24 - Maître toscan ; dernier tiers du XVIIe siècle.

Maître toscan ; dernier tiers du XVIIe siècle. « Sainte Cécile ». Huile sur toile. La toile d’origine est conservée. Elle porte une inscription illisible dans le coin inférieur gauche, peut-être une signature. Dimensions : 71,5 x 56 cm ; 90 x 74,5 cm (avec le cadre). Ce tableau s’inspire d’une composition d’Onorio Marini, réalisée entre 1684 et 1687 et conservée au Statens Museum for Kunst. L’œuvre représente sainte Cécile, patronne de la musique, reconnaissable à l’orgue et à la couronne de roses qui l’accompagnent. Son intérêt particulier réside dans la manière dont l’artiste allie la peinture religieuse aux techniques caractéristiques du portrait baroque, conférant à la sainte une présence accessible et profondément humaine. Représentée en buste, face au spectateur, la tête légèrement tournée, la figure établit un lien direct avec le spectateur, suivant les conventions habituelles du portrait de cour de la fin du XVIIe siècle. L’artiste omet les petits anges musiciens qui accompagnent habituellement sainte Cécile dans de nombreuses représentations, concentrant toute l’attention sur la figure féminine. Ses cheveux blonds, son visage délicat et le caractère monumental du buste se détachent sur un fond neutre aux tons cuivrés, ce qui intensifie le contraste de la lumière et renforce la présence du sujet. Le rendu des tissus mérite une mention particulière, avec leurs broderies aux fils d’or et les plis délicats de la chemise – détails qui révèlent un intérêt pour les qualités des matières et le raffinement ornemental. Il en résulte une image d’une grande élégance, dans laquelle la sainteté s’exprime à travers une beauté idéalisée et une apparence rappelant celle d’une dame de la société contemporaine. Cette interprétation reflète une tradition particulièrement prisée à l’époque baroque, où les figures des saints et des martyrs adoptaient les conventions visuelles du portrait afin de faciliter une identification plus immédiate par le spectateur. La combinaison d’attributs religieux et de techniques propres au portrait permet également à l’image de transcender sa fonction dévotionnelle et de revêtir le caractère d’un portrait féminin de grande distinction. Onorio Marinari (Florence, 1627–1716) était un peintre italien du baroque florentin, particulièrement réputé pour ses compositions religieuses et ses figures féminines délicates. Fils du peintre Gismondo Marinari, il commença sa formation dans l’atelier de son père avant de rejoindre le prestigieux cercle de Carlo Dolci, dont il devint l’un des disciples les plus éminents. Il a également été influencé par des artistes tels que Baldassare Franceschini, Il Volterrano, Simone Pignoni et Francesco Furini, ainsi que par la tradition classiciste et coloriste italienne. Il a mené une brillante carrière à Florence, où il a reçu d’importantes commandes religieuses et travaillé pour la cour des Médicis, notamment après la mort de Carlo Dolci en 1686. En 1679, il fut admis comme membre de l’Accademia del Disegno de Florence. Ses œuvres sont présentes dans de grandes collections et institutions internationales, telles que les Offices à Florence, le Statens Museum for Kunst, la Wallace Collection et l’Alte Pinakothek. Elle a conservé son tissu d’origine.