme de l'homme. Nu daagt de manbaarheid ; ziedaar de denkkrachtjaren ; De mens stapt langzaam voort ; 't verstand verslapt, verdwijnt, thans is de grijsheid aan de beurt met haar zilveren haren ; Het brein neemt langzaam af, wanneer het leven ook wegkwijnt. O knaapjes wilt gij nog eens (als het gewicht van de jaren begint te drukken), Op uw vervlogen jeugd nog lachend terug kijken, Zorg dan, in vreugde en verdriet, dat u steeds deugdzaam blijft, Dat is het, wat op aarde reeds hemelse vreugde kan bieden. Kortom : pluk de dag, maar doe dat dapper, wijs, gematigd, rechtvaardig. Prix : 575 euros

575 EUR

- Alexandre de Riquer - Napoléon Fotografos - Alexandre de Riquer, 1895-1900. Lithographie A. y E. Napoléon Fotografos réalisée par Alexandre de Riquer en 1895, issue de "Les Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Imprimé en couleurs publié entre 1895-1900. Dimensions (estampe) 33 x 12,5 cm (papier : 40 x 29 cm). Alexandre de Riquer i Ynglada (1856-1920) était un artiste intellectuel polyvalent et un designer catalan, illustrateur, peintre, graveur, écrivain et poète. Il fut l'une des principales figures du Modernisme en Catalogne. De Riquer a conçu cette affiche pour Anaïs Napoleón (1827 ou 1831-1912), l'une des premières femmes à avoir réalisé des daguerréotypes en Espagne. Le studio de photographie qu'elle dirigeait avec son mari à Barcelone a perduré pendant trois générations, de 1853 à 1968. Ils étaient spécialisés dans la photographie de portraits. Après avoir acquis le cinématographe Lumière en 1895, ils ont également exploité un cinéma (jusqu'en 1908) sur la Rambla de Santa Mónica et un autre sur l'Avenida del Parelelo. La série des Maitres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes comme Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. Avec la vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie, est apparu un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude - mais la taille même des affiches rendait leur stockage difficile et souvent impossible. La série des Maitres de l'Affiche est née de ce dilemme. En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les passionnés ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche compte 256 planches lithographiques miniatures réalisées avec soin et représentant le meilleur de la Belle Époque. Au cours de ses cinq années d'existence, de la fin de 1895 à 1900, la série a connu un énorme succès, et elle reste populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection Maitres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chréret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et fondateur virtuel de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chréret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chréret a ouvert sa propre imprimerie, qui allait devenir une succursale du grand éditeur français Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix a fourni à Chréret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre premières planches sont publiées en décembre 1895 et présentent des affiches de Chréret, Toulouse-Lautrec, Julius Price et Dudley Hardy. La série se poursuivra pendant soixante mois au total, pour s'achever en novembre 1900, marquant ainsi l'apogée de l'engouement pour l'affiche. Au final, il y a eu 240 planches régulières et 16 planches bonus. La série des Maitres de l'Affiche fonctionnait un peu comme un magazine contemporain. L'amateur d'affiches avait la possibilité d'acheter les quatre planches du mois en cours auprès d'un revendeur spécialisé, ou de s'abonner à la série pour une durée d'un an. En France, un abonnement d'un an coûtait 27,- francs, ce qui correspondait à environ cinq à dix versions originales en taille réelle des affiches présentées dans la série Maitres. La première planche de chaque mois était une affiche de Chréret lui-même, ce qui en faisait l'artiste le plus fréquemment représenté dans la série. En effet, les 60 planches régulières et les sept planches bonus de Chréret représentent près de 25 % de l'ensemble de la collection. Au total, 97 artistes du monde entier sont représentés dans la série des Maitres de l'Affiche, dont plus de la moitié sont français. En revanche, seuls quatre d'entre eux provenaient d'Italie, six d'Allemagne et huit d'Angleterre. Un éventail de styles populaires se dégage de la collection, notamment l'Art nouveau classique d'Alphonse Mucha et de Privat Livemont, les illustrations d'Edward Penfield et d'Adolphe Willette, et les qualités graphiques de Toulouse-Lautrec et de Pierre Bonnard. Les affiches originales en taille réelle et les tirages Maitres qu'elles ont inspirés n'ont jamais été considérés comme concurrents, mais plutôt comme deux entités totalement différentes. Alors que les affiches étaient grandes et audacieuses

425 EUR

- Johann Georg van Caspel - W. Hoogenstraaten - Johann Georg van Caspel, 1895-1900. “W. Hoogenstraaten Fijne Groenten Huishoudgroenten Soepen & Sausen”, Lithographie en couleurs dessinée par Johann Georg van Caspel, publiée par l'impremerie Chaix entre 1895-1900 pour leur "Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Format (papier) : 40 x 29 cm. W. Hoogenstraaten & Co, fondée à Leyde, était l'une des premières conserveries des Pays-Bas. L'entreprise était dirigée par Willem Hoogenstraaten (1809-1895) et son fils Diederik (1838-1908). Willem a commencé sa carrière comme apprenti boulanger à Leyde et est devenu confiseur et confiseur indépendant. Ils étaient en avance sur leur temps et faisaient de la publicité avec cette belle affiche art nouveau conçue par Johann Georg van Caspel (1870-1928). En 1900, l'entreprise familiale a été transformée en société anonyme et le père et le fils ont continué sous un nouveau nom : Nederlandsche Fabriek van Verduurzaamde Levensmiddelen. L'usine fabriquait et conservait des produits alimentaires tels que des légumes, des sauces et des soupes. Elle a prospéré pendant la Première Guerre mondiale et a finalement fermé ses portes en 1969. La série des Maitres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui a atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes comme Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. La vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie s'est accompagnée d'un désir Lithographie en couleurs dessinée par Johann Georg van Caspel, publiée par l'impremerie Chaix entre 1895-1900 pour leur "Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Format (papier) : 40 x 29 cm. W. Hoogenstraaten & Co, fondée à Leyde, était l'une des premières conserveries des Pays-Bas. L'entreprise était dirigée par Willem Hoogenstraaten (1809-1895) et son fils Diederik (1838-1908). Willem a commencé sa carrière comme apprenti boulanger à Leyde et est devenu confiseur et confiseur indépendant. Ils étaient en avance sur leur temps et faisaient de la publicité avec cette belle affiche art nouveau conçue par Johann Georg van Caspel (1870-1928). En 1900, l'entreprise familiale a été transformée en société anonyme et le père et le fils ont continué sous un nouveau nom : Nederlandsche Fabriek van Verduurzaamde Levensmiddelen. L'usine fabriquait et conservait des produits alimentaires tels que des légumes, des sauces et des soupes. Elle a prospéré pendant la Première Guerre mondiale et a finalement fermé ses portes en 1969. La série des Maitres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui a atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes comme Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. La vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie s'est accompagnée d'un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude, mais la taille même des affiches rendait leur stockage difficile, voire impossible. La série des Maitres de l'Affiche est née de ce dilemme. En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les passionnés ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche comptait 256 plaques lithographiques miniatures produites par des experts et représentant le meilleur de la Belle Époque. Au cours de ses cinq années d'existence, de la fin de 1895 à 1900, la série a connu un énorme succès, et elle reste populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection des Maitres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chéret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et fondateur virtuel de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chéret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chéret a ouvert sa propre imprimerie, qui allait devenir une succursale du grand éditeur français Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix a fourni à Chéret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre p

375 EUR

- Paul Berthon - Automne - Paul Berthon, 1895-1900. Lithographie d'automne de Paul Berthon, issue de "Les Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Imprimé en couleurs publié entre 1895-1900. Taille (papier) : 40 x 29 cm. Paul Berthon (1872 - 1910) était un artiste qui produisait principalement des affiches et des lithographies. L'œuvre de Berthon s'inscrit dans le style de l'Art nouveau, à l'instar de son contemporain Alphonse Mucha. Berthon a fait ses études de peintre à Villefranche-sur-Saône avant de s'installer à Paris. Il s'inscrit ensuite à l'École Normale d'Enseignement de Dessin et reçoit des cours de peinture de Luc-Olivier Merson et des cours d'arts décoratifs d'Eugène Grasset.Grasset a eu une influence bien plus grande sur lui, et il peut être considéré comme son élève. Son étude des arts décoratifs a influencé son travail de graveur, favorisant les lignes fortes et les détails naturels qui ont guidé son art. La grande majorité des affiches lithographiées de Berthon - comme cet "Automne" - ne comportaient pas de publicité et étaient destinées à être utilisées seules. La série des Maitres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes comme Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. Avec la vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie, est apparu un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude - mais la taille même des affiches rendait leur stockage difficile et souvent impossible. La série des Maitres de l'Affiche est née de ce dilemme. En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les passionnés ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche comptait 256 plaques lithographiques miniatures produites par des experts et représentant le meilleur de la Belle Époque. Au cours de ses cinq années d'existence, de la fin de 1895 à 1900, la série a connu un énorme succès, et elle reste populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection Maitres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chréret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et fondateur virtuel de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chréret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chréret a ouvert sa propre imprimerie, qui allait devenir une succursale du grand éditeur français Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix a fourni à Chréret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre premières planches sont publiées en décembre 1895 et présentent des affiches de Chréret, Toulouse-Lautrec, Julius Price et Dudley Hardy. La série se poursuivra pendant soixante mois au total, pour s'achever en novembre 1900, marquant ainsi l'apogée de l'engouement pour l'affiche. Au final, il y a eu 240 planches régulières et 16 planches bonus. La série des Maitres de l'Affiche fonctionnait un peu comme un magazine contemporain. L'amateur d'affiches avait la possibilité d'acheter les quatre planches du mois en cours auprès d'un revendeur spécialisé, ou de s'abonner à la série pour une durée d'un an. En France, un abonnement d'un an coûtait 27,- francs, ce qui correspondait à environ cinq à dix versions originales en taille réelle des affiches présentées dans la série Maitres. La première planche de chaque mois est une affiche de Chréret lui-même, ce qui fait de lui l'artiste le plus représenté dans la série. En effet, les 60 planches régulières et les sept planches supplémentaires de Chréret représentent près de 25 % de l'ensemble de la collection. Au total, 97 artistes du monde entier sont représentés dans la série des Maitres de l'Affiche, dont plus de la moitié sont français. En revanche, seuls quatre d'entre eux venaient d'Italie, six d'Allemagne et huit d'Angleterre. Un éventail de styles populaires se dégage de la collection, notamment l'Art nouveau classique d'Alphonse Mucha et de Privat Livemont, les illustrations d'Edward Penfield et d'Adolphe Willette, et les qualités graphiques de Toulouse-Lautrec et de Pierre Bonnard. Les affiches originales en taille réelle et les tirages Maitres qu'elles ont inspirés n'ont jamais été considérés comme concurrents, mais plutôt comme deux entités totalement différente

275 EUR

- Tournoi de lutte de Liège a la Fontaine - Armand Rassenfosse, 1895-1900 - "Tournoi de lutte de Liège à la Fontaine", lithographie en couleurs dessinée par Armand Rassenfosse, publiée par l'imprimerie Chaix entre 1895-1900 pour ses "Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Taille (papier) : 40 x 29 cm. Pour un tournoi de lutte à Liège (Belgique), Rassenfosse applique une approche graphique forte avec l'image frappante des lutteurs, qui émergent virtuellement du cadre de l'affiche rendu en couleurs profondes et en aplats pour contraster avec un arrière-plan impressionniste de spectateurs. Il semble que les corps imbriqués des lutteurs soient parfaitement parallèles aux lignes du monogramme. Initialement imprimé par August Bernard, dont le nom est mentionné en bas à droite. La série des Maîtres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui a atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes tels que Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. Avec la vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie est apparu un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude - mais la taille même des affiches rendait le stockage difficile et souvent impossible. C'est de ce dilemme qu'est née la série "Maitres de l'Affiche". En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les amateurs ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche comprenait 256 planches lithographiques miniatures produites par des experts et représentant le meilleur de la Belle Époque. Pendant ses cinq années d'existence, de fin 1895 à 1900, la série a connu un immense succès et continue d'être populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations dans le domaine de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection des Maîtres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chéret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et quasi-fondateur de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chéret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chéret ouvre sa propre imprimerie, qui deviendra par la suite une succursale de la grande maison d'édition française Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix fournit à Chéret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre premières planches paraissent en décembre 1895 et présentent des affiches de Chéret, Toulouse-Lautrec, Julius Price et Dudley Hardy. La série se poursuivra pendant soixante mois au total, jusqu'en novembre 1900, marquant véritablement l'apogée de l'engouement pour les affiches. Au final, il y aura 240 planches normales et 16 planches bonus. La série des Maîtres de l'Affiche fonctionnait un peu comme un magazine contemporain. L'amateur d'affiches avait la possibilité d'acheter les quatre planches du mois en cours auprès d'un marchand spécialisé ou de s'abonner à la série pour une durée d'un an. En France, un abonnement d'un an coûte 27,- francs, ce qui équivaut à environ cinq à dix affiches originales en taille réelle de la série Maitres. La première planche de chaque mois est une affiche de Chéret lui-même, ce qui en fait l'artiste le plus représenté dans la série. En effet, les 60 planches régulières et les sept planches bonus de Chéret représentent près de 25 % de l'ensemble de la collection. Au total, 97 artistes du monde entier sont représentés dans la série des Maîtres de l'Affiche, dont plus de la moitié sont français. En revanche, seuls quatre artistes viennent d'Italie, six d'Allemagne et huit d'Angleterre. La collection présente un large éventail de styles populaires, dont l'Art nouveau classique d'Alphonse Mucha et de Privat Livemont, les illustrations d'Edward Penfield et d'Adolphe Willette, ainsi que les qualités graphiques de Toulouse-Lautrec et de Pierre Bonnard. Les affiches originales de grand format et les gravures des Maitres qu'elles ont inspirées n'ont jamais été considérées comme concurrentes, mais plutôt comme deux entités entièrement différentes. Alors que les affiches étaient grandes et audacieuses, les estampes étaient appréciées pour leur taille et leurs détails exquis. En outre, les affiches étaient souvent imprimées sur du papier journal bon marché en raison de leur courte durée de vie. Les estampes, quant à elles, étaient réalisées sur du papier très fin à l'aide de techniques d'impression trop complexes

275 EUR

- August Roedel - Salon National de la Mode - August Roedel, 1895-1900. "Salon National de la Mode", lithographie en couleurs dessinée par August Roedel, publiée par l'impremerie Chaix entre 1895-1900 pour leur "Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Format (papier) : 40 x 29 cm. Roedel a conçu cette affiche pour promouvoir le salon national de la mode parrainé par le Petit Journal dans la Galerie Rapp du Palais des Beaux-Arts sur le Champ de Mars à Paris. Deux dames sont habillées à la dernière mode de l'époque. L'une, vêtue d'une robe rouge flottante, a les cheveux attachés par l'autre, qui porte un motif floral vert. La dame assise lit un feuillet intitulé "Conseils de Beauté de Lenthéric". August Roedel était un caricaturiste, illustrateur, aquarelliste et lithographe. Il s'associe à Paris à un groupe d'artistes de Montmartre tels qu'Adolphe Willette, Charles Lucien Léandre et Caran d'Ache, fournit des dessins au Courrier Français et réalise des affiches. La série des Maitres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes comme Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. Avec la vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie, est apparu un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude - mais la taille même des affiches rendait leur stockage difficile et souvent impossible. La série des Maitres de l'Affiche est née de ce dilemme. En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les passionnés ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche comptait 256 plaques lithographiques miniatures produites par des experts et représentant le meilleur de la Belle Époque. Au cours de ses cinq années d'existence, de la fin 1895 à 1900, la série a connu un énorme succès, et elle reste populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection Maitres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chéret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et fondateur virtuel de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chéret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chéret a ouvert sa propre imprimerie, qui allait devenir une succursale de la grande maison d'édition française Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix a fourni à Chéret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre premières planches sont publiées en décembre 1895 et présentent des affiches de Chéret, Toulouse-Lautrec, Julius Price et Dudley Hardy. La série se poursuivra pendant soixante mois au total, pour s'achever en novembre 1900, marquant ainsi l'apogée de l'engouement pour les affiches. Au final, il y a eu 240 planches régulières et 16 planches bonus. La série des Maitres de l'Affiche fonctionnait un peu comme un magazine contemporain. L'amateur d'affiches avait la possibilité d'acheter les quatre planches du mois en cours auprès d'un revendeur spécialisé, ou de s'abonner à la série pour une durée d'un an. En France, un abonnement d'un an coûtait 27,- francs, ce qui correspondait à environ cinq à dix versions originales en taille réelle des affiches présentées dans la série Maitres. La première planche de chaque mois est une affiche de Chéret lui-même, ce qui fait de lui l'artiste le plus fréquemment représenté dans la série. En effet, les 60 planches régulières et les sept planches bonus de Chéret représentent près de 25 % de l'ensemble de la collection. Au total, 97 artistes du monde entier sont représentés dans la série des Maitres de l'Affiche, dont plus de la moitié sont français. En revanche, seuls quatre d'entre eux venaient d'Italie, six d'Allemagne et huit d'Angleterre. Un éventail de styles populaires se dégage de la collection, notamment l'Art nouveau classique d'Alphonse Mucha et de Privat Livemont, les illustrations d'Edward Penfield et d'Adolphe Willette, et les qualités graphiques de Toulouse-Lautrec et de Pierre Bonnard. Les affiches originales en taille réelle et les tirages Maitres qu'elles ont inspirés n'ont jamais été considérés comme concurrents, mais plutôt comme deux entités totalement différentes. Alors que les affiches étaient grandes et audacieuses, les gravures étaient appréciées pour leur taille

175 EUR

- Chemins de Fer du Nord - Gustave Fraipont, 1895-1900 - "Chemins de Fer du Nord ", lithographie en couleurs dessinée par Gustave Fraipont, publiée par l'imprimerie Chaix entre 1895-1900 pour ses "Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Taille (papier) : 40 x 29 cm. Il s'agit de l'une des nombreuses affiches réalisées par Fraipont pour la Compagnie française des chemins de fer du Nord, annonçant des excursions au château de Pierrefonds, à la ville de Compiègne et au château de Coucy-le-Château (avant qu'il ne soit - évidemment - gravement endommagé pendant la Première Guerre mondiale). La série des Maîtres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes, qui a atteint son apogée au milieu des années 1890, en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes tels que Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. Avec la vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie est apparu un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude - mais la taille même des affiches rendait le stockage difficile et souvent impossible. C'est de ce dilemme qu'est née la série "Maitres de l'Affiche". En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les amateurs ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche comprenait 256 planches lithographiques miniatures produites par des experts et représentant le meilleur de la Belle Époque. Pendant ses cinq années d'existence, de fin 1895 à 1900, la série a connu un immense succès et continue d'être populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations dans le domaine de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection des Maîtres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chéret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et quasi-fondateur de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chéret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chéret ouvre sa propre imprimerie, qui deviendra par la suite une succursale de la grande maison d'édition française Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix fournit à Chéret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre premières planches paraissent en décembre 1895 et présentent des affiches de Chéret, Toulouse-Lautrec, Julius Price et Dudley Hardy. La série se poursuivra pendant soixante mois au total, jusqu'en novembre 1900, marquant véritablement l'apogée de l'engouement pour les affiches. Au final, il y aura 240 planches normales et 16 planches bonus. La série des Maîtres de l'Affiche fonctionnait un peu comme un magazine contemporain. L'amateur d'affiches avait la possibilité d'acheter les quatre planches du mois auprès d'un marchand spécialisé ou de s'abonner à la série pour une durée d'un an. En France, un abonnement d'un an coûte 27,- francs, ce qui équivaut à environ cinq à dix affiches originales en taille réelle de la série Maitres. La première planche de chaque mois est une affiche de Chéret lui-même, ce qui en fait l'artiste le plus représenté dans la série. En effet, les 60 planches régulières et les sept planches bonus de Chéret représentent près de 25 % de l'ensemble de la collection. Au total, 97 artistes du monde entier sont représentés dans la série des Maîtres de l'Affiche, dont plus de la moitié sont français. En revanche, seuls quatre artistes viennent d'Italie, six d'Allemagne et huit d'Angleterre. La collection présente un large éventail de styles populaires, dont l'Art nouveau classique d'Alphonse Mucha et de Privat Livemont, les illustrations d'Edward Penfield et d'Adolphe Willette, ainsi que les qualités graphiques de Toulouse-Lautrec et de Pierre Bonnard. Les affiches originales de grand format et les estampes des Maitres qu'elles ont inspirées n'ont jamais été considérées comme concurrentes, mais plutôt comme deux entités entièrement différentes. Alors que les affiches étaient grandes et audacieuses, les estampes étaient appréciées pour leur taille et leurs détails exquis. En outre, les affiches étaient souvent imprimées sur du papier journal bon marché en raison de leur courte durée de vie. Les estampes, quant à elles, étaient réalisées sur du papier très fin à l'aide de techniques d'impression trop complexes pour des objets plus grands. Bien avant que les affiches ne deviennent à la mode, la collection d'estampes était un hobby à part entière extrêmement populaire. Chéret a introduit

175 EUR

- Leiden anatomical theatre - Thomas Salmón + Gianbattista Albrizzi, 1742 - THEATRUM ANATOMICUM "Prospetto della sala dell' Anatomia della Città di Leyden" [vue du théâtre anatomique de la ville de Leyde]. Gravure sur cuivre tirée de "Lo stato presente di tutti I paesi e popoli del mondo naturale, politico e morale, con nuove osservazioni e correzioni degli antichi, e moderni viagiatori" [L'état actuel de tous les pays et peuples du monde naturel, politique et moral, avec de nouvelles observations et corrections des voyageurs anciens et modernes] réalisée par Thomas Salmon et publiée par Gianbattista Albrizzi à Venise en 1742. Coloré par une main postérieure. Taille : 15 x 20 cm. Le Theatrum Anatomicum ou théâtre anatomique de Leyde était un théâtre anatomique et un cabinet de curiosités ouvert à Leyde aux Pays-Bas en 1594. Il s'agit de l'un des premiers théâtres anatomiques d'Europe. Le théâtre a été créé à l'initiative de Pieter Pauw, alors professeur d'anatomie à l'université de Leyde. Pendant l'hiver, les professeurs d'anatomie organisaient des dissections publiques de cadavres devant un public payant composé d'étudiants et de chirurgiens, mais aussi de curieux. Comme il n'y avait pas d'enseignement en été, le théâtre était utilisé pour exposer diverses curiosités, notamment des squelettes humains et animaux, des momies égyptiennes et des antiquités romaines, ainsi que de nombreux autres objets insolites provenant de différentes parties du monde. En conséquence, le théâtre, qui était à l'époque le seul d'Europe au nord des Alpes, est devenu une attraction touristique importante. Au XVIIIe siècle, le théâtre est devenu moins utilisé et a fini par devenir obsolète. Le théâtre a finalement fermé ses portes en 1821[1] Un théâtre moderne à l'échelle réelle au Rijksmuseum Boerhaave a été reconstruit à partir d'estampes comme celle-ci. Prix de vente : 275 euros

275 EUR