36 - Koïmèsis (ou le décès de Marie) – Fin du XVIIe siècle

Koïmèsis (ou le décès de Marie) – Fin du XVIIe siècle Tempera enrichie d’huile sur bois Hauteur x largeur : 41 x 30 cm Cette œuvre s’inscrit dans la tradition iconographique orthodoxe de la région balkanique et russe. La composition reproduit fidèlement l’une des images dogmatiques les plus profondes et les plus codifiées de la tradition byzantine ; elle ne représente pas une mort biologique et physique, mais plutôt un passage paisible vers le royaume céleste, exprimé par un jeu puissant entre le corporel et le spirituel. La Vierge repose à l’horizontale sur un catafalque, drapée du *maphorion* traditionnel, qui symbolise sa nature terrestre et mortelle. Au centre même, le long d’un axe vertical, se dresse la figure monumentale du Christ glorifié, enfermée dans une *mandorla* mystique — un halo de lumière en forme d’amande. Dans son bras gauche, il tient une petite silhouette enveloppée dans des langes blancs : c’est l’*animula*, l’âme pure de Marie, qui vient de naître à la vie éternelle. Il s’agit d’un paradoxe théologique d’une intensité extraordinaire, qui inverse les rôles : Celui qui, enfant, fut autrefois nourri et emmailloté par Marie, berce désormais l’âme de sa mère pour l’accueillir au ciel. Autour du cercueil se rassemble une foule de personnes en deuil. À l’arrière-plan, derrière les apôtres, apparaissent les figures auréolées d’évêques et de Pères de l’Église — traditionnellement identifiés comme Denys l’Aréopagite et Jacques, le frère du Seigneur —, sur fond d’architecture idéalisée caractéristique de la peinture post-byzantine. L’inscription en haut, partiellement lisible en vieux slave et en caractères cyrilliques, confirme l’origine culturelle de l’œuvre. Sur le plan stylistique, celle-ci reflète la maîtrise de l’iconographe, qui agit ici en tant que théologien visuel. Bien que la composition reste profondément ancrée dans la tradition médiévale — comme en témoignent l’absence de perspective géométrique occidentale et la nature bidimensionnelle de l’arrière-plan —, la palette révèle une vivacité caractéristique du XVIIe siècle. Le contraste visuel est dominé par le rouge cinabre profond du couvre-cercueil, qui dialogue avec les tons chauds d’ocre et d’or des draperies et des éléments architecturaux. La valeur historique et de collection du tableau est encore renforcée par une superposition extraordinaire et rare de documents, conservée intacte au verso du panneau de bois.Un cachet circulaire en papier du *Gouvernement du Grand-Duché de Luxembourg* (probablement émis par le ministère des Arts ou les douanes luxembourgeoises) témoigne de la manière dont cette œuvre du patrimoine artistique oriental a intégré les circuits diplomatiques occidentaux ou les collections privées. Sous ces cachets se trouve le rapport technique de restauration original, daté du 1er juin 1982 ; il détaille un processus de conservation délicat qui comprenait la désinfestation, la consolidation du support en bois à l’aide d’inserts en bois, un nettoyage chimique contrôlé de la couche de peinture à l’aide de solvants volatils, ainsi que la stabilisation des pigments détachés. Au cours de cette intervention, le réseau dense de fissures superficielles — une craquelure profonde et quadrangulaire qui constitue un véritable témoignage biologique et une « empreinte » du vieillissement séculaire du gesso et de la tempera — a été soigneusement préservé. Les éventuelles pertes dans la couche picturale ont été comblées exclusivement par le « tratteggio » (hachures tonales) à l’aide d’aquarelles. Aujourd’hui, l’œuvre conserve une excellente lisibilité et est protégée par un léger vernis de finition, ce qui en fait une opportunité exceptionnelle pour les connaisseurs d’art sacré ancien. Évaluation de l’état de l’objet : *** passable. Le lot est dans un état de conservation passable et présente des signes évidents de restauration ainsi que quelques parties manquantes sur les bords.