DROUOT

Peter van Os Antigüedades y Bellas Artes

Peter van Os Antiques & Fine Art - +31 (0) 6 53 10 65 41 - Email

5688 AJ Oirschot, Países Bajos
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39 Resultados

23908 - Tolla Inbar (Germany 1958) - ACUMULAR CONOCIMIENTOS ▫️ Bronce con libros de bronce patinado marrón dorado ▫️ 236,5 x 50 x 68 cm ▫️ Alemania, 2005 ▫️ Firmado ▫️ Colección privada Bélgica ▫️ Excelente estado SOBRE LA OBRA Fundición original en bronce, técnica de la cera perdida. Esta escultura de bronce de tamaño superior al natural aborda un tema explosivo a escala mundial, la educación: "Acumular conocimientos". La escultura se diseñó en 2001 y se fundió en 2005. Cera perdida La cera perdida es una técnica utilizada para fundir una escultura de bronce. El nombre "cire perdue" significa literalmente "cera perdida" en francés. En primer lugar, el artista fabrica un modelo de cera, normalmente cera de modelar o cera de colar. El modelo está provisto de canales de colado para permitir que el metal fluya y canales de aire para permitir que el aire escape. A continuación, el modelo se recubre con una capa de cerámica que se endurece al secarse. El molde de cerámica se calienta en un horno para fundir y quemar la cera. A continuación, el molde se rellena con bronce fundido, que se enfría y solidifica para adoptar la forma del modelo. A continuación, el molde de cerámica se tritura o se muele para revelar la escultura de bronce. La escultura se termina cortando los canales de fundición, limpiando la superficie y, si es necesario, dándole una pátina. Esta técnica se utiliza desde la Edad de Bronce para fabricar joyas, obras de arte y otras formas complejas. Adquirir conocimientos Según el artista, cada libro que se lee apila el conocimiento en un pilar, motivando a la gente a buscar cada vez más información. La escultura simboliza la búsqueda del conocimiento y la curiosidad que la impulsa. Los libros representan la sabiduría acumulada de la humanidad. De acuerdo con esta idea, el artista representa aquí una figura humana sentada sobre una torre de libros apilados, con otro gran libro abierto en las manos elevado hacia el cielo. La escultura también refleja la experiencia personal del artista de aprender y explorar diferentes culturas y disciplinas. Cita del artista sobre la obra "Acumulando conocimientos": La literatura fomenta la sabiduría y la mejora de las condiciones universales. Leer un libro tras otro acumula conocimientos, lo que motiva la búsqueda constante de más información. INFORME DE EXPERTOS La obra de arte es objeto de un informe pericial fechado el 31 de julio de 2005. Ha sido investigada e informada por Frederic Got, Galerie Castiglione, París. SOBRE EL ARTISTA Tolla Inbar es una escultora israelí contemporánea nacida en Alemania, donde vive desde 1985. Es conocida por sus expresivas figuras de bronce que exploran temas como las relaciones humanas, las emociones y la espiritualidad. Educación Tras estudiar en Stuttgart, donde se especializó en cerámica y escultura, emigró a Israel. Mientras perseguía apasionadamente su interés por el arte y participaba en exposiciones colectivas e individuales en Israel y Europa, Tolla se licenció en psicología y sociología en la Universidad de Tel Aviv. Sus estudios influyeron mucho en su expresión creativa. Regresó a la Universidad de Tel Aviv para estudiar arte moderno y aprender de las tradiciones de quienes la precedieron. La inspiración Sus obras se inspiran a menudo en sus propias experiencias vitales, como su infancia en un kibbutz, donde aprendió a apreciar la naturaleza y la comunidad, sus viajes por todo el mundo, donde conoció diferentes culturas y religiones, y sus retos personales, como la pérdida de su padre y su hermano. El estilo A lo largo de su carrera, la obra de Tolla ha evolucionado del realismo y la figuración a formas más expresivas y semiabstractas. Utilizando el antiguo método de fundición en bronce, la obra de Tolla encarna cuestiones universales sobre las razones de la vida y la complejidad del universo. La sugerencia de movimiento está muy presente en estas obras inanimadas. Tolla cree en un camino individual que todos debemos recorrer para alcanzar nuestra meta espiritual. El alma, cree, es un reflejo del universo y motiva nuestro impulso interior. Para expresar esta idea, Tolla utiliza la metáfora de la escalada sobre diversos apoyos externos. Las "almas" de estas esculturas utilizan escaleras, escalas y cuerdas para hacer realidad sus ambiciones y aspiraciones. Desde 1995, Tolla trabaja con su estilo naturalista único, combinando madera, metal, vidrio y bronce para crear modelos y esculturas monumentales que han hecho las delicias de coleccionistas privados y profesionales.

38.000 EUR

- Kitagawa Utamaro - Attr. a Kitagawa Utamaro (1753- Edo/Tokio - 1806) GRABADO JAPONÉS EN MADERA SHUNGA ▫️ Grabado en madera sobre papel ▫️ 20,5 x 25,5 cm ▫️ Publicado 1822-1823, Edo/Tokio ▫️ Sin firmar, atribuido a Kitagawa Utamaro ▫️ Colección privada Países Bajos ▫️ Buen estado _______________________ SOBRE EL OBJETO Shunga Los grabados japoneses shunga son una forma de arte única y hermosa que forma parte de la cultura japonesa desde hace siglos. Estas obras de arte representan escenas sexuales explícitas en las que a menudo participan parejas heterosexuales y homosexuales. Los shunga, que se traducen literalmente como "imágenes de la primavera", se produjeron durante el periodo Edo (1603-1868) y eran populares entre todas las clases sociales. - Grabado en madera Los grabados shunga se hacían a partir de bloques de madera en los que se grababan diseños que luego se entintaban y prensaban sobre papel. Los grabados suelen tener colores brillantes e imágenes detalladas, lo que los convierte en una forma de arte popular. Muchos grabados representaban escenas sexuales, con parejas practicando diversas actividades sexuales. Las escenas representadas en los shunga solían ser humorísticas, y los grabados solían representar a hombres y mujeres de todas las clases sociales. - Un arte controvertido La popularidad de las xilografías shunga no ha estado exenta de polémica. En 1842, el gobierno japonés prohibió la producción de shunga, pero esto no impidió que los grabados siguieran produciéndose y vendiéndose. A pesar de la prohibición, el shunga siguió siendo popular y continuó produciéndose durante todo el periodo Edo. - Objetos de colección Hoy en día, los grabados shunga son muy buscados y apreciados. _______________________ SOBRE EL ARTISTA Utamaro Kitagawa (1753- Edo/Tokio - 1806) fue un destacado artista en el campo del grabado y la pintura, siendo su tema favorito las bijin, mujeres hermosas. Su nombre original era Ichitaro Kitagawa. Las primeras obras que realizó tras estudiar con un artista de renombre fueron una serie de xilografías que representaban escenas del teatro Kabuki, que publicó con el nombre de Utagawa Toyoaki. Sus obras posteriores muestran que cada vez idealizaba más la imagen de la mujer. Experimentó con nuevas técnicas para representar los colores del cuerpo femenino de una forma particular. El resultado era una representación un tanto artificial. Físicamente, retrata a las mujeres como figuras extremadamente altas y delgadas, con cabezas totalmente desproporcionadas, narices largas y bocas pequeñas, cuellos largos y hombros estrechos. Las mujeres parecen más bien modelos contemporáneas. - Shunga En aquella época, ir a un burdel se consideraba un símbolo de estatus. Debido a su éxito, este artista acudía allí con regularidad, inspirado por las imágenes de los grabados shunga. En estos lugares también conoció a otros artistas. La calidad de las obras se debía en parte a la tensión competitiva entre los artistas del shunga. - Museos Se exponen obras de Utamaro Kitagawa en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York y el Britis Museum de Londres, entre otros. Del 27 de enero al 23 de abril de 2023 se expondrán obras de este artista.

1.500 EUR

- Kitagawa Utamaro - Attr. a Kitagawa Utamaro (1753- Edo/Tokio - 1806) GRABADO JAPONÉS EN MADERA SHUNGA ▫️ Grabado en madera sobre papel ▫️ 20,5 x 25,5 cm ▫️ Publicado 1822-1823, Edo/Tokio ▫️ Sin firmar, atribuido a Kitagawa Utamaro ▫️ Colección privada Países Bajos ▫️ Buen estado _______________________ SOBRE EL OBJETO Shunga Los grabados japoneses shunga son una forma de arte única y hermosa que forma parte de la cultura japonesa desde hace siglos. Estas obras de arte representan escenas sexuales explícitas en las que a menudo participan parejas heterosexuales y homosexuales. Los shunga, que se traducen literalmente como "imágenes de la primavera", se produjeron durante el periodo Edo (1603-1868) y eran populares entre todas las clases sociales. - Grabado en madera Los grabados shunga se hacían a partir de bloques de madera en los que se grababan diseños que luego se entintaban y prensaban sobre papel. Los grabados suelen tener colores brillantes e imágenes detalladas, lo que los convierte en una forma de arte popular. Muchos grabados representaban escenas sexuales, con parejas practicando diversas actividades sexuales. Las escenas representadas en los shunga solían ser humorísticas, y los grabados solían representar a hombres y mujeres de todas las clases sociales. - Un arte controvertido La popularidad de las xilografías shunga no ha estado exenta de polémica. En 1842, el gobierno japonés prohibió la producción de shunga, pero esto no impidió que los grabados siguieran produciéndose y vendiéndose. A pesar de la prohibición, el shunga siguió siendo popular y continuó produciéndose durante todo el periodo Edo. - Objetos de colección Hoy en día, los grabados shunga son muy buscados y apreciados. _______________________ SOBRE EL ARTISTA Utamaro Kitagawa (1753- Edo/Tokio - 1806) fue un destacado artista en el campo del grabado y la pintura, siendo su tema favorito las bijin, mujeres hermosas. Su nombre original era Ichitaro Kitagawa. Las primeras obras que realizó tras estudiar con un artista de renombre fueron una serie de xilografías que representaban escenas del teatro Kabuki, que publicó con el nombre de Utagawa Toyoaki. Sus obras posteriores muestran que cada vez idealizaba más la imagen de la mujer. Experimentó con nuevas técnicas para representar los colores del cuerpo femenino de una forma particular. El resultado era una representación un tanto artificial. Físicamente, retrata a las mujeres como figuras extremadamente altas y delgadas, con cabezas totalmente desproporcionadas, narices largas y bocas pequeñas, cuellos largos y hombros estrechos. Las mujeres parecen más bien modelos contemporáneas. - Shunga En aquella época, ir a un burdel se consideraba un símbolo de estatus. Debido a su éxito, este artista acudía allí con regularidad, inspirado por las imágenes de los grabados shunga. En estos lugares también conoció a otros artistas. La calidad de las obras se debía en parte a la tensión competitiva entre los artistas del shunga. - Museos Se exponen obras de Utamaro Kitagawa en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York y el Britis Museum de Londres, entre otros. Del 27 de enero al 23 de abril de 2023 se expondrán obras de este artista.

1.350 EUR

- Mesa Scagliola con base ▫️ Scagliola sobre mármol negro ▫️ Sobre: Ø 80 cm ▫️ Base: altura 47 x Ø 80 cm ▫️ 2014, Italia ▫️ Perfecto estado _______________________ SOBRE EL OBJETO Artesanía excepcional La fabricación de la scagliola hoy en día es la misma técnica utilizada por los artesanos hace siglos. Los materiales y las herramientas son básicamente los mismos, a excepción de algunas actualizaciones esenciales, como el uso de papel de lija en lugar de plumas. El término scagliola hace referencia a una variedad de yeso que se encuentra en la naturaleza en forma de escamas o virutas. Se trata de una técnica de incrustación particular que utiliza la propia scagliola con otros materiales como pigmentos coloreados y cola natural mezclados. - Obras maestras En el siglo XVI, la escayola se utilizaba principalmente para imitar el veteado del mármol y la marquetería. Más tarde, se descubrió la flexibilidad de la mezcla como técnica eloborativa. En el siglo XVII, la escayola se convirtió en una auténtica expresión artística. Demostró ser capaz de representar una gama más amplia de colores para crear obras maestras de gran impacto. - Materiales Las obras de arte de escayola se realizan en : piedra dura, también conocida como pizarra, que es más duradera y ligera mármol, un poco más ligero pero más difícil de trabajar. La técnica de elaboración de la escayola en piedra dura requiere algo menos de tiempo, ya que el material es menos duro. Por lo tanto, la escayola de mármol tarda más en hacerse. Como la piedra dura es más cara que el mármol, pero más fácil de trabajar, la diferencia de precio es prácticamente nula. La diferencia de precio de los tableros de scagliola se debe a la complejidad de los motivos decorativos. - Tablero El tablero de la mesa se inspira en un motivo floral. La piedra dura tiene incrustaciones de scagliola. El tablero tiene una losa de cristal. - Base Una base de metal negro completa el tablero de scagliola. Tiene el mismo diámetro de 80 cm. Altura: 47 cm.

3.700 EUR

- Herman Frederik Karel ten Kate - Herman Frederik Karel ten Kate (1822 - Países Bajos - 1891) EL NOTARIO ▫️ Óleo sobre tabla ▫️ 17 x 23,5 cm ▫️ Marco original de madera ▫️ Siglo XIX ▫️ Excelente estado de conservación _______________________ SOBRE EL OBJETO Una visita del notario, explicando los papeles importantes. El notario, persona sabia y culta, sabía por supuesto leer y escribir. Los tres hombres de la izquierda están muy interesados en el contenido de los papeles. La pareja de la derecha parece más interesada en el otro. La escena es un decorado histórico, en el que el pintor del siglo XIX Ten Kate se remonta al siglo XVII, dos siglos antes de su época. Este era su escenario favorito, ya que le interesaban mucho los acontecimientos históricos, las costumbres, la apariencia y la indumentaria. _______________________ SOBRE EL ARTISTA Herman Frederik Karel ten Kate fue un pintor, acuarelista y artista gráfico del siglo XIX. Sus obras son típicas del arte de género histórico. Pintaba grupos de personas en torno a un tema concreto. Soldados bebiendo en una taberna, una escena doméstica, personas con intereses comunes. Las bases de su carrera se sentaron tanto en el ambiente artístico en el que creció como en sus estudios con el pintor Cornelis Kruseman en Ámsterdam. Tras sus estudios, viajó a varios países de Europa Occidental. Su interés por la historia, en particular por la Guerra de los 80 Años, le animó a pintar temas históricos. En 1872 diseñó un sello de correos que representaba al rey de la época, Guillermo III. Se le encargó entonces un retrato de la familia real. - Museo a.o. Boijmans van Beuningen Rotterdam Rijksmuseum Amsterdam

3.500 EUR

- Ad Snijders - Ad Snijders (1929 - Países Bajos - 2010) ACANTILADOS BLANCOS ▫️ Óleo sobre cartón ▫️ 54 x 94 cm ▫️ Enmarcado: 66 x 97 cm ▫️ 1962, Países Bajos ▫️ Firmado abajo a la derecha ▫️ Colección privada, Países Bajos ▫️ Excelente estado _______________________ SOBRE EL ARTISTA Adrianus Cornelis Snijders vivió y trabajó principalmente en Eindhoven y París. Desde muy joven realizó dibujos. Más tarde, en 1947, se convirtió en miembro de un grupo de artistas llamado "Art Society De Kempen". - Inspiraciones extranjeras En 1949 trabaja unos años en París. Ese mismo año, su primera exposición tuvo lugar en el Museo Van Abbe y en una galería de arte de Eindhoven. En 1955, Ad Snijders pintó sus primeros óleos. Sus cuadros tuvieron un éxito inmediato. Se organizan exposiciones y en 1959 conoce a su primer coleccionista. A partir de 1960, también se le conoce en Italia y París. En 1962 recibe una beca del gobierno francés. Esto le dio la oportunidad de experimentar cada vez más con su talento, lo que marcó el periodo expresionista abstracto de 1960 a 1965. De 1964 a 1984, Snijders utilizó técnicas en las que combinaba fotografías, texto, pintura al óleo y acuarela. Para él, ésta era una nueva forma de expresarse y de introducir elementos más figurativos en su obra. Más tarde se pasó al dibujo a lápiz y al óleo. De 1985 a 1990, se concentró en esta técnica. El propio Ad Snijders ve su carrera como una expedición exploratoria. - Pinturas al óleo En la siguiente fase de su carrera, el pintor optó incondicionalmente por la pintura al óleo. Sus pinturas recientes están vinculadas a sus primeras obras del mismo modo que sus dibujos a lápiz de color. Aunque se trata de la misma mano, sus cuadros actuales muestran un mayor desenfado que las obras de los años cincuenta. Pero el origen de estos cuadros no es más que un aparente desenfado. Se trata siempre de una lucha sin fin en la que nada es evidente y cada cuadro es una conquista ganada a pulso. - Exposiciones La obra de Ad Snijders se ha expuesto internacionalmente y puede verse en museos de toda Holanda. Sus obras son coleccionadas por coleccionistas de arte internacionales. - Literatura Pintores holandeses 1750 - 1950 Por Pieter A. Scheen Ad Snijders Por Tjeu - Museos Van Abbemuseum, Eindhoven, Países Bajos

6.500 EUR

- Jan Anton Garemijn - Jan Anton Garemijn (1712-Bélgica-1799) Una fiesta de pueblo" y "La llegada de un invitado". ▫️ Óleo sobre lienzo ▫️ 175,3 x 122,8 cm cada uno ▫️ Con marco decorativo de madera: 190 x 140 cm cada uno ▫️ hacia 1760, Bélgica ▫️ Sin firmar ▫️ Colección privada Países Bajos ▫️ Muy buen estado SOBRE LAS PINTURAS Jan Anton Garemijn fue conocido principalmente por sus escenas religiosas y grandes ciclos decorativos. Esta pareja de cuadros pastorales presenta dos escenas: "La fiesta de un pueblo" y "La llegada de un invitado". Numerosos detalles destacados por el pintor ilustran la vida aldeana del siglo XVIII. SOBRE EL ARTISTA Jan Anton Garemijn (1712-1799) fue el pintor de Brujas más importante del periodo rococó. Desde muy joven tuvo un talento innato para el dibujo. Más tarde estudió en la recién fundada Academia de Brujas. En 1765 fue nombrado director de la Academia. Introdujo nuevas reglas que hicieron de la Academia una escuela de éxito. Tras diez años, dimitió. Hacia 1771, su colega Charles-Nicolas Noël pintó un retrato al pastel de Garemijn, en el que aparece como pintor, con caballete y atributos. Este retrato forma parte de la colección del Museo Groeninge de Brujas. Pinturas y dibujos Garemijn pintó y dibujó numerosos géneros: retratos, escenas de género, paisajes y varias obras religiosas, sobre todo por encargo de las autoridades eclesiásticas locales. También era conocido por sus dotes decorativas, sobre todo en el diseño de arcos triunfales para procesiones locales y entradas festivas. Sin embargo, hoy en día se le admira sobre todo por su habilidad como dibujante, ya que es en sus dibujos donde Garemijn destaca realmente. Su pasión por el dibujo queda patente cuando añade su lema "Nulla dies sine linea" (Ningún día sin línea) a su primer autorretrato, hoy perdido. Escenas de género Tras abandonar la academia, se aleja de los dibujos sanguíneos para concentrarse en las escenas de género. Se le conoce sobre todo por sus escenas religiosas y sus grandes ciclos decorativos. Aunque nunca viajó, prefiriendo quedarse en su Brujas natal, estilísticamente estuvo muy influido por los grandes artistas rococó franceses, como Boucher, Fragonard y Greuze. Garemijn puede considerarse uno de los representantes más importantes del clasicismo flamenco.

Precios a consultar

- A.Fromanteel & C.Clarke - A.Fromanteel & C.Clarke (siglo XVIII) Reloj holandés de caja larga ▫️ Caja de roble chapada en nogal, ormolu y anillo capitular de plata. ▫️ 245 x 50 x 27,5 cm ▫️ ca 1710, Países Bajos ▫️ Firma en el anillo capitular ▫️ Procedencia Colección privada Países Bajos ▫️ Perfecto estado SOBRE EL OBJETO Reloj El movimiento es un escape de áncora que dura un mes. Las platinas están unidas por cinco pilares. El mecanismo de sonería de sierra marca las horas completas en la campana grande y las medias horas en la campana pequeña. Esfera La esfera, con centro chapado en oro y bisel de plata grabada, indica las horas en números romanos y los minutos en números arábigos. El anillo capitular está flanqueado en las esquinas por cantoneras de ormolina calada. Debajo del XII hay un segundo anillo y, en el centro, un disco de alarma. Encima del VI está la fecha. La firma está grabada entre el V y el VII: Fromanteel & Clarke. Gabinete El mueble de roble está totalmente chapado en nogal y se alza sobre cuatro patas de bola aplanadas rematadas por un zócalo cóncavo que soporta el mueble de base recta. Encima del armario del reloj hay una puerta recta con una ventana ovalada para el reloj en el centro. La esfera está flanqueada a ambos lados por columnas, lo que da la impresión de que el friso sobre la esfera está sostenido únicamente por las columnas. El friso está rematado por una tapa decorada con tres pomos torneados de madera dorada. Literatura Enrico Morpurgo, Horlogerie néerlandaise à partir de 1300, 1970, p. 44. SOBRE EL ARTISTA Ahasuerus Fromanteel (1607-1693) fue el primero de una familia de relojeros anglo-holandeses. Se estableció en Londres en 1625. De su matrimonio con Maria de Bruijne en 1631 nacieron tres hijos, todos ellos eminentes relojeros. En 1680 se trasladaron a Vijgendam, en Ámsterdam. Con oficinas en Londres, Ámsterdam y Newcastle, la familia Fromanteel fue la primera multinacional de la industria relojera. En la década de 1980, los tres hermanos Fromanteel, Johannes, Ahasuerus II y Abraham, decidieron utilizar una firma común, Fromanteel, sin iniciales ni lugar de residencia. Una colaboración especial En 1694, Christopher Clarke (1668-1730) se casó con la única hija de Asuero II, Ana. Después de 1696, Asuero II se asoció con su yerno Christopher Clarke bajo el nombre de Fromanteel & Clarke. Tras la muerte de Asuero II, Clarke se asoció en 1703 con el último Fromanteel superviviente, Abraham. Utilizaron entonces la firma Fromanteel y Clarke, pero sin localizarla. Hasta 1722, se fabricaron relojes con el nombre Fromanteel.

29.500 EUR