51 - Juseppe Ribera

Juseppe Ribera 1591-1652, attribué à Abraham sacrifiant Isaac Huile sur toile, doublée 87 x 71 cm, avec cadre 107 x 88,5 cm Dans un cadre original en bois sculpté du XVIIe siècle Par sa composition et son exécution, ce tableau témoigne d’un ancrage stylistique et conceptuel profond dans l’œuvre de Jusepe de Ribera. Afin de mettre en évidence le lien avec le maître Ribera, l’œuvre peut être analysée à la lumière de ses caractéristiques stylistiques essentielles. Le visage d’Abraham représenté ici est un exemple parfait du célèbre hypernaturalisme de Ribera. Ribera était connu pour ne pas idéaliser ses sujets. Il cherchait souvent ses modèles dans les ruelles de Naples : de simples pêcheurs, mendiants et ouvriers. Les rides du front, les tempes creusées et la peau parcheminée et marquée par l’âge d’Abraham correspondent exactement aux types de personnages que Ribera choisissait pour ses représentations de pénitents ou d’érudits. La lueur humide et tournée vers le ciel dans les yeux d’Abraham, qui témoigne d’une profonde émotion et d’une foi absolue, est un fil conducteur de la période napolitaine la plus importante de Ribera Un aspect central qui lie étroitement ce tableau à Ribera est le rejet de la monumentalité baroque au profit d’une étude intime des personnages. Alors que d’autres artistes de l’époque mettaient souvent en scène le sacrifice d’Isaac sous la forme d’une scène de grande envergure avec un autel, un paysage et le proverbial bélier dans les buissons, ce tableau – tout à fait dans l’esprit de Ribera – se concentre radicalement sur l’instant psychologique. L’espace est extrêmement restreint (« cadrage claustrophobe »). Il n’y a pas de nature venant détourner l’attention. Seuls trois éléments comptent : le conflit intérieur d’Abraham, la passivité résignée d’Isaac et l’intervention physique de la main divine. Cette concentration sur l’émotion humaine et la texture des corps est caractéristique de l’interprétation magistrale que fait Ribera des drames bibliques. Ribera n’était pas seulement un maître de l’ombre, mais surtout un maître des surfaces. Dans le tableau, la main rugueuse du père, qui pèse lourdement sur la tête de son fils, contraste directement avec la tête délicate et finement modelée du jeune Isaac. Ce jeu avec les différentes textures de la peau (teint) occupe une place prépondérante dans le chef-d’œuvre de Ribera, *Isaac et Jacob*, conservé au Museo del Prado, où le vieux père aveugle palpe la peau supposée rugueuse de son fils. La lumière est ici utilisée comme un projecteur. Elle fait ressortir de l’obscurité la tridimensionnalité plastique des personnages. Ribera a développé ce style, adapté du Caravage, à Naples, en appliquant des coups de pinceau plus épais (plus pâteux) afin de rendre presque palpable la matière de la barbe, des plis et des vêtements – un effet clairement visible sur le front et la barbe d’Abraham dans ce tableau. Qu’il s’agisse ici d’une œuvre de la main du maître, réalisée au cours de sa période de maturité, ou d’un travail d’excellente facture issu de son atelier napolitain ou de son entourage le plus proche (comme par exemple de la main de Bartolomeo Passante ou du jeune Luca Giordano), cela transparaît dans le dévouement sans compromis à la vérité humaine. Le tableau utilise à la perfection le langage visuel de Ribera pour figer, au même instant précis, le poids existentiel du commandement divin et le soulagement du salut.