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Arte moderno

Karl & Faber - +(49)89.22.18.68 - Email

Amiraplatz 3 80333 Munich, Alemania
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Galería

Lote 503 - Otto Mueller - Otto Mueller (1874 Liebau/Silesia - Breslau 1930) - Dos muchachas sentadas 2. Litografía sobre papel tejido firme, ligeramente martillado. (1921/22). Aprox. 28,5 x 38,5 cm (tamaño de la hoja aprox. 32 x 41 cm). Una de las 20 pruebas preliminares realizadas por el artista antes de la edición. Firmada abajo a la derecha. La edición de la hoja se publicó como hoja 9 de la carpeta de 10 partes "Otto Mueller: Zehn Lithographien" en la primavera de 1922 por la editorial Graphisches Kabinett I.B. Neumann, Berlín. Karsch 147 a (de b). Bibliografía: Sabarsky, Serge (ed.), Druckgraphik des deutschen Expressionismus, Milán 1984, cat. nº 8, con col. ill. p. 154; Sabarsky, Serge, Malerei des deutschen Expressionismus, Stuttgart 1987, con ilustraciones en blanco y negro p. 159; Sabarsky, Serge (ed.), Graphik des deutschen Expressionismus, Stuttgart/Munich 1991, cat. nº 118, con ilustraciones en color p. 161. p. 161. Exposición: Graphik des deutschen Expressionismus, International Travelling Exhibition, Künstlerhaus, Viena y otros 1984-1993, cat. nº 8 y 118; Neue Galerie, Museum for German and Austrian Art, Nueva York 2009/10; Visual Weimar. 1919-1933, Middlebury College Museum of Art, Middlebury/Vermont 2014; Naked Truth: The Body in Early 20th-Century Germany and Austria, Middlebury College Museum of Art, Middlebury/Vermont 2015. Procedencia: Krob estate; Serge Sabarsky collection/estate, Nueva York, adquirida a los anteriores en 1982; Vally Sabarsky collection/foundation, Nueva York.

Valorac. 8 000 - 12 000 EUR

Lote 505 - Hermann Max Pechstein - Hermann Max Pechstein (1881 Zwickau - Berlín 1955) - La danza (Bailarinas y bañistas en el estanque del bosque). Litografía coloreada a mano sobre papel liso de gamuza. (19)12. Aprox. 43,5 x 32,5 cm (tamaño de la hoja aprox. 49 x 38 cm). Una de aproximadamente 100 copias. Firmada y fechada abajo a la derecha. - Motivo de la estancia de Heckel en los estanques de Moritzburg con sus compañeros pintores del Brücke - Inspirado en el famoso cuadro "La Danse" de Henri Matisse - La danza es un motivo importante y recurrente en la obra de Pechstein El cambio de siglo fue una época grandiosa de nuevos comienzos. Las ciudades crecen y se adornan con enormes bloques de apartamentos y prestigiosos ayuntamientos. La industrialización puso a disposición enormes recursos. Algunos se suben a los coches y confían en la mecanización del mundo; otros gritan "¡Volvamos a la naturaleza!". En esta época se fundó el grupo de artistas Brücke; en su arte vemos un imperio diferente, una sociedad moderna y liberada centrada en representaciones de personas y naturaleza, caracterizadas por una estilística poco convencional. En 1909/10, Max Pechstein pasó el verano en los estanques de Moritzburg junto con sus compañeros pintores Heckel y Kirchner. Pintaron al aire libre. Habían traído de Dresde sus modelos, entre ellos el famoso "Fränzi". Durante esta época artísticamente fructífera para todos ellos, Pechstein creó las escenas de baño que más tarde utilizó en esta litografía. En 1909, Henri Matisse había creado la primera versión de "La danse", cuyo motivo es comparable y se expone actualmente en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Es concebible que Pechstein conociera una imagen del cuadro y se inspirara en ella. Los desnudos bailando y bañándose se muestran como una danza circular suelta en diversas posturas y animados movimientos sobre y dentro del agua. Es característica la representación bidimensional con la formulación reducida y abstracta. De la "7ª carpeta anual del grupo de artistas Brücke: Max Pechstein". Krüger L 149; Söhn HDO 217-3. Bibliografía: Jähner, Horst, Max Pechstein, en: Malerei des deutschen Expressionismus, Edition Cantz, Stuttgart 1987, p. 175, con illus. Exposición: Graphik des deutschen Expressionismus, Künstlerhaus, Viena y otros 1984-1989, cat. nº 5; Graphik des deutschen Expressionismus, Neuer Sächsischer Kunstverein, Dresde 1991-1993, cat. nº 149; Neue Galerie Museum of Art, Nueva York 2009/10; Galerie St. Etienne, Nueva York 2011/12. Procedencia: Colección Dr. Wilhelm F. Arntz (1903-1985), Haag/Upper Bavaria; colección/estado Serge Sabarsky, Nueva York, adquirida al mencionado en 1984; colección/fundación Vally Sabarsky, Nueva York.

Valorac. 20 000 - 30 000 EUR

Lote 507 - Wassily Kandinsky - Wassily Kandinsky (1866 Moscú - Neuilly-sur-Seine 1944) - Mujeres en el bosque. Xilografía sobre papel verjurado Japón. (1907). Aprox. 14,5 x 19 cm. (Tamaño de la hoja aprox. 17 x 22,5 cm). Uno de los tres ejemplares impresos a mano mencionados por Roethel. "Las primeras xilografías de Kandinsky se caracterizan por la experimentación con el material, es decir, con la xilografía y el color. (...) la atención se centra en la investigación de principios de diseño específicos de lo bidimensional y lo lineal. (...) La reproducibilidad como característica del grabado permitió a Kandinsky jugar con diferentes variaciones de color y, por tanto, con las posibilidades expresivas. (...) La obra gráfica de Wassily Kandinsky comprende 203 xilografías y linograbados, aguafuertes y litografías de los años 1902 a 1942 (...). Durante sus años en Múnich y París, hasta la época del "Blauer Reiter" en 1912, Kandinsky creó la mayor parte de su obra gráfica. Kandinsky creó sus primeras xilografías utilizando el proceso de impresión manual, que, en contraste con la impresión a máquina, ofrece posibilidades más diferenciadas porque los bloques de madera se pueden presionar sobre el papel con más o menos presión". (Melanie Vietmeier, Wassily Kandinsky's Woodcuts. Materialidad - Medio - Experimento, Paderborn 2020, p. 4 y siguientes). Roethel 60. Procedencia: Colección Hans Konrad Roethel, 1956-1971 Director de la Städtische Galerie im Lenbachhaus, Múnich, recibida directamente del artista; Colección del Sr. y la Sra. Robert S. Benjamin, Nueva York; Jean K. Benjamin, EE.UU.; propiedad privada, EE.UU.; colección privada, Múnich.

Valorac. 6 000 - 8 000 EUR

Lote 512 - Emil Nolde - Emil Nolde (1867 Nolde - Seebüll 1956) – Hamburger Hafen, Schlepper und Duckdalben. Tusche auf chamoisfarbenem Japan. (Ca. 1910). Ca. 32 x 43,5 cm. Signiert unten rechts. • Großformatige Tuschzeichnung voller Spontaneität und künstlerischer Meisterschaft • Kalligrafisch-kürzelhaft erfasste Motive, die nahezu abstrakt erscheinen • Die Hamburger Hafenansichten zählen bis heute zu den beliebtesten Motiven Emil Noldes Emil Nolde wohnt im Frühjahr 1910 einige Wochen im Hamburger Hafenviertel und taucht begeistert in die betriebsame Welt des nie zur Ruhe kommenden Hafens ein. In dieser sich stets wandelnden Industrielandschaft mit schaukelnden und qualmenden Schiffen und Schleppern findet er zahlreiche Bildmotive. „Was Nolde in seinen Erinnerungen als rauschhaftes, geradezu besessenes Arbeiten schildert, führte zu Ergebnissen, in denen sich auf die ihm eigene Weise Spontaneität und künstlerische Kontrolle die Waage halten. Spontan ist, der Technik gemäß, vor allem der Duktus der Zeichnungen, vorgetragen mit breitem, oft trockenem Tuschpinsel auf handgeschöpftem Papier. Kürzelhaft bis an den Rand der Gegenstandslosigkeit, lassen sie noch im Ergebnis den Arbeitsprozeß sichtbar werden. In ihrer ornamentalen Rhythmik könnten sie an ostasiatische Schriftzeichen erinnern, kalligraphisch und von gespannter Energie. Wir erkennen einen charakteristischen Brückenbogen, Duckdalben, ahnen den Landungssteg und Dampfer mit Rauch. Zu einer topographischen Lokalisierung von Hamburger Hafenmotiven wären sie untauglich. Vielmehr sind sie Zeugnisse von Augenerlebnissen. (…) Obwohl diese Zeichnungen nicht etwa Vorzeichnungen zu Druckgraphik darstellen, bereiten sie in ihrer Struktur aus solchen Linien und Flecken die druckgraphische Umsetzung vor, in der Abbild und graphisches Zeichnen im flächigen Rhythmus identisch werden.“ (Hanna Hohl, Emil Nolde und der Hamburger Hafen, Bilderhefte der Hambuger Kunsthalle VIII, Hamburg 1988, S. 6f.). Im selben Jahr noch fertigt Nolde eine lose Folge von insgesamt 18 Dampfer-Darstellungen und Hamburger Hafenmotiven an, die mit zu den eindrücklichsten Blättern der deutschen Druckgrafik am Anfang des 20. Jahrhunderts zählen. Nolde zeigt auf diesen Arbeiten seine meisterhafte Beherrschung der vielfältigen Radiertechniken, mit denen er sich eines seinerzeit noch völlig neuen Bildmotivs und den damit einhergehenden drucktechnischen Herausforderungen annimmt. Verständlicherweise erfreuen sich sowohl Noldes Hafenansichten als auch die druckgrafischen Dampfer-Blätter bis heute bei Sammlern großer Beliebtheit. Mit einer Fotoexpertise von Professor Dr. Manfred Reuther, Klockries, vom 28. November 2023. Provenienz: Privatsammlung, Köln; Grisebach, Berlin 4.6.1993, Los 22; Christie's, London 29.6.2000, Los 598; Privatsammlung, Paris.

Valorac. 25 000 - 35 000 EUR

Lote 515 - Gustav Klimt - Gustav Klimt (1862 Baumgarten cerca de Viena - Viena 1918) - Mujer joven de pie, con pañuelo en la cabeza. Tiza negra, realzada con blanco, sobre papel de trama gris verdosa. (1888/89). Aprox. 45 x 31,5 cm. - Obra temprana de Gustav Klimt - boceto para una acuarela monumental del antiguo Burgtheater de Viena, que fue demolido en 1888 - la modelo fue presumiblemente una hermana o amiga de Klimt Antes de que el antiguo Burgtheater de Viena fuera demolido en 1888 en favor de un nuevo edificio, las autoridades de la ciudad decidieron en 1886 que el auditorio del antiguo teatro, popular entre los vieneses, fuera representado por Franz Matsch y Gustav Klimt. Las obras no sólo pretendían representar el interior, sino también y en particular al público. Así pues, Matsch y Klimt no sólo crearon imágenes arquitectónicas. También representan a numerosas personas reconocibles y, de este modo, hacen prácticamente un balance del paisaje cultural vienés de su época. La inspiración para el encargo, y posiblemente también para Klimt, fue una obra similar del francés Edouard Dantan, que retrató el auditorio de la Comédie Française en el Salón de París de 1886, representando a los grandes de la escena artística francesa. En la versión de Gustav Klimt del auditorio del antiguo Burgtheater, se ven desde el escenario el patio de butacas, las gradas y, a la izquierda, el palco de la familia imperial. Las figuras identificables entre el público no son sólo artistas, sino también otros personajes públicos. Vemos al Archiduque y a su esposa, a varios políticos municipales y nacionales y a importantes funcionarios imperiales y reales, escritores, cantantes y otras figuras públicas. funcionarios, escritores, cantantes, pintores y mecenas. La escenografía se completa con figuras del personal. Klimt estudió cuidadosamente los detalles del interior para su obra. Gracias a un abono para el teatro, realizó decenas de bocetos de la arquitectura interior y del público. También realizó numerosos bocetos de figuras individuales. Klimt utilizó a mujeres de su barrio como modelos para el personaje femenino sin nombre. La "joven de pie, con pañuelo en la cabeza" que se ofrece aquí también pertenece a esta categoría; probablemente sea una de las hermanas o amigas de Klimt. En el cuadro acabado, se encuentra en la tercera fila, en el séptimo recuadro desde la izquierda. Inscripciones "2124" y "39500" de autor desconocido en el reverso. Strobl 215. Exposición: Klimt - Schiele - Kokoschka, Musée des Beaux-Arts de Rouen, 1995, cat. nº 63; Gustav Klimt. Beethovenfries, Stadthalle Balingen, 2010/11; Klimt y las mujeres de la Edad de Oro vienesa. 1900-1918, Neue Galerie Museum, Nueva York 2016/17. Procedencia: Gustav Klimt, con un tenue sello en la parte inferior derecha (Lugt 1575); Klipstein & Kornfeld, Berna; Grace Borgenicht Gallery, Nueva York, hasta 1994; Serge Sabarsky collection/estate, Nueva York, desde 1994; Vally Sabarsky collection/foundation, Nueva York.

Valorac. 20 000 - 30 000 EUR

Lote 519 - Max Slevogt - Max Slevogt (1868 Landshut - Neukastel/Pfalz 1932) - Boceto de retrato de un africano. Óleo sobre tabla Bristol. (Hacia 1895-1900). Aprox. 84 x 65,5 cm. Firmado arriba a la derecha. Verso con un boceto de un retrato masculino, presumiblemente según un maestro holandés del siglo XVII. - Estudio de retrato íntimo que revela la confianza entre pintor y modelo - La equilibrada composición cromática hace que el cuadro parezca tranquilo y sublime - Emocionante testimonio del método de trabajo de Slevogt Los negros aparecen una y otra vez en la obra de Slevogt: El retrato de Mursi, un joven nubio que el artista conoció en su viaje a Egipto, data de 1914. Motivos como "Bucaneros" (1914), que exotiza a los negros representados -incluido el conocido Mursi- también fueron creados durante este viaje. Slevogt retrató varias veces a Hassanó, procedente de Somalia. En un retrato de busto de 1912, que puede verse hoy en el Kunstpalast de Düsseldorf, así como en "El vencedor" y los estudios preliminares que lo acompañan, del mismo año, Slevogt utiliza la imagen europeo-fantástica del "africano". El retrato que aquí se ofrece fue pintado mucho antes que Mursi y Hassanó. Probablemente fue creado en Múnich, donde Slevogt permaneció entre 1890 y 1897. Mientras que Hassanó y Mursi sólo han llegado hasta nosotros por sus nombres de pila, el retratado sigue siendo anónimo hoy en día: aunque el estilo sugiere una obra privada, como la que podría haber sido creada para compañeros artistas o amigos, no se sabe de ningún artista negro que trabajara en Múnich durante este periodo. Sin embargo, hay pruebas de la existencia de un modelo negro en Múnich a finales del siglo XIX. El hombre que aparece aquí es probablemente este modelo. Slevogt también lo retrató ocasionalmente en bocetos de desnudos, y podría haber captado aquí la imagen confiada y segura de sí mismo del hombre que hay detrás del modelo. Sólo podemos imaginar para qué fue creado el retrato. ¿Se trata de un estudio íntimo para uso personal, de un posible regalo o de un pago por ejercer de modelo? Queremos dar las gracias a la Dra. Karoline Feulner y a la Dra. Eva Brachert, del GDKE/Landesmuseum Mainz/Centro de Investigación Max Slevogt, por confirmar la autenticidad del cuadro. El retrato se incluirá en el próximo catálogo razonado de los óleos de Max Slevogt. Procedencia: Bassenge, Berlín 30.11.2019, lote 8305; colección privada, Sarre.

Valorac. 20 000 - 30 000 EUR

Lote 523 - Jean-Gabriel Domergue - Jean-Gabriel Domergue (1889 Burdeos - París 1962) - Elégante venitienne à la cigarette, la Princesse Ruspoli. Óleo sobre lienzo. 1918. aprox. 65 x 54 cm. Firmado y fechado abajo a la derecha. - Retrato coqueto de la princesa Ruspoli - La pasión de Domergue por el retrato es evidente en esta obra - Domergue encontró más tarde una clientela adinerada para sus retratos de mujeres en Cannes Jean-Gabriel Domergue, que ya disfrutaba dibujando de niño, fue a la escuela en Burdeos y París antes de estudiar en la Academia de Bellas Artes de París. Obtuvo el Premio de Roma en 1911 y en sus primeros años recibió la influencia del pintor Giovanni Boldini, un retratista muy solicitado en su época. La pasión de Domergue era el retrato, al que se dedicó principalmente en la década de 1920. Afirmaba ser el "inventor de la pin-up", lo que el espectador puede comprender fácilmente. Domergue posa a las damas de sociedad. En este caso se trata de la segura de sí misma princesa Francesca Ruspoli (1920-1962), que también fue retratada por otros artistas como Leonor Fini (Colección Peggy Guggeheim). Con un vestido oscuro y opulento, sombrero, velo y un cigarrillo en la mano derecha, la princesa está sentada frente al espectador en posición girada, con la parte superior del cuerpo ligeramente al descubierto. Domergue, que trabajó como cartelista, también diseñó moda para Paul Poiret, entre otros. En 1938, diseñó un cartel para el perfume Féerie de Rigaud. De 1936 a 1938, fue miembro del jurado del concurso Miss Francia. A lo largo de su vida, es fácil ver a quién favoreció. Sus cuadros de bellas damas llamaban la atención en la época -como hoy- sobre todo por su coquetería. Vivió con su esposa, la escultora Odette Maugendre-Villers (1884-1973), en parte en Cannes, donde aún hoy puede visitarse su villa. Muchas celebridades frecuentaron la villa, entre ellas Gina Lollobrigida y Brigitte Bardot. Con una etiqueta de Lefranc et Cie, París, en el reverso del bastidor. Con peritaje fotográfico de Noé Willer, París, fechado el 8 de julio de 2013. La obra se incluirá en el catálogo razonado actualmente en preparación y está registrada en el archivo del artista con el nº I 3849-1307-6-12-NW de Noé Willer. Procedencia: Colección privada, Francia; Sotheby's, Londres 20 de junio de 2013, lote 467; Colección privada, Hesse.

Valorac. 20 000 - 25 000 EUR

Lote 526 - Emil Nolde - Emil Nolde (1867 Nolde - Seebüll 1956) – Im Wirthaus (Cospeda). Aquarell auf cremefarbenem Velin. (1908). Ca. 36 x 49 cm. Signiert unten rechts. • 1908 im Wirtshaus „Grüner Baum zur Nachtigall“ in Cospeda bei Jena entstanden • Nolde skizziert mit schnellen, lockeren Pinselstrichen das bunte, abendliche Leben in der Wirtsstube • Stimmungsvolle, großformatige Skizze Das Aquarell entsteht im März 1908 in Cospeda, einem Dorf oberhalb von Jena, wo sich Nolde längere Zeit in dem Wirtshaus „Grüner Baum zur Nachtigall“ eingemietet hatte. Schon Napoleon hatte dort übernachtet. Nolde entdeckt die Aquarellmalerei mit einer Folge von Landschaftsaquarellen, die er zum Teil draußen bei Eis und Schnee malt und bei denen Eiskristalle und Schneeflocken besondere Strukturen in der Malerei hinterlassen. Nolde sucht im Schaffensvorgang die „Mitarbeit der Natur“, wie er es bezeichnete. „Abends saßen mir als Modelle, es nicht wissend, die Bauern und Lastwagenfahrer“, schreibt er im zweiten Band seiner Autobiografie „Jahre der Kämpfe“. Er malt und zeichnet als rasche, unmittelbare Skizzen das ihn umgebende, bunte Leben in der Wirtshausstube, zechende, kartenspielende und erregte debattierende Landleute. Im vorliegenden Aquarell trägt er die Farbe unmittelbar ohne Vorzeichnung,mit breiten Pinselstrichen auf. Mit einer Fotoexpertise von Professor Dr. Manfred Reuther, Klockries, vom 28. November 2023. Literatur: Sabarsky, Serge, Zeichnungen und Aquarelle des deutschen Expressionismus, Stuttgart 1990, mit farb. Abb. Ausstellung: Emil Nolde. Aquarell aus den Jahren 1894-1956, Frankfurter Kunstverein, 1967, Kat.-Nr. 3; Watercolors and Drawing, Serge Sabarsky Gallery, New York 1969; Expressionists, Serge Sabarsky Gallery, New York 1980, Kat.-NR. 11; Expressionst Drawings and Watercolors, Serge Sabarsky Gallery, New York 1980, Kat.-Nr. 15; Expressionisten: Zeichnungen, Aquarelle, Druckgraphik, Galerie Ilse Schweinsteiger, München 1981, Kat.-Nr. 82; Emil Nolde (1867-1956), Serge Sabarsky Gallery, New York 1981, Kat.-Nr. 3; Expressionists: Paintings, watercolors and drawings by 12 German Expressionists, Serge Sabarsky Gallery, New York 1984, Kat.-NR. 69; Zeichnungen und Aquarelle des deutschen Expressionismus, Städtische Galerie, Bietigheim-Bissingen u.a. 1990/91; Emil Nolde: Aquarelle und Graphik, Internationales Kulturzentrum Egon Schiele, Ceský Krumlov u.a. 1995/96, S. 26f.; Emil Nolde: Aquarelle und Graphik, Städtische Galerie Jesuitenkirche, Aschaffenburg u.a., 1998, S 14f., mit farb.Abb. Provenienz: Sammlung Jeanny und Walter Bick, Richmond Hill/Ontario, Kanada, seit 1969; Sammlung/Nachlass Serge Sabarsky, New York, 1988 bei Vorgenanntem erworben; Sammlung/Stiftung Vally Sabarsky, New York.

Valorac. 25 000 - 30 000 EUR

Lote 527 - Lyonel Feininger - Lyonel Feininger (1871 - Nueva York - 1956) - Discusión en la mesa de la cerveza. Lápiz de color y lápiz sobre papel de cuaderno tenuemente cuadriculado. (19)08. Aprox. 10 x 15 cm. Fechado abajo a la derecha "10 ABR 08". Tras su primera estancia de siete meses en París en 1892/93, Lyonel Feininger volvió al Sena en julio de 1906. Esta vez se quedó más tiempo. Junto con su futura esposa Julia y su hijo Andreas, nacido en diciembre de 1906, vive en París hasta octubre de 1908. Estudió en el estudio Colarossi y a menudo pasaba tiempo en el famoso bar de artistas Café du Dôme, en el Boulevard du Montparnasse, lugar de encuentro de estudiantes de Matisse predominantemente alemanes, como Oskar Moll, Hans Purrmann y Rudolf Grossmann. Feininger podría haberse sentado aquí en abril de 1908 y haber registrado en su cuaderno de bocetos esta animada conversación entre tres personas tomando una cerveza. Achim Moeller, director gerente del Lyonel Feininger Project LLC, Nueva York - Berlín, ha confirmado la autenticidad de esta obra, que está registrada en el archivo del Lyonel Feininger Project con el número 1320-03-11-15. Con una pericia fotográfica fechada el 11 de marzo de 2015. Bibliografía: Deuchler, Florens, Lyonel Feininger. Sein Weg zum Bauhaus-Meister, Leipzig 1996, nº 32, p. 25, con ilustraciones en b/n. Exposición: Feininger en París: Lyonel Feininger. Die Pariser Zeichnungen von 1892 bis 1911, Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg 1992, cat. nº 56, p. 98, con ill. 119. Procedencia: Colección privada, Nueva York; Karl & Faber, 12 de junio de 2015, lote 672; Colección privada, Múnich.

Valorac. 3 000 - 3 500 EUR

Lote 534 - Maurice Utrillo - Maurice Utrillo (1883 París - Dax 1955) - Rue à Montmartre. Aguada y acuarela sobre papel verjurado, colocado sobre cartulina en el borde. 1926. aprox. 48,5 x 60 cm. Firmado, fechado e inscrito "Janvier" abajo a la izquierda, con dedicatoria a Henri Massart abajo a la derecha. - Utrillo no representa las magníficas calles y monumentos de París, sino casas sencillas y sinuosas callejuelas - La combinación de fachadas de casas y figurines recuerda los decorados teatrales - Colores frescos con luminosos tonos azules y rojos Utrillo comenzó a pintar paisajes urbanos muy joven. Dedicó su agitada vida a pintar su querido barrio de Montmartre, las sinuosas y estrechas calles que se habían convertido en el centro artístico más importante de París a principios del siglo XIX. A lo largo de su carrera, Utrillo pintó repetidamente las calles de Montmartre desde distintos ángulos y con gran detalle, situando en raras ocasiones monumentos y edificios importantes en el centro de la escena. Combina la composición ordenada de las fachadas de las casas y las hileras de ventanas con un efecto espacial simplificado, a menudo plano, que recuerda los decorados teatrales. Los paseantes son en su mayoría figuras esquemáticas de espaldas. Aparecen repetidamente en sus cuadros como personal, como en nuestro cuadro, donde animan el paisaje invernal. Con una pericia fotográfica de Gilbert Pétridès, París, fechada el 22.3.1989. La pericia lleva el número 20.697. Con otra pericia fotográfica de Jean Fabris y Cédric Paillier, Pierrefitte-sur-Seine, fechada el 18.2.2013. La pericia lleva el número 5434. Exposición: Maîtres Impressionistes et Modernes, Galerie Daniel Malingue, París 1986, cat. nº 16; Town & County: In Pursuit of Life's Pleasure, Nassau County Museum of Art, Roslyn, Nueva York 1996, etiquetado en el verso del marco ; Long Island Collections, Nassau County Museum of Art, Roslyn, Nueva York 2002, etiquetado en el verso del marco . Procedencia: Henri Massart; Galerie Daniel Malingue, París; Soufer Gallery, Nueva York 1989; Sotheby's, Nueva York 10.5.1989, lote 235; colección privada, Nueva York, desde 2014.

Valorac. 35 000 - 45 000 EUR

Lote 545 - Erich Heckel - Erich Heckel (1883 Döbeln/Sajonia - Radolfzell 1970) - "Mujer y niño". Tiza sobre papel verjurado color gamuza. (19)12. Aprox. 38 x 47 cm. Firmado, fechado y titulado abajo a la derecha. Agradecemos a Renate Ebner, Estate of Erich Heckel, Hemmenhofen, su amable ayuda en la catalogación de esta obra. La acuarela está registrada en el archivo de la finca. Bibliografía: Sabarsky, Serge. Zeichnungen und Aquarelle des deutschen Expressionismus, Stuttgart 1990, con col. Illus. Illus. Exposición: Erich Heckel, pinturas, acuarelas, dibujos, Galerie Wolfgang Ketterer, Munich a.o. 1966, cat. nº 33; Erich Heckel pinturas, acuarelas, dibujos, grabados, Galleria Henze, Campione/Lugano 1979, cat. nº 63; Expresionistas, Serge Sabarsky Gallery, Nueva York 1979, cat. nº 63.nº 63; Expresionistas, Serge Sabarsky Gallery, Nueva York 1980, cat. nº 18; Dibujos y acuarelas expresionistas, Serge Sabarsky Gallery, Nueva York 1980, cat. nº 19; An Exhibition of Works by Erich Heckel, Serge Sabarsky Gallery, Nueva York 1981, cat.No. 1; Expresionistas 2: Acuarelas, dibujos, óleos, Galerie Ilse Schweinsteiger, Múnich 1982, Cat. No. 43; Expresionistas alemanes, Serge Sabarsky Gallery, Nueva York 1986, Cat.No. 14; Zeichnungen und Aquarelle des deutschen Expressionismus, Städtische Galerie/Jahrhunderthalle Hoechst, Bietigheim-Bissingen/Hoechst/Frankfurt/Main, 1990/91; Erich Heckel Die frühen Jahre-Zeichnungen, Aquarelle, Graphik, Städtische Galerie, Bietigheim-Bissingen u.a. 1995, p. 37. Procedencia: Roman Norbert Ketterer, adquirida directamente al artista en 1965/66; Galerie Henze und Ketterer, Campione y Wichtrach, hasta 1980; Serge Sabarsky Collection/Asset, Nueva York, adquirida a los anteriores en 1980; Vally Sabarsky Collection/Foundation, Nueva York.

Valorac. 12 000 - 15 000 EUR

Lote 546 - Oskar Kokoschka - Oskar Kokoschka (1886 Pöchlarn - Montreux 1980) - Mujer sentada, con las manos en alto. Tiza sobre papel de estraza. (1913). Aprox. 31,5 cm x 36,5 cm. Monograma abajo a la derecha. - Típico dibujo de Kokoschka de los comienzos de su carrera internacional - El estudio de la figura muestra similitudes con los dibujos de Egon Schiele, que recibió influencias de Kokoschka - Dibujado con un trazo rápido y seguro Tras estudiar en la Escuela de Artes y Oficios de Viena y trabajar en la Wiener Werkstätte, comenzó la carrera internacional de Kokoschka. La presente obra está estilísticamente vinculada a sus primeros dibujos de desnudos, cuya geometrización inspiró a Egon Schiele. Como amigos íntimos, los dos artistas cultivaron una intensa relación artística. La modelo femenina representada puede reconocerse en toda una serie de bocetos de figuras de 1913. Los rasgos típicos son el pelo rizado con flequillo, la nariz larga y estrecha y la llamativa barbilla. Kokoschka dibuja la figura sentada con trazos rápidos y seguros. Weidinger/Strobl 609. Bibliografía: Sabarsky, Serge (ed.), Oskar Kokoschka. Dessins et aquarelles 1906-1924, Milán et al. 1984-1986, cat. nº 44, con col. Illus. Illus. p. 79 resp. cat. nº 23, p. 50, con col. illus. p. 51. Exposición: Oskar Kokoschka. Los primeros años. Zeichnungen und Aquarelle ausgewählt von Serge Sabarsky, Historisches Museum der Stadt Wien u.a., 1982/83, cat. nº 50, con illus. p. 60; Gustav Klimt, Oskar Kokoschka, Egon Schiele. Dessins et Aquarelles, Salle Saint-Jean, Hôtel de Ville, París a.o. 1984/85, cat. nº 45, con ilustraciones, en parte w. col., p. 72; Oskar Kokoschka, Gustav Klimt, Egon Schiele. p. 72; Oskar Kokoschka. Dipinti e disegni, Palazzo Medici-Riccardi, Florencia / Palazzo del Turismo, Riccione 1987, cat. no. 41; Oskar Kokoschka. 1886-1980, Museu Picasso, Barcelona 1988, cat. nº 87; Kokoschka. The Early Years, Josef Albers Museum/Quadrat Bottrop et al. 1988-1995, cat. n.º 35, con col.: Kokoschka. Gustav Klimt. 1862-1918, Nassau County Museum of Art, Roslyn 1989; Ernst Ludwig Kirchner, Paul Klee & Oskar Kokoschka. Acuarelas y dibujos, Tel Aviv Museum of Art, 1993/94; Klimt - Schiele - Kokoschka, Musée des Beaux-Arts de Rouen, 1995; Klimt Kokoschka Schiele, Mezinárondní kulturní centrum Egona Schieleho, Ceský Krumlov 1996/97, cat. nº 43; Oskar Kokoschka. Viden - Praha. Olejomalby, Akvarely, Kresby, Mezinárodní kulturní centrum Egona Schieleho, Ceský Krumlov 1997; Kunstforeningen, Copenhague 2002; Städtische Museen Heilbronn, 2006. Procedencia: Serge Sabarsky Collection/Asset, Nueva York, desde 1984; Vally Sabarsky Collection/Foundation, Nueva York.

Valorac. 20 000 - 30 000 EUR

Lote 547 - Emil Nolde - Emil Nolde (1867 Nolde - Seebüll 1956) – Kopf eines Apostels mit Bart und geschlossenen Augen (en face) Aquarell und Tusche und Feder auf dünnem Velin (mit Wz. „JOYNSON`S“). (Um 1909). Ca. 27 x 31 cm. Signiert unten rechts. Mit einer Fotoexpertise von Professor Dr. Manfred Reuther, Klockries, vom 28. November 2023. Prof. Reuther schreibt zu diesem Werk: „Das Aquarell ist nicht 1912 entstanden, wie bisher in der Literatur angegeben, sondern im Sommer 1909 während Noldes Aufenthalt im Fischerdorf Ruttebüll, als er nach einer Vergiftung durch schlechtes Wasser seine ersten religiösen Gemälde wie "Abendmahl" oder "Pfingsten" gleichsam in einem ekstatischen Rausch zu malen begann. Daneben entstand eine Folge von Aquarellen mit Apostelköpfen, die teilweise Eingang in diese Bildwerke fanden. Nolde berichtet darüber ausführlich im zweiten Band seiner Autobiografie "Jahre der Kämpfe". Literatur: Von Hassel, Christa, Ausgewählte Werke von Emil Nolde, in: Die Welt, November 1981, mit s/w Abb. Ausstellung: Expressionisten, Serge Sabarsky Gallery, New York 1980, Kat.-Nr. 12; Emil Nolde (1867-1956), Serge Sabarsky Gallery, New York 1981, Kat.-Nr. 11; Expressionisten 2: Aquarelle, Zeichnungen, Ölbilder, Galerie Ilse Schweinsteiger, München 1982, Kat.-Nr. 62; Emil Nolde (1867-1956), Serge Sabarsky Gallery, New York 1984, Kat.-Nr. 4; Nolde, Serge Sabarsky Gallery, New York 1984, Kat.-Nr. 4; Expressionisten: Gemälde, Aquarelle und Zeichnungen von 12 deutschen Expressionisten, Serge Sabarsky Gallery, New York 1984, Kat.-Nr. 70, mit farb. Abb. S. 145; Emil Nolde works from American Collections, Palmer Museum of Art, Penn State University, University Park, PA 1988, Kat.-Nr. 18, S. 14, S. 24, mit farb. Abb. S. 24; Emil Nolde: Aquarelle und Graphik, Internationales Kulturzentrum Egon Schiele, Ceský Krumlov u.a. 1994/95, S. 32f.; Emil Nolde: Aquarelle und Graphik, Städtische Galerie Jesuitenkirche, Aschaffenburg, u.a. 1998, S. 20f., mit farb. Abb. Provenienz: Galerie Nierendorf, Berlin; Sammlung/Nachlass Serge Sabarsky, New York, 1980 bei Vorgenannter erworben; Sammlung/Stiftung Vally Sabarsky, New York.

Valorac. 18 000 - 24 000 EUR

Lote 548 - Emil Nolde - Emil Nolde (1867 Nolde - Seebüll 1956) - Cabeza de niño. Acuarela sobre papel fino. Aprox. 28 x 21,5 cm. Firmado abajo a la derecha. - Dibujo de pincel rápido y abocetado - El modelo permanece anónimo y al mismo tiempo está presente - En la célebre colección Serge Sabarsky desde 1990 En esta acuarela, Nolde dibuja la cabeza de un muchacho con gorra de visera, de perfil, con unas pinceladas rápidas y seguras. Este retrato fugaz puede haber sido creado durante la estancia de Nolde en Berlín. El artista escribió sobre sus años allí: "Todas las noches a las once me ponía mis pantalones oscuros y también el frac negro de St. Mi Ada también se ponía su mejor vestido e íbamos a bailes de máscaras, cabarets y al palacio de hielo. Y luego fuimos a bares públicos, donde pálidos como el polvo y oliendo a cadáveres se sentaban impotentes leones de asfalto y agitadas damas demimondaine con sus elegantes y atrevidos vestidos, llevados como por reinas. Y seguimos adentrándonos en la bruma de cigarrillos de los cafés matinales, donde los recién llegados de provincias se sentaban inofensivamente con los callejeros, medio dormidos en el frenesí del champán. Dibujé y dibujé, la luz de los salones, el brillo de la superficie, toda la gente, fuera mala o correcta, fuera de medio mundo o completamente depravada, dibujé este lado malo de la vida con su maquillaje, con su suciedad resbaladiza y su corrupción. Había un montón de caramelos para los ojos por todas partes. Estas personas no eran importantes para mí, venían, bailaban, se sentaban y se volvían a ir, lo que yo conseguía en mi papel sólo me parecía esencial. A veces era húmedo en esta profundidad entre toda la gente despreocupadamente feliz e infeliz. Dibujaba y dibujaba". (Emil Nolde, Jahre der Kämpfe. 1902-1914, Colonia 1967, p. 147 s.). Con peritaje fotográfico del profesor Dr. Manfred Reuther, Klockries, fechado en noviembre de 2023. Exposiciones: Expresionistas 2: Acuarelas, dibujos, óleos, Galerie Ilse Schweinsteiger, Múnich 1982, cat. nº 65; Emil Nolde (1867-1956), Serge Sabarsky Gallery, Nueva York 1984, cat. nº 6; Emil Nolde: Acuarelas y grabados, Centro Cultural Internacional Egon Schiele, Cesky Krumlov y otros 1994-1998. Procedencia: Hirschl & Adler, Nueva York; Karen Dean Bunting Trust, Stillwell/Texas; Galería Serge Sabarsky, Nueva York, adquirida a los anteriores en 1990; Colección/Patrimonio Serge Sabarsky, Nueva York; Colección/Fundación Vally Sabarsky, Nueva York.

Valorac. 20 000 - 30 000 EUR

Lote 549 - Ludwig Meidner - Ludwig Meidner (1884 Bernstadt/Silesia - Darmstadt 1966) - Trinchera. Pluma de caña y pincel y tinta china sobre lápiz sobre papel de estraza firme. 1914. aprox. 39,5 x 49,5 cm. Firmado abajo a la derecha y fechado "Dezember 1914". - Antiguamente Marvin & Janet Fishman Collection, según Artnews una de las 200 colecciones privadas más importantes del mundo - Buscada representación de Meidner de la época de la Primera Guerra Mundial - Estilo de dibujo dinámicamente expresivo En sus visiones apocalípticas de alrededor de 1912, Ludwig Meidner ya preveía los horrores de la Primera Guerra Mundial. Ahora, en plena guerra, visualizó lo que había visto con una técnica de dibujo dinámicamente excitada. Los rápidos trazos de la pluma y la tinta confieren a la composición la proximidad directa que caracteriza la obra del artista. Meidner reduce al absurdo las fantasías heroicas de los campos de batalla del siglo XIX al concentrarse en los hechos reales y visualizar la experiencia cruelmente poco heroica. Para muchos artistas de la época, la experiencia personal de la guerra era una vivencia atormentadora que sólo se procesaba en los años posteriores. Meidner trata la guerra de forma inmediata y con parcialidad hacia la sufriente criatura humana y crea así documentos auténticos de un insulto a toda civilización. Agradecemos a Erik Riedel, Ludwig Meidner-Archiv im Jüdischen Museum, Fráncfort del Meno, su amable asesoramiento en la catalogación de esta obra. Exposición: Die letzten Tage der Menschheit - Bilder des 1. Weltkrieges, Altes Museum, Berlín 1994, p. 492 nº II/37, con ilustraciones en b/n. Procedencia: Colección Marvin & Janet Fishman, Milwaukee/EE.UU.; Karl & Faber, subasta especial Marvin & Janet Fishman, 28 oct. 2010, lote 58; Ketterer, Múnich 10 dic. 2011, lote 39; colección privada, Austria. Ketterer, Múnich 7 dic. 2019, lote 529, adquirido allí por el actual propietario.

Valorac. 20 000 - 25 000 EUR

Lote 554 - Otto Dix - Otto Dix (1891 Untermhaus cerca de Gera - Singen 1969) - Escalera al refugio. Pincel y tinta china sobre lápiz sobre papel de dibujo marrón liso. (19)18. Aprox. 39,5 x 38 cm. Firmado y fechado arriba a la izquierda. Otto Dix documentó los años de la Primera Guerra Mundial, caracterizados por la muerte, el miedo y una terrible miseria, más artísticamente que casi ningún otro artista. Su visión racional e incondicionalmente realista refleja los horrores de una manera sin adornos ni filtros. Las láminas de tinta de gran formato que Dix pintó en el último año de la guerra muestran escenarios conmovedores que están en gran medida libres de cualquier representacionismo. Representa la dolorosa realidad de la guerra sin adornos, de forma casi abstracta, y la estiliza en una atmósfera surrealista de fin del mundo, con una sombría visión del fin de los tiempos. Inscripción desconocida "Männer auf der Treppe" en el reverso. Lorenz WK 7.0.3. Bibliografía: Conzelmann, Otto, Otto Dix. Handzeichnungen, Hannover 1968, nº 48, con ilustraciones en blanco y negro; Kinkel, Hans, Otto Dix. Protocolos del infierno. Zeichnungen, Frankfurt/Main y otros 1968, con ilustraciones en blanco y negro. 50; Conzelmann, Otto, Der andere Dix. Sein Bild vom Menschen und vom Krieg, Stuttgart 1983, con ilustraciones en blanco y negro. 144, p. 101; Jürgens-Kirchhoff, Annegret, Schreckensbilder. Krieg und Kunst im 20. Jahrhundert, Berlín 1993, p. 134; Van Lil, Kira, Otto Dix und der Erste Weltkrieg. Die Natur des Menschen in der Ausnahmesituation, Munich 1999, ill. 287. Exposición: Otto Dix. Handzeichnungen 1912-1961, Kulturamt der Stadt Singen, 1961, cat. nº 21, con ilustraciones en b/n ("Der Schützengraben"); Otto Dix. Pinturas, dibujos a mano. Litografías, 7ª Exposición de Arte del Gran Distrito de Schwenningen a.N., Oficina Municipal de Cultura, Schwenningen 1964, cat. nº 20; Otto Dix. Aquarelle, Zeichnungen, Radierfolge 'Der Krieg', Museum Folkwang, Essen 1971, cat. nº 37, con ilustraciones en b/n; Otto Dix. acquerelli, disegni, incisioni, Deutsche Bibliothek Rom u.a., Roma 1972, probablemente cat. nº 37 (sin ilustraciones). Procedencia: Galerie Kornfeld, Berna, 19 de junio de 1991, lote 362, con ilustraciones en blanco y negro, lámina 23; Galerie Welz, Salzburgo; Ahlers Collection/Adolf Ahlers AG, Herford; Salzburger Landessammlungen, Rupertinum, Salzburgo (préstamo de la colección Ahlers); colección privada, norte de Alemania; Karl & Faber, 12 de junio de 2015, lote 509; colección privada, Múnich.

Valorac. 10 000 - 15 000 EUR

Lote 556 - Otto Dix - Otto Dix (1891 Untermhaus cerca de Gera - Singen 1969) - "La Puta" (acto de amor). Tiza sobre papel tejido amarillento. 1918. ca. 40 x 39 cm. Firmado y fechado abajo a la izquierda. Titulado al dorso. Pequeño sello de aduana en el reverso. Lorenz WK 6.3.18. Bibliografía: Barton, Brigid S., Otto Dix und Die neue Sachlichkeit 1918-1925, Diss, Ann Arbor/Michigan 1981, I.C.8 y I.C. 40; Kinkel, Hans, Otto Dix. Protokolle der Hölle, Zeichnungen, Frankfurt/Main et al. 1968, ill. 52; Drawings by Dix, in: The National Gallery of Canada, Journal nº 4, Ottawa, enero de 1975, nº 19; Exposición: Otto Dix. Zeichnungen und Gouachen 1911-1918, Kunst Kabinett Klihm, Munich 1962, cat. nº 37, con ill.; Otto Dix. Hand drawings, gouaches, etchings from 1911 to 1928, Württembergischer Kunstverein, Stuttgart 1963, cat. nº 37; Early drawings by Otto Dix, Kunstmuseum, Düsseldorf 1966, cat. nº 43; Galerie Dr Ernst Hauswedell, Baden-Baden 1967, cat.nº 15; Galerie Regio, Lörrach, 1968, cat. nº 2, con ilustraciones; Galerie Welz, Salzburgo, s.f.; Otto Dix. acquarelli, disegni, incisioni, Galleria Giulia, Goethe-Institut, Roma 1972, nº 46; Otto Dix. Acuarelas, dibujos, serie de grabados "Der Krieg", Museum Folkwang, Essen y otros 1971/72, cat. nº 46; Otto Dix - Zwischen den Kriegen. Zeichnungen, Aquarelle, Kartons und Druckgrafik 1912-1939, Haus am Waldsee, Berlín/Kunstverein, Hannover 1977, cat. nº 31, con illus. p. 47; Otto Dix. Drawings and Watercolours, Serge Sabarsky Gallery, Nueva York 1978 y 1980, nº de catálogo 2; Internationaler Kunstmarkt, Colonia, octubre de 1979; Works by German Expressionists, Serge Sabarsky Gallery, Nueva York 1983, nº de catálogo 3; An Exhibition of Works by Otto Dix, Serge Sabarsky Gallery, Nueva York 1983/84, nº de catálogo 17; Otto Dix, Villa Croce, Génova y otros 1986/87, nº de catálogo 76 y 87; Otto Dix. Die frühen Jahre, Erholungshaus der Bayer AG, Leverkusen y otros 1989-1999, cat. nº 20 y 27; Otto Dix zum 99. "Kinderwelt und Kinderbildnis", Städtische Galerie Villingen-Schwenningen y otros 1990/91, cat. nº 133. Procedencia: Kunstkabinett/Galerie Klihm, Múnich 1962; Colección/Asset Serge Sabarsky, Nueva York, adquirida a los anteriores en 1980; Colección/Fundación Vally Sabarsky, Nueva York.

Valorac. 15 000 - 20 000 EUR

Lote 558 - Otto Dix - Otto Dix (1891 Untermhaus cerca de Gera - Singen 1969) - Bautzen IV. Tiza y bíster sobre papel de gamuza, tejido fino. (19)15. Aprox. 43 x 38 cm. Firmado y fechado abajo a la izquierda. Titulado "Bautzen" con letra desconocida en el verso. Lorenz WK 5.2.4. Bibliografía: Sabarsky, Serge, Otto Dix, Milán 1986, nº 50, con illus. p. 91; Sabarsky, Serge, Otto Dix, Stuttgart 1987, p. 117, con illus. b/n nº 66. Exposición: Otto Dix. Retrospektiv-Ausstellung anläßlich des 75. Geburtstages, Baukunst Köln, 1966, cat. no. 11; An Exhibition of Works by Otto Dix, Serge Sabarsky Gallery, Nueva York 1983/84, cat. no. 27; Expressionists: Paintings, watercolours and drawings by 12 German Expressionists, Serge Sabarsky Gallery, Nueva York 1984, cat. no. 7; German Expressionists: Paintings, watercolors and drawings by 12 German Expressionists, Serge Sabarsky Gallery, Nueva York 1984, cat. no. 7.No. 7; German Expressionists, Serge Sabarsky Gallery, Nueva York 1986, cat. no. 5; Otto Dix, Villa Croce, Génova y otros 1986/87, cat. no. 50; Otto Dix - Die frühen Jahre, Erholungshaus der Bayer A.G., Leverkusen y otros 1989-1993, cat. no. 10; Zeichnungen und Aquarelle des deutschen Expressionismus, Städtische Galerie Bietigheim-Bissingen y otros, 1990/91; Otto Dix. Los primeros años. Zeichnungen, Aquarelle, Graphik, Museum für Neue Kunst, Friburgo 1995, cat. nº 15. Procedencia: Galerie "Im Erker", St. Gallen, 1961/62; Galerie Brinke & Riemenschneider, Hamburgo, 1971; Galerie Nierendorf, Berlín, 1978 a 1981; colección/fundación Serge Sabarsky, Nueva York, adquirida a la anterior en 1981; colección/fundación Vally Sabarsky, Nueva York.

Valorac. 15 000 - 18 000 EUR

Lote 562 - George Grosz - George Grosz (1893 - Berlín - 1959) - Diseño: La bendición visible de Dios está conmigo. Dibujo a tinta sobre papel de trama firme de color crema. (1922). Aprox. 56,5 x 46 cm. Inscripción "Stille Nacht Heilige Nacht" y "20" abajo a la derecha. Plantilla para la litografía "Gottes sichtbarer Segen ist bei mir" para la carpeta "Die Räuber". Inscripción y fecha desconocidas en el reverso. Bibliografía: Grosz, George, Die Gezeichneten, Berlín 1921, ill. 42; Grosz, George. Love Above All And Other Drawings, Toronto/Londres 1971, con ill. 77; Grosz, George, Ein kleines Ja und ein großes Nein. Sein Leben von ihm erzählt, Hamburgo 1974, p. 36; Hess, Hans, George Grosz, New Haven/London 1974, p. 113, con b/n ill. 103; Whitford, Frank (ed.), The Berlin of George Grosz. Drawings, Watercolours and Prints, 1912-1930, Londres 1997, p. 194, con ilustraciones en blanco y negro. Exposiciones: Dibujos y acuarelas de George Grosz (1893-1959), Serge Sabarsky Gallery, Nueva York 1980, cat. nº 21; George Grosz: Gli anni di Berlino, Palazzo Reale, Milán a.o. 1985-1995, cat. nº 107 y 55; Dibujos y acuarelas del expresionismo alemán, Städtische Galerie Bietigheim-Bissingen a.o., 1990/91; Shepherd W & K Galleries, Nueva York 2023. Procedencia: Estate of George Grosz, Princeton, con el sello (no en Lugt) y la numeración manuscrita "3-19-8"; Martin Grosz, Princeton; colección/estado de Serge Sabarsky, Nueva York, adquirida al anterior en 1979; colección/fundación de Vally Sabarsky, Nueva York.

Valorac. 7 000 - 9 000 EUR

Lote 567 - Erich Heckel - Erich Heckel (1883 Döbeln/Sajonia - Radolfzell 1970) - Dos desnudos en la playa (Sentado y recostado en la playa). Acuarela, gouache y carboncillo sobre papel verjurado hecho a máquina. (19)22. Aprox. 35 x 43 cm. Firmado y fechado abajo a la derecha. Inscripción desconocida en el reverso. Agradecemos a Renate Ebner, Patrimonio de Erich Heckel, Hemmenhofen, su amable ayuda en la catalogación de esta obra. La acuarela está registrada en el archivo de la finca. Exhibition: Expressionists, Serge Sabarsky Gallery, New York 1980, cat.-no. 15; Expressionist Drawings and Watercolours, Serge Sabarsky Gallery, New York 1980, cat.-no. 16; An Exhibition of Works by Erich Heckel, Serge Sabarsky Gallery, New York 1981, cat.-nº 4; Expressionists: Drawings, Watercolours, Prints, Galerie Ilse Schweinsteiger, Múnich 1981, nº 47; German Expressionists, Serge Sabarsky Gallery, Nueva York 1984, nº 6; Expressionists: Paintings, watercolors and drawings by 12 German Expressionists, Serge Sabarsky Gallery, Nueva York 1984, nº 41, con col., p. 86; German Expressionists: Paintings, watercolors and drawings by 12 German Expressionists, Serge Sabarsky Gallery, Nueva York 1980, nº 16; An Exhibition of Erich Heckel, Serge Sabarsky Gallery, Nueva York 1981, cat. p. 86; German Expressionists, Serge Sabarsky Gallery, Nueva York 1986, cat. nº 11; Zeichnungen und Aquarelle des deutschen Expressionismus, Städtische Galerie Bietigheim-Bissingen u.a., 1990/91, con ilustraciones en color. Fig.; Erich Heckel - Die frühen Jahre - Zeichnungen, Aquarelle, Graphik, Städtische Galerie Bietigheim-Bissingen/Stadt Rosenheim, 1995/96, p. 46; The Expressionist Nude, Neue Galerie Museum, Nueva York 2016. Procedencia: Ketterer, Múnich, 1 de mayo de 1968, lote 367; Hauswedell & Nolte, junio de 1975, lote 604; Galerie Nierendorf, Berlín; colección/estado de Serge Sabarsky, Nueva York, adquirida al anterior en 1980; colección/fundación de Vally Sabarsky, Nueva York.

Valorac. 15 000 - 20 000 EUR

Lote 580 - Emil Nolde - Emil Nolde (1867 Nolde - Seebüll 1956) - Paisaje palustre. Acuarela y tinta china sobre papel verjurado Japón. (Hacia 1920/22). Aprox. 35 x 47 cm. Firmado abajo a la derecha. - Esta obra representa el paisaje de los alrededores de Utenwarf, no lejos de Tondern, ciudad natal de Nolde, en la costa occidental de Schleswig - Nolde retoma en sus acuarelas la tradición del paisajismo romántico - El artista representa las marismas con colores luminosos y dramáticos En sus amplios paisajes de las tierras bajas del norte de Schleswig, Nolde enfrenta al espectador a la extensión infinita del cielo y la tierra, retomando así la tradición del paisajismo romántico. Prefiere las líneas de horizonte bajas, en las que el cielo se curva sin fin sobre los campos, o, como en esta acuarela, los horizontes altos, bajo los que el agua y el pantano se extienden a lo largo y ancho. El paso a una estructura abstracta del color sólo lo impiden aquí las escasas formas de edificios que aparecen a lo lejos. En estos paisajes no suele haber personas. El artista se inspira aquí en la idea romántica de la naturaleza desbocada y la insignificancia del ser humano. En su autobiografía, el propio artista habla de su "obra libre, románticamente fantástica". En 1916, Nolde se instaló en una pequeña granja llamada Utenwarf, cerca de Tondern, a orillas del río Wiedau, en la costa occidental de Schleswig. Esta acuarela muestra la vista desde Utenwarf hacia Aventoft, un pueblo rodeado de agua. Nolde describe el paisaje con colores dramáticos: el cielo del atardecer brilla con un color púrpura azulado, la verde marisma está cortada por el amarillo y el azul de los arroyos. Pero a Nolde no sólo le interesaban los colores de este paisaje. Un aguafuerte titulado "Überschwemmung" (Inundación) del mismo año muestra el motivo en blanco y negro (véase Schiefler/Mosel 223). Así pues, Nolde estaba igualmente fascinado por el juego de curvas y líneas del agua y las nubes. En 1926, Nolde abandonó la granja, ya que el paisaje pantanoso que tanto le inspiraba estaba siendo lentamente destruido por el progresivo drenaje y desarrollo de las tierras alrededor de Utenwarf. Con certificado de autenticidad del profesor Dr. Manfred Reuther, Fundación Nolde, Seebüll, fechado el 14 de abril de 2014. Procedencia: Colección privada de Renania del Norte-Westfalia.

Valorac. 50 000 - 60 000 EUR

Lote 584 - Max Oppenheimer (Gen. Mopp) - Max Oppenheimer (Gen. Mopp) (1885 Viena - Nueva York 1954) - Vida cotidiana: Rábanos. Óleo sobre lienzo. (1935). Aprox. 31 x 35 cm. Firmado "MOPP" en el centro a la derecha. - Del grupo de obras "Das tägliche Leben" con naturalezas muertas de pequeño formato del ámbito doméstico - expuestas en la última gran exposición individual de Oppenheimer en Viena en 1935/36 - El género de la naturaleza muerta desempeña un papel importante en la obra de Oppenheimer Max Oppenheimer, nacido en Viena en 1885, está considerado un gran conocedor de la música y uno de los primeros expresionistas de Austria. Expuso muy pronto en su país natal y en los países de habla alemana y cosechó sus primeros éxitos. Junto a Oskar Kokoschka y Egon Schiele, es uno de los representantes más importantes del modernismo austriaco. En marzo de 1932, Max Oppenheimer regresó de Berlín a Viena, ya que las consecuencias de la crisis económica mundial y la inestable situación política, que desembocaría en la toma del poder por Adolf Hitler en 1933, le impedían obtener ingresos como pintor en Alemania. Con motivo de su 50 cumpleaños, la Secesión de Viena le rindió homenaje en el invierno de 1935/36 con una exposición que comprendía un total de 56 obras, 36 de ellas pinturas. Fue su última gran exposición individual, a la que siguieron otras más pequeñas en su exilio en Nueva York y Chicago. Uno de los puntos centrales de la exposición es un grupo de obras de 1934/35, que se muestran aquí por primera vez, tituladas "Vida cotidiana": naturalezas muertas de pequeño formato con temas del ámbito doméstico. El presente cuadro "Rábanos", de 1935, que se muestra con el nº 9, también pertenece a este grupo de obras. Aquí, Oppenheimer intensificó su preocupación por el género de la naturaleza muerta, que ya había desempeñado un papel importante en su obra en la década de 1920. Sin embargo, estilísticamente, desde 1929 se había decantado por una pintura impresionista tardía. Puttkamer 247. Exposición: Exposición colectiva MOPP. CXXXIX exposición de la Asociación de artistas plásticos, Secesión vienesa, Viena 1935/36, cat. nº 9. Procedencia: Austria, probablemente propiedad privada (exportación del cuadro desde Austria antes de abril de 1938, véase sello en el reverso del bastidor: "Zentralstelle für Denkmalschutz im Bundesmin. f. Unterricht"); Kerry Burt. Unterricht"); Kerry Burt, Los Ángeles, hasta 1988; colección/fundación Serge Sabarsky, Nueva York, adquirida a la anterior en 1988; colección/fundación Vally Sabarsky, Nueva York.

Valorac. 20 000 - 30 000 EUR

Lote 586 - Grete Schick - Grete Schick (1906 Fráncfort del Meno - Mühlheim 1981) - Dos jugadoras de pelota. Nogal, encolado. (Probablemente años 30). Aprox. 21,5 x 35 x 25 cm. Grete Schick es una de las artistas de la llamada "generación perdida", que cayó en el olvido tras la Segunda Guerra Mundial y sólo fue redescubierta a partir de los años ochenta. Schick, natural de Fráncfort, estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Essen y luego viajó a Italia y París con una beca. Regresó a Alemania en 1935, pero no pudo afianzarse como escultora debido a las políticas artísticas y culturales nacionalsocialistas, por lo que cesó sus actividades artísticas en la década de 1940. La obra de Schick no se redescubrió hasta después de su muerte. Su legado sólo comprendía una veintena de obras, entre figuras de terracota y esculturas principalmente de madera. La proximidad estilística con Ernst Barlach es inconfundible, pero Grete Schick encontró su propio lenguaje visual, poderoso y expresivo. Esto se aprecia también en la escultura de madera "Dos jugadores de pelota". Las dos figuras, aparentemente fundidas y en forma de bloque, con cabezas de tamaño infantil, están representadas en una postura dinámicamente inclinada jugando a los bolos. La superficie de madera, viva y en gran parte sin alisar, muestra claramente las huellas de la herramienta de tallado. El diseño de Schicks es antipático y, sin embargo, extremadamente expresivo.

Valorac. 3 000 - 3 500 EUR

Lote 588 - Ella Bergmann-Michel - Ella Bergmann-Michel (1895 Paderborn - Neustadt/Schwarzwald 1971) - "Fischlein rot, Fischlein rot, stech dich tot". Tinta china, tinta roja, gouache, acuarela, pintura dorada, lápiz y collage de varios papeles sobre papel de embalar marrón. (19)18. Aprox. 50 x 41 cm. Firmado y fechado abajo a la izquierda (vertical) y con monograma y fecha abajo a la derecha. Junto a su marido Robert Michel, Kurt Schwitters, Willi Baumeister y László Moholy-Nagy, Ella Bergmann-Michel, conocida por sus amigos como EBM para abreviar, fue una de las protagonistas más importantes de la vanguardia y pionera del collage. La pareja de artistas Bergmann/Michel se conoció en 1917 mientras estudiaban en la Universidad de Bellas Artes de Weimar y, a partir de entonces, colaboraron estrechamente durante el resto de sus vidas. Durante un breve periodo trabajaron en la recién fundada Bauhaus, pero pronto se instalaron en el "Schmelz", en el Taunus, un antiguo molino de pintura en el lugar de nacimiento de Michel, al que más tarde llamaron "Heimatmuseum of Modern Art". Se hicieron íntimos amigos de Johannes Mohlzahn y Kurt Schwitters, así como de las fotógrafas Martha Hoepffner e Ilse Bing. Además de su variadísima obra artística, Ella Bergmann-Michel trabajó como artista comercial, fotógrafa y documentalista, y realizó varios diseños de interiores. A mediados de la década de 1920, participó en el movimiento de reforma social "das neue frankfurt", donde dirigió la "Arbeitsgemeinschaft für neuen Film/Liga für unabhängigen Film" junto con Paul Seligmann a partir de 1930. Debido a los acontecimientos políticos de la década de 1930, la pareja de artistas se retiró en gran medida de la escena artística pública. Para mantener a su familia, Robert Michel dirigió una piscifactoría en la Schmelzmühle, mientras Ella Bergmann-Michel se dedicaba a la agricultura y a la cría de ganado menor. La pareja no reanudó sus actividades artísticas hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. Gracias a la exposición "Pioneros del collage", celebrada en Leverkusen en 1963, se redescubrió y dio a conocer la obra de la pareja de artistas Bergmann/Michel. Tras su paso por la academia, en la que realizó numerosos grabados en madera de influencia expresionista, Ella Bergmann-Michel produjo sus primeras obras dada-futuristas a partir de 1917/18, cuadros materiales pegados a partir de objetos encontrados, los llamados assemblages y collages de papel. En estas obras predominan las formas circulares que recuerdan claramente a la mecánica de las ruedas. Esto convierte a EBM en la pionera (hasta hoy poco reconocida) tanto de la técnica del collage Billd como del motivo de la rueda, que sólo se encuentra poco tiempo después en las obras de su marido Robert Michel y de Kurt Schwitters. El motivo del pez que domina este temprano collage "Fischlein rot, Fischlein rot, stech dich tot" de 1918 es un motivo importante y a menudo recurrente en la obra de EBM. También se encuentra, por ejemplo, en el collage "Meine Fische" (Mi pez), del mismo año, y en un linograbado de 1920 (cf. cat. expos. Hannover 1990, cat. nº 53 y 57). Años más tarde, Bergmann-Michel incluso realizó un documental sobre "La pesca en el Rhön" junto con su marido Robert Michel. En el collage "Fischlein rot", EBM combina ilustraciones de peces recortadas y peces dibujados a mano, y además añade su firma con un pequeño pez. La línea de texto "Fischlein rot, Fischlein rot, stech dich tot" añadida al collage hace referencia al libro de artista "Die träumenden Knaben" de Oskar Kokoschka, publicado en 1908. Fritz Waerndorfer, director de los Wiener Werkstätte, había encargado a Kokoschka la ilustración de un libro infantil. En 1917, la editorial Kurt Wolff de Leipzig publicó una segunda edición (con restos de la primera edición del Wiener Werkstätte). Es posible que Ella Bergmann-Michel poseyera un ejemplar de los "Niños soñadores", que le inspiró para crear sus propias obras. Exposición: Ella Bergmann-Michel. Collages, pinturas, acuarelas, dibujos, grabados, fotografías, anuncios, diseños, Sprengel Museum, Hannover 1990, cat. nº 58, con col. illus. p. 41. Procedencia: Abraham L. and Margit Chanin Collection, Nueva York; Karl & Faber, 4 de diciembre de 2001, lote 411; Barry Friedman Collection, Nueva York; Christie's, "Barry Friedman: The eclectic Eye", Nueva York 26 de mayo de 2014, lote 109; colección privada, Múnich.

Valorac. 10 000 - 15 000 EUR

Lote 589 - William Wauer - William Wauer (1866 Oberwiesenthal - Berlín 1962) - "Albert Bassermann". Bronce con pátina marrón dorada. (1918). Altura aprox. 51 cm (superficie de apoyo aprox. 20 x 20 cm). Uno de 7 vaciados numerados en árabe, realizados después de 1945. Firmado y titulado en el borde inferior derecho y frontal. Con la marca de fundición "W. FÜSSEL 1 BERLIN" en el borde inferior trasero. William Wauer es un auténtico multitalento de la cultura que, a lo largo de su vida, se ha dedicado constantemente a nuevas ideas en todos los ámbitos de las artes visuales y escénicas y ha buscado nuevos retos. Nacido como hijo de un pastor en Erzgebirge, estudió primero en las academias de arte de Dresde, Berlín y Múnich, luego se fue a Nueva York y San Francisco, volvió a estudiar tras su regreso, esta vez historia del arte y filosofía en Leipzig, y trabajó como redactor de artículos. Wauer vivió dos años en Roma, volvió a Berlín como redactor e ilustrador para varios periódicos y revistas y trabajó como experto artístico en los departamentos de publicidad de conocidas empresas como Kupferberg, Kathreiner, Stollwerck y Odol. Mientras tanto, vive en Dresde, funda un semanario cultural y escribe críticas teatrales. En 1905, de vuelta en Berlín, se convierte en director del Deutsches Theater bajo la dirección de Max Reinhardt, así como de otros teatros. En 1911, pasa del teatro al cine y, como director -junto con el famoso actor Albert Bassermann-, Wauer desempeña un papel clave en el desarrollo de este medio aún joven. Durante estos años, fuertemente influenciados por el teatro, William Wauer retrató al actor Albert Bassermann en un bronce fuertemente animado. Las distintas partes del rostro están divididas en planos que se unen en bordes casi como rebabas. Los bustos-retrato cubistas-expresionistas de Wauer de Herwarth Walden, su esposa Nell Walden y Albert Bassermann se cuentan entre los iconos de la escultura expresionista actual. El actor Albert Bassermann está considerado uno de los mayores talentos de su época. A partir de 1909, trabajó bajo la dirección de Max Reinhardt en el Deutsches Theater de Berlín y pronto fue célebre como uno de los actores de carácter más importantes de principios del siglo XX. Bassermann fue uno de los primeros actores alemanes en dedicarse al cine. En 1933, el actor abandonó Alemania con su esposa judía y emigró a Estados Unidos en 1939, donde se instaló en Hollywood. Con más de 40 años, aprendió rápidamente inglés y apareció en numerosos papeles cinematográficos a pesar de su fuerte acento. Bassermann fue nominado al Oscar en 1940 por su papel secundario en "Corresponsal extranjero", de Alfred Hitchcock. Véase Laszlo, p. 51. Exposición: From Expressionism to Resistance: Art in Germany 1909-1936. The Marvin and Janet Fishman Collection, Milwaukee Art Museum, Milwaukee et al. 1990-92, cat. nº 174, con ilustraciones en b/n. p. 146. Procedencia: Estate of the artist; Galerie Brockstedt, Hamburgo; Marvin & Janet Fishman Collection, EE.UU.; Karl & Faber, 28 de octubre de 2010, lote 179; colección privada, Europa; colección privada, Múnich.

Valorac. 10 000 - 15 000 EUR

Lote 596 - Pablo Picasso - Pablo Picasso (1881 Málaga - Mougins cerca de Cannes 1973) - Hibou. Lápiz violeta sobre papel de gamuza. (1945-1950). Aprox. 29,5 x 19 cm. Firmado abajo a la izquierda. - El búho es un motivo frecuente en las colecciones de Picasso - El artista capta al animal en un trazo reducido - Obra del periodo inmediatamente posterior a la Segunda Guerra Mundial, cuando Picasso se reorientó El búho es un animal frecuente en las colecciones de Picasso. Mientras que en sus obras la paloma simboliza repetidamente la paz y el minotauro -aunque míticamente- representa la virilidad masculina, Picasso utiliza el búho como signo de sabiduría. Picasso retoma así el lenguaje simbólico de la Antigüedad; la diosa griega Atenea ya indicaba su propia sabiduría con un búho. En la obra que aquí se ofrece, Pablo Picasso reduce el animal a seis trazos: Crea el cuerpo y el pico de un solo trazo; también ejecuta las alas y los ojos con rapidez pero con decisión. No obstante, la maestría del artista permite identificar al animal representado, que está encaramado al borde de un zócalo a la manera de un antiguo maestro, mirando fuera del cuadro. El dibujo fue creado entre 1945 y 1950, cuando Picasso vivía en el sur de Francia y producía ingentes cantidades de obras: moldeaba y pintaba cerámica, imprimía en casi todos los soportes disponibles, declinaba y citaba su propio mundo pictórico y el de la historia del arte occidental. Este enorme impulso creativo va acompañado de una inquietud en la que busca todo lo que está a su alcance. El búho también da testimonio de ello: Picasso lo plasmó en la portada del libro que le dedicó Paul Eluard y que está en posesión de Cécile Eluard. Sigue sin estar claro cuándo se retiró esta hoja del libro, pero el ribete dorado del borde superior de la hoja atestigua las circunstancias de su creación y vincula al búho no sólo con el profundo conocimiento que Picasso tenía de la historia cultural, sino también, como testimonio contemporáneo, con las circunstancias personales de su vida. Con peritaje de Claude Ruiz Picasso fechado el 11.10.2022.

Valorac. 40 000 - 50 000 EUR