10 - Domenico Fetti

Domenico Fetti Rome 1589-1623 Venise, attribué à Lot et ses filles Huile sur toile, doublée 96 x 75 cm, avec cadre 115 x 98 cm Domenico Fetti était un peintre italien majeur du début de l'époque baroque, qui a exercé son art à Rome, à Mantoue et à Venise. Il est considéré comme l'un des principaux intermédiaires entre le naturalisme romain et la peinture vénitienne aux couleurs vives. Fetti alliait la mise en lumière dramatique du Caravage à un style pictural aux nuances subtiles et aux couleurs intenses, influencé par les Vénitiens Titien et Véronèse. Ses œuvres se distinguent par leur profondeur psychologique, leur immédiateté émotionnelle et une structure narrative claire – des caractéristiques qui ont fait de lui l’un des artistes les plus marquants de son époque. Le tableau dont il est question ici, attribué à Domenico Fetti, représente vraisemblablement la scène biblique de Lot et de sa fille (Genèse 19,30-36). Après la destruction de Sodome et de Gomorrhe, Lot et ses deux filles se réfugient dans une grotte. Croyant que le monde a pris fin et qu’il ne reste plus aucun homme en vie, les filles enivrent leur père afin de perpétuer l’humanité par son intermédiaire. Cette histoire ambivalente, qui oscille entre la transgression d’un tabou moral et la pérennité de la descendance, a souvent été reprise dans l’art baroque comme symbole de la tentation, de la culpabilité et du conflit moral. Sur un fond sombre, une scène dense et chargée d’émotion se déploie sous un jeu de lumière dramatique. Deux personnages apparaissent étroitement enlacés : à droite, un homme âgé vêtu d’une robe brune nouée à l’épaule, aux traits marqués et coiffé d’un haut turban ; à gauche, une jeune femme qui a passé son bras gauche autour de son épaule et lui tend de la main droite un calice en forme de corne d’abondance – sans doute le vin destiné à enivrer Lot. Son regard est intense, presque suppliant, tandis que son visage, marqué par de profondes rides et des teintes chaudes et terreuses, est tourné vers le spectateur. Le voile bleu de la femme contraste avec le teint délicatement rosé de son visage, qui se détache dans la lumière et s’anime grâce à ses joues roses. Le tableau dégage une intimité remarquable qui le distingue de nombreuses autres représentations du sujet. Souvent, les deux filles de Lot sont représentées : l’une versant du vin, tandis que l’autre s’approche de son père. Ici, en revanche, une seule fille est présente, qui porte presque le récipient à la bouche de son père. Cette concentration sur deux personnages renforce l’intensité émotionnelle de la scène. Le visage rougi de l’homme, signe de sa consommation de vin, laisse déjà entrevoir son état d’ivresse, tandis que son regard tourné vers le spectateur souligne encore davantage l’ambivalence morale de la scène. Le bleu éclatant du couvre-chef de la fille mérite une attention particulière ; il se détache de manière lumineuse sur le fond sombre et le teint chaud. Dans l’iconographie chromatique du baroque, le bleu pouvait notamment être associé à la pureté, à la fidélité et à la spiritualité. Dans ce contexte, cette couleur peut être interprétée comme un contraste délibérément créé avec l’action représentée, renforçant ainsi l’ambivalence de la scène. Il en résulte une œuvre d’une grande densité psychologique et d’une forte tension émotionnelle, dans laquelle le dilemme moral du récit biblique s’exprime à travers un jeu de lumière dramatique, une palette de couleurs nuancée et une intimité presque théâtrale des personnages.