51 - Juseppe Ribera

Juseppe Ribera 1591-1652, atribuido Abraham sacrifica a Isaac Óleo sobre lienzo, duplicado 87 x 71 cm, con marco 107 x 88,5 cm En un marco original tallado en madera del siglo XVII Esta pintura muestra, tanto en su composición como en su ejecución, un profundo arraigo estilístico y conceptual en la obra de Jusepe de Ribera. Para poner de manifiesto la relación con la maestría de Ribera, la obra puede analizarse a partir de sus rasgos estilísticos fundamentales más característicos. El rostro de Abraham en el cuadro es un ejemplo paradigmático del famoso hipernaturalismo de Ribera. Ribera era conocido por no idealizar. A menudo buscaba a sus modelos en las callejuelas de Nápoles: simples pescadores, mendigos y obreros. Las arrugas de la frente, las sienes hundidas y la piel pergaminosa y marcada por la vejez de Abraham se corresponden exactamente con los tipos que Ribera elegía para sus representaciones de penitentes o eruditos. El brillo húmedo y dirigido hacia arriba en los ojos de Abraham, que denota conmovimiento y fe absoluta, es un rasgo recurrente en la etapa napolitana más importante de Ribera Un aspecto fundamental que vincula estrechamente este cuadro con Ribera es el alejamiento de la monumentalidad barroca hacia el estudio íntimo de los personajes. Mientras que otros artistas de la época solían representar el sacrificio de Isaac como una escena amplia con altar, paisaje y el proverbial carnero entre los matorrales, este cuadro —en la línea de Ribera— se centra radicalmente en el momento psicológico. El espacio está extremadamente reducido («encuadre claustrofóbico»). No hay naturaleza que distraiga la atención. Solo cuentan tres elementos: el conflicto interior de Abraham, la pasividad resignada de Isaac y la intervención física de la mano divina. Esta concentración en la emoción humana y en la textura de los cuerpos es típica de la magistral interpretación que Ribera hace de los dramas bíblicos. Ribera no solo fue un maestro de las sombras, sino, sobre todo, un maestro de las superficies. En el cuadro, la mano áspera del padre, que pesa con fuerza sobre la cabeza del hijo, contrasta directamente con la cabeza delicada y suavemente modelada del joven Isaac. Este juego con las diferentes texturas de la piel (incarnado) ocupa un lugar destacado en la obra maestra de Ribera Isaac y Jacob, del Museo del Prado, en la que el anciano padre ciego palpa la piel supuestamente áspera de su hijo. La luz se utiliza aquí como un foco. Modela la tridimensionalidad plástica de las figuras desde la oscuridad. Ribera desarrolló aún más en Nápoles este estilo adaptado de Caravaggio, aplicando pinceladas más gruesas (pastosas) para hacer casi palpable la materialidad de la barba, los pliegues y las vestiduras —un efecto que se aprecia claramente en la frente y la barba de Abraham en este cuadro—. Ya se trate de una obra de la mano del propio maestro, de su etapa de madurez, o de un excelente trabajo de su taller napolitano o de su círculo más cercano (como, por ejemplo, de Bartolomeo Passante o del joven Luca Giordano), queda patente en la dedicación inquebrantable a la verdad humana. La obra utiliza a la perfección el lenguaje visual característico de Ribera para congelar, en un mismo instante, la gravedad existencial del mandato divino y el alivio de la salvación.